# data[].attributes.attachment_caption
Ponce de León, Fidélio, Tuberculose, 1934

# data[].attributes.body
Na Europa dos séculos XVIII e XIX, principalmente durante e após a Revolução Industrial, com as migrações cada vez maiores para ambientes urbanos confinados e de má higiene, a tuberculose, também conhecida como Peste Branca ou doença do peito, encontrou seu espaço na história como a causadora de muitas tragédias sociais e vários artistas se viram afetados por essa doença, como por exemplo o pintor norueguês Edvard Munch que perdeu sua mãe e sua irmã, vítimas da Peste Branca. Estima-se que de 1700 a 1900, a tuberculose tenha sido responsável pela morte de aproximadamente 1 bilhão de seres humanos.

http://www.ccs.saude.gov.br/peste-branca/tb-historia.php
http://medicineisart.blogspot.com/2012/11/tuberculose-nas-artes-visuais.html

# data[].attributes.attachment_caption
Munch, Edvard, The Sick Child, 1885 - 1886. 120 x 118,5 cm, óleo sobre tela. National Gallery, Oslo, Noruega

# data[].attributes.body
The Sick Child (portugues: A criança doente) é o título dado a um grupo de seis pinturas e uma série de litografias, pontos secos e águas-fortes concluídas pelo artista norueguês Edvard Munch entre 1885 e 1926, que registram um momento antes da morte de sua irmã mais velha Johanne Sophie (1862-1877) da tuberculose aos 14 anos. Nas obras, Sophie é tipicamente mostrada em seu leito de morte acompanhada por uma mulher de luto que se supõe ser sua tia Karen. Em todas as versões pintadas, Sophie está sentada em uma cadeira, obviamente sofrendo de dor, apoiada em um grande travesseiro branco, olhando para uma cortina sinistra provavelmente concebida como um símbolo da morte. Ela é mostrada com uma expressão assombrada, segurando as mãos de uma mulher mais velha angustiada que parece querer confortá-la, porém mantém a cabeça baixa como se ela não suportasse olhar a menina mais jovem nos olhos na situção em que estava.

https://www.wikiart.org/en/edvard-munch/the-sick-child-1886-0

# data[].attributes.attachment_caption
Picasso, Pablo, La mort de Casagemas, 1901.

# data[].attributes.body
Entre 1901 a 1904, Picasso passava por seu período azul, nome que se dá pela cor que dominava a gama cromática de suas pinturas durante essa época. Deu-se origem após o suicidio de um amigo querido de Pablo, Carlos Casagemas, que após tentar assassinar a sua amante Germaine, uma dançarina do Moulin Rouge que frequentava o círculo de artistas espanhóis em que se movimentavam, suicidou-se em Paris em 17 de fevereiro de 1901, deixando Picasso cheio de dor e de tristeza.

https://www.wikiart.org/pt/pablo-picasso/vieux-guitariste-aveugle-1903

# data[].attributes.attachment_caption
Picasso, Pablo, Vieux guitariste aveugle, 1903. 121,3 x 82,5 cm, óleo sobre tela. Art Institute of Chicago, Chicago.

# data[].attributes.body
Na época da criação do Vieux guitariste aveugle (Velho guitarrista cego em portugues), o Modernismo, o Impressionismo, o Pós-Impressionismo e o Simbolismo se fundiram e criaram um movimento geral chamado Expressionismo que se revela na pintura que retrata um homem velho, cego e abatido, com roupas puídas, fracamente curvado sobre seu violão, tocando nas ruas de Barcelona, ​​Espanha.

# data[].attributes.attachment_caption
Era de Ouro (final do século 8 a.C. e início do século 7 a.C.), Grécia Antiga.

# data[].attributes.body
A Era de Ouro (ou Era dourada) refere-se ao tempo no início da humanidade, que foi percebido como um estado ideal, ou utopia, quando o gênero humano era puro e imortal. Essa era é conhecida como um período de paz, harmonia, estabilidade e prosperidade.

Ademais, alguns utopistas, tanto políticos quanto religiosos, acreditam que a "era dourada" retornará depois que for concluído um período de bem-aventuranças e progressiva decadência.

Referência: https://pt.wikipedia.org/wiki/Era_dourada

# data[].attributes.attachment_caption
Matisse, Henri, A Alegria de Viver, 1905–1906. 175 x 241 cm, óleo sobre tela, Fundação Barnes, Filadélfia.

