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La escultura griega constituye una de las manifestaciones artísticas más influyentes y complejas de la Antigüedad. Su importancia no radica únicamente en su maestría técnica, sino en la construcción de un lenguaje visual cargado de significados simbólicos, religiosos, políticos y filosóficos. A través del cuerpo humano, elaboró una iconografía que proyectó ideales colectivos sobre la divinidad, la virtud, el deseo y el sufrimiento.

Este atlas explora las principales tipologías, funciones y símbolos visuales de la escultura griega en sus distintas etapas históricas, desde una perspectiva iconográfica y semiótica.

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Arcaico

650–480 a.C.
Frontalidad, simetría, sonrisa arcaica
Ej: Kouros de Anavyssos, Koré del Peplo, Hera de Samos

Clásico

480–323 a.C.
Contrapposto, canon de proporciones, equilibrio
Ej: Doríforo, Discóbolo, Atenea Partenos

Helenístico

323–31 a.C.
Realismo emocional, movimiento intenso, teatralidad
Ej: Laocoonte, Niké de Samotracia, Afrodita de Melos

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En la escultura griega, el cuerpo no se representa simplemente como una forma anatómica, sino como un dispositivo cultural cargado de significados múltiples. A través de sus posturas, atributos, gestos y materialidades, el cuerpo encarna nociones éticas, religiosas, políticas, emocionales y estéticas. Cada una de estas categorías reúne un conjunto de obras que ejemplifican visualmente cómo la escultura griega transformó el cuerpo humano en un lenguaje ideológico.

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El cuerpo ideal en la escultura griega representa un modelo de perfección física, moral y matemática. Más allá de la apariencia, estas imágenes encarnan el concepto de kalokagathía.A través de proporciones armónicas y gestos controlados, los escultores construyeron un ideal normativo de ciudadanía, masculinidad y orden cósmico.

Obras: Kouros, Doríforo, Discóbolo
Ideas clave: Kalokagathía, orden, ciudadanía

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En el contexto griego, el cuerpo no solo participaba en los rituales: era parte del ritual. Las esculturas votivas, los relieves de procesiones o las representaciones de ofrendas colocan al cuerpo en una relación directa con lo sagrado. Este cuerpo aparece contenido, vestido, a veces hierático, actuando como símbolo de devoción, pureza o participación colectiva.

Obras: Koré del Peplo, Atenea Partenos
Ideas clave: devoción, mediación espiritual

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El cuerpo erótico en la escultura griega expone un campo de tensiones: deseo, poder, tabú. Ya sea a través de la desnudez masculina heroica o de la progresiva revelación del cuerpo femenino, estas imágenes exploraron los límites entre lo ideal y lo sensual. No se trata solo de erotismo sexual, sino de la belleza que atrae y conmueve, incluso en contextos mitológicos o funerarios.

Obra: Afrodita de Melos
Ideas clave: feminidad ambigua, deseo ritualizado

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El cuerpo trágico expresa el sufrimiento, la caída, la lucha o la muerte. A diferencia del ideal estático, aquí el cuerpo se curva, se retuerce o se desploma. Este registro emocional aparece con fuerza en el periodo helenístico, donde el pathos y la teatralidad se vuelven protagonistas. La escultura se convierte en un medio para representar la fragilidad humana y la intensidad de la existencia.

Obras: Laocoonte, Niké
Ideas clave: pathos, conflicto, advertencia divina

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El cuerpo heroico es un puente entre lo humano y lo divino. A través de proporciones sobrehumanas, poses firmes y escenas de acción o victoria, estas esculturas celebran la excelencia, el coraje y la gloria. El héroe griego no solo es fuerte: es ejemplar. Su cuerpo comunica valores cívicos, éticos y míticos, ocupando un lugar central en el imaginario colectivo.

Obras: Niké, Atenea
Ideas clave: triunfo espiritual y político

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La escultura en Grecia no fue concebida como objeto decorativo autónomo, sino como parte de un sistema simbólico y funcional más amplio: servía para honrar a los dioses, conmemorar a los muertos, afirmar el poder cívico o encarnar relatos mitológicos. Cada función implicaba decisiones formales y temáticas que daban sentido a las imágenes escultóricas.

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Las esculturas se ofrecían a los dioses como parte de rituales religiosos o se colocaban en templos para representar la presencia divina. Estas imágenes funcionaban como intermediarias entre lo humano y lo sagrado, reforzando la devoción pública y la identidad cívica.

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Muchas esculturas fueron creadas como marcadores de tumbas o como ofrendas a los difuntos. Buscaban simbolizar la eternidad, la juventud o la nobleza del alma. El estilo frontal y simétrico reforzaba su carácter atemporal.

