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Uma das principais características do trabalho de Van Gogh é a escolha de pintar ao ar livre. Isso fazia com que a iluminação em seus quadros ficasse mais natural, mas havia um problema: A própria natureza afetava seu trabalho, em que pó, areia e insetos acabavam nas telas. Os restos do gafanhoto incrustados no quadro "As Oliveiras" são uma prova disso.

Por isso, pintar ao ar livre significava estar disposto aos acasos que influenciavam o resultado e significado final da obra. Um dos especialistas, na entrevista para BBC, até mesmo disse como era possível imaginar o Van Gogh lutando contra essas intempéries enquanto pintava.

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Um gafanhoto esteve incrustado mais de um século em um Van Gogh

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O inseto acabou dentro de ‘As Oliveiras’ enquanto o artista pintava ao ar livre

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Esse mural foi feito na rua Tapajós em Pato Branco, pelo artista Clóvis de Melo. Vizinho da agência do INSS, ele recebeu permissão para pintar o muro, em que dedicou parte do seu tempo após o trabalho para fazer isso.

Uma das curiosidades, é que Clóvis escolheu a cor azul para transmitir paz, e também por acreditar que utilizar apenas uma cor chamaria mais atenção do que usar várias.

A outra é que o artista aceitava sugestões de pessoas que paravam na rua para olhar a arte sendo feita, então vários dos elementos que aparecem na obra também vieram de conversas com os moradores. Esse aspecto do processo se relaciona muito com a crença do artista de que essa obra foi feita para a população de Pato Branco.

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“Sempre achei tristonho”, afirma artista que vem colorindo muro em Pato Branco

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Impossível passar pelas proximidades do número 520 da rua Tapajós de Pato Branco e não notar. O que antes era um muro branco, nas últimas semanas v…

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É um das minhas artistas femininas favoritas e que incorpora vários dos termos apresentados hoje, ouso dizer até mesmo que ela antecipou discussões criadas somente um tempo depois por esses autores.

Para Frida, seu corpo ferido não era só físico — era também simbólico, era território. Após um grave acidente aos 18 anos, ela transformou a dor em expressão visual, usando o autorretrato como um espelho de emoções e um canal de comunicação. Cada quadro, com cores vibrantes e símbolos do México pré-colonial, dialogava com sua ancestralidade, sua posição como mulher e sua crítica ao colonialismo. Mais do que comunicar uma imagem, ela media experiências. Além do mais, foi reconhecida por seus autorretratos, sendo considerada mestre nesse tipo de criação.

Ela sempre usou de seus gostos, experiências culturais e pessoais para comunicar e criar as suas obras, fazendo com que a sua identidade tomasse destaque. Assim, o uso de roupas típicas da sua região, por exemplo, era mais do que uma escolha estética — era uma performance cultural que reivindicava uma identidade indígena, feminina e revolucionária. Ela transformou seu corpo em uma espécie de mídia, como uma “tela viva” da cultura mexicana. Frida comunicava através das roupas, da dor, da pintura e do silêncio também — elementos que, no pensamento de Martín-Barbero, são centrais na mediação entre sujeitos e sentidos.

Particularmente, acredito que em alguns momentos as obras dela podem ser até consideradas com uma visão ''forte'', retratando momentos da sua vida, uma artista super interessante para se conhecer e apreciar.

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Mutações e inacabamento na era da IA: desculpe Miyazaki! 😢

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Mutações e inacabamento na era da IA: desculpe Miyazaki! 😢

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A estética artística criada pelo estúdio Ghibli é um patrimônio cultural do povo japonês. Um marco para a produção de animações, congrega o desenho autoral em sua relação transmídia com o cinema e a narratologia, usando a arte como instrumento para provocar debates ligados à existência humana e suas ambiências (leia-se “desigualdades”) sociais e culturais. Temas como moral, ética, vida e morte são frequentes em suas produções, que também denunciam as fraquezas humanas a partir de contextos históricos autoritários, a exemplo da Segunda Guerra Mundial.

Contudo, recentemente, a estética autoral do Studio Ghibli foi reproduzida em massa por meio do uso de IA. Assim, proponho o debate crítico-reflexivo diante dos conceitos apresentados por Salles e Ríncon, conforme segue:

1) Como isso nos coloca diante da perspectiva de “sociedade zumbi” (Ríncon)?

2) Como o uso de IA relaciona-se à ideia de “inacabamento” (Salles)?

3) Como a banalização da cultura japonesa pode estar relacionada à perspectiva de “sociedades bastardas” (Ríncon)?

4) Como podemos aplicar a crítica genética na reprodução feita por IA (Salles)?

Obrigada Gabi e parabéns pela apresentação! 💜

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O filme nasceu da ideia de contar uma história usando músicas já existentes da banda Abba. Isso se chama jukebox musical (criar uma narrativa a partir de músicas populares que já existem)

As músicas da ABBA foram compostas nos anos 70 e 80 e falam sobre amor, liberdade, encontros e desencontros — temas que se encaixam na história do filme.

Para a construção da narrativa de Mamma Mia (1 e 2), foram selecionadas músicas que fizessem sentido com a trama, utilizando elas em momentos oportunos como se fossem falas dos personagens.

A trama se passa em uma ilha da Grécia e gira em torno de da relação entre Donna e Sophie, que não conhece o seu pai, mas convida 3 possíveis "pais" para o seu casamento, com intenção de descobrir qual é o seu pai verdadeiro. O filme aborda diversas questões de relações familiares, identidade e liberdade feminina — temas que conversam com o estilo nostálgico, vibrante da banda, indo além da reprodução musical, remetendo também coreografias e figurinos da época em que a banda Abba surgiu.

Portanto, o filme não nasceu do zero, mas sim do desejo de dar novo sentido a músicas já existentes, onde diferentes elementos — músicas, emoções, memórias e cultura — se entrelaçam para dar origem a uma nova obra.