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Lita Cabellut es una artista multidisciplinar española

Tenéis más información en su página web

https://litacabellut.com

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Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

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En Goya x Lita Cabellut. Los Disparates. "Mísera humanidad, la culpa es tuya", los Disparates de Goya y las piezas de Cabellut, meticulosamente dispuestos, lejos de ser una simple exhibición visual, se presentan como una inmersión intelectual que desafía al observador a explorar las sinergias subyacentes, históricas y culturales entre los trabajos de estos dos artistas, estimulando así una apreciación más profunda y participativa de la riqueza conceptual que emana de este diálogo artístico.

Este encuentro con Goya ha llevado a Lita Cabellut, desde la humildad, a entender que las preocupaciones y las inclinaciones conceptuales, estéticas y emocionales del maestro aragonés siempre estuvieron presentes en su obra desde sus inicios. Esta amalgama de pensamientos y formas visuales se presenta como una travesía, donde se desentraña la esencia de la creación artística y se abraza la complejidad inherente a la comprensión estética.

La intrincada sinfonía dialéctica entre dos creadores de distintas épocas resalta la complejidad del proceso intelectual que subyace en la interpretación de sus obras. La confluencia conceptual y artística entre estas dos expresiones es un terreno fértil para la indagación profunda de la esencia de la exposición, cuya elaboración implica la convergencia de ambos pensamientos arbitrarios y la síntesis de códigos no tan evidentes, desafiando así la capacidad cognitiva del espectador, pero al mismo tiempo con un estímulo sensitivo evidente.

En palabras del comisario de la exposición, Eloy Martínez de la Pera: "Dos miradas que analizan el alma del ser humano. Diálogos entre Goya y Cabellut. Ellos nos hablan de miedo, de envidia, de amistad, de amor, de violencia, de ideología, de política, del caos, de la vejez, de ambición, de poder, de lealtad. Y lo hacen arrojando luz sobre estos conceptos. Una luz metafórica que nos acompaña a adentrarnos en la condición humana, y una luz plástica esencial para entender su forma de 'entender' el arte."

Lita Cabellut (1961, España) es una artista de campo amplio que vive y trabaja en los Países Bajos, donde fue reconocida Artista del Año 2021. Su condición de artista en plenitud hace que su actividad artística se desarrolle en múltiples disciplinas. Es reconocida por ser la tercera artista española más cotizada y sus trabajos han sido expuestos en numerosos museos alrededor del mundo.

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Goya x Lita Cabellut. Los Disparates. - Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

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Inspirada en los Disparates de Goya, la artista multidisciplinar Lita Cabellut presenta esta exposición en la que se muestran las miradas de ambos artistas sobre la condición humana, expresados a través de lenguajes artísticos diferentes. [...]

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“El color sólo se produce gracias a la luz, y la luz es la única razón por la que existe la vida” afirma Pantone.  

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Felipe Pantone es un artista argentino-español. Se lincenció en Bellas Artes en Valencia, donde tiene su estudio (ahora perjudicado por la DANA). Es un grafitero cuya obra trata sobre dinamismo, la transformación, la revolución digital y temas relacionados con la actualidad. Sus exposiciones son pura experiencia en movimiento atrayendo a niños y niñas, jóvenes y mayores.

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Os animo a descubrir a esta artista zaragozana de proyección internacional. Su arte "naif" lo veo muy aplicable a las aulas. Su colorida obra trasmite reflexión y siempre acompaña con una palabra lo que intenta reflejar.

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Eva Armisén diseña la campaña de Nongshim USA. Imágenes de la familia se pasean por Las Vegas, Washington DC, New York y San Francisco

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Educardo Kobra es un artista urbano brasileño hiperrealista que se caracteriza por llenar de cuadrículas de colores todas las imágenes que representa en muros enormes. Además de esta imagen de Anna Frank, son muy conocidas la de Santa Teresa de Calcuta y Gandhi en Nueva York o Dalí en Murcia.

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Hiperrealismo en grandes dimensiones

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Judith Scott fue una escultora estadounidense reconocida internacionalmente. Nació en 1943 en Ohio con su hermana gemela, Joyce, quien asumió su tutela en 1985. En 1987, Judith comenzó a asistir al Creative Growth Art Center, una institución pionera en ofrecer espacios de estudio a artistas con discapacidad. Al principio, Judith mostró poco interés en el arte, pero después de dos años, descubrió su talento y desarrolló un estilo único. Utilizaba objetos encontrados, envolviéndolos en hilos de colores para crear esculturas. Trabajó durante dieciocho años y produjo más de 200 piezas, muchas de las cuales reflejan su experiencia como gemela (Wikipedia, s.f.).

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Juan Zamora es un polifacético artista que combina la biología y el arte visual en piezas poéticas.

Su trabajo se centra en crear un espacio interdisciplinar entre arte, ciencia, música y la práctica social, todo ello desde el punto de vista ecológico.

Su obra se expone en salas y galerias por todo el mundo;The Smithsonian's Hirshhorn Museum de Washigton, The National Museum and Research Center de Altamira, La Galería Nacional de Costa Rica, NC-Arte Foundation de Bogotá, The MoCA Museum de Taipei, La Tabacalera de Madrid o La Fundación Sorigué. También ha participando en diferentes bienales como Manifesta (Europa) o La Bienal del Bioceno (Ecuador)

Todo su trabajo resulta muy inspirador para los procesos que se pueden dar en el aula.

https://www.rtve.es/play/videos/metropolis/juan-zamora/7001960/

https://www.instagram.com/jvanzamora/

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obra perteneciente al grupo de puertas y paisajes

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Cristina Iglesias es una artista española, creadora de instalaciones, esculturas y profesora. Premio Nacional de Artes Pláticas (1999)

Premio de arte de Berlín (2012) y

Real Academia de Arte(2020)

Perteneciente a una generación de artistas que desde los años 80 ha transformado el concepto de escultura en el ámbito de las instalaciones, sus obras reflejan un vocabulario estético basado en el uso de diferentes materiales (hormigón, alabastro, resina, hierro, vidrio, etc., a veces combinados con motivos vegetales) y diferentes técnicas (bajorrelieve, tapiz o serigrafía de gran formato, sobre seda y cobre) que reflejan el interés de la artista por el espacio, la arquitectura, la literatura y la geología.

https://cristinaiglesias.com

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Pedro Cano es un pintor de Blanca, Murcia, que empezó a pintar al óleo de manera autodidacta con la edad de 11 años. Aunque se le reconoce por su estilo muy personal, Cano tiene una habilidad única para combinar técnicas y colores que transportan al espectador a diferentes rincones del mundo. Es un amante de los viajes, y eso se nota en su obra: desde las texturas de las antiguas ciudades italianas hasta la luz cálida de los paisajes mediterráneos, su pintura es un reflejo de sus experiencias y de su sensibilidad hacia el entorno.

