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PRIMA....DOPO

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NUMERO 12

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NUMERO 11

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NUMERO 10

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NUMERO 9

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NUMERO 8

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NUMERO 7

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NUMERO 6

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NUMERO 5

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NUMERO 4

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NUMERO 3

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NUMERO 2

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NUMERO 1

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Les Maîtres de l'affiche: publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers - NYPL Digital Collections

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Les Maîtres de l'affiche: publication mensuelle contenant la reproduction des plus belles affiches illustrées des grands artistes, français et étrangers

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A spasso per l'arte - Episodio 1 - La stanza ad Arles

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Power Point Il RITRATTO dall'antichità ad oggi

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Power Point Il RITRATTO dall'antichità ad oggi

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Trasformare una scatola di cartone in valigetta per bambini

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COME DISEGNARE UN VOLTO! I Tutorial disegno realistico a matita: un ritratto, un viso, una faccia

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Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

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En los Desastres de la guerra Goya muestra una actitud muy diferente a la de los Caprichos porque las referencias a la realidad, a un hecho concreto que afecta empíricamente al ser humano, son directas. La crueldad, el fanatismo, el terror, la injusticia, la miseria, la muerte... son las "fatales consecuencias" de la guerra y de la represión política, y su gravedad es tal que el artista no las oculta tras opciones anecdóticas y retratos heroicos de individuos particulares. La víctima de la guerra, y su responsable, es el hombre colectivo; ese hombre, tipificado y anónimo, es el sujeto de las acciones y es también el destinatario del mensaje explícito en las imágenes.

Los Desastres de la guerra no están exentos de controversia en varios aspectos. Las cuestiones que más han atraído la atención de los críticos podrían concretarse en la actitud personal de Goya ante el invasor y ante la situación política de España, el significado de la serie y las fuentes de los temas, el periodo de ejecución, la doble numeración de las estampas, las cuestiones técnicas, los problemas relativos a la primera edición, las consecuencias del cambio de título respecto al ejemplar de Ceán, y la estructura de la obra.

Una parte de la crítica tradicional ve en la actitud de Goya síntomas de afrancesamiento y otra insiste en su patriotismo nacionalista. En la actualidad, parece aceptado el hecho de que la denuncia de las atrocidades de la guerra se dirige hacia cada uno de los participantes en la contienda sin tener en cuenta sus vínculos nacionales.

Los Caprichos enfáticos - Desastres 65 a 82- ponen de manifiesto una actitud de rechazo contra la represión iniciada tras la restauración de Fernando VII. Pero Goya aceptó el transcurrir de los acontecimientos y procuró adaptarse a cada cambio y a la dirección de los sucesos. Sus manifestaciones públicas fueron siempre prudentes, aunque en privado mantuvo una actitud crítica hacia las jerarquías eclesiásticas y los altos cargos civiles del gobierno fernandino, actitud que sólo se atrevió a mostrar en los dibujos y, enfática o simbólicamente, en algunas de las series gráficas.

Galería de imágenes

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Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

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Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

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La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando es la institución artística de más larga trayectoria y mayor vigencia cultural en España. Se inauguró oficialmente en 1752 durante el reinado de Fernando VI y, desde 1773, tiene su sede en el palacio de Goyeneche en Madrid, diseñado por José de Churriguera y adaptado al gusto neoclásico por Diego de Villanueva.

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Museo del 900, Italo Rota ti guida (1° di 4)

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Milan: Museo del '900 | Italia Slow Tour

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Klaus live at Museo del Novecento / wanderlust

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Vincent van Gogh art ALIVE - Atelier des Lumières (Paris, France) STARRY NIGHT

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Ideazione e Coordinamento

Paolo E. Rolli - Silvia Ponti

Foto Panoramiche

Paolo E. Rolli - Alessandro Galluzzi - Fabrizio Rolli

Editing

Silvia Ponti - Lorenzo Rolli

Design e Sviluppo Software

Lorenzo Rolli - Valentino Cozzatella

Ottimizzazioni

Luigi Pennesi

Copyright e Diritti

Il codice di sviluppo e il modello di gestione dei contenuti sono proprietà intellettuale di Italyart®.

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Paolo E. Rolli - Silvia Ponti Paolo E. Rolli - Alessandro Galluzzi - Fabrizio Rolli Silvia Ponti - Lorenzo Rolli Lorenzo Rolli - Valentino Cozzatella Luigi Pennesi Il codice di sviluppo e il modello di gestione dei contenuti sono proprietà intellettuale di Italyart®.

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Ci sono artisti la cui vita, specie se disastrata, è arrivata a mettere in secondo piano la produzione artistica assurgendo a vera opera d'arte. È accaduto a Insomma da
van Gogh, "quello che si è tagliato l'orecchio". È accaduto a Dalì, "Il folle". Ma è accaduto soprattutto a Frida Kahlo, la pittrice messicana vittima di un fanatismo che l'ha trasformata in bambolina, gadget e vestito di Carnevale...
persona è diventata personaggio.

Suo malgrado è stata trasformata in un' icona e un simbolo di battaglie di ogni genere: esempio di resilienza, di emancipazione, di ribellione, di anticonformismo, di donna comunista. Certo, è stata tutte queste cose, ma la sua pittura racconta anche qualcosa di molto più intimo e basilare, il puro bisogno di vivere.

Quel bisogno compare improvvisamente nella sua esistenza, sotto forma di un tram che si schiantò contro l'autobus su cui viaggiava. Era il 17 settembre 1925. Frida aveva solo 18 anni ma l' incidente trasformò per sempre la sua vita, costringendola a una lunghissima degenza col busto ingessato (la spina dorsale si era fratturata in tre punti), a oltre trenta interventi chirurgici e a un'esistenza segnata dalla sofferenza.

Nella forzata immobilità del suo letto inizia a dipingere. E comincia con un autoritratto. I genitori, allora, le comprano un letto a baldacchino dotato di uno specchio sul soffitto per aiutarla a proseguire nella pittura.

" Dipingo autoritratti perché sono la persona che conosco meglio ", dirà Frida a proposito dei tanti quadri in cui raffigura se stessa. Ne realizzerà 55, oltre un terzo delle sue tele. La maggior parte sono primi piani, ma alcuni anche a figura intera.

E forse è stata proprio quest'insistenza sul suo volto a renderlo così riconoscibile e a portarne la successiva mercificazione. Le folte sopracciglia unite sul naso, quasi la sagoma di un uccello in volo, sono diventati un marchio di fabbrica, un simbolo di libertà tale da fare impallidire la S di Superman e la Z di Zorro!

Proviamo a osservarne uno. È del 1940. Frida porta al collo una collana di spine da cui pende, a mo' di ciondolo, un colibrì con le ali aperte. Sulle sue spalle una scimmietta e un gatto nero e dietro di lei foglie verdeggianti su cui svolazzano farfalle di merletti e fiori con le ali. Il volto è frontale. L'artista ci guarda negli occhi, con un misto di orgoglio e rassegnazione.

Il dipinto è uno straordinario condensato di simboli. C'è dentro un richiamo alla corona di spine cristiana che fa di lei una martire. Martire di un corpo fatto a pezzi ma anche di una storia d'amore tormentata con il pittore Diego Rivera. Ci sono richiami nell'acconciatura al folklore messicano che Frida contrapponeva all'oppressione colonialista.

In questa data Frida Kahlo ha già avuto tre Lo stile è quello un po' naïf della aborti. Un dramma che l'artista aveva già raffigurato dopo la perdita del secondo bambino, nel 1932, con un altro autoritratto, distesa sul letto dell'ospedale pittura popolare, ma forse era l'unico linguaggio capace di raccontare in modo diretto ed essenziale un contenuto così tragico. I simboli, stavolta, sono molto più eloquenti. Henry Ford.

Eppure Frida ha il coraggio di andare avanti. " Non sono malata. Sono rotta. Ma sono felice, fintanto che potrò dipingere", sostiene con fermezza. E, come una colonna classica fatta a pezzi, raffigura la sua colonna vertebrale in un altro autoritratto del 1944.

Ma Frida non è solo questo. È capace di andare oltre il dolore del corpo e dell'anima e di guardare anche al dolore della società. Lo sente come un impegno morale: " Sono molto preoccupata per la mia pittura. Soprattutto voglio trasformarla in qualcosa di utile per il movimento rivoluzionario comunista, dato che finora ho dipinto solo l'espressione onesta di me stessa ".

