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No período Paleolítico, o ser humano sobrevivia da coleta e da caça. Conhecido como Idade da Pedra Lascada, é o período mais antigo da Pré-História, abrangendo cerca de 2,5 milhões de anos a 10.000 a.C. É lembrado pelas ferramentas de pedra, caça, pesca, coleta e vida nômade, com o desenvolvimento da comunicação, uso do fogo e arte rupestre.

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No Parque Nacional da Serra da Capivara, no sul do Piauí, há diversas pinturas rupestres feitas pelo homem primitivo. 

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A Pré-História é um dos períodos da história humana, sendo marcada pelo surgimento e a evolução humana a partir do momento em que os hominídeos começaram a usar ferramentas de pedra.

É um período dividido entre Paleolítico, Mesolítico (período intermediário) e Neolítico.

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Conhecido como período entre os principais (Paleolítico e Neolítico). Correspondente aos anos 10 mil a 8 mil a.C., o Mesolítico foi marcado por transformações na vida dos hominídeos e na estrutura geológica e climática da Terra. Por ser uma fase de transição, foi marcado pela transformação na vida humana e no ambiente ao redor.

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Por ser um período de transição, o Mesolítico foi caracterizado por inúmeras mudanças, não apenas no meio ambiente, como também na forma como os hominídeos se organizavam e seus corpos mudavam com o passar do tempo. Uma das marcas do Período Neolítico é a sedentarização dos hominídeos, ou seja, os grupos humanos deixaram de se deslocar de um lugar para o outro e se fixaram em uma única região. Esse processo começou no Mesolítico, em razão da estabilidade geológica da Terra e da adaptação a esse ambiente.

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Marcada pela transição e começo da vida sedentária no Mesolítico, o Neolítico marca o fim da vida nômade. A descoberta e o controle do fogo marcaram a transição do Paleolítico para o Neolítico. Logo após o período em que os primeiros grupos humanos se adaptaram ao ambiente em busca da sobrevivência, o uso do fogo aperfeiçoou as ações desses grupos. Dessa forma, eles puderam caçar à noite, aquecer-se do frio e cozinhar os alimentos. Essas mudanças originadas pelo uso do fogo permitiram aos hominídeos explorar o meio ambiente a seu favor.

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O Stonehenge é um monumento megalítico com possível função astronômica e cerimonial.

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Este período é associado à técnica de polimento da pedra tornando os instrumentos mais eficazes, ao aparecimento da agricultura, da pastorícia, da tecelagem e dos primeiros aldeamentos. Surgiu a economia de produção. Acentuaram-se as diferenciações sociais, surgiram os cultos agrários e a construção de monumentos megalíticos.

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A Arte Egípcia nasceu há mais de 3000 anos a.C. e está ligada à religiosidade, visto que a maior parte das suas estátuas, pinturas, monumentos e obras arquitetônicas se manifesta em temas religiosos. As primeiras manifestações artísticas dos egípcios remontam ao Período Pré-Dinástico e foram sofrendo modificações ao longo dos milênios. A arte egípcia sofre influência de núbios, gregos, romanos, entre outras culturas.

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Pintura no Templo de Tebas exemplificando a lei da frontalidade na arte egípcia

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O faraó contratava artistas para desenhar e pintar nas paredes das pirâmides, que viriam a ser os seus túmulos. Essas pinturas detalhavam a vida deles e seu entorno, de modo que essa arte registra parte da história do Egito.

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Pilares decorados em um templo do Egito Antigo

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Na arquitetura egípcia, é natural que muitos se lembrem primeiramente das pirâmides, uma vez que são grandes obras da engenhosidade desse povo. Claro que a arquitetura egípcia não se resume a elas, pois existiram outras grandes construções realizadas por eles, como outros tipos de tumbas e templos.

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Escultura no Egito antigo: Desde as primeiras dinastias, faraós e deuses começaram a ser representados. Durante a IV Dinastia, a escultura egípcia atingiu o domínio absoluto da técnica, que se expressava em elegantes representações de soberanos de porte majestoso com acabamentos polidos em materiais tão duros como granito ou diorito.

Nas estátuas, prevalecia a lei da frontalidade, que consistia em conceber as figuras de reis e deuses para serem vistas de frente, idealizadas e com forte simetria. As representações dos cortesãos, no entanto, são mostradas com maior realismo.

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A arte grega abrange todas as manifestações artísticas e revela a história, a estética e mesmo a filosofia desta civilização.

O povo grego foi na antiguidade um dos que exibiam manifestações culturais mais livres, rendendo-se pouco às ordens de reis e sacerdotes, pois acreditavam que o ser humano era a concepção mais incrível do universo.

A arte grega passou pelos períodos arcaico, clássico e helenístico, e cada uma dessas fases históricas, influenciou a elaboração das obras.