Cano se destaca especialmente por sus acuarelas, donde explora el color y la luz de una manera casi mágica. Sus obras, aunque tienen un toque contemporáneo, siempre respetan y dialogan con las técnicas tradicionales. Además, su interés por la cultura clásica se siente en muchos de sus trabajos, con referencias a la mitología y a la historia, pero siempre desde un punto de vista muy personal y moderno.

Aunque ha vivido y trabajado en lugares como Roma y Nueva York, Pedro Cano siempre lleva a Murcia en el corazón. Su relación con su tierra natal es profunda, y esto se refleja en las exposiciones y actividades culturales que organiza en su Fundación en Blanca. Gracias a esta Fundación, muchos jóvenes artistas tienen la oportunidad de desarrollar su talento y compartirlo con el mundo, demostrando que el arte puede conectar culturas y generaciones.

Actualmente podemos disfrutar de una exposición del autor en el Real Casino de Murcia.

Os comparto un link a la noticia que refieres esta exposición.

Os invito a disfrutar de la belleza de sus obras.

https://realcasinomurcia.com/pedro-cano-inaugura-de-un-pueblo-de-murcia/

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Originaria de Buenos Aires, Argentina, se crió en la Patagonia, a la ciudad de Comodoro Rivadavia en la Provincia del Chubut, donde tuvo su primer contacto con el Arte.

Allí cursó la carrera de Bellas Artes. Años más tarde, de regreso a su ciudad natal, se graduó en Diseño de Interiores. Actualmente se encuentro viviendo en Madrid.

En referencia a sutrabajo artístico, se identifica con la idea de mezclar diferentes técnicas visuales donde intenta conjugar el amplio abanico de referencias creativas que le fueron construyendo y formando como artista ; explorando en distintos medios, como la pintura, el grabado, la fotografía, la serigrafía textil, el collage, el diseño interior etc.

Considera que la unidad en sus trabajos radica en el uso del color, la expresividad, la reinterpretación de las formas y la experimentación; buscando que cada obra tenga su propia narrativa e identidad.

https://www.instagram.com/silvinachinni/

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Alfonso Cruz es un poeta y pintor tarrasense con una gran trayectoria artística. Sus obras están inspiradas en el Realismo y el Hiperrealismo donde a partir de 1992 se inicia en el Expresionismo experimentando la pintura bajo el mar gracias a su formación profesional como buceador. Los paisajes marinos son pintados en directo mediante su espátula gracias a la impermeabilización del lienzo, permitiendo la adherencia del óleo a la tela. Se caracterizan el tratamiento cromático de su obra, sobre todo en los azules, así como su composición y creaciones rápidas, disponiendo de 2 horas de oxígeno en cada inmersión. Personalmente, he podido conocerlo y acudir a dos de sus exposiciones, tanto de paisajes marinos como retratos hiperrealistas aquí en mi ciudad, Terrassa, los cuales son una experiencia única que llena todos tus sentidos.

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Concurso de Arte Urbano “Galería Cincuenta 700” | Bienvenidos a la página oficial del Ayuntamiento de Caspe

En mi localidad, Caspe, se llevan realizando 3 ediciones de un concurso de arte mural, invitando así a artistas de todo el país a realizar sus obras en las calles de la ciudad. En la imagen, se puede ver a la ganadora del concurso en la I edición.

A continuación, os comparto el enlace con el ganador de la II edición: Así han quedado las cuatro nuevas obras murales de la Galería Cincuenta700 que decora Caspe (lacomarca.net)

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Esta semana he estado de visita por Salamanca y me ha encantado visitar el Barrio del Oeste. Está repleto de murales y pinturas muy creativas. Se empezó trabajando sobre puertas de garaje y de comercios. En 2023 en total han participado 23 artistas y posteriormente se han ido añadiendo nuevas piezas. Lo que mas me ha gustado es la variedad de temáticas, estilos y colores que se aprecian. A pesar de contar con un mapa en el que especificaba en que punto se encontraba cada uno, lo mas interesante me ha parecido dejarse llevar por las calles e ir descubriéndolos. Si visitáis Salamanca os lo recomiendo mucho!

P.D: A continuación os dejo un enlace a una carpeta de drive con fotos que saqué, espero que os guste!

https://drive.google.com/drive/folders/1pnt-KcBlKaPI2tobvArtORcgkxDPQ-n2?usp=sharing

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El fotógrafo y artista británico-ghanés, Campbell, creció en una familia en la que se seguía la religión "testigos de jehova". Su orientación homosexual le hizo vivir una infancia difícil y le costó la relación con sus familiares. Desde que se graduó en Central Saint Martins en 2016, las impactantes imágenes de Addy le han valido el éxito internacional y premios como la lista Forbes 30 under 30 de 2021 y los British Fashion Awards tanto en 2018 como en 19. Pero sin duda su mayor lanzamiento fue la exposición creada en 2023, "I love campbell", donde por primera vez de forma individual consiguió crear una exposición en solitario colaborando con 180 estudios. podemos ver en sus fotografías temas como el amor, la vulnerabilidad y la visibilidad de la cultura africana.

En su portafolio podemos apreciar desde retratos hasta proyectos que exploran la identidad y la experiencia personal. Uno de sus proyectos mas notables es "Feeling Seen", un libro profundamente poderoso que presenta su obra fotográfica.

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180 Studios X Campbell Addy: I ❤ Campbell

180 Studios presents the first exhibition by acclaimed fashion photographer Campbell Addy, the first solo show in the artist's eight-year career. Featuring a newly conceived set of iconic images and a short film shot on location in Ghana, I ❤ Campbell is a personal meditation on the artist's roots and inspirations.

Consisting of 36 original pieces, this new exhibition charts his journey up to this new vantage point he has gained. Featuring a selection of works ranging from photography, paintings, a new film and spatial design curated by renowned Set Designer Ibby Njoya, the exhibition intends to be an immersive experience. Designed by instrumentalist and producer CKTRL, a soundscapeaccompanies all participants through the exhibition with results he describes as a "world within love, grounded by nature."