È del 1933 un dipinto di condanna del capitalismo americano, conosciuto da vicino in un viaggio negli Stati Uniti con Rivera. " Il mio vestito è appeso là", si intitola. Da convinta comunista non poteva non cogliere il ribaltamento dei valori della società americana e il contemporaneo azzeramento dei diritti umani. Ed erano ancora gli anni Trenta!

Il dipinto segue quello dell'anno precedente in cui Frida si era ritratta sul confine tra Messico e Stati Uniti, il limite tra una civiltà antica da proteggere e una moderna da arginare.

C'è poi una terza Frida. Quella del Surrealismo. Il costante uso di simboli e di immagini oniriche, aveva portato l'artista ad avvicinarsi inconsapevolmente al movimento francese tanto che quando, nel 1938, André Breton vide i suoi quadri le propose immediatamente di fare una mostra a Parigi.

Frida si reca nella capitale francese piena di entusiasmo: "È di quegli anni il suo dipinto più surreale, Il surrealismo è la magica sorpresa di trovare un leone in quell'armadio in cui si voleva prendere una camicia", scrive riprendendo un concetto caro ai Surrealisti ("bello come l'incontro fortuito su un tavolo operatorio di una macchina da cucire e di un ombrello").
Quello che l'acqua mi ha dato. Un autoritratto dei suoi in una vasca piena di oggetti misteriosi.

Negli anni seguenti, però, Frida si allontanerà dal movimento, rifiutando nettamente l'etichetta di Surrealista. La sua pittura e i suoi simboli, infatti, non erano un modo per scavare nell'inconscio o produrre nonsense, ma una specie di lenta e continua terapia, una visualizzazione in forma simbolica di qualcosa di cui era pienamente cosciente. Dirà infatti " Hanno pensato che fossi una surrealista, ma non lo ero. Non ho mai dipinto sogni. Ho dipinto la mia realtà ".

I simboli tornano anche nelle opere più vitali come le nature morte che dipinge nel 1942 per il Presidente del Messico. Gioiose e colorate, alludono nelle loro forme carnose all' erotismo che muove il mondo (e per questo furono rifiutate dalla First Lady...).

Gli ultimi anni sono pieni di queste opere. Fresche, ricche di colore e di sapore.

Una specie di Ad agosto del 1953 Frida subisce l'amputazione della gamba destra per un'infezione che aveva provocato la cancrena. Muore il inno alla vita quando questa stava presentando il conto.
13 luglio del 1954 a 47 anni di embolia polmonare, senza smettere mai di sentirsi viva fino all'ultima cellula.

E proprio " Viva la vida " si intitola il suo ultimo dipinto, realizzato pochi giorni prima di morire.

Non è un autoritratto o un'incubo doloroso, ma una succosa natura morta con angurie. Quasi a dire "la vita è questo, una fetta di anguria che dobbiamo succhiare fino all'ultima goccia".

Nota. "Viva la Vida!" è adesso anche un libro di Pino Cacucci e uno spettacolo tratto da quel monologo. Qui il trailer.

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Frida Kahlo, le opere oltre il personaggio

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Ci sono artisti la cui vita, specie se disastrata, è arrivata a mettere in secondo piano la produzione artistica assurgendo a vera opera d'arte. È accaduto a Insomma da van Gogh, "quello che si è tagliato l'orecchio". È accaduto a Dalì, "Il folle".

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Match the colours to the dress or use your imagination and design a new colour scheme!

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'Entartete Kunst' (or 'Degenerate Art') was a derogatory term adopted by the Nazi regime in Germany. An exhibition entitled 'Entartete Kunst' opened in Munich in 1937 displaying works deemed to be 'an insult to German feeling'. It went on to tour the country. The 'degenerate' verdict applied to virtually all German modernist art, but works by internationally renowned artists such as Picasso were also seized.

The V&A holds the only known copy of a complete inventory of Entartete Kunst confiscated by the Nazi regime from public institutions in Germany, mostly during 1937 and 1938. The list of more than 16,000 artworks was produced by the Reichsministerium für Volksaufklärung und Propaganda (Reich Ministry for Public Enlightenment and Propaganda) in 1942 or thereabouts. It seems that the inventory was compiled as a final record, after the sales and disposals of the confiscated art had been completed in the summer of 1941. The inventory's two typescript volumes provide crucial information about the provenance, exhibition history and fate of each artwork.
How to read the Entartete Kunst inventory
The inventory consists of 482 pages (including blank pages and a missing page), split into two volumes. The entries are organised alphabetically by city, institution and artist's name. Volume 1 covers the cities Aachen to Görlitz, while Volume 2 covers Göttingen to Zwickau.

1. City | 2. Institution | 3. Name of artist | 4. Inventory number | 5. Title of confiscated artwork | 6. Technique: 'A' for Aquarell (watercolour), 'G' for Graphik (print), 'ÖL' for Ölmalerei (oil painting) | 7. Name of authorised dealer where applicable | 8. Fate of artwork: 'E' for Entartet (featured in the 'Degenerate Art' exhibition), 'V' for Verkauf (sale), 'T' for Tausch (exchange), 'X' for Vernichtung (destroyed, as could not be sold or exchanged), 'K' on commission with dealer | 9. Sale price in foreign currency | 10. Sale price in German currency (Reichsmarks)
You can also view and download a PDF copy of the Entartete Kunst inventory Provenance of the inventory
The inventory was donated to the V&A's National Art Library by Elfriede Fischer, the widow of Heinrich Robert (Harry) Fischer, in 1996. It forms part of the National Art Library Fischer Collection.

Harry Fischer apparently collected most or all of the material in the Fischer Collection during the late 1960s and early 1970s, with a view to donating it to the V&A. Although it is not yet known how, when and for what purpose Fischer obtained the list, he seems to have possessed it from at least the late 1960s. The inventory's two volumes appear to have been bound (or re-bound) at around this time, and they are stored in a matching dark grey box with the title 'Entartete Kunst' stamped in gold on the spine.

The V&A's copy of the inventory lacks a formal title page. The first page of Volume 1 includes the title Entartete Kunst, hand-written in upper-case and with the word 'Entartete' (or 'Degenerate') in quotation marks. The title was added after the document was first created, and may have been written by Harry Fischer himself.

Two other copies of an earlier version of Volume 1 (A - G) are known to have survived the War, and these are now held by the German Federal Archives in Berlin (R55/20744, R55/20745). Both copies have the same hand-written title, in black ink: Beschlagnahmte Werke/nach Museen geordnet ( Confiscated works, arranged by museum). Both copies also contain the same typescript list of artworks, arranged by city, institution and artist. One of the Berlin documents (R55/20745) was clearly the working copy, as it also includes additional manuscript information about the fate of individual works. Many of the entries have been annotated with symbols to show that they were destroyed, sold or exchanged. Although the information varies in detail, it seems likely that the V&A's inventory was produced from this earlier list or something similar. There was presumably also a master list, in inventory number order.

The Freie Universität Berlin provides one of the main online sources of further information about 'Entartete Kunst' and the fate of individual artworks. In particular, the University maintains an extensive database that includes entries for many of the artworks included in the inventory held by the V&A. It is possible to search for works by artist name, Entartete Kunst inventory number, dealer etc.

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V&A · Explore 'Entartete Kunst': The Nazis' inventory of 'degenerate art'

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'Entartete Kunst' (or 'Degenerate Art') was a derogatory term adopted by the Nazi regime in Germany. An exhibition entitled 'Entartete Kunst' opened in Munich in 1937 displaying works deemed to be 'an insult to German feeling'. It went on to tour the country.

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senza animazioni

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con animazioni

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Picasso torna a Milano - 250 capolavori in mostra a Palazzo Reale

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Il 3 Maggio 1808: esecuzione dei difensori di Madrid è un dipinto a olio su tela di 2 metri e 66 cm x 3 metri e 45, realizzato da Francisco Goya. L'opera è commissionata nel 1814, dopo gli anni dell'occupazione napoleonica della Spagna, dal Consiglio di Reggenza di Madrid, istituito in attesa del ritorno sul trono di Ferdinando VII. Anche se l'opera testimonia l'eroismo del popolo spagnolo di fronte all'invasore, i motivi che spingono Goya a dipingerla non sono poi così nobili: il pittore vuole, infatti, ingraziarsi i favori del sovrano e garantirsi una posizione di prestigio a corte. Goya, già nel 1810, realizza una serie di incisioni che denunciano le atrocità della guerra: lo stesso intento ritorna ne Il 3 maggio 1808. Il quadro documenta la fucilazione, nei pressi di Madrid, di centinaia di patrioti da parte delle truppe napoleoniche. La parte destra del dipinto è occupata dal plotone di esecuzione. I soldati sono di spalle, rappresentati come un'unica massa priva di sentimenti.