# data[].attributes.body
A composição Alegria de Viver, obra de Matisse, é uma ode à harmonia entre o homem e a natureza, uma volta à idade do ouro, podendo, assim, ser relacionada à Era de Ouro, representando a única maneira de deixar de lado o cotidiano estressante e encontrar a paz tão almejada. Na obra, é perceptível diversas cenas distintas em sua composição, por exemplo uma mulher e um garoto tocando flauta, pessoas se beijando, uma dança, entre outras. Nela, há um movimento onde tudo ocorre na mais absoluta calma e harmonia, tendo contado direto com a natureza.

Referência:
https://virusdaarte.net/matisse-alegria-de-viver/

# data[].attributes.body
Há cerca de 40 mil anos, os homens pré-históricos já se manifestavam artisticamente. Embora ainda não conhecessem a escrita, eles eram capazes de produzir obras de arte através dos desenhos que faziam nas paredes de suas cavernas. Atualmente, usa-se mais frequentemente o adjetivo "primitivo" para designar a também chamada "arte tribal", na forma verbal mais usual de "arte primitiva", que é aquela que é produzida por artistas que vivem , ou viviam, num estado cultural pré-industrial e tribal no momento em que a obra foi produzida. Já no século XX, o termo "primitivismo" surge para definir certas tendências ou características dentro da arte de vanguarda ou das literaturas modernistas de várias nacionalidades.

https://www.suapesquisa.com/artesliteratura/arterupestre/

# data[].attributes.attachment_caption
Matisse, Henri, La Danse, 1910. 260 x 391 cm, óleo sobre tela. Hermitage Museum, São Petersburgo, Rússia.

# data[].attributes.body
La Danse (II) é um dos quadros mais emblemáticos de Matisse. Apresenta cinco bailarinos de peles avermelhadas unidos pelas mãos em uma ciranda. Os corpos deles se contorcem sobre uma campina verde, em uma dança circular. Devido ao aspecto retorcido da anatomia de cada personagem, alguns passam a impressão de flutuarem em direção ao fundo azul, que se projeta tanto em direção às figuras representadas, quanto ao campo esverdeado sobre o qual elas dançam. A textura plana das figuras, assim como a paleta de cores, refletem o fascínio de Matisse pela arte primitivista.

https://www.wikiart.org/en/henri-matisse/dance-ii-1910

# data[].attributes.attachment_caption
Segunda Revolução Industrial (1850-1945) diversos países. 

# data[].attributes.body
A Segunda Revolução Industrial nasceu com o progresso científico e tecnológico ocorrido na Inglaterra, França e nos Estados Unidos, por volta da segunda metade do século XIX. O aperfeiçoamento das técnicas produtivas, além do surgimento de máquinas e novos meios de produção foram alguns dos pontos que deram início a esse movimento revolucionário.

Na busca por maiores lucros, levou-se ao extremo a especialização do trabalho e a produção foi ampliada para a produção de artigos em série, o que barateava o custo por unidade.

Entre as várias descobertas e invenções realizadas durante a Segunda Revolução Industrial destacam-se os novos processos de fabricação do aço, desenvolvimento técnico de produção da energia elétrica, o surgimento e o avanço dos meios de transporte. Contudo, vale mencionar algumas consequências negativas desses avanços, como a concentração do capital nas mãos dos empresários e desvalorização da mão de obra.

Referência:

https://mundoeducacao.uol.com.br/geografia/segunda-revolucao-industrial.htm#:~:text=A%20Segunda%20Revolu%C3%A7%C3%A3o%20Industrial%20foi,B%C3%A9lgica

# data[].attributes.attachment_caption
Boccioni, Umberto, Dinamismo de um Ciclista, 1913. 70 x 95 cm, óleo sobre tela, Coleção Peggy Guggenheim, Veneza.

# data[].attributes.body
A obra futurista Dinamismo de um Ciclista realizada pelo pintor Umberto Boccioni traz a intenção de representar o movimento por meio da repetição, adotando a tecnologia fotográfica e aplicando-a à pintura.