In July 2016, photographer and artist Campbell Addy (b. 1993, London, UK) graduated from Central Saint Martins and founded Nii Journal and Nii Agency. Built to challenge perceptions of what it means to be beautiful, it offered an alternative perspective on who and what constitutes beauty and style in our modern fashion industry.

It was the start of a journey that's seen Addy become one of the world's leading contemporary fashion photographers, gracing covers of the likes of Vogue, Harpers, Wall Street Journal, Dazed and i-D. When generation-defining figures seek a lens, Beyoncé, Naomi Campbell, Bukayo Saka, Meghan Markle and Edward Enninful, all turn to Addy for his elegant portraiture.

Now, at a turning point in his life and career, Addy is contemplative, questioning his purpose and direction. There is a desire to rediscover what had first sparked his creative curiosity. "I'd lost the creative Campbell that did Nii Journal," he starts, "the fearless person who dragged a door from the street into his room to make photographs."

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180 Studios X Campbell Addy: I ❤ Campbell 180 Studios presents the first exhibition by acclaimed fashion photographer Campbell Addy, the first solo show in the artist's eight-year career. Featuring a newly conceived set of iconic images and a short film shot on location in Ghana, I ❤ Campbell is a personal meditation on the artist's roots and inspirations.

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Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech,¹​ marqués de Dalí de Púbol (Figueras, 11 de mayo de 1904-Figueras, 23 de enero de 1989) fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español del siglo xx. Se le considera uno de los máximos representantes del surrealismo.

Salvador Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante.​ Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la capacidad de acrisolar un estilo genuinamente personal y palpable al primer contacto, que en realidad era muy ecléctico y que «succionó» de innovaciones ajenas. Una de sus pinturas más célebres es La persistencia de la memoria (también conocida como Los relojes blandos), realizada en 1931.

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Buenos días, soy Lucía Iglesias Fernández y hoy vengo a presentar esta pieza que se encuentra en el Museo de Arte Contemporáneo de Cracovia, en Polonia. Kristof Kintera es un artista y escultor checo, es conocido por sus esculturas mecánicas creadas usualmente a través de elementos encontrados que distorsionan la realidad. Esta silueta parece disolverse, asumiendo que alguien se encuentra inmerso en sus pensamientos (en este caso oscuros), a punto de desaparecer en un charco de lodo. Esta obra busca capturar la dinámica de la depresión, donde las personas pierden la apariencia de humanidad interna hasta dejarse caer por completo en un agujero negro.

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Niña con globo (2006)

Banksy es el seudónimo de un artista callejero de origen británico. Su vida se empezó a implicar con el grafiti alrededor de los años 80, con el boom del aerosol. Su trabajo, en su gran mayoría piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, combina la escritura con grafitis, estarcidos y plantillas.

La identidad oculta de Banksy

¿Quién es Banksy? Una pregunta que aún continúa en el aire y que diversos medios e investigadores han intentado descubrir. The Guardian, en 2003, ya especuló con la identidad del famoso grafitero. Por aquél entonces, el artista más enigmático tendría 28 años y seria un hombre blanco de Bristol, despreocupado con su imagen. Algunas investigaciones lo describen como un hombre alto y rubio.

Se cree comúnmente que Banksy es Robin Gunningham, nacido el 28 de julio de 1973 en Yate, localidad muy cercana a Bristol. Varios de los ex compañeros de Gunningham en la Escuela de la Catedral de Bristol han corroborado este rumor y en 2016, un estudio encontró que la incidencia de las obras de Banksy se correlacionaba con los movimientos de Gunningham en la zona

Se especulaba que Banksy es Robert Del Naja , líder de la banda de trip hop Massive Attack, quien fue un artista de grafiti durante la década de 1980 antes de formar la banda y previamente había sido identificado como amigo personal de Banksy. En septiembre de 2020, apareció una teoría de una nueva identidad a través de Twitter, en donde se especularía que Banksy es el presentador del programa de televisión Art Attack, Neil Buchanan conocido por sus habilidades artísticas para hacer enormes obras de exterior. La teoría se basa en la coincidencia entre la permanencia de su banda en conciertos alrededor de las ciudades donde han ido apareciendo obras del artista. A día de hoy, la identidad sigue siendo un auténtico misterio.

La obra del artista por las calles y fuera de ellas.

Banksy investiga sin pedir disculpas la relación entre la percepción y la realidad en la impresión de Napalm. Considerado por muchos como una de las imágenes más inquietantes y duras de Banksy, atrae interés por cómo Estados Unidos se percibe a sí mismo y cómo lo perciben otras culturas.

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Tracey Emin es una artista británica reconocida dentro del grupo de los Young British Artists. Emin trabaja con medios como el dibujo, la pintura, la escultura, la fotografía, el texto en neón y la costura.

My Bed es su obra más conocida, desde que formó parte de la terna final del premio Turner en 1999. La pieza consistía en su propia cama sin hacer, con las sábanas con manchas amarillas, y en el suelo de alrededor había artículos de su habitación, como condones, paquetes de cigarrillos vacíos, un par de bragas con manchas menstruales y otros detritus domésticos, incluyendo un par de zapatillas. Aunque no ganó, dicha obra concitó enorme atención y abundantes crónicas en la prensa internacional.

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¡¡Hola!! Hoy voy a compartiros una artista de mi pueblo. Ella es Alba Tojo Rico, nacida en Álava. Sus obras implementan la mancha y el trazo, el color y la expresión, haciendo referencia a la figuración y a la abstracción. De una forma de trabajar experimental y expresiva, pasa a una experimentación más reflexiva y contemplativa, buscando aspectos concretos y profundizando en ellos.

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Emerging Print Making Artists International Encounter

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Las 10 Obras de Arte más Famosas de Frida Kahlo | Las Obras más Famosas de Kahlo

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Njideka Akunyili Crosby es una destacada artista visual contemporánea conocida por sus obras únicas e intrincadas que fusionan elementos de la cultura nigeriana y estadounidense.

Nació el 2 de febrero de 1983 en Enugu, Nigeria, y actualmente reside en Los Ángeles, California.

Estudió medicina y botánica en Nigeria antes de dedicarse a la carrera artística. Akunyili Crosby tiene una Licenciatura en Bellas Artes de la Academia de Bellas Artes de Pensilvania y una Maestría en Bellas Artes de la Universidad de Yale.

Su obra suele explorar temas de identidad, hibridación cultural y las complejidades de pertenecer a dos mundos diferentes. El arte de Akunyili Crosby se caracteriza por la meticulosa combinación de técnicas de pintura, dibujo, collage e impresión. A menudo incorpora fotografías personales y familiares en sus obras, creando narrativas complejas que reflejan sus experiencias como inmigrante.