Una grande lanterna cubica, appoggiata a terra, illumina i condannati addossati a un colle; uno di loro emerge dal gruppo: è inginocchiato con le braccia spalancate, in un gesto che esprime contemporaneamente terrore, sfida e rassegnazione. La sua figura spicca per la camicia bianca e i pantaloni gialli fortemente illuminati. Alla sua destra un frate recita una preghiera. Alla sua sinistra, in secondo piano, un folto gruppo di uomini attende di essere giustiziato. Per il terrore, uno di loro si copre il viso con le mani. A terra, il cadavere di un uomo è immerso nel fango e nel sangue: i tratti del volto sono deformati. In alto, il buio della notte e la sagoma scura di Madrid, chiusa nella paura. Il dipinto, che si ispira a un fatto di cronaca, non è però realizzato con un linguaggio realista: la tecnica pittorica è caratterizzata da ampie pennellate cariche di colore che mirano all'espressività piuttosto che al dettaglio.

Il 3 Maggio 1808 è un'opera lontana dalla retorica patriottica neoclassica, dove gli eroi non mostrano dubbi o cedimenti. Goya vuole rappresentare la paura che sempre coglie gli uomini di fronte alla morte, anche quando scelgono di lottare per la libertà della patria. L'immagine di semplici popolani rappresentati come eroi non piace a Ferdinando VII, che abbandona l'opera in un deposito. Nel 1951 Pablo Picasso rende omaggio a Goya e si ispira al 3 Maggio 1808 nel suo dipinto Massacro in Corea. Il 3 Maggio 1808 è esposto al Museo del Prado a Madrid.

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"Il 3 Maggio 1808: esecuzione dei difensori di Madrid" è un dipinto a olio su tela di 266 cm x 345 cm, realizzato da Francisco Goya. Documenta la fucilazione, nei pressi di Madrid, di centinaia di patrioti da parte delle truppe napoleoniche. Si trova al Museo del Prado a Madrid.

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Il Neoclassicismo è un movimento culturale che si sviluppa in Europa e in America del Nord tra la seconda metà del ’700 e i primi dell’ ’800. Promuove il ritorno all’arte classica, greca e romana: armonia, equilibrio, e proporzione si affermano in reazione agli eccessi del Barocco.

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Enciclopedia d'arte utile per ricerche esami

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Enciclopedia d'arte utile per ricerche esami

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I Macchiaioli sono un gruppo di pittori italiani attivi in Toscana negli anni '50 e '60 dell'800. I principali esponenti del gruppo sono Telemaco Signorini, Giovanni Fattori e Silvestro Lega. I macchiaioli abbandonano i soggetti storico-mitologici della pittura neoclassica e le emozioni grandiose dei paesaggi dipinti dai romantici. Prediligono invece scene umili di vita quotidiana. Il gruppo si riunisce abitualmente al Caffè Michelangelo di Firenze e proprio in questa città, all'Esposizione Nazionale del 1861, vengono mostrati i primi quadri macchiaioli. In realtà il termine nasce solo l'anno successivo. A coniarlo è un critico della "Gazzetta del Popolo", che li definisce spregiativamente "macchiaioli", con riferimento alla loro tecnica profondamente antiaccademica. Per i macchiaioli infatti il colore ha la priorità sul disegno e viene steso a macchia con brevi pennellate. I contorni sono perciò sfumati, luci e ombre scolpiscono i volumi, e le figure sono rese con decisi contrasti tonali. In questo modo si cerca di riprodurre la realtà così come appare a un rapido colpo d'occhio.

Per i macchiaioli l'arte è anche impegno civile. Molti di loro partecipano alle guerre d'indipendenza italiana o ne rappresentano degli episodi con taglio cronachistico, assecondando la loro predilezione per i toni umili e anticelebrativi. Campo italiano dopo la battaglia di Magenta di Giovanni Fattori è il primo quadro italiano a rappresentare un avvenimento di storia contemporanea. Altri temi prediletti da questo pittore sono i ritratti e i paesaggi, soprattutto marini. Il fiorentino Telemaco Signorini è tra i primi a interessarsi agli aspetti più umili della realtà, come prigioni e manicomi. Silvestro Lega propone invece un mondo borghese intimo e domestico, che sembra dimenticato dalla storia. Ricorrente nei suoi quadri è la figura femminile, spesso ritratta mentre si dedica a passatempi. Del gruppo fa parte anche lo scultore fiorentino Adriano Cecioni che sceglie soggetti umili per le sue statue.

Diego Martelli è invece il teorico dei macchiaioli; la sua villa a Castiglioncello diventa una sorta atelier. Il movimento dei macchiaioli è considerato l'espressione pittorica del naturalismo e del verismo, movimenti culturali del XIX secolo che si sforzano di rappresentare il mondo in chiave realista. Incompresi dalla cultura ufficiale del loro tempo, vengono rivalutati nel '900. Per il loro uso innovativo del colore, molti studiosi li considerano oggi i precursori della pittura impressionista.

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I Macchiaioli sono un gruppo di pittori italiani attivi in Toscana negli anni '50 e '60 dell'800. I principali esponenti del gruppo sono Telemaco Signorini, Giovanni Fattori e Silvestro Lega. Per il loro uso innovativo del colore, molti studiosi li considerano i precursori della pittura impressionista.

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VEDI IL VIDEO IMPRESSIONE AL LEVAR DEL SOLE MONET

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VEDI IL VIDEO IMPRESSIONE AL LEVAR DEL SOLE MONET

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Nascita dell'impressionismo

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“Impressione, levar del sole” è un olio su tela dipinto nel 1872 da Claude Monet. Il soggetto del quadro rappresenta l’alba nel porto di Le Havre. Si trova al Museo Marmottan di Parigi.

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Il Romanticismo è un movimento culturale che si diffonde in Europa nella prima metà dell'800 e che interessa pittura, letteratura e musica. All'idea classica di bello come armonia ed equilibrio, il romanticismo sostituisce il fascino per il sublime, ossia ciò che suscita emozioni grandiose, estasi, rapimento per le forze oscure della natura e perfino orrore. Il Romanticismo nasce in Germania con la rivista letteraria "Athenäum", fondata a Berlino nel 1798 dai fratelli August e Friedrich Schlegel. I Romantici rifiutano l'idea che la Ragione sia l'unica guida delle azioni umane. Dànno rilievo invece al sentimento, al desiderio di libertà e alla tensione verso l'ignoto che risiedono nello spirito dell'uomo.

Incarnazione dell'uomo romantico è l'artista, perché è attraversato da grandi passioni e perché grazie al suo ispirato genio creativo entra in contatto con l'infinito. È un individuo che persegue la propria libertà sia nell'arte che nella vita, e si ribella alle rigide norme della tradizione artistica e del conformismo borghese. Lo spirito romantico non distingue tra arte e vita. Emblematico è il caso del poeta inglese George Byron: innamorato della cultura greca, nel 1824 muore combattendo per l'indipendenza della Grecia dall'Impero ottomano. Protagonisti della pittura romantica sono gli inglesi John Constable e William Turner che dipingono paesaggi carichi di vibrante intensità emotiva.

Fra gli scrittori, il più noto è certamente il tedesco Johann Wolfgang von Goethe. Nel suo I Dolori del giovane Werther il protagonista, incarnazione della sensibilità romantica, soccombe alla passione amorosa che lo tormenta. In musica è il tedesco Robert Schumann il maggior esponente del Romanticismo, ma già Ludwig von Beethoven aveva espresso il forte sentimento dei romantici, soprattutto nelle sinfonie. Il Romanticismo manifesta caratteristiche diverse nei vari paesi europei: per esempio in Italia, divisa e dominata da potenze straniere, assume caratteri patriottici, come nell'opera Nabucco del musicista Giuseppe Verdi.

Più in generale però il romanticismo esprime la delusione storica per gli esiti della Rivoluzione francese, che ha diffuso idee di uguaglianza ma, allo stesso tempo, ha portato guerre in tutta Europa. In ambito artistico il suo più importante lascito è l'idea del predominio della creatività individuale sulle regole della tradizione. Tra i capolavori romantici della pittura trovano posto: Il bacio di Hayez, La libertà che guida il popolo di Delacroix e Pioggia, vapore e velocità di Turner. Mentre tra le opere letterarie si distinguono gli Inni alla notte di Novalis e La Certosa di Parma di Stendhal.