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Partenon de Atenas: templo dedicado a deusa Atena

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Segundo Ferreira (1997, p. 82): “Na época clássica, os templos passaram a ter maior número de dependências internas. Na entrada ficava um vestíbulo, o pronaos, e o recinto principal recebia o nome de nãos. Neste último colocavam a imagem do deus ao qual o templo era dedicado. Na parte posterior localizava-se o opistódomo, local onde os fiéis depositavam suas oferendas”.

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Kouros de Anavissos, c. 530 a.C., período arcaico

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No Período Arcaico os gregos começaram a esculpir, em mármores, grandes figuras de homens. Primeiramente aparecem esculturas simétricas, em rigorosa posição frontal, com o peso do corpo igualmente distribuído sobre as duas pernas. Esse tipo de estátua é chamado Kouros (palavra grega: homem jovem).

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O Doríforo, de Policleto, período clássico

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No Período Clássico passou-se a procurar movimento nas estátuas, para isto, se começou a usar o bronze que era mais resistente do que o mármore, podendo fixar o movimento sem se quebrar. Surge o nu feminino, pois no período arcaico, as figuras de mulher eram esculpidas sempre vestidas.

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Laocoonte e seus filhos, período helenista

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No Período Helenístico é notável o crescente naturalismo: os seres humanos não eram representados apenas de acordo com a idade e a personalidade, mas também segundo as emoções e o estado de espírito de um momento. O grande desafio e a grande conquista da escultura do período helenístico foi a representação não de uma figura apenas, mas de grupos de figuras que mantivessem a sugestão de mobilidade e fossem bonitos de todos os ângulos que pudessem ser observados.

Os escultores mais importantes da Grécia antiga foram: Fídias, Policleto, Miron e Praxíteles.

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Detalhe de ânfora monumental do período geométrico

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A pintura grega encontra-se na arte cerâmica. Os vasos gregos são também conhecidos não só pelo equilíbrio de sua forma, mas também pela harmonia entre o desenho, as cores e o espaço utilizado para a ornamentação. Além de servir para rituais religiosos, esses vasos eram usados para armazenar, entre outras coisas, água, vinho, azeite e mantimentos.

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No filme Hércules da Disney, as Musas são cinco deusas das artes que narram a história e cantam as músicas do filme, funcionando como um coro grego. Elas são Calliope, Clio, Melpomene, Terpsícore e Tália. Em diversas partes do filme, elas são representadas pintadas em cerâmicas.

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A Arte Românica faz referência a um estilo que surgiu durante a Idade Média, mais precisamente na Alta Idade Média (entre os séculos XI e XIII).

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Igreja Notre-Dame la Grande de Poitiers, França

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Uma das característica fundamentais da arquitetura românica era suas obras construídas segundo a horizontalidade. As construções que seguem a arte românica não são obras que se destacavam por sua altura, mas pela extensão.

Muitas igrejas, conventos, mosteiros e catedrais, pro exemplo, acabaram sendo construídas com esse estilo. Muitos possuíam uma parede bem grossa com pouco adornos em seu interior.

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Pintura românica no altar da Igreja de Santa Maria de Aviá em Barcelona, Espanha

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Temas bíblicos e religiosos marcam a pintura românica. Geralmente, essas pinturas adornavam as igrejas e catedrais da época.

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Escultura românica no tímpano da Catedral de São Lázaro em Autun, França

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Da mesma forma que na pintura românica, as esculturas românicas eram produzidas para adornar os locais sagrados.

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A Arte Bizantina é uma arte cristã que surge no período em que o Cristianismo passa a ser reconhecido como religião.

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Pintura paleocristã na Catacumba de Santa Priscila, Roma, séc II

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Esse período revela a exuberância de uma arte que pretende ser vista, divulgada e que tinha como propósito instruir os devotos, neles incutindo a devoção ao Cristianismo.

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Basílica de São Vital, em Ravena, Itália

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O imperador mandou construir igrejas onde os convertidos pudessem se reunir para rezar.

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Ícones de André Rublev. À esquerda, Solenidade da Santíssima Trindade; à direita, Nossa Senhora da Misericórdia

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A predominância dos temas religiosos dá destaque às pinturas feitas nas igrejas.

Nessa época foi criado o ícone, uma vertente da pintura bizantina. Ícone em grego significa imagem e nesse contexto representavam personagens religiosas como a Virgem e Cristo, além de santos.

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Interior da Catedral de Sevilha, na Espanha

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Arte gótica ou estilo gótico é o estilo artístico que surgiu na Europa durante o final da Idade Média, com a presença de esculturas, vitrais e pinturas, além das grandes construções civis como as igrejas.

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A pintura gótica se desenvolveu nos séculos XIII, XIX e início do século XX. O maior marco da pintura desse estilo foi trazer para as telas e paredes das igrejas e mais representatividade humana, diferente da arte românica.