Njideka Akunyili Crosby ha ganado reconocimiento internacional por sus contribuciones al arte contemporáneo, recibiendo numerosos premios y exhibiendo su trabajo en importantes galerías y museos alrededor del mundo. Su arte aborda cuestiones de raza, género y desplazamiento cultural, convirtiéndola en una figura destacada en la escena artística global.

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Yayoi Kusama: "Una mujer valiente que decidió enseñar al mundo su creatividad".

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Yayoi Kusama: "Una mujer valiente que decidió enseñar al mundo su creatividad".

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Yayoi Kusama es una artista japonesa que a lo largo de su carrera ha trabajado con una gran cantidad de medios incluyendo: pintura, escultura, arte performance e instalaciones; la mayoría de los cuales exhiben su interés temático en la psicodelia por la repetición y los patrones.

Desde que la descubrí, me fascina esta artista.

"Una mujer muy valiente que decidió enseñar al mundo su creatividad".

Os comparto aquí un vídeo de su biografía: https://www.youtube.com/watch?v=wjUi190ysdg

Os leo. ¡Un saludo a todos!

Marina Barroso.

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Hola! Mi nombre es Belén Troitiño Dono y vengo a hablaros de un compositor de música contemporánea llamado Arnold Schönberg, nacido en Viena en el año 1874 y fallecido en Los Ángeles en 1951. Además de ser un músico, violinista y unos de los máximos exponentes dentro de la música contemporánea, fue pintor, de hecho era íntimo amigo del pintor Kandinsky. Es reconocido como uno de los primeros compositores en adentrarse en la composición atonal, y especialmente por la creación de la técnica del dodecafonismo basada en series de doce notas musicales, abriendo la puerta al posterior desarrollo del serialismo de la segunda mitad del siglo xx. Además, fue el líder de la denominada Segunda Escuela de Viena. Arnold Schönberg planteó una de las grandes revoluciones estéticas del siglo xx convencido de que continuaba la tradición alemana. Le interesaba inscribirse dentro de una tradición cultural arraigada para apoyarse en algo conocido y seguro, antes de saltar al vacío y abandonar definitivamente la tonalidad funcional. Así, llevaría el cromatismo wagneriano a su punto culminante, hasta desintegrar el sistema y crear otro nuevo, basado en reglas muy diferentes, alejadas de la tensión entre armónicos que había reinado durante tres siglos en la música occidental. Profundamente influido por la corriente wagneriana que impregnó el fin del siglo, y también por las obras de Johannes Brahms, quien le servía como modelo para teorizar el lugar de la razón en el arte, las primeras composiciones de Schönberg se sitúan en el posromanticismo, y presentan las características propias de esta época: orquestación recargada y composiciones que toman elementos de otros géneros artísticos, a menudo de la literatura (el sexteto de cuerdas Noche transfigurada, el ciclo de canciones Gurrelieder, el poema sinfónico Pelleas y Melisande y la composición coral Paz en la Tierra). Schönberg era un hombre de letras en todo el sentido de la palabra. Escribió por sí mismo los libretos de sus oratorios y óperas, así como de muchas de sus canciones. Su vasta actividad educativa y una abundante correspondencia, así como la necesidad de defender sus obras y teorías públicamente y de manera continua, fueron elementos decisivos en su formación. Sobre la base de ellos desarrolló un estilo que no admitía contradicción, a veces polémico. Es imposible valorar en toda su magnitud la influencia de Schönberg en la música del siglo xx. Su obra brindó un impulso radical a las técnicas de composición y sus fundamentos teóricos, que incluyen desde la atonalidad y la música dodecafónica hasta la música serial y, por último, la música electrónica.

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¡ Hola compis !

Soy Jesús Contreras Nieto. Tal y como nos ha solicitado Alicia en la sesión de presentación de hoy, os dejo a continuación un autor contemporáneo que me ha llamado la atención… ¡Me he decantado por el escultor Tatsuo Miyajima (nacido en Tokyo en 1957)! Este es capaz de crear obras de arte con distintas instalaciones de luz. Os invito a acceder al artículo para indagar un poco más sobre él.

Un saludo y os deseo una buena entrada de curso.

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Light Emitting Diode, IC, Electric wire, Specular stainless steel, Mirror glass, Plexiglass. Courtesy SCAI THE BATHHOUSE and Lisson Gallery
549.0 x 208.0 Ø cm

Installation at Art Tower Mito

2008

Photo: Daici Ano

"Hoto" means a treasure tower/pagoda, appeared in a scene in Buddhist scripture the "Lotus Sutra." According to the sutra, a huge tower emerges from the ground and rises into the air, and is decorated with seven kinds of beautiful jewels. It is about half the size of Earth! It is all glittering and shining! What does such an amazing tower mean? Actually, Buddhism says that it is a symbol of a person's life. Life cannot be described without such an unusual, impossible story because 'life' is certainly nothing but a miracle.

This art work "Hoto" is based on this story.

Compared with Miyajima's other works, it is exceptional in terms of size, with excessive decoration and unusual design to express a miraculous story of 'Life.' Furthermore, the work is dedicated to you as a symbol of the "Art in You" concept. It is you who feel miracles in you and miracles of the others.

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"Hoto" means treasure tower which is one scene from Buddhism story "Lotus Sutra". Say that it come out from ground to the air, this huge tower decorated with 7 kind of beautiful jewels.

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La crítica y comisaria independiente Natalia Alonso estará al frente, por segundo año consecutivo del recorrido comisariado de Art Madrid que, junto al Programa de coleccionismo, formará parte de "One Shot Collectors".
Este programa se articula en torno a tres aspectos claves del mundo del arte: las obras, los comisarios y los coleccionistas. Estos elementos representan el itinerario de la producción artística actual, desde la propia pieza como materialización del talento creativo, pasando por la perspectiva crítica y labor interpretativa del comisario, hasta llegar al coleccionista que, como amante del arte, tiene una conexión emocional con la obra.

"ICONOSFERA"

Toda imagen es un artificio. Este axioma de Román Gubern se clava en la mente como el dedo del cartel de reclutamiento realizado por James Montgomery Flagg, que es portada del libro de Gubern titulado Medios icónicos de masas de finales de los años noventa del pasado siglo. En su último capítulo, dedicado a la imagen electrónica, esbozó el futuro que estaba por llegar.