Desse modo, a obra não apresenta formas totalmente definidas, representando uma das características da vanguarda futurista, assim como os aspectos mecânicos vindos do fato de haver uma pessoa em uma bicicleta se locomovendo. Além disso, a pintura também dá uma sensação de velocidade, esta que pode ser percebida através dos traços mais alongados dos artistas e pela "deformação" do cenário de fundo.

Sendo assim, pode-se relacionar essa obra a Segunda Revolução Industrial, dado que essas ideias de movimentação e dinâmica vão de encontro com os diversos avanços tecnológicos que aconteceriam naquela época, revolucionando não só o meio comercial e industrial como também, o artístico.

Referência:

http://neofuturistas.blogspot.com/2014/07/as-obras-futuristas.html

# data[].attributes.body
A Primeira Guerra Mundial (1914-1918) foi um marco na história da humanidade. Foi a primeira guerra do século XX e o primeiro conflito em estado de guerra  total – aquele em que uma nação mobiliza todos os seus recursos para viabilizar o combate. Estendeu-se de 1914 a 1918 e foi resultado das transformações que aconteciam na Europa, as quais fizeram diferentes nações entrar em choque.

O resultado da Primeira Guerra Mundial foi um trauma drástico. Uma geração de jovens cresceu traumatizada com os horrores da guerra. A frente de batalha, sobretudo a Ocidental, ficou marcada pela carnificina vivida nas trincheiras e um saldo de 10 milhões de mortos. Os desacertos da Primeira Guerra Mundial contribuíram para que, em 1939, uma nova guerra acontecesse.

Referências:
https://brasilescola.uol.com.br/historiag/primeira-guerra.htm

# data[].attributes.attachment_caption
 Malevich, Kazimir, Quadrado Negro Sobre Fundo Branco, 1915, 80 x 80 cm, óleo sobre tela, Galeria Tretyakov, Moscow, Rússia.

# data[].attributes.body
O Quadrado Negro Sobre Fundo Branco é uma obra da principal imagem artística do período suprematista: Kazimir Malevich. Observa-se que ela foi produzida durante a Primeira Guerra Mundial (1914-1918) e, por isso, tem o intuito de reproduzir as angústias do autor nesse momento. Malevich, é movido, em particular, pelos pensamentos niilistas de Nietzsche. A partir do ideário aqui recolhido, o pintor russo procurou criar uma pintura pura e perfeitamente capacitada à expressão do espírito humano sem demonstrar ligação ao Real.
A pintura é a representação pura da escuridão que Malevich sentia dentro de si. Gerou muitas discussões, lendas e histórias. Malevich idealizou a obra em 1913 e a pintou em 1915, no auge da Primeira Guerra Mundial.
Esta obra é afirmada pelo pintor como o "zero das formas", formas essas que permitiram a Malevich criar uma linguagem a partir deste quadrado, que é por sua vez considerado como uma espécie de buraco negro que engole e absorve todas as formas da natureza. Acrescenta ainda que, ali desaparecem todas as formas reais e irreais, não só de maneira simbólica mas também percetível aos sentidos humanos.

Referências:
http://umbigomagazine.com/um/2017-01-11/quadrado-negro-de-kazimir-malevich.html
https://citaliarestauro.com/o-que-foi-o-suprematismo/
https://alinehannun.blogspot.com/2016/12/o-quadrado-negro-sobre-fundo-branco-de.html

# data[].attributes.attachment_caption
Posto de primeiros socorros da Cruz Vermelha

# data[].attributes.body
Durante esse período, alguns artistas, diante da matança que estava em curso, mostravam-se descrentes da civilização e do propalado progresso social de início do século, que contrastava com o conflito armado. Esses artistas, munidos de um espírito anárquico e questionador, criaram a vanguarda conhecida como dadaísmo, um movimento de oposição radical que foi contra a organização, a lógica, os valores estéticos tradicionais. Valorizava o experimentalismo, a arte espontânea, a improvisação, o caótico, pautado pela ironia e tinha como base o nonsense, além de ter feito crítica ao capitalismo e ao consumismo.