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Il Romanticismo è un movimento culturale che si diffonde in Europa nella prima metà dell'800 e che interessa pittura, letteratura e musica. Promuove il fascino per il sublime, ossia ciò che suscita emozioni grandiose, estasi, rapimento per le forze oscure della natura e perfino orrore.

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Francisco Goya è uno dei più importanti pittori spagnoli. Nasce da una famiglia borghese il 30 Marzo 1746 nel villaggio di Fuendetodos, vicino a Saragozza. Qui frequenta lo studio di José Luzán, dove si forma sulle opere di Tiepolo e Mengs. Nel 1769 viaggia in l'Italia per studiare i maestri del passato. Nel 1775 ottiene il suo primo incarico importante: la Manifattura Reale gli commissiona una serie di cartoni per arazzi destinati alle residenze estive della corte. Il suo stile è ancora legato alla tradizione settecentesca, ma la scelta di ritrarre gioiose scene di vita quotidiana, piuttosto che soggetti mitologici, è innovativa.

È l'inizio della sua ascesa professionale. La pittura di Goya, ricca di colore, affascina la nobiltà madrilena che inizia a richiedergli numerosi ritratti. Nel giro di 10 anni diventa pittore di corte. Presto, però, viene colpito da una grave malattia [1792] che lo lascia completamente sordo. Questa menomazione rende la sua pittura cupa e visionaria: prevalgono toni scuri, accenti drammatici e immagini angoscianti. Nonostante la malattia la sua carriera a corte prosegue: nel 1799 è primo pittore di corte. In questi anni realizza il celebre ritratto della famiglia reale.

Ora, anche nei ritratti, il suo stile è cambiato: i regnanti sono quasi caricature e le loro fisionomie rasentano il grottesco. Contemporaneamente inaugura una serie di incisioni: i Capricci. La sua vena satirica si esprime in più di 80 tavole dove l'artista denuncia i vizi umani e le ipocrisie comuni a tutte le società. Nei primi anni dell'800 si dedica soprattutto ai ritratti femminili. Tra questi spicca La Maja desnuda; Goya dipinge il quadro contravvenendo alle regole del Sant'Uffizio che vietano la rappresentazione del nudo femminile.

Durante il dominio napoleonico Goya conserva il suo posto a corte. Realizza una serie di incisioni e di quadri che denunciano le atrocità della guerra; tra questi c'è la Fucilazione del 3 maggio 1808, la sua opera più intensamente drammatica, che diventerà simbolo della resistenza spagnola all'invasore francese.

Col ritorno dei sovrani spagnoli il suo ruolo a corte diviene precario. Si ritira nella sua casa di campagna, la cosiddetta Quinta del sordo, di cui decora le pareti con le "Pitture nere", ancora una volta lugubri e minacciose. Nei suoi ultimi anni, trascorsi a Bordeaux, torna a scegliere soggetti più convenzionali, simile a quelli della giovinezza. Muore a Bordeaux il 16 aprile 1828 all'età di 81 anni. Per la sua capacità di rappresentare le pulsioni irrazionali dell'uomo, è considerato un precursore del Romanticismo; la sua influenza si estende però anche a gran parte della cultura artistica novecentesca.

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Francisco Goya è uno dei più importanti pittori spagnoli. Vive tra il 1746 e il 1828. Per la sua capacità di rappresentare le pulsioni irrazionali dell'uomo, è considerato un precursore del Romanticismo. La sua influenza si estende però anche a gran parte della cultura artistica del '900.

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FUTURISMO

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Scarica, stampa ed esegui la consegna oppure puoi farla anche a PC collegando titoli a immagini con una freccia o una riga. In alternativa scrivi l'abbinamento secondo te corretto fra numeri e lettere. versione pdf

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Scarica, stampa ed esegui la consegna oppure puoi farla anche a PC collegando titoli a immagini con una freccia o una riga. In alternativa scrivi l'abbinamento secondo te corretto fra numeri e lettere. versione pdf

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Scarica, stampa ed esegui la consegna oppure puoi farla anche a PC collegando titoli a immagini con una freccia o una riga. In alternativa scrivi l'abbinamento secondo te corretto fra numeri e lettere. Versione word

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Scarica, stampa ed esegui la consegna oppure puoi farla anche a PC collegando titoli a immagini con una freccia o una riga. In alternativa scrivi l'abbinamento secondo te corretto fra numeri e lettere. Versione word

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Abbiamo pensato di raggiungervi virtualmente e tenervi compagnia online, per farvi trascinare dalla leggerezza e dall'allegria delle opere di Matisse che così tanto in questo momento ci servono per bilanciare le cose. La mostra si intitola "Joie de vivre", un augurio quanto mai appropriato in questi tempi così difficili e sospesi.

Tour Virtuale della Galleria (360°)*

Qualche ripresa della galleria Elena Salamon, dove è in corso una mostra sulle litografie tratte dai papier gouache-découpé, (carte dipinte e ritagliate) che ripercorrono il lavoro degli ultimi anni di vita del maestro (1947-1954). "Sogno un'arte equilibrata, pura, tranquilla, senza soggetto inquietante o preoccupante, che sia un lenitivo, un calmante celebrale, qualcosa di analogo a una buona poltrona che riposi dalle fatiche". Henri Matisse inseguì questo sogno per tutta la vita, il suo desiderio si tradusse in una serie infinita di capolavori allegri, colorati, liberi da ogni schema.

*COME SI USA: una prima possibilità tramite il computer è esplorare l'ambiente circostante mediante l'uso del puntatore del mouse. La seconda possibilità è sfruttare lo smartphone che può essere usato come una "finestra" sulla galleria, permette di scoprire la porzione di spazio che ci interessa.

Una selezione delle opere in mostra

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Abbiamo pensato di raggiungervi virtualmente e tenervi compagnia online, per farvi trascinare dalla leggerezza e dall'allegria delle opere di Matisse che così tanto in questo momento ci servono per bilanciare le cose. La mostra si intitola "Joie de vivre", un augurio quanto mai appropriato in questi tempi così difficili e sospesi.

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Scarica la scheda e completala anche a pc

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Scarica la scheda e completala anche a pc

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Senza uscire di casa

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In questa terza puntata troveremo Alberto Angela tra le guglie del Duomo di Milano, simbolo dell'intera città. Passando da ll'intrico di guglie, pinnacoli e statue al maestoso interno con le splendide vetrate faremo un viaggio che parte dalla fine del 1300 ai giorni nostri con un filo caratteristico: il marmo di Candoglia, il materiale con cui è stato edificato e che ancora oggi viene utilizzato per il restauro. Il viaggio prosegue in Abruzzo, dove è soprattutto la natura a mostrare le sue meraviglie. Alberto Angela viaggia attraverso il Parco Nazionale del Gran Sasso e dei Monti della Laga, dove si innalza la vetta d el Corno Grande. Andremo infine a Catania, raccontando la storia e la bellezza di due grandi e ricchi edifici.

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Meraviglie - S2020 - Alberto Angela tra le guglie del Duomo di Milano - Video - RaiPlay

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In questa terza puntata troveremo Alberto Angela tra le guglie del Duomo di Milano, simbolo dell'intera città. Passando da ll'intrico di guglie, pinnacoli e statue al maestoso interno con le splendide vetrate faremo un viaggio che parte dalla fine del 1300 ai giorni nostri con un filo caratteristico: il marmo di Candoglia, il materiale con cui è stato edificato e che ancora oggi viene utilizzato per il restauro.

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La penisola dei tesori

Alberto Angela ci accompagna in un viaggio alla scoperta delle "Meraviglie" italiane, quelle che ci rendono una vera e propria "penisola dei tesori". Un itinerario fra arte e bellezze naturali nei siti riconosciuti dall'Unesco come patrimonio dell'umanità.

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La penisola dei tesori Alberto Angela ci accompagna in un viaggio alla scoperta delle "Meraviglie" italiane, quelle che ci rendono una vera e propria "penisola dei tesori". Un itinerario fra arte e bellezze naturali nei siti riconosciuti dall'Unesco come patrimonio dell'umanità.

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Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso, noto come Pablo Picasso (Málaga, Spagna, 25 ottobre 1881 - Mougins, Francia, 8 aprile 1973) è stato un pittore, scultore e litografo spagnolo di fama mondiale.

Biografia

Pablo Picasso nacque a Malaga, il 25 ottobre del 1881. Il padre di Picasso era un pittore specializzato nella rappresentazione naturalistica (soprattutto degli uccelli). Il giovane Picasso manifestò sin da piccolo passione e talento per il disegno.