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À esquerda, escultura de Giovanni Pisano (1305). À direita, O Cavaleiro, autoria desconhecida, cerca de 1235, na Catedral de Bamberg (Alemanha).

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A escultura gótica expressa o desejo de verticalidade. Contudo, esboça também o naturalismo capaz de atribuir movimento e vida às esculturas, as quais são, quase sempre, um complemento à arquitetura.

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O Renascimento representou uma das vertentes do período renascentista com a profusão de diversas obras.

Lembre-se que o Renascimento foi um movimento artístico, intelectual e cultural que teve início no século XV na Itália.

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Considerado o “Gigante do Renascimento”, destacou-se com a produção de sua escultura de diversas obras.

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Pintor e desenhista italiano, Boticcelli foi um dos principais nomes do renascimento italiano.

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Cúpula da Catedral Santa Maria del Fiore (1438) em Florença

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A igreja principal de Florença, Itália, é a Catedral de Santa Maria del Fiore, também conhecida como Duomo de Florença. Esta catedral é um dos principais pontos turísticos e religiosos da cidade.

A Catedral de Santa Maria del Fiore é notável pela sua imponente cúpula, projetada por Filippo Brunelleschi, que é considerada uma das maiores cúpulas de alvenaria do mundo. A catedral faz parte de um complexo arquitetônico que inclui o Batistério de São João e a Campanile de Giotto.

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Arquitetura Maneirista: Palácio de Fontainebleau, França

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O Maneirismo representa um estilo artístico que surgiu na Itália no século XVI, no período entre a Renascença e o Barroco (1520 a 1600).

Nesse período, a Europa passava por diversas transformações políticas, econômicas e culturais, tal qual o Renascimento e a Contrarreforma.

Isso fez surgir uma nova estética que fugia dos moldes tradicionais e que se espalhou rapidamente por toda a Europa.

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"A Primavera" de Giuseppe Arcimboldo é uma pintura maneirista.

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O estilo maneirista apresenta elementos do renascimento, movimento artístico que começa a entrar em decadência no período que ele surge, contudo, põe em evidência elementos novos e que, por isso, geram estranheza. Nesse sentido, faz-se necessário evidenciar que o impulso em criar coisas novas e inesperadas era o que movia os artistas maneiristas. Dentre os elementos que eles inserem em suas produções estão os labirintos, espirais e as proporções estranhas.

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Giambologna foi um escultor maneirista italiano, conhecido por suas obras expressivas e dinâmicas, que se destacam pelo movimento e pela beleza formal. Ele foi um dos principais representantes do maneirismo, estilo que floresceu na Itália após o Renascimento e antes do Barroco.

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O Barroco é um estilo que dominou a arquitetura, a pintura, a literatura e a música na Europa do século XVII.

Por isso, toda a cultura desse período, incluindo costumes, valores e relações sociais, é chamada de "barroca".

Essa época surgiu no final do Renascimento e manifestava-se por meio de grande ostentação e extravagância entre os grupos beneficiados pelas riquezas da colonização.

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O Êxtase de Santa Teresa (1647-1652), de Bernini

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Bernini foi um escultor e arquiteto italiano. Suas obras encontram-se em Roma e no Vaticano, entre elas: a "Praça de São Pedro", "Catedral de São Pedro", "O Êxtase de Santa Teresa", "Busto de Paulo V" e "Castelo de Santo Ângelo".

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Sant'ivo alla Sapienza (1642-1660), de Borromini

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Francesco Borromini foi arquiteto e escultor italiano. Entre suas obras destacam-se: a "Catedral de São Pedro", "Sant'Agnese in Agone", "Palazzo Spada", "Palazzo Barberini", "Sant'Ivo alla Sapienza" e a "Igreja de San Carlo alle Quattro Fontane".

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A Espanha foi o centro dos poetas barrocos, dos quais se destacaram: Quevedo, Gôngora, Cervantes, Lope de Vega, Calderón, Tirso de Molina, Gracián e Mateo Alemán.

Eles que fizeram a melhor literatura do século XVII, assimilada pelo resto da Europa a partir da segunda metade do século XVII.

Além da literatura, o barroco espanhol foi um dos mais marcantes desse período, onde se destaca o pintor Diego Velázquez e as obras: "As meninas", "Velha fritando ovos", "Retrato de um homem" e "Cristo Crucificado".

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Afresco em estilo rococó, no interior do Palácio de Nymphenburg, Munique, Alemanha

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Rococó é um substantivo masculino de origem francesa (rocaille, que significa “concha”) e faz alusão a um estilo artístico tipicamente decorativo.

Ele prosperou na Europa (especialmente no sul da Alemanha e na Áustria) do início ao fim do século XVIII, marcando a passagem do Barroco para o Arcadismo.

Caracterizado pelo uso de conchas, laços e flores em seus adornos, o estilo rococó predominou na esfera da arquitetura, escultura e pintura. Elas deveriam se complementar harmonicamente, muitas vezes pela união de artistas especializados em afazeres distintos.