https://mundoeducacao.uol.com.br/literatura/dadaismo.htm

# data[].attributes.attachment_caption
Duchamp, Marcel, Fountain, 1917. 23,5 x 18 cm, ready-made. Tate Modern, Londres.

# data[].attributes.body
Fountain (Fonte em português) é uma das obras mais famosas de Duchamp e é amplamente vista como um ícone da arte do século XX. O original, que agora se perdeu, consistia em um mictório padrão deslocado de seu contexto original para ser exposto em uma galeria de arte, deitado de costas em vez de na posição vertical e assinado 'R. Mutt 1917. Duchamp criou a obra com o objetivo de causar estranhamento, e mais tarde se tornou uma das obras mais representativas do dadaísmo e da técnica ready-made. Atualmente, o Tate Modern em Londres possui uma réplica.

https://www.wikiart.org/en/marcel-duchamp/fountain-1917

# data[].attributes.body
O período do Renascimento, ou Renascença Italiana se passou na Europa entre os séculos XIV e XVI. Pode-se dizer que foi um período transitório entre a Idade Média e a Idade Moderna do qual foi marcado por importantes mudanças no pensamento socio-cultural, refletidos na economia, política, religião e na arte. A volta aos paradigmas da Antiguidade Clássica, que trazia como ideal o humanismo e o naturalismo, foram os principais fios condutores de todo um período de reflorescência empírica e científica de uma época. Uma das grandes referencias desse período foi Leonardo da Vinci. Suas pinturas são conhecidas mundialmente e nenhuma outra obra de qualquer outro artista até os tempos de hoje foram tão reproduzidas quanto “Monalisa” e “Última Ceia”, que esbanjam técnica de luz e sombra em suas pinceladas certeiras, ricas em detalhes e interpretações.

https://www.infoescola.com/artes/renascimento-italiano/

# data[].attributes.attachment_caption
Duchamp, Marcel, L.H.O.O.Q, 1919. 19.7 x 12.4 cm, ready-made.  Philadelphia Museum of Art, Filadélfia, EUA.

# data[].attributes.body
A obra é uma daquelas que Duchamp chamou de ready-mades. O ready-made envolve pegar objetos mundanos, muitas vezes utilitários, geralmente não considerados como arte e transformá-los, adicionando-os, alterando-os ou (como no caso de sua obra mais famosa 'Fonte') simplesmente renomeando-os e colocando-os em um configuração da galeria. Em L.H.O.O.Q. (letras que pronunciadas em francês conformam a frase “Elle a chaud au cul” e que, em tradução coloquial, quer dizer algo do gênero “Ela tem fogo no rabo”) o objeto em questão é uma reprodução barata de cartão-postal da Mona Lisa de Leonardo da Vinci, na qual Duchamp desenhou um bigode e barba a lápis e anexou o título. Na literatura da arte, este gesto é continuamente interpretado como uma insinuação por parte de Duchamp em termos de especulação em relação à suposta homossexualidade de Leonardo.

https://www.wikiart.org/en/marcel-duchamp/l-h-o-o-q-mona-lisa-with-moustache-1919

# data[].attributes.body
A Revolução Russa (1917-1928) foi um período de conflitos, iniciado em 1917, que derrubou a monarquia russa e levou ao poder o Partido Bolchevique, de Vladimir Lênin. Recém-industrializada e sofrendo com a Primeira Guerra Mundial, a Rússia tinha uma grande massa de operários e camponeses trabalhando muito e ganhando pouco. Além disso, o governo absolutista do czar Nicolau II desagradava o povo, os quais queriam uma liderança menos opressiva e mais democrática. A soma dos fatores levou a manifestações populares que fizeram o monarca renunciar e, no fim do processo, deram origem à União Soviética (URSS), o primeiro país socialista do mundo, que durou até 1991.

Referências:
https://pt.wikipedia.org/wiki/Revolu%C3%A7%C3%A3o_Russa_de_1917

# data[].attributes.attachment_caption
 Malevich, Kazimir, Black Cross, 1923, 106 x 106 cm, óleo sobre tela, Musée National d'Art Moderne (Museu Nacional de Arte Moderna), Paris.