Más información

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La crítica y comisaria independiente **Natalia Alonso** estará al frente, por segundo año consecutivo del recorrido comisariado de Art Madrid que, junto al Programa de coleccionismo, formará parte de **"One Shot Collectors"**._ Este programa se articula en torno a tres aspectos claves del mundo del arte: las obras, los comisarios y los coleccionistas.

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Portada del álbum ARTPOP de Lady Gaga, diseñada por Jeff Koons, 2013.

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Lady Gaga, cuyo nombre real es Stefani Joanne Angelina Germanotta, es una artista multifacética reconocida por su música, baile, y moda. Sin embargo, su habilidad para crear personajes y narrativas a través de sus actuaciones la sitúan cercana al arte de acción, en concreto a las prácticas performáticas. Así, desde que comenzara su carrera musical en 2008 con sencillos como “Poker Face” o “Just Dance”, ha continuado evolucionando y empujando los límites de lo que se considera música pop, consiguiendo enlazar el arte de la música con el arte de la performance. Además, Gaga es conocida por su valiente lucha contra el dolor crónico y su dedicación a crear conciencia sobre las enfermedades crónicas. Esto añade otra dimensión a su arte, ya que utiliza su plataforma para hablar de temas importantes y personales.

En resumen, Lady Gaga puede considerarse una artista performática porque su trabajo va más allá de la música. Utiliza el escenario como un espacio para contar historias, expresar emociones y provocar conversaciones, lo que la convierte en una obra de arte en sí misma.

Dato curioso: Lady Gaga conoció a Marina Abramovic en una exposición de la artista en el MoMA en 2010. Se quedó tan prendada de las performances de Abramovic, que le solicitó colaboración para poder aprender de sus prácticas artísticas. Así, posteriormente, Lady Gaga participó en un retiro de tres días en una zona natural retirada de lo urbano, en el estado de Nueva York. Durante este período, Gaga practicó el “método Abramovic”, con el que aprendió a utilizar el poder del silencio a través de la dieta austera y el aislamiento. El resultado de este encuentro entre ambas artistas fue un vídeo titulado “El Método Abramovic practicado por Lady Gaga”, en el que Gaga aparece sin ropa y gritando, lo cual ha generado mucha atención y debate en la escena del arte.

Cuestión: ¿Creéis que Lady Gaga puede ser considerada una artista de performance? ¿Por qué?

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Powone artista grafitero de Vigo, con años de experiencia y dejando sus obras por muchos lugares de esta ciudad y muchas otras. Realiza una autentica fotografía con los sprays.

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"Hay que buscar, buscar y buscar, porque si dejas de buscar estás muerto y yo no quiero morir creativamente. Quiero crear hasta el final"

Fallece Agustín Ibarrola.

Goian Bego

Visité el anterior Bosque de Oma y, sin duda, volveré al nuevo pinar. Es una suerte tenerlo cerquita de casa. Os dejo el enlace a la página web. Os animo a visitarlo.

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Conoce al artista detrás del bosque pintado en la Reserva de la Biosfera de Urdaibai, el escultor y pintor vasco Agustín Ibarrola

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Georg Baselitz es un pintor, escultor y dibujante nacido en Deutschbaselitz, Alemania en 1938. Gran pintor del neoexpresionismo, conocido por sus lienzos invertidos. “Siempre empiezo con una idea. Pero a medida que trabajo, la pintura se hace con el poder. Entonces empieza la lucha entre la idea preconcebida… Y la pintura, que lucha por su vida”. (Georg Baselitz). Sus dibujos, pinturas y esculturas siguen un camino alternativo y personal, que parte de principios expresionistas para desarrollar una trayectoria única. En sus primeras obras invertidas refleja recuerdos y vivencias de su juventud.
En 1979 da un paso más y empieza a realizar esculturas talladas en madera de gran tamaño. Las obras están en la misma línea que sus pinturas: son bastas, de gran tamaño,
invasivas, provocadoras y potentes. Para realizar piezas de carácter monumental emplea herramientas poco propias del arte: el uso de sierras y hachas.
Su obra se aleja un poco más del Expresionismo y se acerca al art brut. Los grandes museos y galerías de todo el mundo (entre ellos, el Centro Pompidou de París y el Museo Guggenheim Bilbao) siguen programando retrospectivas de su obra o exposiciones de nuevas piezas, que a día de hoy siguen atrayendo a cientos de miles de visitantes

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Clet Abraham es un artista francés nacido en 1966. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Rennes. El artista reside desde 2005 en Florencia, la ciudad donde se localiza la mayor parte de su trabajo, así como su taller.

Para Clet, estamos muy condicionados todo el tiempo por reglas y normas, hasta en la calle, siendo privados de nuestra libertad de expresión.

Por ello, desde hace unos años rediseña las señales de tráfico de algunas ciudades con un toque de ironía, cambiando tanto su aspecto físico, como el significado implícito de las mismas.

Su modus operandi son unas pegatinas de vinilo a las que da forma y piensa antes de colocarla en las señales de tráfico. Suele hacerlo a cara descubierta, asumiendo su autoría y pagando las multas que han llegado a alcanzar los 400 euros.

Los lugares en los que ha dejado su huella se extienden a rincones urbanos de todo el mundo. De hecho, su trabajo adquiere nuevos significados en función de la ciudad en la que se coloca: Londres, Hong Kong, Miami... incluso Barcelona y Valencia.

Además de su famoso Street art, Clet se ha labrado también una reputación por sus intervenciones en el ámbito de la escultura.

El propósito del artista con todo su trabajo es el de explorar una zona gris, con la que trata de demostrar que existe una distinción entre el concepto moral de lo bueno y lo malo. Entre lo que el sistema legal considera que se puede hacer o no. Las leyes son algo necesario en nuestras sociedades, pero al mismo tiempo deberíamos tener en cuenta que son meros instrumentos. Para él, nuestro deber es impulsar esa evolución continua y cuestionarnos las normas, para evitar limitarnos a seguirlas por costumbre.

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Artista chino conocido por su valiente y provocador enfoque en temas políticos y sociales a través de su arte. La instalación Sunflowers Seeds consiste en 100 millones de réplicas de semillas de girasol hechas a mano, esculpidas en porcelana y pintadas a mano.