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Muchas esculturas griegas celebraban a héroes, atletas o dioses protectores como parte del orgullo ciudadano. Colocadas en espacios públicos, funcionaban como instrumentos visuales de educación moral y legitimación ideológica del poder.

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Aunque menos autónoma que en el arte moderno, la escultura también cumplía una función decorativa integrada en la arquitectura o el espacio urbano. Además, transmitía narrativas pedagógicas sobre el mito, la ética o el destino humano.

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OBRAS REPRESENTATIVAS DE LA ESCULTURA GRIEGA

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OBRAS REPRESENTATIVAS DE LA ESCULTURA GRIEGA

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Fecha: ca. 530 a.C.  Material: Mármol  Ubicación: Museo Arqueológico Nacional de Atenas

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Esta figura masculina desnuda, de tamaño natural y postura rígida, pertenece a la tipología de los kouroi, esculturas arcaicas que funcionaban como marcadores funerarios o ofrendas votivas. Presenta frontalidad absoluta, brazos pegados al cuerpo y pierna izquierda adelantada, sin romper la simetría. Su rostro muestra la característica “sonrisa arcaica”, que no representa una emoción, sino una convención para dotar de vida simbólica al rostro.

El cuerpo está idealizado, no retrata al difunto literalmente, sino que representa una forma heroica, juvenil y vigorosa. La inscripción en su base sugiere que conmemora a Kroisos, un joven aristócrata muerto en batalla, elevando así su memoria a un nivel semidivino. El tratamiento anatómico más avanzado respecto a versiones anteriores marca una transición hacia el naturalismo del periodo clásico.

Significados simbólicos:

Juventud eterna como ideal heroico

Belleza física como reflejo de virtud moral

El cuerpo como ofrenda simbólica a los dioses o a la memoria del difunto

Simbolismo de la muerte gloriosa como tránsito a la inmortalidad

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Fecha: ca. 530 a.C. Material: Mármol policromado     Ubicación: Museo de la Acrópolis, Atenas

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Esta figura femenina representa una de las más conocidas korai (plural de koré), esculturas que funcionaban como ofrendas votivas a las diosas, especialmente a Atenea. La Koré del Peplo se caracteriza por su postura frontal, gesto contenido y vestimenta compuesta por un peplo cerrado. Aunque su brazo derecho está en parte perdido, se ha interpretado que pudo haber sostenido algún objeto ritual.

Su rostro muestra también la sonrisa arcaica, y su cabello y vestimenta conservan restos de policromía, lo que evidencia que estas esculturas estaban originalmente ricamente pintadas. Su detallado tratamiento del ropaje, los pliegues y los adornos revela no solo maestría técnica, sino un interés por representar la feminidad ritualizada, contenida y ordenada según los códigos religiosos del momento.

Significados simbólicos:

Devoción ritual hacia la divinidad femenina

Representación del ideal de feminidad respetuosa y sagrada

Presencia simbólica en el templo: el cuerpo como ofrenda viva

Belleza vestida como signo de virtud y control cívico sobre el deseo

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Fecha: ca. 570 a.C.  Material: Mármol      Ubicación: Museo del Louvre

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Esta escultura pertenece al período arcaico temprano y es uno de los primeros ejemplos de figuras colosales femeninas esculpidas en piedra. Representa a una figura femenina sedente, con el cuerpo frontal y los brazos extendidos (hoy ausentes), posiblemente sosteniendo objetos rituales. Su proporción es esquemática, la postura es rígida, y presenta características propias del estilo dedálico: simetría extrema, formas geométricas, escaso modelado anatómico y una concepción abstracta del rostro.

Aunque durante mucho tiempo se la identificó como la diosa Hera, actualmente los especialistas prefieren referirse a ella como una figura femenina votiva, probablemente colocada en el santuario como ofrenda a una divinidad femenina, no necesariamente una representación cultual directa de Hera. Es un claro ejemplo de cómo las esculturas en este periodo no eran retratos ni dioses visibles, sino presencias simbólicas que marcaban la sacralidad del espacio.

Significados simbólicos:

Presencia ritual en un contexto sagrado

Frontalidad y rigidez como signos de eternidad y pureza

Función votiva monumental: la escultura actúa como ofrenda antropomórfica

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Fecha: ca. 450 a.C.   Material: Bronce original (conservado en copias romanas de mármol)      Ubicación: Museo Arqueológico Nacional de Nápoles (copia romana)

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Doríforo (Portador de lanza) – Policleto

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Doríforo (Portador de lanza) – Policleto

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Obra fundamental del clasicismo griego, el Doríforo representa el cuerpo masculino ideal según el canon establecido por Policleto, quien definió matemáticamente las proporciones armónicas del cuerpo humano. La postura introduce el contrapposto, donde el peso se apoya en una pierna mientras la otra queda relajada, generando una suave torsión que da vida al cuerpo. No se trata de un individuo específico, sino de una abstracción del equilibrio físico y ético.