# data[].attributes.body
A Black Cross é uma obra de Kazimir Malevich, a qual foi produzida em 1923, na Rússia, durante o período transformador conhecido como Revolução Russa (1917-1928). É importante destacar que Malevich foi o mentor do movimento suprematista.
A partir da análise da obra infere-se que cruz tem uma longa associação com religião e misticismo. Assim, é uma forma simples que contém fortes ecos de doutrina religiosa e devoção. Da mesma forma, a ideia de encruzilhada, ou rua transversal, contém uma referência à mudança, à incerteza e à necessidade de decisão. Uma cruz é ao mesmo tempo ameaçadora, carregada de associações de morte e penitência no canhão religioso e, inversamente, cheia de oportunidades e novos recomeços na consciência pública.
No plano negro convivem, sem se sobreporem ou anularem, o absolutismo do nada e o absolutismo da totalidade, criação e destruição. E qualquer intenção hermenêutica debate-se, organiza-se nesse vazio impenetrável.
Se existe interpretação dessa obra, ela é a representação da incerteza do momento vivido. Num ato de liberdade, num ato inimitável e que não imita, Malevich oferece-nos, no domínio pictórico, uma geometria que se desliga da planaridade euclidiana, do ornamento abstrato.

Referências:
https://pt.wikipedia.org/wiki/Kazimir_Malevich
http://colegiodasartesexposicoes.pt/cms/wp-content/uploads/2018/11/NaSombraDoQuadradoNegro_DIGITAL_AF.pdf

https://www.artdependence.com/articles/symbolism-in-art-malevich-s-black-cross/

# data[].attributes.attachment_caption
Reconstrução do Café de Unie (1986), 500 metros do local original, Rotterdam, Holanda.

# data[].attributes.body
Construído em Rotterdam, entre 1924 e 1925, o Café de Unie é um dos mais relevantes exemplos do movimento neoplasticista e constitui, junto com a casa Schröder, um dos manifestos construídos da arquitetura do grupo De Stijl (movimento neoplasticista).
A obra é atribuída ao arquiteto Jacobus Johannes Pieter Oud, importante símbolo dessa vanguarda artística, e quebra a tradição de frentes escalonadas dos edifícios históricos da cidade, propondo para a composição um jogo de planos geométricos coloridos dispostos horizontalmente e verticalmente.

O Café De Unie foi destruído durante o bombardeio de Rotterdam em 14 de maio de 1940, no início da Segunda Guerra Mundial. Já em 1986, o edifício foi reconstruído a 500 metros do local original, por Carel Weeber, e é um marco da cultura da cidade, onde funcionam um bar, um restaurante e um teatro.

Referência:
https://architextsassociation.wordpress.com/2012/12/17/cafe-de-unie-underlying-principles-born-of-the-paint/

# data[].attributes.attachment_caption
Piet Mondrian, Composição com vermelho, amarelo e azul, 59,5 x 59,5 cm, óleo sobre tela, Haags Gemeentemuseum, Holanda.

# data[].attributes.body
O artista plástico Pieter Cornelis Mondrian (1872-1944) foi o fundador do "Neoplasticismo", movimento que se organiza em torno da necessidade de clareza, certeza e ordem. Dessa forma, tem como propósito central encontrar uma nova forma de expressão plástica, liberta de sugestões representativas e composta a partir de elementos mínimos. O estilo artístico de Mondrian se caracteriza pelo trabalho com obras abstratas geométricas, principalmente trabalhando com formatos retangulares nas cores primárias: vermelho, azul, branco, preto e amarelo, que Mondrian considerava como as cores elementares do Universo.

Nessa obra de 1921, o artista exibe uma composição na qual as cores apresentadas são as primárias, dispostas em figuras quadradas e retangulares delimitadas por nítidos traços pretos.

O impacto do Neoplasticismo foi além das artes Visuais, estendendo-se para a poesia, arquitetura e designers. Nomes como o do arquiteto J.J.P. Oud aparecem junto ao nome de Mondrian nas primeiras publicações da revista De Stijl, na qual essa vanguarda foi amplamente difundida e discutida. J.J.P. Oud (Jacobus Johannes Pieter Oud) é o responsável pelo Café de Unie, um dos mais relevantes exemplos do movimento e que segue enquanto um grande símbolo na atualidade, sendo possível perceber seu estilo de construção em diversas outras obras arquitetônicas pelo mundo.

