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La pittura metafisica prende inizio  tra il 1912 e il 1914 con Giorgio de Chirico che conduce la propria ricerca isolato. Finché, a partire dal 1916, altri grandi artisti italiani, come Carlo Carrà e Giorgio Morandi, elaborano un proprio linguaggio personale. Tra il 1918 e il 1925, si accostano alla pittura metafisica anche Filippo De Pisis, Mario Sironi, Massimo Campigli, Felice Casorati e altri autori minori. È allora che la pittura metafisica assume i caratteri di "corrente" vera e propria.

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LA PITTURA METAFISICA: LE IDEE E LA POETICA

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LA PITTURA METAFISICA: LE IDEE E LA POETICA

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Il suo carattere è ambiguo e paradossale. L'artista riproduce oggetti ed elementi del mondo reale, accostandoli e combinandoli tra loro.

Altro aspetto importante è il senso di mistero e inquietudine che pervade la scena.
Il collocarsi dell'opera al di fuori del tempo e dello spazio suscita un senso di spaesamento, di enigma.

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La pittura metafisica si caratterizza per l'ordine e la chiarezza compositiva. I quadri raffigurano oggetti e forme riconoscibili, collocati in spazi ben definiti dal punto di vista architettonico. Ma i vari elementi appaiono combinati in maniera assurda, apparentemente senza nessi tra loro.

Gli oggetti presenti nei quadri metafisici possono essere: manichini, torsi di sculture, metronomi, giocattoli, bottiglie, scatole, sfere, strumenti d'artista.

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Le loro caratteristiche principali sono:

fisionomia stilizzata e schematica,

contorni netti, dovute a sottili linee nere,

superfici lisce, semplificate, con chiaroscuro elementare,

ombre perlopiù monocrome.

Caratteristiche principali degli spazi che fanno da sfondo sono:

chiarezza e nitore della composizione,

schematicità e semplificazione delle strutture architettoniche,

presenza di prospettive forzate e linee di fuga improbabili,

impiego di tinte calde e terrose

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L’opera mette in scena i vari elementi classici della corrente: le campiture uniformi di colore, il manichino, le figure geometriche semplici, l’atmosfera trasognata ed inquietante. C’è, però, anche qualcosa in più. Morandi non rappresenta una piazza o l’interno di una stanza, ma una bottiglia, una cilindrica, un parallelepipedo. Proprio la bottiglia, bianca e completamente anonima, sembra anticipare i quadri in cui Morandi rappresenterà bottiglie con tinte molto simili ma in un’ottica diversa, realistica e più personale.

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La cartina geografica che mostra l’Istria di fianco al tricolore è un particolare interessante. Carrà era infatti un irredentista ed era convinto della necessità di far tornare italiane Trento, Trieste, l’Istria e la Dalmazia, un obiettivo che la guerra permise di raggiungere solo in parte.

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In questo quadro c’è un equilibrio decisamente rinascimentale, riconoscibile nelle proporzioni degli edifici e nell’eleganza delle architetture, come anche nella statua classica al centro della scena. C’è, però, anche la tipica distorsione dovuta dalla presenza di vari punti di fuga non coincidenti. Un clima di morte, contrassegnato anche dal colore innaturale del cielo.

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In “Le cipolle di Socrate” si nota  l’inquietudine che cede il passo ad un’assurdità poetica. La classicità è richiamata dalla statua e dalla figura di Socrate, ma è una classicità che ha perso il suo equilibrio formale.