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Escrivaninha (1781), de Jean-Henri Riesener, uma mobília do rococó

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O mobiliário rococó ou em estilo Luís XV valoriza as formas de concha, as folhagens, as flores. É conhecido pelo requinte, pela sofisticação e pelo seu caráter decorativo, agradável. As linhas sinuosas e harmônicas são valorizadas.

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Igreja de Santa Maria Madalena, um projeto arquitetônico de André Soares

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Assim como no Brasil, a temática religiosa esteve fortemente presente na arte rococó portuguesa do século XVIII. O estilo floresceu no Noroeste do país, sendo o arquiteto André Soares (1720-1769) o principal nome do rococó português. Assim, aproximadamente entre 1746 e 1787, duas estéticas predominaram nas artes portuguesas: o barroco e o rococó.

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O balanço, de Jean-Honoré Fragonard, obra do rococó

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Étienne-Maurice FALCONET (1716-1791) Pigmalião e Galatea, 1763. Mármore, 59.5×40×29. The Walters Art Museum, Mount Vernon, Baltimore, Maryland, EUA.

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O grupo escultural, exibido no Salão de Paris, em 1763, apresenta uma jovem de pé, totalmente nua, sobre uma pedra que acaba de ser escavada. Do lado esquerdo, por trás dela, sobre a pedra em forma de nuvem apoia-se um putto, que lhe beija a mão direita. A jovem se inclina levemente para o escultor ajoelhado à sua frente, que em êxtase, levanta a cabeça em direção à bela mulher, entrelaçando as mãos, encantado, agradecido por seu despertar.  Aos seus pés do lado esquerdo encontram-se as ferramentas de trabalho, o martelo, os formões e o cinzel.

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O Juramento dos Horácios (1784), de Jacques-Louis David

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O neoclassicismo é um estilo semelhante ao classicismo. Ambos trazem a mesma concepção. O prefixo “neo” é utilizado para indicar que os artistas estavam fazendo uma retomada da estética do classicismo."

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Perseu com a cabeça da Medusa (1800), de Antonio Canova

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Perseu contempla a cabeça decapitada de Medusa, um dos temas mais apreciados pelos artistas antigos e neoclássicos. Vê-se a capa de Hades, as sandálias de Hermes e a espada; observar a posição dos pés, que conferem movimento à estátua.

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A Igreja da Madalena, em Paris, na França

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Os projetos arquitetônicos do neoclassicismo são caracterizados pela harmonia geométrica, fruto da racionalidade neoclássica. Assim, os arquitetos valorizam a simplicidade em contraposição aos excessos barrocos. O objetivo é fazer com que uma cidade seja um espaço ideal, planejado, simétrico e funcional.

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Still Life with Golden Bream (1812), Francisco de Goya

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O romantismo é um movimento artístico e cultural caracterizado pelo sentimentalismo, subjetivismo e fuga da realidade.

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Francisco José de Goya y Lucientes foi um pintor e gravador espanhol. É considerado o mais importante artista espanhol do final do século XVIII e começo do século XIX.
Suas pinturas, desenhos e gravuras refletiram transformações históricas contemporâneas e influenciaram importantes pintores dos séculos XIX e XX. Goya é frequentemente referido como o último dos Velhos Mestres e o primeiro dos modernos.

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Goya trabalhou o tema da bruxaria em diversas obras, adotando diferentes perspectivas. Ora cômica, ora satírica e até mesmo em gravuras com críticas sociais, as bruxas perpassam o itinerário artístico do pintor. Hoje, é difícil não pensar em Goya quando falamos do tema na pintura.

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El Gran Macho Cabrio o brujas sábado, de Goya (1823)

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Em cartas trocadas com seu amigo Martín Zapater em fevereiro de 1784, o pintor afirmou:

“Eu já não temo as bruxas, nem os duendes, nem os fantasmas, nem os gigantes fanfarrões, nem os poltrões, nem os larápios, nem qualquer tipo de ser, não temo nada nem ninguém, exceto os humanos.”

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A sede do Parlamento Dinamarquês encanta pelo estilo romântico

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A arquitetura romântica se destaca por evocar estilos anteriores e seguir preceitos do romantismo, como o lirismo, o exótico e o exagero.

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A escultura romântica não brilhou exatamente pela sua originalidade, nem tampouco pela maestria de seus artistas. Talvez se possa pensar nesse período como um momento de calma necessário antes da batalha que depois viriam a travar o impressionismo e as vanguardas modernas. Do ponto de vista funcional, a escultura romântica não se afastou dos monumentos funerários, da estátua eqüestre e da decoração arquitetônica, num estilo indefinido a meio caminho entre o classicismo e o barroco.