Referências:
https://www.todamateria.com.br/piet-mondrian-obras-biografia/
http://artedescrita.blogspot.com/2012/01/composicao-com-vermelho-amarelo-e-azul.html
https://www.infoescola.com/movimentos-artisticos/neoplasticismo/

# data[].attributes.attachment_caption
Fim da República Velha (1928-1930), Brasil.

# data[].attributes.body
O período conhecido como República Velha durou de 1889 até 1930 (mesmo que essa seja sua data oficial de dissolução, o processo para o seu fim durou anos). Historicamente, este período é chamado República Velha em contraposição ao período pós-revolução de 1930, visto como um marco na história da República, uma vez que provocou grandes transformações no Estado brasileiro.

As principais características da República Velha foram o mandonismo, o clientelismo e o coronelismo. Outras características da República Velha foram a Política dos Governadores e a Política do Café-com-Leite.

A política da República Velha entrou em crise porque a estrutura política que sustentava as oligarquias no poder começou a desmoronar. Assim, o fim da República Velha está diretamente ligado à disputa na eleição presidencial de 1930. Nessa disputa, os paulistas nomearam Júlio Prestes como candidato à presidência e os mineiros aliaram-se com outras oligarquias, nomeando Getúlio Vargas. Após serem derrotados, a Aliança Liberal rebelou-se quando o vice de Vargas, João Pessoa, foi assassinado. O resultado dessa revolta, conhecida como Revolução de 1930, foi a derrubada do presidente Washington Luís em outubro de 1930 e o impedimento de que Júlio Prestes assumisse a presidência. No mês seguinte, Getúlio Vargas assumia como presidente provisório do Brasil e iniciava um mandato que se estenderia por quinze anos.

Referências:

https://brasilescola.uol.com.br/historiab/primeira-republica.htm

https://brasilescola.uol.com.br/historiab/republica-velha-1889-1930.htm

# data[].attributes.attachment_caption
do Amaral, Tarsila, Abaporu, 1928. 85 x 72 cm, óleo sobre tela, Museu de Arte Latino-americana, Buenos Aires. 

# data[].attributes.body
O Abaporu é uma clássica pintura brasileira pintada a óleo em 1928 para ser oferecida ao então marido da artista, o escritor Oswald de Andrade. Na obra, é possível perceber a valorização do trabalho braçal (pé e mão enormes) e a desvalorização do trabalho mental (cabeça minúscula). Desse modo, a cabeça pequena significa a falta de pensamento crítico. Já o pé grande revela uma forte conexão do ser humano com à terra.

Esta pintura foi realizada durante o período em que o Brasil vivia o processo de dissolução da República Velha. Esses tempos foram marcados por uma forte industrialização e, em termos artísticos, representaram um papel importante para os intelectuais brasileiros, dado que tinham o desejo de travar o rompimento radical com a arte em vigência, que consideravam conservadora. Em comum, os intelectuais traziam uma bagagem cultural repleta de ensinamentos aprendidos na Europa, como suas vanguardas (a futurista, em específico, influenciando diretamente nas características do Abaporu).

Referências:

https://www.culturagenial.com/abaporu/

https://laart.art.br/blog/futurismo-no-brasil/

# data[].attributes.attachment_caption
A Guerra Civil Espanhola (1936-1939), Espanha.

# data[].attributes.body
A Guerra Civil Espanhola, a qual transcorreu entre 1936 e 1939, foi um conflito armado que envolveu facções políticas e militares espanholas durante o período da chamada Segunda República da Espanha. Apesar de ter havido uma polarização nítida no desenvolvimento do conflito, a Guerra Civil Espanhola não pode ser resumida pura e simplesmente no embate entre direita e esquerda, pois cada um desses campos era segmentado e bastante complexo.
Ademais, é importante apresentar que nesse conflito, pela primeira vez, potências totalitárias, como a Alemanha Nazista - de Hitler - e a União Soviética - de Stalin - mostraram ao mundo suas inovações militares, ao darem auxílio aos seus respectivos aliados ideológicos.
Foi nesse contexto, por exemplo, que a aviação alemã bombardeou a cidade de Guernica, como forma de demonstração militar, fato que ocasionou a morte de milhares de civis.

Referências:
https://brasilescola.uol.com.br/historiag/guerra-civil-espanhola.htm

# data[].attributes.attachment_caption
Dalí, Salvador, A face da Guerra, 1940, 64 x 79 cm, óleo sobre tela, Museu Boijmans Van Beuningen, Holanda.