Pittore, scultore e litografo spagnolo di fama mondiale, considerato uno dei maestri della pittura del XX secolo.

Usava dire agli amici di considerarsi "anche un poeta". Picasso è figlio di María Picasso e di José Ruiz Blasco Lopez dè Onate, anch'egli pittore ed insegnante.

Infanzia e passioni

Dopo aver trascorso a Malaga i primi dieci anni della sua vita, nel periodo tra i dieci e i quattordici anni, Picasso arriva dunque a Barcellona e vi resta fino all'età di diciannove anni. Si trasferisce in Francia dove resterà fino alla sua morte, avvenuta l'8 aprile del 1973. I suoi ricordi di Málaga sono ricordi d'infanzia in una città molto provinciale e in seno ad una famiglia della piccola borghesia, di condizioni modeste, molto chiusa nel proprio ambiente, formalista ed abitudinaria. Tuttavia, il fatto che il padre di Picasso fosse professore di disegno alla scuola di belle arti ebbe un influsso decisivo sulla formazione culturale dell'artista. Picasso, come ha ricordato in seguito, non avrebbe potuto partecipare ad un concorso di disegni per bambini in quanto, già nella sua infanzia, aveva nozioni tecniche di un adulto, imparate sì dal padre ma dovute anche all'innato dono prodigioso che egli fu ben presto in grado di sviluppare. Durante i quattro anni che passò a La Coruña, Picasso sviluppò queste nozioni tecniche ad un punto tale che suo padre, un giorno, notando la qualità eccezionale di un esercizio di disegno che egli stesso aveva proposto, spinto dall'emozione, decise di consegnare definitivamente al figlio la tavolozza e i pennelli, considerandolo fin da allora in grado di farne un uso migliore di quanto lui stesso ne avesse mai fatto. Il passaggio da una città andalusa piena di allegria e di luci ad una tetra città galiziana fu sicuramente, nella formazione della personalità del pittore, un'esperienza importante.

La sua mente era già presa dalle preoccupazioni e dall'eccezionale potere creativo che diedero vita, in seguito, alla sua opera. Picasso, avendo raggiunto il massimo grado di perfezione nella tecnica appresa da suo padre, acquistò una grande fiducia in sé stesso, al punto tale da realizzare, non ancora quattordicenne, una mostra dei suoi lavori a La Coruña. Durante il periodo barcellonese, l'opera di Picasso ha subito una evoluzione di capitale importanza per capire le sue tappe successive e l'insieme in generale. Picasso arrivò a Barcellona con una solida formazione accademica, acquisita soprattutto durante il periodo di vicinanza al padre. Le sue doti eccezionali ne fecero subito un giovane pittore di grandi qualità, come dimostrano gli onori tributati al suo quadro Scienza e carità. Ma il contatto con gli artisti barcellonesi lo portò a riflettere sulle possibilità che la libertà creatrice, allora fermamente proclamata, poteva offrirgli. Era più che naturale che Picasso, tenuto conto delle realizzazioni dei suoi nuovi amici e delle opere che richiamavano all'impressionismo e al postimpressionismo, cominciasse a liberarsi dalla rigidità accademica per lanciarsi in creazioni di ben più ampio respiro e di maggior forza espressiva. Agli inizi si avverte un certo schematismo delle forme e l'uso di un cromatismo più audace e più libero. Non si può dire che Picasso sia passato attraverso una tappa impressionistica; in realtà, se adottò la tecnica divisionista non fu affatto con lo scopo di dissociare la luce e di fissare gli elementi fuggenti della natura. Egli usa forme semplici e colori puri soprattutto per ottenere una maggiore intensità espressiva.

Picasso a Parigi

Alla fine dell'estate del 1900, non sopportando più l'ambiente che lo circonda, decide di trasferirsi a Parigi.

Qui è solito frequentare i quartieri di Montmartre e Montparnasse, annoverando tra le sue amicizie André Breton, Guillaume Apollinaire e la scrittrice Gertrude Stein. A Montmartre incontra molti compatrioti tra cui Pedro Manyac, ed è ospite del pittore Isidro Nonell. Non sono momenti facili dal punto di vista economico, nonostante le importanti amicizie che stringe in questi anni, tra cui quella con il critico e poeta Max Jacob che cerca di sostenerlo economicamente in ogni modo. A Parigi conosce una ragazza della sua stessa età, Fernande Olivier, con la quale inizia una lunga relazione affettiva. È lei che appare ritratta in molti dei quadri del "periodo rosa". Fu lasciata per Marcelle Humbert, che Picasso chiamava Eva, inserendo dichiarazioni d'amore per lei in molti dei suoi quadri cubisti. Poi torna nello stesso anno (1900) in Spagna, molto influenzato dall'esperienza parigina. In particolare, egli rimane colpito da Henri de Toulouse-Lautrec, a cui si ispira per alcune opere di questo periodo.

Nel settembre 1936 fu nominato direttore del Museo del Prado dal Governo della Repubblica e nello stesso anno realizzò il dipinto Guernica, tela dedicata al bombardamento dell'omonima cittadina basca, per il Padiglione della Spagna repubblicana al Salone internazionale di Parigi .

La seconda guerra mondiale

Durante la seconda guerra mondiale Picasso rimase a Parigi occupata dai tedeschi. Il regime nazista disapprovava il suo stile, pertanto non gli fu permesso di esporre. Riuscì inoltre ad evitare il divieto di realizzare sculture in bronzo, imposto dai nazisti per economizzare il metallo.

Le donne di Pablo Picasso

Sposato due volte, ha avuto quattro figli da tre donne diverse e numerose relazioni extra-coniugali. Nel 1918 sposò a Parigi Ol'ga Chochlova, una ballerina della troupe di Sergej Djagilev, per cui Picasso stava curando il balletto Parade. La Chochlova introdusse Picasso nell'alta società parigina degli anni venti. I due ebbero un figlio, Paulo, che successivamente si dedicherà alle corse motociclistiche. L'insistenza della moglie sul corretto apparire in società collideva però con lo spirito bohémien di Picasso creando tra i due motivo di continua tensione. Nel 1927 Picasso conobbe la diciassettenne Marie-Thérèse Walter e iniziò una relazione con lei. Il matrimonio con Ol'ga Chochlova si concluse in una separazione anziché in un divorzio perché secondo le leggi francesi un divorzio avrebbe significato dividere equamente le proprietà della coppia tra i due coniugi, cosa che Picasso non volle fare. I due rimasero legalmente sposati fino alla morte della Chochlova, avvenuta nel 1955. Dalla relazione con Marie-Thérèse Walter nacque la figlia Maia. Marie-Thérèse visse nella vana speranza di unirsi in matrimonio all'artista e si suiciderà impiccandosi quattro anni dopo la sua morte. Anche la fotografa Dora Maar fu amica e amante di Picasso. I due si frequentarono spesso tra la fine degli anni trenta e l'inizio degli anni quaranta; fu lei a documentare la realizzazione di Guernica.

Dopo la liberazione di Parigi nel 1944, Picasso divenne il compagno di una giovane studentessa d'arte, Françoise Gilot. Insieme ebbero due figli, Claude e Paloma. Fu lei, unica tra le tante, a lasciare l'artista, stanca delle sue infedeltà. Dopo l'abbandono da parte di Françoise, Picasso passò un brutto periodo; molti dei disegni a china di quella stagione riprendono il tema di un nano vecchio e brutto come contrappunto ad una giovane ragazza, mostrando come Picasso, ormai sulla settantina, inizi a percepire sé stesso come grottesco e poco attraente. Tra quei disegni vi sono quelli dedicati a Geneviève Laporte, che lei metterà successivamente all'asta nel giugno del 2005. Qualche anno dopo conobbe Jacqueline Roque nella fabbrica di ceramiche Madoura a Vallauris, mentre lavorava alla produzione di ceramiche da lui decorate. I due si sposarono nel 1961 e rimasero insieme fino alla morte dell'artista. Picasso ebbe anche alcuni flirts con nobildonne italiane, quali la Principessa della dolce vita Giovanna Pignatelli Aragona Cortes alla quale regalò un quadro della Promenade des Anglais a Nizza, in occasione della nascita di suo figlio Olivier Doria il 7 dicembre 1957. Oltre alla sua produzione artistica, Picasso ebbe anche una carriera cinematografica, apparendo in alcuni film sempre nel ruolo di sé stesso. Tra i "cameo", la sua apparizione ne Il testamento di Orfeo di Jean Cocteau. Collaborò inoltre alla realizzazione del film "Il mistero Picasso" di Henri-Georges Clouzot.