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Interior da Igreja de São Francisco em Salvador, uma das mais importantes expressões do barroco brasileiro

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O Barroco no Brasil tem início no final do século XVII. No país, essa tendência artística teve grande destaque na arquitetura, escultura, pintura e literatura.

Na literatura, o marco inicial do barroco é a publicação da obra “Prosopopeia” (1601) de Bento Teixeira. Na escultura e arquitetura, Aleijadinho foi, sem dúvida, um dos maiores artistas barrocos brasileiros.

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São Pedro papa, da escola portuguesa mais erudita. Museu de Arte Sacra de São Paulo

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As principais características do barroco literário brasileiro são:

Linguagem dramática;

Racionalismo;

Exagero e rebuscamento;

Uso de figuras de linguagem;

União do religioso e do profano;

Arte dualista;

Jogo de contrastes;

Valorização dos detalhes;

Cultismo (jogo de palavras);

Conceptismo (jogo de ideias).

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Nossa Senhora da Porciúncula, na Igreja de São Francisco de Assis, em Ouro Preto, de Mestre Ataíde.

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A escravidão dos nativos indígenas e dos negros africanos, iniciada no século anterior, estava em curso no país. O trabalho na produção de cana-de-açúcar era, portanto, exercido por escravos. Não havia ainda uma ideia de Brasil como nação, a identidade do país estava em construção. A principal influência cultural era portuguesa. Dessa maneira, a religiosidade cristã ditava o comportamento das pessoas da época, comandadas pela Igreja Católica.

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Moças peneirando trigo (1853-54), de Gustave Coubert, mostra o trabalho braçal feminino

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O realismo, movimento estético predominante no mundo ocidental no último quartel do século XIX, surgiu como uma onda de oposição à subjetividade e ao individualismo da tendência artística anterior, o romantismo. Com a intenção de fazer da arte uma representação fidedigna e verossímil da realidade, escritores, pintores, escultores, músicos e dramaturgos privilegiaram a objetividade em suas obras, atentos à veracidade das situações cotidianas.

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Autorretrato de Courbet, produzido aproximadamente em 1843

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O pintor Gustave Courbet (1819-1877) é considerado o mais importante artista dessa vertente e criador da estética realista na pintura social.

Courbet demonstrava interesse e empatia pela parcela mais pobre da população do século XIX, e isso transparece em suas telas.

A preocupação do artista era também com a superação das tradições clássica e romântica, além dos temas que essa sugeria, como a mitologia, religião e fatos históricos.

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A idade do Bronze (1877), de Rodin. À direita, detalhe da escultura

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Logo em seu primeiro grande trabalho, A Idade do Bronze (1877), Rodin causa alvoroço. O enorme realismo do trabalho chegou a gerar dúvidas quanto à sua produção, se teria sido feita a partir de moldes de modelos vivos.

Quando se fala em Rodin, é importante citar também a artista Camille Claudel, que foi sua assistente e amante. Sabe-se hoje que Camille auxiliou e finalizou muitas das obras do famoso escultor.

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Influenciada pelo movimento inglês "Arts and Crafts", a Art Nouveau teve início na França em finais do século XIX.

O termo "Art Noveau" surgiu em 1900, em Paris. Na altura, foram expostos objetos, móveis e tapeçarias na galeria de arte “Mason Art Nouveau” (Casa da Arte Nova), do decorador Siegfried Bing (1838-1905).

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Alphonse Mucha – The Precious Stones series, 1900

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Características da Art Nouveau

Uso de materiais como: ferro, vidro, madeira e cimento

Valorização das forma orgânicas e complexas

Valorização das linhas sinuosas e assimétricas

Presença da figura feminina e das cores frias nas artes plásticas

Utilização de conhecimentos nas áreas da física e da matemática

Valorização da lógica, racionalismo

Oposição ao Romantismo

Subjetivismo e Simbolismo

Produção em série e massificação das artes

Temas da natureza (flores, folhas, animais)

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Majolika Haus Designed by Otto Wagner, Vienna, Austria

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A representação estilizada da forma humana, a superfície decorativa e plana, juntamente com o jogo entre o real e o abstrato, são as características mais importantes, que permanecem até hoje como um legado desse breve movimento artístico. Fundindo a arte com o movimento e o artesanato, as pinturas do movimento juntaram o legado do simbolismo à nova compreensão da superfície da pintura.

O mundo da natureza, suas flores e algumas das criaturas misteriosas ajudaram a moldar esta época, a quem devemos o futuro desenvolvimento do período Art Deco, novas ideias experimentais sobre arte gráfica e design de pôsteres. As pinturas Art Nouveau são ainda hoje algumas das imagens mais inspiradoras da história da arte.

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The General Electric Building | 570 Lexington Avenue

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O Art Déco (do francês: arts décoratifs) foi certamente um dos estilos decorativos mais influentes na primeira metade do século XX. Aparecendo pela primeira vez na França na década de 1920, rapidamente foi espalhado pelo mundo exercendo influência, desde às artes visuais e decorativas à moda, arquitetura, filmografia e design de produtos.