# data[].attributes.body
A Face da Guerra é uma pintura de Salvador Dalí concebida em um período posterior à Guerra Civil Espanhola (1936 - 1939) e um ano após o início da Segunda Guerra Mundial (1939 - 1945). Apesar de que, no momento em que a obra foi produzida, Dalí residia na Califórnia (EUA), é evidente que conservava em sua memória os horrores da guerra.
Na obra há um rosto, representado por uma caveira, marcado pela destruição, o qual apresenta nos olhos e na boca faces iguais a face principal, de forma que a cabeça está 'recheada de morte infinita', um símbolo potente que evidencia a continua destruição causada pela guerra. Ademais, observa-se que a primeira face - a qual carrega todas as outras e possivelmente revela, na perspectiva de Dalí, o princípio da guerra - é cercada por serpentes em posição de ataque. Outro detalhe interessante é a sombra de uma mão feita por um objeto fora do quadro, no canto inferior direito.

Referências:
https://www.todamateria.com.br/obras-de-salvador-dali/
http://www1.ci.uc.pt/iej/alunos/2001/irreverentes/dal7.html

# data[].attributes.body
Em 1937, a Espanha estava dividida em uma delicada guerra civil entre nacionalistas e republicanos.

Os nacionalistas, de inspiração totalitária e comandados pelo militar conservador Francisco Franco, tiveram grandes dificuldades para derrubar o governo por meio das armas. Após uma tentativa falha de um golpe para a conquista da capital Madri, eles decidiram reconfigurar sua estratégia de ataque por meio da conquista de locais menos protegidos do território hispânico. Dessa forma, optaram por iniciar suas novas campanhas militares com a organização de ataques à região norte do país. Com isso, a cidade de Guernica, núcleo urbano basco que concentrava seis mil habitantes e nenhuma proteção oficial, acabou escolhida para um desses ataques.

Assim, no dia 26 de abril de 1937, bombardeiros de aviões alemães foram responsáveis por provocar a destruição da cidade basca de Guernica. Além do fato da cidade ter sido reduzida às cinzas, esse ataque também custou a vida de 1.645 pessoas, tendo uma duração de 3 horas.

Referência:

https://brasilescola.uol.com.br/guerras/o-ataque-guernica.htm

# data[].attributes.attachment_caption
Picasso, Pablo, Guernica, 1937. 349 x 777 cm, óleo sobre tela, Museu Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Paris. 

# data[].attributes.body
A obra Guernica é uma das mais famosas do pintor Pablo Picasso e também, uma das mais conhecidas do cubismo. Do ponto de vista técnico, essa pintura transmite uma atmosfera de guerra e suas consequências, dado que as pessoas retratadas na imagem representam o sofrimento e dor daqueles que vivem em cenários caóticos de conflitos armados (no canto esquerdo, é possível notar a figura de uma mãe que chora pela morte de seu filho).

Assim, essa obra apresenta relação direta com o bombardeio à cidade de Guernica, durante a Guerra Civil Espanhola. A pintura foi realizada tendo base 36 fotos que retratam as dolorosas consequências dessa tragédia. Essas fotografias marcaram o pintor, levando-o a produzir essa pintura que pode ser entendida como “uma declaração de guerra contra a guerra e um manifesto contra a violência”.

Referência:

https://www.todamateria.com.br/guernica-de-pablo-picasso/

# data[].attributes.body
A Segunda Guerra Mundial estendeu-se de 1939 até 1945, resultando na morte de 60 milhões a 70 milhões de pessoas, embora existam estatísticas que sugiram que a guerra provocou mais que 70 milhões de mortos.
A guerra iniciou-se na Europa, mas espalhou-se pela África, Ásia e Oceania e contou com o envolvimento de nações de todos os continentes, inclusive o Brasil. Pode ser organizada em três fases distintas: a fase da supremacia alemã, a fase em que as forças estavam equilibradas e a fase que marcou a derrota do Eixo.

Os grupos que se enfrentaram na guerra foram os Aliados (Reino Unido, França, União Soviética e Estados Unidos) e o Eixo (Alemanha, Itália e Japão). Esse conflito ficou marcado por uma série de acontecimentos impactantes, tais como o Massacre de Katyn, o Holocausto, o Massacre de Babi Yar e o lançamento das bombas atômicas sobre Hiroshima e Nagasaki.