La morte

Pablo Picasso morì per un attacco di cuore l'8 aprile 1973 a Mougins, in Provenza, dove aveva fatto erigere la propria residenza, all'età di 91 anni. Alcune biografie accennano al fatto che Picasso prima di morire abbia pronunciato il nome del suo presunto rivale: Amedeo Modigliani. Fu sepolto nel parco del castello di Vauvenargues.

Idee politiche

Pacifismo

Picasso rimase profondamente colpito dalla tragedia della guerra civile spagnola e, pur senza mai recarsi in Spagna, espresse la sua propensione per la causa repubblicana con attività pubbliche e la denuncia per la barbarie della guerra con il suo capolavoro, Guernica. Durante la prima e la seconda guerra mondiale, rifiutandosi di prendere posizione per qualsiasi parte, incoraggiò l'idea che ciò fosse dovuto alle sue convinzioni pacifiste.

Rimase inoltre distante dal movimento indipendentista catalano, benché durante gli anni giovanili esprimesse un generale supporto e amicizia a numerosi dei suoi attivisti. Nessun movimento politico sembrava coinvolgerlo in grande misura, ciò nonostante si iscrisse al partito comunista francese. Dopo la seconda guerra mondiale Picasso si reiscrisse al partito comunista francese e partecipò ad una conferenza internazionale per la pace in Polonia. Le critiche del partito rivolte ad un suo ritratto di Stalin ritenuto insufficientemente realistico raffreddarono tuttavia il suo impegno politico, anche se rimase membro del partito fino alla sua morte. Nel 1949, recandosi a Roma per l'assemblea della presidenza mondiale del movimento dei partigiani della pace, in una celebre colazione ritrasse con uno schizzo a matita il volto "splendente" di Rita Pisano, e lo intitolò La jeune fille de Calabre. L'opera è oggi conservata nella collezione privata che apparteneva a Carlo Muscetta. Durante i suoi soggiorni romani frequenta l'Osteria Fratelli Menghi, intorno a cui si ritrovano tutti gli artisti di Roma, pittori, poeti, ma anche attori, registi e sceneggiatori.

L'arte di Picasso

Il lavoro di Picasso è spesso suddiviso in "periodi". Benché i nomi dei periodi più recenti siano oggetto di discussione, quelli più comunemente accettati sono il "periodo blu" (1901-1904), il "periodo rosa" (1905-1907), il "periodo africano" (1907-1909), il "cubismo analitico" (1909-1912), il "cubismo sintetico" (1912-1919).

Prima del 1901

L'apprendistato di Picasso col padre iniziò prima del 1890; i suoi progressi possono essere osservati nella collezione dei primi lavori conservati presso il Museo Picasso di Barcellona, che raccoglie una delle più complete raccolte dei primi lavori dell'artista. Il carattere infantile dei suoi quadri scompare tra il 1893 e il 1894, anno in cui si può considerare un pittore agli inizi. Il realismo accademico dei lavori della metà degli anni novanta è ben visibile nella "Prima comunione" (1896), dove viene ritratta la sorella Lola. Nello stesso anno dipinge il "Ritratto di zia Pepa", considerato "senza dubbio uno dei più grandi dell'intera storia della pittura spagnola".Nel 1897 il suo realismo viene influenzato dal simbolismo in una serie di paesaggi dipinti con innaturali toni del violetto e del verde. Seguì quello che alcuni chiamano il "periodo modernista" (1899-1900). La conoscenza delle opere di Rossetti, Steinlen, Toulouse-Lautrec ed Edvard Munch, unita all'ammirazione per i suoi vecchi maestri preferiti come El Greco, portò Picasso ad elaborare nei lavori di questo periodo una visione personale del modernismo.

Il periodo blu

Il periodo blu, 1901-1904, consiste in dipinti cupi realizzati nei toni del blu e del turchese, solo occasionalmente ravvivati da altri colori. Si tratta, come dice il nome stesso, di una pittura monocromatica, giocata sui colori freddi, dove i soggetti umani rappresentati, appartenenti alla categoria degli emarginati, degli sfruttati e dei poveri, sembrano sospesi in un'atmosfera malinconica che simboleggia l'esigenza di interiorizzazione: l'umanità rappresentata è quella deprimente di creature vinte e sole che appaiono oppresse e senza speranza. Tra le opere di questo periodo ricordiamo: Donna con lo scialletto blu (Collezione privata, 1902), Celestina (Collezione privata, 1903), La stiratrice (New York, Guggenheim Museum, 1904). L'inizio del periodo è incerto tra la primavera del 1901 in Spagna o l'autunno dello stesso anno a Parigi.

Nel suo austero uso del colore e dei soggetti (prostitute e mendicanti sono soggetti frequenti) Picasso fu influenzato da un viaggio attraverso la Spagna e dal suicidio dell'amico Carlos Casagemas. Dall'inizio del 1901 dipinse diversi ritratti postumi di Casagemas, culminanti nel triste dipinto allegorico La Vita (1903) oggi conservato presso il museo d'arte di Cleveland. Lo stesso umore pervade la nota acquaforte Il pasto frugale (1904) che ritrae un uomo cieco e una donna, entrambi emaciati, seduti ad una tavola praticamente vuota. Anche la cecità è un tema ricorrente nei lavori di Picasso di questo periodo, rappresentata inoltre nella tela Il pasto del cieco (1903, conservato presso il Metropolitan Museum of Art) e nel ritratto Celestina (1903). Altri soggetti frequenti sono gli artisti, gli acrobati e gli arlecchini. Questi ultimi, dipinti nel tipico costume a quadri, diventano un simbolo personale dell'artista.

Il periodo rosa

Il "periodo rosa" (1905-1907) è caratterizzato da uno stile più allegro, ravvivato dai colori rosa e arancione e ancora contraddistinto dagli arlecchini. In questo periodo Picasso frequenta Fernande Olivier e molti di questi lavori risentono positivamente della relazione tra i due, oltre che del contatto con la pittura francese. Nel Periodo Rosa giace un rinnovato interesse per lo spazio ed il volume, ma nel quale la malinconia, per quanto temperata, è sempre presente. I soggetti privilegiati sono arlecchini, saltimbanchi, acrobati ambulanti o comunque soggetti legati al mondo del circo. Quasi tutti i quadri rappresentano le persone del circo dietro le quinte, ma mai sul palco per far comprendere a tutti quanto sia difficile praticare quello stile di vita che è in netta contrapposizione con lo scopo del loro mestiere: far ridere.

Tra le opere di questo periodo ricordiamo: Famiglia d'acrobati (1905, Goteborg, Konstmuseum), Donna col ventaglio (1905, New York, Collezione Whitney), Due fratelli (1906, Basilea, Museo di belle arti). Inoltre Picasso realizza dei dipinti a tema erotico, donne mestruate o scene con amanti durante l'amplesso.

Il periodo africano

Picasso ebbe un periodo in cui la sua produzione artistica risultò influenzata dall'arte africana (1907-1909); se ne considera l'inizio il quadro Les demoiselles d'Avignon, in cui due figure sulla destra del dipinto sono ispirate da oggetti d'artigianato africano. Le idee sviluppate in questo periodo portano quindi al successivo periodo cubista. Nell'opera di Les Demoiselles d'Avignon Picasso, attraverso l'abolizione di qualsiasi prospettiva o profondità, abolisce lo spazio: si simboleggia perciò una presa di coscienza riguardo ad una terza dimensione non visiva, ma mentale. Nella realizzazione delle figure centrali Picasso ricorda la scultura iberica, mentre nelle due figure di destra è evidente l'influsso delle maschere rituali dell'Africa.

Soprattutto la figura in basso, con gli occhi ad altezza diversa, la torsione esagerata del naso e del corpo, evidenzia come Picasso sia giunto alla simultaneità delle immagini, cioè la presenza contemporanea di più punti di vista.La struttura dell'opera è data da un incastro geometricamente architettato di piani taglienti, ribaltati sulla superficie della tela quasi a voler rovesciare gli oggetti verso lo spettatore, coinvolto direttamente dalla fissità dello sguardo delle figure femminili e dallo scivolamento della natura morta quasi fuori del quadro. L'immagine si compone di una serie di piani solidi che si intersecano secondo angolazioni diverse. Ogni angolazione è il frutto di una visione parziale per cui lo spazio si satura di materia annullando la separazione tra un corpo ed un altro.