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Museo de Arte Contemporáneo Madrid. MARTA AGUIRRE 

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Museo de Arte Contemporáneo Madrid. MARTA AGUIRRE 

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MARTA AGUIRRE

Tudela, 1983

La artista Marta Aguirre se forma en la Escuela de Artes y Oficios de Zaragoza, donde cursa el Bachillerato de Artes y se licencia en Bellas Artes en la Facultad Alonso Cano, en Granada. Después de realizar el Máster de Obra Gráfica en el Centro Internacional de Estampa Contemporánea en Betanzos (A Coruña), la pintora vuelve a Granada en 2015 para establecer allí su estudio de pintura y grabado. Marta Aguirre ha realizado numerosas exposiciones colectivas e individuales en galerías e instituciones. De forma paralela a su obra gráfica y pictórica, trabaja en otros campos artísticos como el diseño y la ilustración, en empresas como Marrón Creativo y Les Cornes de Juju.

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La artista Marta Aguirre se forma en la Escuela de Artes y Oficios de Zaragoza, donde cursa el Bachillerato de Artes y se licencia en Bellas Artes en la Facultad Alonso Cano, en Granada. Después de realizar el Máster de Obra Gráfica en el Centro Internacional de Estampa Contemporánea en Betanzos (A Coruña), la pintora vuelve a Granada en 2015 para establecer allí su estudio de pintura y grabado. Marta Aguirre ha realizado numerosas exposiciones colectivas e individuales en galerías e instituciones. De forma paralela a su obra gráfica y pictórica, trabaja en otros campos artísticos como el diseño y la ilustración, en empresas como Marrón Creativo y Les Cornes de Juju.

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La artista Marta Aguirre se forma en la Escuela de Artes y Oficios de Zaragoza, donde cursa el Bachillerato de Artes y se licencia en Bellas Artes en la Facultad Alonso Cano, en Granada.

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"La Ciudad en el Museo" en Los Llanos de Aridane, isla de La Palma

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"La Ciudad en el Museo" en Los Llanos de Aridane, isla de La Palma

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Catálogo CEMFAC, la Ciudad en el Museo. Foro de Arte Contemporáneo, una exposición de arte permanente al aire libre en Los Llanos de Aridane

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Arquitectura gallega que...

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¿Qué es el feísmo gallego? - MEGA. Mundo Estrella Galicia

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Descubre este peculiar estilo arquitectónico de las casas de los pueblos de Galicia. Anímate a ver el feísmo gallego de primera mano.

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Nam June Paik es un artista surcoreano  Ha empleado diferentes medios en su trabajo y es considerado el principal artista del movimiento de videoarte.

Su deseo era hacer que el video fuera tan maleable como la pintura. Ningún equipo disponible pudo lograr lo que él llamó pantalla de video de fondo ( Video Wallpaper) . Paik ve la televisión como el lienzo de una nueva generación de artistas electrónicos. El sintetizador Abe-Paik permite contaminar y manipular la señal de video. Es la primera máquina destinada a distorsionar un video.

Nam June Paik es un gran artista contemporáneo y una figura central en el videoarte. A través de sus instalaciones, video esculturas, performances y videos, Nam June Paik ha redefinido nuestra percepción de la imagen temporal en el arte contemporáneo. Entre el mundo del arte y los medios, la tecnología y la filosofía, la obra de Paik se muestra con humor irreverente y una brillantez subversiva que ha influenciado de manera drástica en el arte, el video y la televisión. Tocando el tema de las teorías de comunicación global con una sensibilidad “anti Pop”, sus trabajos icono clásticos exploran la unión del arte y la cultura popular. Paik ha hecho una gran contribución a la historia y al desarrollo del video como una forma de arte.

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Maurits Cornelis Escher (1898-1972) El artista imposible

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Maurits Cornelis Escher (1898-1972) El artista imposible

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Escher fue un artista neerlandés conocido por sus obras con perspectivas imposibles e ilusiones ópticas, mostrando mundos imaginarios y oníricos.
Fue considerado el Maestro de la Geometría en el arte.
Estudió arquitectura y llegó a dominar a la perfección la técnica del grabado en madera
Su paso por la Alhambra de Granada le permitió conocer sus motivos ornamentales, lo que le llevó al uso de los patrones cuyos huecos rellenaba con otras formas que formaban otras figuras

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Wassily Kandinsky
Se considera que las pinturas de Kandinsky funden la percepción del oído y la vista. Él visualizaba sonidos como parches de color (arte sinestésico), era amante de la música de Wagner, y esta emergía en sus más abstractas creaciones. El entendimiento del papel que juegan: matices, música e iconografía en las obras de este maestro, nos puede abrir nuevos caminos en la apreciación de su arte y del ideal que lo guió durante su vida por su camino de abstracción y asombrosas imágenes.

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Interior del edificio Pérez Villalta (Algeciras)

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Guillermo Pérez Villalta es un pintor, escultor, grabador y diseñador y uno de los pintores más representativos del posmodernismo en España. Algunas fuentes le incluyen en una corriente que llaman neomanierismo.
Nació en la ciudad de Tarifa, pero una de las obras más representativas es el edificio Kursaal  en la ciudad de Algeciras.
Hoy en día, alberga en su interior bocetos y obras del artista, actualmente se llama edificio Pérez Villalta.

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BANKSY

Banksy es un artista contemporáneo conocido por sus trabajos de arte callejero, en concreto, por sus grafitis.

Destaca su obra "Girl with Balloon". Una obra realizada en blanco y negro en la que lo único que destaca es un globo de colore rojo.

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Leandro Barea es un ilustrador y diseñador gráfico gallego.

Sus creaciones no tienen una temática común, sino que hablan de situaciones cotidianas o reflejan distintas críticas sociales, pero siempre desde el humor y la ironía. Para ello utiliza diferentes técnicas: lienzo, murales, papel… por lo que su obra es muy variada.

Uno de sus proyectos más conocidos es una intervención urbana con spray en la que escribe “mas futvol por fabor”.

Os animo a conocer un poquito más de sus diseños y a reflexionar sobre ellos.

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Cindy Sherman es una de las fotógrafas más reconocidas a nivel internacional. La artista decidió utilizarse a sí misma como vehículo, al ser modelo y autora de sus imágenes.
Suele recurrir al disfraz, al maquillaje y a la escenografía, inventando un universo de juego y apariencia. Así, se convierte en sujeto y objeto de su obra, logrando subvertir los roles que se le atribuían a su sexo, como la pasividad.
Sherman no sólo hace de modelo, sino que se encarga de la escenografía, el vestuario y los accesorios. Asimismo, está a cargo del proceso técnico, como se puede ver en Película sin título todavía #6. Allí, a la izquierda, se asoma un cable que permite visibilizar la calidad de artificio de la imagen.