A Segunda Guerra teve fim oficialmente em 2 de setembro de 1945, quando os japoneses assinaram um documento que reconhecia sua rendição incondicional aos americanos (os nazistas renderam-se aos Aliados em maio de 1945).

Referências:
https://brasilescola.uol.com.br/historiag/segunda-guerra-mundial.htm

# data[].attributes.attachment_caption
Dalí, Salvador, Criança Geopolítica Assistindo o Nascimento de um Novo Homem, 1943, 45 x 50 cm, óleo sobre tela, localização desconhecida.

# data[].attributes.body
A obra Criança Geopolítica Assistindo ao Nascimento do Novo Homem faz parte do acervo artístico produzido por Salvador Dalí, a qual foi realizada durante a Segunda Guerra Mundial (1939-1945) e, dessa forma, a pintura apresenta uma atmosfera de ameaça e tristeza. No cenário de fim de guerra, a população ansiava pelo nascer de um novo mundo e de um novo homem, especialmente depois dos acontecimentos traumáticos da experiência de conflito. Dalí mostra, no entanto, que esse otimismo esperado pela população não se refletia em suas crenças.
A criança que assiste ao nascimento parece assustada e a mulher que aponta o nascimento do tal "novo homem" é, ao mesmo tempo, musculosa e esquelética. O ovo de onde o homem sai representa o mundo com uma casca mole, onde os continentes também são representados e quase se diluem. O continente Sul-Americano deixa cair uma lágrima e uma gota de sangue escorre pela abertura de onde sai o homem, mostrando as consequências da grande guerra.

Referências:
https://www.universia.net/br/actualidad/vida-universitaria/conheca-crianca-geopolitica-assistindo-ao-nascimento-do-novo-homem-salvador-dali-985726.html

# data[].attributes.attachment_caption
Guerra da Coreia (1950-1953), Coreia do Sul.

# data[].attributes.body
A partir da divisão da Península da Coreia, dois governos foram desenvolvidos em cada parte. Ao norte, estabeleceu-se um governo comunista e ao sul estabeleceu-se um governo capitalista.

O governo norte-coreano apresentava amplo contato com os soviéticos, o que garantiu-lhe importante suporte econômico e militar. Isso alimentou a ambição do líder norte-coreano de unificar toda a península sobre a sua liderança. Para que isso fosse possível, buscou o apoio dos soviéticos para organizar a invasão da Coreia do Sul.

Desse modo, as tropas norte-coreanas ultrapassaram a fronteira que separa as Coreias, dando início à invasão da Coreia do Sul, gerando um conflito que iria de 1950 até 1953.

Ao longo de seus anos de duração, a Guerra da Coreia foi responsável pela morte de mais de 2,5 milhões de pessoas e contou com a participação de tropas norte e sul-coreanas, tropas chinesas, americanas e uma modesta participação de soldados soviéticos.

Como consequência, essa guerra trouxe poucas mudanças de fronteira e manteve a divisão e a rivalidade das Coreias acesa por bastante tempo.

Referência:

https://brasilescola.uol.com.br/historiag/guerra-coreia.htm

# data[].attributes.attachment_caption
Picasso, Pablo, Massacre na Coreia, 1951. 110 x 210 cm, óleo sobre tela, Museu Picasso, Paris. 

# data[].attributes.body
Massacre na Coreia é uma pintura concluída em 18 de janeiro de 1951 pelo aclamado artista Pablo Picasso. Ela marca a terceira obra anti-guerra do pintor e retrata a cena de um grupo de mulheres e crianças, todos nus, sendo massacrados por um pelotão de fuzilamento.

Nessa obra anti-guerra, é nítido, de fato, a menção à Guerra da Coreia, iniciada no ano anterior ao que a pintura foi concluída. Dessa forma, a pintura pode ser relacionada ao massacre na cidade de Sinchon, que resultou na morte de um grande número de civis, vítimas do conflito, opondo-se às tropas comunistas da Coreia do Norte ao bloco anti-comunista sul-coreano, com apoio dos Estados Unidos.

Referências:
https://revistakoreain.com.br/2021/04/quadro-de-picasso-massacre-na-coreia-e-exibido-pela-primeira-vez-em-seul/

https://www.publico.pt/2021/03/30/culturaipsilon/noticia/quadro-pablo-picasso-guerra-coreia-mostrado-seul-1956458