Nesse estilo, o objeto de arte não tem propósito ou uso prático além de proporcionar uma estética agradável. Seu intuito é melhorar a aparência de objetos funcionais produzidos em massa — desde relógios e cinzeiros a carros e edifícios. Portanto, não se trata de um movimento.

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Tamara de Lempick . Autorretrato em um Bugatti Verde (1929) | Coleção particular

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Art Déco foi diretamente inspirado nas cores do fauvismo e nas formas do Cubismo, Construtivismo, Bauhaus, De Stijl e Futurismo. Em particular, este ‘pastiche’ de estilos tem uma ligação particularmente forte com as obras de arte cubistas, com formas geométricas, ângulos fortes e cores vivas.

Além disso, além de combinar movimentos históricos europeus e as vanguardas contemporâneas, também inspira balés russos, arte popular tradicional, iconografia e motivos de diversas culturas.

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"Art Deco" é uma canção da artista americana Lana Del Rey, lançada em 2015 no álbum Honeymoon. A letra explora a dualidade da superficialidade e do vazio interior, usando o termo "Art Deco" para descrever uma beleza ostensiva, mas que pode carecer de substância genuína, explorando o que está sob a fachada. A música, que se passa num contexto de glamour noturno, usa o "Art Deco" como um símbolo da aparência chamativa e "extra", sem profundidade.

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Impressionismo é um movimento estético surgido na França por volta de 1874. Está, acima de tudo, associado à pintura. Mas exerceu influência na literatura simbolista e na música do compositor francês Claude Debussy. As pinturas impressionistas retratam paisagens, com contornos imprecisos e pinceladas rápidas.

Os principais pintores impressionistas são os franceses Claude Monet, Edgar Degas, Édouard Manet e Pierre-Auguste Renoir. Em extensão ou oposição ao impressionismo, surgiram movimentos como o pós-impressionismo, o neoimpressionismo e o expressionismo.

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Edgar Degas (1834-1917) – Dançarina com buquê saudando no palco (1878)

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O impressionismo causou uma ruptura em relação à maneira de figurar a realidade tal como se estabeleceu no mundo das artes desde o início do Renascimento, no século 15, diz a crítica de arte Magnólia Costa, do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM).

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Suas pinturas são notáveis ​​por sua luz vibrante e cores saturadas, na maioria das vezes focando nas pessoas.

O nu feminino foi um de seus temas principais

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Os jogadores de cartas (1890), do francês Paul Cézanne

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O pós-impressionismo foi uma tendência nas artes que ocorreu na França no final do século XIX e início do XX.

Esse movimento inovador começa a despontar em 1880 e permanece até o surgimento do Cubismo, em 1907.

Os pós-impressionistas valorizavam a expressão do lado subjetivo, humano, emocional e sentimental. Dessa forma, o novo espírito que surgia se distanciava do impressionismo, na medida em que não buscava somente elementos técnicos, estudos da luz natural nos objetos e reprodução da realidade, como fizeram seus antecessores.

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Amendoeira em flor (1890), do holandês Vincent van Gogh

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Seus trabalhos foram valorizados depois de sua morte e tiveram grande influência na arte do século seguinte, sobretudo na vertente expressionista.

Foi um homem intenso, que usava a arte como ferramenta de sobrevivência em meio a uma agitada e instável saúde emocional e psicológica.

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O Mar de Saint-Marie (1883), de Van Gogh

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Características do pós-impressionismo:

Subjetivismo;

Liberdade cromática;

Valorização da luz e textura;

Técnica pontilhista;

Valorização de temas do cotidiano;

Bidimensionalidade em detrimento da perspectiva.

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O modernismo foi uma tendência artístico-cultural ocorrida na primeira metade do século XX. Se manifestou em diversos campos das artes, como a pintura, escultura, arquitetura, literatura, dança e música.

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Logo do Der Sturm, revista que divulgava a arte expressionista alemã

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Expressionismo Alemão foi o movimento artístico do início do século XX que valorizava a emoção intensa e a subjetividade. Os artistas distorciam cores e formas para expressar sentimentos como angústia, medo e solidão diante de uma sociedade em crise. Principais grupos: Die Brücke e Der Blaue Reiter.

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A dança (1910) é uma tela de Henri Matisse e faz parte do fauvismo

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O Fauvismo teve início ainda no ano de 1901, na França. Porém, ele só foi reconhecido como uma corrente artística em 1905.

Nesse momento, os artistas que compunham o movimento, fizeram a primeira aparição pública no "Salão de Outono", em Paris. No ano seguinte, em 1906, organizaram uma exposição no "Salão dos Independentes".

Foi justamente nessa ocasião que o grupo recebeu o nome les fauves, expressão francesa que significa “as feras”.