Mercè Garreta Papaceit

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Jordi Díez Fernández  es un escultor contemporáneo español; nace en Valladollid, el 5 de marzo de 1966. En la actualidad vive y trabaja en Centelles, Barcelona.
La expresión de la figura humana es el eje en el que gira su obra y se caracteriza principalmente por la creación de esculturas de acero inoxidable.
Su obra está repartida por todo el mundo en museos, templos, espacios públicos y colecciones particulares.
Yo conocí su obra por primera vez, cuando realizó un monumento a la figura del "Abate Marchena" en mi pueblo, Utrera.

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LilBlanc abandonó su carrera arquitectónica para crear cuadros que reflejan su singular perspectiva y creatividad. Comenzó con explosiones de color fucsia y evolucionó hacia la representación de atardeceres, especializándose en capturar la majestuosidad de los cielos que siempre cuentan una historia. Lo que distingue a LilBlanc es su eclecticismo artístico y su disposición a descubrir y desarrollar sus propias técnicas. Su espíritu nómada la lleva a buscar inspiración en todo el mundo, reflejando la esencia de sus aventuras en sus obras y conectando culturas a través del arte. Su portafolio refleja su pasión por el color, la naturaleza y la expresión emocional. Su trabajo ha sido reconocido y admirado a nivel mundial, y su influencia sigue creciendo.
LilBlanc es como un faro de luz en este mundo.
Os invito a que la conozcáis.

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David Noalia es un artista español. En su arte coexisten lo figurativo y lo abstracto. El primero como base, el segundo como inspiración. Pero es una batalla constante entre ambos, porque así como el ojo desdibuja una figura, manchas y líneas de color rompen el equilibrio que existía. Dice saber siempre cómo empieza, pero nunca cómo terminará. Conocer artistas de alto nivel, gracias y a través de tu propio alumnado, es una experiencia altamente gratificante. Os invito a conocer su obra.

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David Noalia es un artista español. En su arte coexisten lo figurativo y lo abstracto. El primero como base, el segundo como inspiración. Pero es una batalla constante entre ambos, porque así como el ojo desdibuja una figura, manchas y líneas de color rompen el equilibrio que existía. “Sé cómo empie…

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Carlos Arco (Sevilla, 1990) es un joven artista sevillano licenciado en Bellas Artes con especialidad en escultura. Sus grandes proyectos han sido dos maratones solidarias, una en Sevilla y otra  en Canadá. En ellas no solo pone el corazón en cada una de sus obras sino que muestra el mundo desde una mirada muy especial centrándose en detalles e interpretaciones que a muchos se nos escapan a la vista. Su compromiso personal fue realizar 400 cuadros en dos años, en el caso de Sevilla y la mitad del dinero recaudado iba destinado a alimentos infantiles en España. Después trasladó este mismo proyecto a Montreal, Canadá, con la misma filosofía pero en este caso destinando el dinero a becas de cursos de arte de una fundación canadiense.
En el siguiente enlace se pueden apreciar algunas de las obras de este artista comprometido con un mundo que embellece en cada pincelada.
https://www.facebook.com/400arco/photos_by?locale=es_ES

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En el universo de Felix Semper, las cosas no son lo que parecen. A primera vista, fácilmente podríamos pensar que sus esculturas están hechas de materiales como la piedra, el yeso o la madera. Y no es hasta que el artista las despliega como si fueran un acordeón cuando nos percatamos de que en realidad están compuestas por miles de hojas de papel. De ahí que con frecuencia se diga que ha redefinido el concepto de escultura tal y como lo conocíamos.

Detrás de estas impresionantes y divertidas obras de arte para clientes tanto particulares como empresas se esconde una complicada técnica. Primero, se pegan las hojas, una a una, como si fueran un acordeón. En el caso de los bustos, son 7.000, por lo que el proceso puede demorarse más de un mes -ahora Semper cuenta con una empresa que le ayuda en esta parte. Una vez está formado el bloque, se esculpe como si fuera una escultura de yeso, por ejemplo, con lijas y cuchillas, entre otras herramientas. Y finalmente se pinta.

“No hay leyes. Y eso fue una cosa muy importante para mí como artista”, explica.

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Lily Brick es una artista de Lleida que reivindica la vuelta a lo rural a través de sus murales. Destaca por sus murales de gran formato en los que se aprecian miradas feministas con un estilo romántico, impresionista y colorista. Utiliza pinceles y pintura plástica para colorear paredes de espacios rurales con obras de arte donde las mujeres, son las protagonistas.
Lily Brick en un referente para niños y niñas que aspiran a ser artistas.
Reconoce que su camino no ha sido nada fácil y advierte a los jóvenes que quieren ser muralistas: "Prepárate porque el mundo es complicado."

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Yayoi Kusama es una artista fascinante coetánea de Andy Warhol. Nació en Matsumoto (Japón) en 1939 y desde que era pequeña afirma que los objetos y los animales la hablaban tanto que “en ocasiones le dolían los oídos”.  Por aquella época no era bien visto que una mujer pintase y por ello su familia se oponía firmemente a que lo hiciera.

Su mayor fuente de inspiración en la época fue Goergia O’Keefee, a la cual llegó a escribir varias cartas y en su respuesta a Yayoi le animó a que fuera a América.

En 1958 decide irse a New York a instalarse como artista en un estudio propio. Comienza a ser conocida en el circuito independiente y consigue una buena repercusión con sus obras “ACCUMULATION Nº1” y “AGREGGATIOS: ONE THOUSAND BOATS SHOW” en las cuales traspasa el lienzo y comienzan a ser ambientales.

Hacia 1960 conoce a Andy Warhol con quien tendrá una estrecha relación que pasó por varias etapas. En esta misma época se hacen famosos sus HAPPENINGS donde los modelos posaban desnudos pintados con círculos de diferentes tamaños para expresar arte y política al mismo tiempo. Se sabe que también se relacionaba con Salvador Dalí en las épocas que el pintor estaba en New York.

En 1975 su condición psíquica empeora y vuelve a Japón y en 1977 ingresa en un psiquiátrico por voluntad propia donde reside en la actualidad pintando y creando arte.

Se puede observar parte de su obra en el museo Guggenheim de Bilbao hasta el 8 de octubre de este año.

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Considerado actualmente como uno de los artistas españoles con más proyección internacional. Autodidacta. De su obra destaca el dibujo y el propio proceso de creación de la obra. Su seña de identidad es la experimentación con materiales como el carbón graso y el agua, para lograr un efecto propio marca ‘Puche’. Muy ligado a su tierra, en la que podemos ver su vínculo en el Soho de Málaga, el museo Pompidou, el Centro de Arte Contemporáneo...