Significados simbólicos:

Canon de proporciones como síntesis de armonía natural y racionalidad

Kalokagathía: unión de belleza física y virtud moral

Imagen del ciudadano ideal: fuerte, justo y equilibrado

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Fecha: ca. 460 a.C.  Material: Bronce original (copias romanas en mármol)   Ubicación: Museo Nacional Romano (Palazzo Massimo alle Terme)

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El Discóbolo representa a un atleta en el instante previo al lanzamiento del disco, capturado en un momento de equilibrio dinámico. Su cuerpo describe un arco en espiral, resultado de una compleja torsión anatómica que sin embargo se muestra serena, casi idealizada.

El rostro, impasible, refleja los ideales del periodo clásico: autocontrol, armonía y contención emocional. El movimiento no es caótico, sino racionalizado, compuesto según leyes geométricas y proporcionales. Esta figura no es un retrato, sino un modelo atemporal de virtud corporal.

Significados simbólicos:

El cuerpo como símbolo de orden interno y control mental

Belleza atlética asociada al ideal cívico de ciudadanía activa

Representación abstracta del movimiento ideal, no naturalista

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Fecha: 447 a.C.   Material: Crisoelefantina (oro y marfil, original desaparecido)     Ubicación: Partenón de Atenas (reconstrucciones en museos)

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Escultura monumental encargada por Pericles como símbolo político y religioso de la hegemonía ateniense. Atenea aparece de pie, portando lanza, escudo, casco y una pequeña figura de Niké en la mano extendida, mientras su escudo incluye la Gigantomaquia (lucha entre dioses y gigantes), que simboliza el orden frente al caos.

Más que devoción personal, esta imagen funcionaba como una manifestación del poder del Estado, sintetizando la autoridad divina con el dominio cívico. Fue también una exhibición de riqueza y poderío técnico.

Significados simbólicos:

Autoridad divina legitimadora del poder político

Fusión de identidad religiosa y estatal

Victoria de la razón y la civilización sobre la barbarie

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Fecha: ca. 190 a.C   .Material: Mármol   Ubicación: Museo del Louvre

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Figura femenina alada posándose sobre la proa de un barco. Su cuerpo está envuelto por un vestido que se adhiere al cuerpo como si fuera empujado por el viento, creando una sensación de movimiento violento y teatralidad. Obra emblemática del periodo helenístico, donde la emoción y la narrativa visual ganan protagonismo. La escultura conmemora una victoria naval, posiblemente en nombre del reino de Rodas

Significados simbólicos:

Triunfo heroico

Movimiento como emoción

Fusión de lo humano y lo divino

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Fecha: Siglo I a.C. Material: Mármol   Ubicación: Museos Vaticanos

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Grupo escultórico que representa al sacerdote troyano Laocoonte y sus hijos enredados por serpientes enviadas por los dioses. El conjunto muestra fuerza física en tensión extrema, gestos angustiados y expresividad dramática. La composición diagonal y los cuerpos retorcidos intensifican el pathos, en línea con el gusto helenístico por la emoción desgarradora y el conflicto interno.

Significados simbólicos:

Castigo divino

Sufrimiento heroico

Escultura como advertencia ética

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Fecha: ca. 130 a.C. Material: Mármol   Ubicación: Museo del Louvre

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Figura femenina semidesnuda con un giro sutil del torso y una pose serpentinata, que evoca movimiento contenido. Aunque sus brazos no se conservan, la escultura sugiere un gesto interrumpido, lo que intensifica su misterio y erotismo. Ejemplo del ideal helenístico de sensualidad refinada, donde la belleza corporal

Significados simbólicos:

Erotismo sagrado

Ideal helenístico del deseo

Feminidad como contemplación ritual

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·         Belting, H. (1994). Likeness and Presence: A History of the Image before the Era of Art. University of Chicago Press.

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·         García, T. J. (2014). Iconografías del arte antiguo: Grecia y Roma. Cuadernos Artesanos de Latina, 36. http://www.cuadernosartesanos.org/2014/cba36.pdf

·         Neer, R. (2010). The Emergence of the Classical Style in Greek Sculpture. University of Chicago Press.

·         Osborne, R. (2018). The History Written on the Classical Greek Body. Cambridge University Press.

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·       James Lloyd, 08 agosto 2012, World history encyclopedia.

·       Academia Lab. (2025). Grecia clásica. Enciclopedia. Revisado el 14 de julio del 2025. https://academia-lab.com/enciclopedia/grecia-clasica/

·       Academia Lab. (2025). Período helenístico. Enciclopedia. Revisado el 14 de julio del 2025. https://academia-lab.com/enciclopedia/periodo-helenistico/

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650–480 a.C.