Il cubismo analitico (1910-1912)

Il periodo analitico inizia nel 1910 in corrispondenza al fatto che ora il paesaggio occupa soltanto un ruolo limitato nelle opere di Picasso e di Braque. Chiusi nei loro atelier, i due artisti producono numerose nature morte a cui si aggiungono alcune figure e ritratti. L'immagine del visibile si frantuma, e i visi e gli oggetti (chitarre, bicchieri, violini, boccali,frutta...), a loro volta, si frammentano in una miriade di faccette. L'adozione di una molteplicità di punti di vista permette così di raggiungere una visione totale e di creare un oggetto estetico estremamente strutturato. Questa nuova concezione dello spazio pittorico e della forma favorisce la monocromia e lo studio della luce. Poiché si caratterizzano attraverso una ricerca comune, risulta ora quasi impossibile distinguere con precisione le opere di Picasso da quelle di Braque, opere in cui, fra l'altro, i toni sono volontariamente ridotti alla gamma degli ocra e dei grigi.

Il cubismo sintetico (1912-1914)

Dopo il cubismo analitico (che porta a una sorta di "esplosione" del visibile) si presenta alla ribalta del movimento cubista il periodo sintetico. La "sintesi" (quale è realizzata soprattutto da Picasso, Braque, Gris...) inizia con l'introduzione progressiva di lettere stampate, di listelli di legno e di altri oggetti in trompe l'œil, attraverso collage e papiers collés, che si presentano come autentici brani di realtà integrati al quadro. Léger, da parte sua, che non fu mai analitico nel senso proprio della parola, gioca sugli incastri e i contrasti di forme introducendo nel cubismo i tre colori primari costituiti dal rosso, dal giallo e dal blu.

Classicismo e surrealismo

Nel periodo successivo alla prima guerra mondiale Picasso produsse lavori di stile neoclassico. Questo "ritorno all'ordine" è evidente nel lavoro di numerosi artisti europei negli anni venti; tra essi Derain, De Chirico, Severini, gli artisti dei movimenti del neooggettivismo in Germania e di Valori Plastici e Novecento in Italia. I dipinti e i disegni di Picasso di questo periodo richiamano volontariamente all'opera dei grandi maestri del Rinascimento italiano, in particolare a Raffaello, ed alla pittura neoclassica di Ingres. Durante gli anni trenta il minotauro sostituisce l'arlecchino come motivo ricorrente e compare anche in Guernica. L'uso del minotauro è parte da ascriversi all'influenza del surrealismo. Considerato da molti il più famoso lavoro di Picasso, Guernica è dedicato al bombardamento tedesco dell'omonima cittadina basca ed è rimasto esposto al Museum of Modern Art di New York fino al 1981, anno in cui è stato restituito alla Spagna. Esposto inizialmente al Casón del Buen Retiro e poi al museo del Prado, nel 1992 è stato trasferito al Reina Sofía in occasione della sua apertura e nel 1953 è stato esposto a Milano a Palazzo Reale nella sala delle Cariatidi.

Gli ultimi lavori

Picasso fu uno dei 250 scultori che esposero alla "Terza mostra Internazionale di Scultura" tenutasi presso il museo delle arti di Filadelfia nell'estate del 1949. Negli anni cinquanta il suo stile cambia nuovamente; l'artista si dedica alla reinterpretazione dell'arte dei maestri producendo una serie di lavori ispirati al dipinto Las Meninas di Velázquez e dipinti ispirati all'arte di Goya, Nicolas Poussin, Manet, Courbet e Delacroix. Gli venne commissionato un bozzetto per una scultura di oltre quindici metri da installare a Chicago. Accolse l'invito con entusiasmo realizzando una scultura ( Il Picasso di Chicago) dall'aspetto ambiguo e controverso.

Non è chiaro cosa la figura rappresenti, può sembrare un uccello, un cavallo, una donna o una figura completamente astratta. La scultura fu svelata nel 1967 e Picasso la donò alla città rifiutandone il pagamento di 100.000 dollari. Gli ultimi lavori di Picasso furono una miscela di stili. Dedicando tutte le sue energie al lavoro, Picasso divenne ancora più audace, colorato ed espressivo producendo dal 1968 al 1971 tantissimi dipinti e centinaia di acqueforti. All'epoca questi lavori furono pesantemente accolti dalla critica, salvo essere riscoperti dopo la morte dell'artista e valutati come opere di neoespressionismo in anticipo sui tempi. Picasso si è occupato anche di Mail art.

Genio o malattia?

Secondo il neuroscienziato olandese Michel Ferrari, all'origine dei quadri cubisti di Picasso ci sarebbe stata l'emicrania: volti tagliati in verticale e particolari del volto sproporzionati sono infatti il frutto delle visioni "spezzate" dei malati di aura visiva, una patologia di cui Picasso probabilmente soffriva, come anche De Chirico. Picasso era inoltre dislessico. La tesi di Ferrari non è condivisa da molti studiosi di Picasso; il fatto è che il confine tra il genio e la follia è labile, e Picasso portava dentro di sé la partecipata consapevolezza del male, dell'orrore che avvelena il nostro mondo, e soprattutto questo esprimeva nei suoi dipinti, nelle sue sculture e nelle ceramiche. L'animo avvelenato di Picasso lo rendeva perfido, perfino sadico, soprattutto con chi lo amava; ma tale era il suo magnetismo che nessuno di coloro che lo amavano ha mai smesso di amarlo, neppure le sue innumerevoli e maltrattate donne, una sola delle quali ebbe la forza di lasciarlo.

Lasciti

Al momento della sua morte, molti dei suoi dipinti erano di sua proprietà, dato che Picasso tenne fuori dal mercato le opere che non aveva bisogno di vendere. Oltre a ciò, Picasso possedeva una considerevole collezione di opere di artisti suoi contemporanei come ad esempio Henri Matisse, con cui scambiò lavori. Non lasciando un testamento, le tasse di successione vennero pagate allo stato francese attingendo alle sue opere e alla sua collezione. Questi lavori andarono a formare il nucleo dell'immensa collezione del Musée Picasso di Parigi. Nel 2003 i parenti di Picasso inaugurarono un museo dedicato ai suoi lavori nella sua città natale in Spagna, il Museo Picasso Málaga.

Il "Museo Picasso" di Barcellona ospita molti dei primi lavori, creati durante la sua vita in Spagna, incluse alcune opere raramente esibite in cui si rivela la sua solida preparazione classica. Il museo inoltre possiede alcuni studi di figura fatti sotto la guida del padre nonché la collezione di Jaime Sabartés, amico di Picasso dai suoi giorni di Barcellona che fu per molti anni anche suo segretario personale. Nel film Surviving Picasso (1996) l'artista viene raccontato attraverso l'esperienza personale di Françoise Gilot. L'artista è interpretato da Anthony Hopkins.

Le maggiori quotazioni

Alcuni dei quadri di Picasso sono tra i più costosi dipinti del mondo

Nudo su un armadio nero - venduto per 45,1 milioni di dollari statunitensi nel 1999 a Les Wexner, che ne fece dono al Wexner Center for the Arts.
Le nozze di Pierrette - venduto per oltre 51 milioni di dollari statunitensi nel 1999.
Ragazzo con pipa - venduto per 104 milioni di dollari statunitensi da Sotheby's il 4 maggio 2004, stabilisce un record.
Dora Maar e il gatto - venduto per 95,2 milioni di dollari statunitensi da Sotheby's il 3 maggio 2006.
L'arlecchino cubista - valutato oltre 30 milioni di dollari.
Nude, Green Leaves and Bust - venduto per oltre 106 milioni di dollari statunitensi da Christie's il 4 maggio 2010 a New York, stabilisce un nuovo record.
Le Reve - venduto nel marzo 2013 per 155 milioni di dollari da Steve Wynn a Steven Cohen. È il secondo quadro più costoso dopo I giocatori di carte di Paul Cézanne
Il Salvataggio - venduto per 31,5 milioni di dollari all'asta a New York l'8 maggio 2014

Premi

Premio Stalin per la pace (1950)
Premio Lenin per la pace (1962)