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Autorretrato (1907) de Pablo Picasso. Milão, Itália 

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O cubismo foi uma vanguarda artística europeia marcada pelo uso de formas geométricas. Surgido no início do século XX na França, esse novo estilo rompeu com os modelos estéticos que só valorizavam a perfeição das formas.

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Dinamismo de um cão na coleira (1912), de Giacomo Balla, destaca o movimento das patas de um cão

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O Futurismo representou um movimento literário e artístico que tinha como principal característica a valorização da tecnologia e velocidade.

Essa corrente faz parte das vanguardas artísticas europeias que despontaram no início do século XX. Influenciou a literatura, a pintura, a escultura, a música e outras vertentes das artes.

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Intervenção de manequim pendurado no teto na Primeira Feira Internacional Dadá, 1920

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O Dadaísmo, ou simplesmente “Dadá”, foi um movimento artístico pertencente às vanguardas europeias do século XX, cujo lema era: "a destruição também é criação".

Foi considerado o movimento propulsor das ideias surrealistas e tinha um caráter ilógico, anti-racionalista e de protesto.

Isso porque, através da ironia, buscava questionar a arte e, sobretudo, seu contexto histórico, com a ocorrência da Primeira Guerra Mundial.

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Pessoas abstratas comendo no restaurante. Formas geométricas, Giorgio de Chirico.

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O surrealismo foi uma das vanguardas artísticas europeias que surgiu em Paris no início do século XX.

Esse movimento originou-se em reação ao racionalismo e ao materialismo da sociedade ocidental. A arte surrealista não se restringiu à pintura, de modo que também influenciou outras manifestações artísticas: a escultura, a literatura, o teatro e o cinema.

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Primeira Aquarela Abstrata (1910), do russo Wassily Kandinsky

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O Abstracionismo, ou arte abstrata, é um estilo artístico moderno das artes visuais que prioriza as formas abstratas em detrimento das figuras que representam algo da nossa própria realidade. Dessa forma, podemos dizer que esse tipo de arte é uma obra “não representacional”, ao contrário da arte figurativa, expressa por meio de figuras que retratam a natureza. O pintor russo Wassily Kandinsky é considerado o precursor da arte abstrata com suas obras Primeira Aquarela Abstrata (1910) e a série Improvisações (1909-14).

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Cavalos vermelho e azul, de Franz Marc (1912).

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Opunha-se ao cubismo, do qual reconhece a ação renovadora mas contesta o fundamento racionalista e implicitamente realista.

Pretendia ver a Natureza e o Ser Humano a partir das experiências, sensações e sentimentos individuais, mas com um sentido universal, para a construção de uma arte pessoal, fundada na meditação que, tal como disse Kandinsky (fundador e idealizador do grupo), nascesse da necessidade interior.

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Membros do grupo, pintura de Ernst Ludwig Kirchner, 1926/7.

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A figura humana é o elemento de destaque, especialmente o tema do nu em ambientes naturais (cenas de banhos), embora também a cidade, local onde podem encontrar dinâmica e intensidade, surja em algumas cenas.

Das muitas influências a obra do grupo são as principais Gauguin, Van Gogh, Munch, os Nabis, os Fauves e o [Primitivismo], que vão incutir na obra do grupo o gosto pelas cores fortes e pelo traçado violento e emocional.

De modo a realçar o efeito e intensidade da pintura, o vocabulário estético é intencionalmente reduzido ao essencial e as formas simples e deformadas, sem indício de perspectiva, são evidenciadas pelo contraste de cores saturadas e complementares e por uma linha forte de contorno.

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A siesta (1892-94), de Paul Gauguin. O artista foi uma das inspirações para o movimento fauvista

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Havia a predominância do uso de cores fortes e vibrantes (roxo, verde, amarelo, azul e vermelho), utilizadas de modo arbitrário e sem correspondência com o real.

Estas cores, sempre em seu estado puro, simplificavam as formas. Assim, elas delimitavam e modelavam o volume, por meio de uma gradação fraca ou inexistentes de matizes de cor.

Outro aspecto importante são as pinceladas largas e espontâneas, com as quais os artistas fauvistas delimitavam os planos e criavam sensação de profundidade.

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Velocidade do Automóvel (1913), de Giacomo Balla

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AINDA VIDA COM UMA GUITARRA, por Juan Gris, 1913.

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Com o cubismo temos um tratamento geométrico das formas da natureza. Assim, elas passam a ser representadas pelos objetos em todos os seus ângulos no mesmo plano, constituindo uma figura em três dimensões.

Predominam as linhas retas, modeladas basicamente por cubos e cilindros, dada a geometrização das formas e volumes. Essa técnica que renuncia à perspectiva, assim como ao "claro-escuro", causa uma sensação de pintura escultórica. No plano conceitual, o cubismo pode ser considerado como uma arte que privilegia o exercício mental como maneira de expressão das ideias.