El Período Arcaico griego se caracterizó por una transformación profunda en diversos ámbitos como la lengua, sociedad, artes, arquitectura y política, impulsada por el crecimiento demográfico, el comercio y la colonización. Estos factores dieron lugar a nuevas ideas, entre ellas la democracia. En el arte, se pasó de estilos geométricos abstractos a representaciones más realistas influenciadas por Egipto y el Cercano Oriente. El período concluyó con la expulsión de los persas tras las batallas de Platea y Mícala.

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Partenón, símbolo del florecimiento de la civilización griega

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480–323 a.C.

Este siglo se estudia principalmente desde la perspectiva ateniense debido a la abundancia de fuentes escritas dejadas por Atenas, como narraciones y obras teatrales. Un acontecimiento clave fue la caída del último tirano y las reformas de Clístenes, que marcaron el inicio de una nueva etapa política. Durante este periodo, el arte griego clásico alcanzó su máximo esplendor, perfeccionando los ideales de armonía, equilibrio y proporción, y sentando las bases del arte clásico que influiría profundamente en el arte romano, el Renacimiento, el clasicismo y el neoclasicismo.

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323–31 a.C.

Durante el período helenístico, Grecia perdió protagonismo frente a nuevos centros culturales como Alejandría y Antioquía. La urbanización del Mediterráneo oriental creció y la influencia griega se expandió ampliamente, alcanzando su mayor extensión geográfica e impactando diversas áreas como las artes, la ciencia, la filosofía y la arquitectura.

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A. Kouroi y Korai

(Periodo Arcaico, ca. 650–480 a.C.)

Función votiva o funeraria.

Rasgos: frontalidad, simetría, rigidez, sonrisa arcaica.

Simbolizan juventud, belleza ideal, eternidad.

B. Dioses y héroes

(Periodo Clásico, ca. 480–323 a.C.)

Representaciones idealizadas con proporciones perfectas.

Uso del contrapposto y movimiento contenido.

Canon de belleza basado en armonía matemática.

Función religiosa, cívica, ornamental.

C. Esculturas con patetismo emocional

(Periodo Helenístico, ca. 323–31 a.C.)

Representación de emociones, sufrimiento, movimiento intenso.

Inclusión de niños, ancianos, cuerpos no ideales.

Esculturas narrativas y teatrales.

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Fue uno de los más utilizados en escultura grecorromana. Provenía de las canteras de Carrara (Italia), y era muy valorado por su color blanco, grano fino y resistencia. Su técnica de talla era talla directa. Los escultores comenzaban con herramientas de percusión como cinceles planos, puntiagudos y martillos. Se iban eliminando grandes bloques de piedra hasta perfilar la forma general. Una vez tallada, la superficie se alisaba con abrasivos como piedra pómez o polvo de mármol, y se detallaban los rasgos del rostro, cabello, ropajes, etc.
Las esculturas grandes muchas veces se hacían por partes (cabeza, brazos, torso) y luego se ensamblaban.

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Venus de Milo (Afrodita de Milo)

Ubicación: Isla de Milo (Melos), Grecia

Fecha: ca. 130–100 a.C.

Material: Mármol de Paros

Altura: 2.04 metros (sin brazos)

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Bronce con técnica de cera perdida: más ligero y permite más dinámica y pose en rondas. Preparar un modelo en cera. Se crea una figura hueca en cera de abejas, con todos los detalles deseados. Se recubre la escultura de cera con arcilla fina, formando un molde resistente que conserva las texturas de la cera.  Luego el molde se calienta; la cera se funde y escurre por canales (bebederos), dejando un hueco con la forma exacta de la figura. Se rompe el molde. Una vez frío, se rompe la arcilla para extraer la escultura de bronce. Esta queda sólida y única.

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Guerreros de Riace

ca. 460–450 a.C.

Material: Bronce con incrustaciones de plata, cobre y pasta vítrea

Altura: 1.98 m

Ubicación: Museo Nacional de Reggio Calabria

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Crisoelefantina: combinaciones de oro y marfil. Se hace una estructura interna de madera (como ciprés o cedro) que soporta el peso y da la forma general de la estatua. Luego, se tallan placas finas de marfil para cubrir las partes del cuerpo desnudas (rostro, brazos, piernas) las placas se ablandan con vapor y se adaptan al núcleo.

Se fijan con espigas, mortajas y adhesivos naturales. Se martillan láminas de oro para cubrir las partes vestidas: túnicas, armaduras, sandalias, escudos. También se usan láminas para cabello, adornos y diademas. Después se añaden piedras preciosas, vidrio, esmalte, perlas o pasta vítrea en ojos, joyas, armas y decoraciones.

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Atenea Partenos

ca. 447 a.C.

Ubicación original: Partenón, Atenas

Altura: más de 11 metros de altura.