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Falla del ayuntamiento de Valencia 2018.

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Falla del ayuntamiento de Valencia 2018.

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Okuda San Miguel (Santander, 1980), licenciado en Bellas Artes, con trabajos de arte urbano reconocidos desde 1997 y con una evolución desde 2009 que le llevan a unas estructuras geométricas multicolores muy características, en ocasiones catalogadas como surrealismo pop con esencia de la calle, y que tratan contradicciones sobre el universo, el sentido de la vida, la conexión entre las raíces y la modernidad o el capitalismo. Sus obras pueden disfrutarse en galerías y espacios urbanos de países de todo el mundo como los Estados Unidos, Brasil, la India o Sudáfrica.

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Mural de Alegría del Prado en Belorado, Burgos.

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Es un dúo formado por Octavio Macías Alegría (Guadalajara, México) y Ester González del Prado (Burgos, España), trabajan juntos desde 2011 creando un arte mestizo con una sólida identidad artística. Con una obra muy variada en formatos y técnicas,  su trabajo en pintura y mural a gran escala es reconocido  a nivel internacional.
Es un auténtico placer pasear por Burgos y poder ver sus obras por la ciudad.

Blanca González Izquierdo

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Jerom es uno de los más grandes artistas actuales, muralista urbano que comenzó a pintar en las calles de Ibiza a principios de los 90. Su estilo figurativo en sus inicios evolucionó al hiperrealismo crítico que lo caracteriza actualmente.

Con el aerosol como la única herramienta, Jerom sabe cómo transferir la esencia de sus murales en la ciudad y en los lienzos de gran formato que le caracterizan como artista único en su género.

En los últimos años ha recorrido varios países europeos retratando personajes famosos como Valentino Rossi o Jordi Mollà, realizando encargos para marcas de gran prestigio como Fiat, Philip Morris, Hyundai, Nespresso, etc.

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Cuadros realizados en aerosol sobre lienzo - Artista JEROM

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Cuadros originales de gran formato realizados por el artista ibizenco Jerom, creados en aerosol sobre lienzo.

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Greleira de 50 pés, en Ordes (La Coruña).

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Yoseba Muruzábal, es un joven artista coruñés que convierte, a través del arte urbano, a las abuelas gallegas en superheroínas a través de murales gigantes, poniendo en valor el tesón, fuerza y trabajo de las mujeres en la historia de Galicia.
Son muy originales y llamativos y muestran, con humor, la realidad de tantas mujeres del rural gallego. Todas ellas con mandilones a cuadros, siendo este su supetraje, como él explica.

Almudena Leirós Rodríguez

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El Peine del Viento (Haizearen orrazia) es una obra del escultor donostiarra Eduardo Txillida que se encuentra incrustado en las rocas de la boca chica de la bahía de La Concha. No fue hecha para ser observada en un museo, sino para ser experimentada bajo el cielo y frente al mar de la Bella Easo. Está compuesto por tres esculturas de acero, de 10 toneladas de peso cada una. Además de las esculturas, se acondicionó una zona en sus alrededores con unas salidas de aire y agua que se abastecen de las olas que rompen contra las rocas y las esculturas.

Según el propio autor, el significado de El Peine del Viento responde a la idea conectar al hombre consigo mismo y con el cosmos. O lo que es lo mismo: la conexión entre el hombre y la naturaleza. Objetivo cumplido(mi opinión)
Espero que lo disfruten, es una maravilla.

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Lula Goce realizó este mural para un colegio público de Baiona (Pontevedra); para el proyecto “por un mar de igualdades”.

Espero que os guste.

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Mon Devane es un artista urbano ourensano especializado en murales y grafitis de estilo realista. Utiliza el spray como principal herramienta artística.

Espero que os guste.

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a gaiteira real Ourense. Agosto 2023. "A gaiteira Real" es el primer mural de gran formato que realiza Mon Devane en su ciudad natal, Ourense. Situado entre los barrios de Vistahermosa y O Couto, el mural es visible desde el principal acceso a Ourense entrando desde la autovía A-52, el acceso centro.

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En su arte conceptual destacan los elementos pop y kitsch. En sus propuestas prima el exceso.
Aunque ha realizado cuadros y fotografías, es reconocido por sus esculturas monumentales y relucientes. Su temática gira en torno a la belleza, el deseo y la banalidad.

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Con motivo del día mundial del corazón, se ha instalado esta obra del artista tanto en la fachada del Hospital Clinic de Barcelona como en la Universitat de Barcelona.

Este corazón secreto es una figura tridimensional e hinchable, con un peso aproximado de 150 kg, ¡ahí es nada! Ocupando 13 metros de altura y 9,5 metros de ancho. Estará disponible hasta el próximo lunes 2 de octubre.

Me encanta cómo ha conseguido el efecto de un corazón que quiere salir de las columnas, atrapando las mismas a través de las válvulas. Espero que os guste.

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BELIN para el público en general es un gran artista contemporáneo, nacido en Linares, al que tengo el gusto de conocer personalmente, pues coincidí en la misma clase que él en EGB. Ama el arte, las creaciones, viajar y conocer nuevos sitios, y a mi gusto, tiene una destreza impresionantemente buena con numerosas obras de arte contemporáneo.

Espero que disfrutéis, tanto como yo de sus creaciones. ¡Un saludo!

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Esta instalación tuvo lugar en la Primera Bienal de Arquitectura y Urbanismo de Seúl, en 2017. Es un dispositivo artístico que hacía medible y sensible la contaminación del aire de la ciudad, a través de la iluminación y la densidad del vapor de agua, que variaban dependiendo del nivel de polución. ¡Una manera muy original de acercar los datos científicos al público!

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Esta obra de diseño fue presentada por el grupo Superflux en la Bienal de Arquitectura de Venecia en el año 2021. En ella, plantean una mesa con todo dispuesto para comer, pero en la que hay sitio para todos: asientos para humanos, aves, avispas, e incluso plantas. ¡Toda una oda contra el cambio climático!

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Mike Kelley ensamblaba objetos que encontraba y hacía de ellos obras artísticas coloridas y sorprendentes. Fue uno de los exponentes del posmodernismo.

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Basquiat fue uno de los autores más importantes del movimiento neoexpresionista estadounidense en la segunda mitad del siglo XX. ¡Dato curioso! Su mecenas fue Andy Warhol.

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Artistas Contemporáneos © 2024 by Alumnado UNIR en la asignatura de Desarrollo de la Creatividad y la Expresión Plástica y Visual is licensed under CC BY-SA 4.0