Ao romper com a perspectiva consagrada das linhas de contorno, a natureza passa a ser retratada simplificadamente.

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Duchamp foi um dos expoentes do Dadá. À esquerda, posa com Roda de Bicicleta. À direita, Fonte

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A persistência da memória (1931), do pintor espanhol Salvador Dali. Pintura a óleo.

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Grupo de artistas surrealistas nos anos 30: da esquerda para a direita: Tristan Tzara, Paul Éluard, André Breton, Hans Arp, Salvador Dali, Yves Tanguy, Max Ernst, René Crevel e Man Ray

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Na Europa, o período entre as duas guerras (1918-1939) ficou conhecido como "os anos loucos". Assim, a incerteza sobre a predominância da paz levou ao desejo de "viver apenas o presente".

Foi nesse período de insatisfação, desequilíbrio e contradições, que surgiram diversos movimentos artísticos voltados para uma nova interpretação e expressão da realidade.

Esses movimentos ficaram conhecidos como "vanguardas europeias". O Surrealismo foi uma dessas correntes e teve como precedente indispensável o Dadaísmo e a pintura metafísica de Giorgio de Chirico (1888-1978).

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À esquerda, a tela Desejo de Amor (1932), de Ismael Nery. À direita, Ismael Nery - "Namorados" - óleo sobre tela - 58,5 x 58,5 cm - circa 1927.

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No Brasil, o Surrealismo exerceu considerável influência sobre o movimento Modernista. O escritor Oswald de Andrade foi um dos maiores expoentes.

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Superfície Modulada (1958), de Lygia Clarck

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A proposta das vanguardas despertou e inaugurou novas formas estéticas, as quais atravessaram fronteiras, de maneira que no Brasil influenciaram a estética modernista dos anos 20.

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Composição em vermelho, amarelo, azul e preto (1921), de Piet Mondrian

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Segundo estudos, o Dadaísmo tem como conceito ser um movimento composto por arte caprichosa, colorida, espirituosamente sarcástica e, às vezes, totalmente tola.

Quem seguia a linha do Dada era contra a sociedade e, acima de tudo, contra a arte. Eles queriam destruí-la a partir de uma postura ilógica. No Dadaísmo, celebrava-se a infantilidade. Não havia preocupação com a estética visual, mas com a ideia. A falta de sentido era o próprio significado.

O Dadaísmo tinha como estilo o “Shock Art”, ou seja, arte para chocar as pessoas. Com esse foco, os artistas expressavam-se falando obscenidades, apresentavam humor escatológico, faziam trocadilhos visuais, entre outros.

O objetivo era provocar o público, o qual, por vezes, sentia-se revoltado com as formas de antiarte propostas. A intenção dos dadaístas era causar choque e indignação com as suas expressões.

O Dadaísmo sofreu influências da Abstração e do Expressionismo. Também teve pitadas do Cubismo (técnicas de colagem) e, em menor parte, do Futurismo (autopublicidade).

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Catálogo e cartaz da Semana de Arte Moderna, produzidos pelo artista Di Cavalcanti

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A Semana de Arte Moderna foi uma manifestação artístico-cultural que ocorreu no Theatro Municipal de São Paulo entre os dias 13 a 17 de fevereiro de 1922. O evento reuniu diversas apresentações de dança, música, recital de poesias, exposição de obras - pintura e escultura - e palestras.

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Comissão Organizadora da Semana de Arte Moderna. Da esquerda para a direita: Manuel Bandeira é o segundo e Mário de Andrade, o terceiro; Oswald de Andrade aparece em primeiro plano.

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Ausência de formalismo;

Ruptura com academicismo e tradicionalismo;

Crítica ao modelo parnasiano;

Influência das vanguardas artísticas europeias (futurismo, cubismo, dadaísmo, surrealismo, expressionismo);

Valorização da identidade e cultura brasileira;

Fusão de influências externas aos elementos brasileiros;

Experimentações estéticas;

Liberdade de expressão;

Aproximação da linguagem oral, com utilização da linguagem coloquial e vulgar;

Temáticas nacionalistas e cotidianas.

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Abaporu, de Tarsila do Amaral, é um ícone do modernismo brasileiro

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Primeira fase (1922-1930): Conhecida como "Fase Heroica", marcou o início com a Semana de Arte Moderna. Surgiram grupos como o Pau-Brasil e o Movimento Antropofágico, com forte influência das vanguardas europeias e valorização do cotidiano.

Segunda fase (1930-1945): Denominada "Fase de Consolidação", foi marcada pelo destaque da prosa de ficção, com temas regionalistas e urbanos.

Terceira fase (1945-1960): Também conhecida como "Geração de 45", buscou um retorno a uma poesia mais séria e equilibrada, embora a prosa urbana, intimista e regionalista tenha continuado em destaque