Aneddoti e curiosità

Un uomo criticò Picasso perché creava arte troppo poco realistica. Picasso gli chiese: "Mi può mostrare dell'arte realistica?" L'uomo gli mostrò la foto della moglie. Picasso osservò: "Quindi sua moglie è alta cinque centimetri, bidimensionale, senza braccia né gambe, e senza colori tranne sfumature di grigio?"
Il Guinness dei Primati cita Picasso come il pittore più prolifico.
Le truppe d'occupazione naziste, a Parigi, assieme all'ambasciatore tedesco, domandarono a Picasso vedendo il quadro di Guernica "Avete fatto voi questo orrore, maestro?" e lui rispose "No, è opera vostra."
Ad un uomo che lo accusava di dipingere come un bambino di cinque anni il pittore rispose: "Magari potessi!"
In seguito al furto della Gioconda, (1911) dal Museo del Louvre, per il suo carattere estroso ed irregolare fu sospettato di essere l'autore del furto; fu indagato ed interrogato per questo, risultando poi del tutto estraneo ai fatti.
Era solito dire: "I mediocri imitano, i grandi copiano".
Era peniafobico, vale a dire che aveva il timore di diventare povero.
In un'intervista il cantante Miguel Bosé ha raccontato, "da bambini andavamo spesso nella sua villa vicino a Cannes, la Californie. E lui ci faceva disegnare. Metteva i pennelli in mano a me e a mia sorella Lucia e ci chiedeva di aiutarlo, usando solo due colori: il verde e il rosa. [...] Una volta, a New York in casa di amici, davanti a un Picasso, ho riconosciuto un angolo rosa che avevo fatto io".
Aveva un cane bassotto di nome Lump.

Figli

Paulo (4 febbraio 1921 - 5 giugno 1975) - con Ol'ga Chochlova
Maya (5 settembre 1935 - ) - con Marie-Thérèse Walter
Claude (15 maggio 1947 - ) - con Françoise Gilot
Paloma (19 aprile 1949 - ) - con Françoise Gilot

Opere (Selezione)

Moulin de la Galette (1900)
Autoritratto (1901)
Evocazione (1901)
Arlecchino pensoso (1901)
Autoritratto - Io, il re (1901)
Margot (1901)
Donna in blu (1901)
I due saltimbanchi (1901)
La bevitrice d'assenzio (1901)
Ritratto di Jaime Sabartès (1901)
Le due sorelle (1902)
Poveri in riva al mare (1903)
La famiglia Soler (1903)
La Vita (1903)
Madre con bambino malato (1903)
Ritratto di Benet Soler (1903)
Il vecchio chitarrista cieco (1903)
Il vecchio ebreo (1903)
La Celestina (1904)
L'attore (1904 - 1905)
Acrobata e giovane equilibrista (1905)
Due acrobati con cane (1905)
Famiglia di acrobati con scimmia (1905)
Ragazza di Maiorca (1905)
Ragazzo con pipa (1905)
Ragazzo che conduce un cavallo (1905-06)
Ritratto di Gertrude Stein (1905-06)
Due fratelli (1906)
Autoritratto (1907)
Les demoiselles d'Avignon (1907)
Donna con ventaglio (1908)
La casetta in giardino (1908)
La contadina (1908)
La driade (1908)
Tre donne (1908-09)
Serbatoio a Horta de Ebro (1909)
Donna con mandolino (1909)
Donna con pere (1909)
Donna con ventaglio (1909)
Fabbrica di mattoni a Tortosa (1909)
L'appuntamento (1909)
Natura morta con bottiglia di liquore (1909)
Ritratto di Ambroise Vollard (1909-10)
Ma Jolie (1911-12)
Le pigeon aux petit pois (1911)
Chitarra (1912-1913)
Natura morta con sedia impagliata (1912)
Violino, bicchiere di vino, pipa e calamaio (1912)
Chitarra (1913)
Donna con camicia in poltrona (1913)
Violino e fruttiera (1913)
Bottiglia di Bass, clarinetto, chitarra, violino (1914)
Chitarra sul tavolo (1914)
Natura morta verde (1914)
Ritratto di ragazza (1914)
Arlecchino (1917)
Sipario per Parade (1917)
Ritratto di Olga in poltrona (1917)
Pierrot (1918)
Bicchiere, bouquet, chitarra e bottiglia (1919)
Donna seduta (1920)
I tre musici (1921)
Tre donne alla fontana (1921)
Grande bagnante (1921-22)
Due donne che corrono sulla spiaggia (1922)
Arlecchino - Ritratto di Jacinto Salvado (1923)
Il flauto di Pan (1923)
Arlecchino musicista (1924)
Paulo vestito da Arlecchino (1924)
Il bacio (1925)
I tre ballerini (1925)
Studio con testa di gesso (1925)
L'atelier della modista (1926)
La nuotatrice (1929)
Bagnante seduta (1930)
La crocefissione (1930)
Donna nuda su una poltrona rossa (1932)
Il sogno (1932)
Studio per la copertina di Minotaure (1933)
Corrida (1934)
Nudo in giardino (1934)
Due personaggi (1934)
La Musa (1935)
Minotauromachia (1935)
Donna che piange (1937)
Ritratto di Marie-Thérèse (1937)
Sulla spiaggia (1937)
Guernica (1937)
Dora Maar seduta (1937)
Ritratto di Nush Eluard (1937)
Donna seduta (1938)
Maya con la bambola (1938)
Il maglione giallo (1939)
Serenata al mattino o L'aubade (1942)
Le tre età dell'uomo (1942)
Femme en vert (1943-44)
La joie de vivre (1946)
La cucina (1948)
Massacro in Corea (1951)
L'ombra (1953)
Donne di Algeri (1955)
Donna nuda davanti al giardino (1956)
Las Meninas (1957)
La Californie (1958)
Jacqueline au ruban jaune (1961-62)
Femme assise - Jacqueline (1962)
Il pittore e la modella (1963)
Visage (1970)
Donna sul divano I (1970-1971)
Graffito di Pablo Picasso (Museo Monumento al deportato di Carpi)

Documenti cinematografici

Luciano Emmer, Incontrare Picasso (1954)
Surviving Picasso di James Ivory (1996)
I colori dell'anima di Michael Davis (2004)

Opere nei musei italiani

Galleria d'arte moderna di Torino
Museo del Novecento di Milano
Museo permanente arte contemporanea di Amatrice (RI).
Pinacoteca Civica di Savona
Pinacoteca comunale "Orneone Marelli" di Terni
Pinacoteca Giovanni e Marella Agnelli di Torino

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Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso, noto come Pablo Picasso (Málaga, Spagna, 25 ottobre 1881 - Mougins, Francia, 8 aprile 1973) è stato un pittore, scultore e litografo spagnolo di fama mondiale.

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In inglese ma splendido! La storia di un amicizia legata nell'arte

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Matisse meets Picasso documentary (2002)

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Segui i video e lavora, presto ci sarà la consegna!

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FONDAMENTALE PER LA PREPARAZIONE ALLA VERIFICA

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FONDAMENTALE PER LA PREPARAZIONE ALLA VERIFICA

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Vuoi vedere i lavori PIU' SIGNIFICATIVI del 2019-20?

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Clicca qui sotto

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Scheda per realizzare tavola di prova abilità grafiche

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Scheda per realizzare tavola di prova abilità grafiche

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Se vuoi raccontare la mostra di Picasso all'esame, questo è il testo del Power point stampabile!

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Se all'esame vuoi parlare della mostra di Picasso che abbiamo visto leggi questo materiale e studia il power point sez. Picasso

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Se all'esame vuoi parlare della mostra di Picasso che abbiamo visto leggi questo materiale e studia il power point sez. Picasso

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Vedi anche i 2 video qui a fianco

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Picasso Metamorfosi - Materiale didattico pdf

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"Tuttomondo" e la memoria di Keith Haring a Pisa

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Keith Haring, un umanista a tutto tondo in mostra a Milano

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Milano (askanews) - L'immagine di un artista che va oltre se stessa. Succede qualcosa di simile nella mostra "About Art" che Palazzo Reale a Milano dedica a Keith Haring, una retrospettiva ampia, con un allestimento convincente e la voglia di ricostruire un ritratto più completo dell'artista americano, a volte liquidato come un semplice, seppur geniale, rappresentante di un mondo underground fatto di graffiti e street art.

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Se hai intenzione di portare una o più opere all'esame, stampa, compila e studia la scheda qui sotto, ti sarà molto utile come guida.

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Portrait Artist of the Year Season Three Episode 4

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Based on one program Portrait Artist of the Year Episode 301. These materials are divided into two parts. In part one Frank Skinner and Joan Bakewell launch a new search for a star portrait artist. The contestants will paint celebrity sitters as they hope

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Clicca sul virtual tour della pinacoteca di Brera!!!👍

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Brera | Virtual tour generated by Panotour