# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Une marionnette est une figurine articulée ou non, en bois, carton ou toutes autres sortes de matériaux (os, cuir ou terre cuite), manipulée par une ou plusieurs personnes (les marionnettistes), traditionnellement cachées dans un castelet.

Leurs formes peuvent être extrêmement variées : marionnettes à fils comme Pinocchio, ou à gaine comme Polichinelle, Punch, Pulcinella, Kasperl, Guignol (les plus connues en Europe), mais aussi marionnettes à tringle, marionnettes à tige des théâtres d'ombres de Chine et d'Indonésie, ou marionnettes sur l'eau vietnamiennes. Les marionnettes représentent des personnages (réels ou imaginaires) ou des animaux ; leur rôle peut être parlé ou muet.

Le mot français " marionnette " est dérivé de Marion, diminutif de Marie, et désignait à l'origine une petite figurine de la Vierge ; dans d'autres langues européennes, le terme s'apparente au mot " poupée " : "puppet " en anglais, " puppe " en allemand, " pupi " dans le théâtre de marionnettes sicilien (où il existe aussi un dérivé du mot " enfant " : " fantoccio ", qu'on retrouve aussi en portugais : " fantoche ") ; en revanche, on dit " marioneta " ou " títeres " en espagnol.

Le terme " théâtre de marionnettes " désigne à la fois le genre théâtral et le lieu de la représentation.

Les marionnettes exercent un pouvoir de fascination depuis très longtemps. Dans l' Antiquité, des statuettes articulées, appelées nerospastos en grec, étaient utilisées dans des cérémonies religieuses. Hérodote y fait allusion dans ses à propos de cérémonies dionysiaques en Égypte. À la suite des fouilles d' Albert Gayet à Antinoupolis vers 1900, on parle d'un théâtre de marionnettes d'Antinoé, à l'époque copte, avec corps en bois et figures en ivoire.

Dans de Xénophon, Philippe, amuseur public originaire de Syracuse qu'accompagnent une flûtiste et un cithariste, parle de ses marionnettes,, ce qui suppose l'existence de spectacles. Dans Du mouvement des animaux Aristote compare les mouvements des animaux à ceux de marionnettes. Héron d'Alexandrie décrit un théâtre mécanique d'automates.

Rome connaît aussi des spectacles de marionnettes. Des auteurs comme Horace, Pétrone, Apulée, Perse y font allusion, et les Pères de l'Église les condamnent. Dans le Festin chez Trimalcion, une figurine en argent représentant l'esprit d'un mort () exécute une danse macabre sous les yeux des convives. Ce sont les Romains qui auraient introduit les marionnettes en Gaule et en Germanie durant la décadence de l'empire.

En Asie aussi, les marionnettes sont très anciennes puisqu'on en a trouvé dans des sites de la civilisation de la vallée de l'Indus. Les spectacles à Sutradhra ( homme tireur de fils) mettent en scène des personnages de la religion, mais aussi des personnages humains, dont Vidouchaka, origine possible de tous les karagöz et polichinelles. Cette tradition ancienne en Inde s'est élargie à Ceylan, puis au Siam, à la Birmanie, à l'Indonésie (ancêtre des wayang), en Perse (Pendj, Ketchek Pehlivan, Cheïtan, Hassan Ilodja, Shah Sélim...), au Turkestan...

En Birmanie, les Yokthe Thay possédaient la vertu de guérir. En Indonésie, à Toba Batak du Nord de Sumatra, les habitants créaient des marionnettes sophistiquées appelées Si galé galé. Commandées par un système complexe des cordes et des leviers internes qui leur permettaient de se déplacer et de danser d'une façon réaliste, les Si galé galé jouaient un rôle crucial dans les cérémonies funéraires.

La Chine semble connaître les marionnettes depuis près de 3 000 ans, selon George Soulié de Morant. Le personnage de Kvo est un polichinelle. Le Bunraku japonais a pu être à l'origine importé de Chine.

En Amérique du Sud, des fouilles archéologiques récentes ont permis de mettre au jour un bas-relief réalisé durant la période d'invasion toltèque entre 400 et 900 qui montre la figurine d'un marionnettiste animant une marionnette à gaine de type Guignol.

Le mot français marionnette date du Moyen Âge et vient d'un des nombreux diminutifs du prénom Marie, à l'instar de Marion, Mariotte ou Mariolle, signifiant " petite Marie chérie ". Ces diminutifs servaient à désigner la Vierge Marie et ses représentations plastiques (1306). À partir du , le vocable désigne toute figurine de bois, sacrée ou profane, mais s'étend également aux poupées utilisées en sorcellerie.

Dieppe (Seine-Maritime) organise des mitouries dès 1443.

On trouve pour la première fois l'acception scénique de " marionnette " en 1584 dans l'ouvrage Les Sérées (" Les Soirées ") de Guillaume Bouchet (1513-1594).

Au et dans la première moitié du siècle, à Paris, à l'occasion des foires annuelles de Saint-Germain et de Saint-Laurent, le théâtre de la foire présentait, entre autres, des spectacles de marionnettes. Un marionnettiste connu était Pierre Datelin, dit Jean Brioché, qui importe en France le personnage de Polichinelle et présente ses spectacles sur le pont Neuf. Comme marionnettiste il y avait également son fils François, Jean-Baptiste Archambault, François Bodinière, Jean et Alexandre Bertrand, Jérôme, Arthur et Nicolas Féron.

Parmi les pièces jouées, il y avait des parodies d'opéras : pendant que des marionnettes en costumes somptueux miment l'action, des chanteurs, soutenus par quelques instruments, parodient les livrets sur des refrains populaires, alternant allusions grivoises, jeux de mots vaseux et humour décalé.

Dominique Séraphin (1747-1800) crée un Théâtre Séraphin en 1772, d'ombres chinoises, qui perdure jusque vers 1870, et dont un recueil est publié en 1875. Castagna est un autre entrepreneur de marionnettes ( Fantoccini italiens) de la fin siècle. Le Théâtre du Beaujolais créé en 1784 devient Théâtre Montansier en 1790.

La censure étant moins pesante sur les spectacles de marionnettes que sur les autres arts du langage, des auteurs comme Fuzelier, Lesage ou d'Orneval, profitent de la liberté d'expression qu'ils permettent.

La Révolution française marque l'apparition de nombreuses marionnettes spécifiques comme Guignol, créé à Lyon en 1808 par Laurent Mourguet, ou Lafleur, apparu à Amiens à la même époque.

Au siècle, sont réputés Maurice Sand (1823-1889), Louis Edmond Duranty (1833-1880), Louis Lemercier de Neuville (1830-1918). En 1881 est créé le théâtre d'ombres du Chat noir, et en 1888 le Petit Théâtre,. Alfred Jarry monte dès 1888 à Rennes un spectacle de marionnettes, avant de lancer le théâtre des Pantins à Paris, dix ans plus tard.

Au siècle, Gaston Baty (1885-1952), Yves Joly (1908-2013),, Jean-Loup Temporal (1921-1983), Jacques Félix (1923-2006), et beaucoup d'autres, participent au renouveau de l'art de la marionnette en domaine francophone.

À partir de 2008, la Bibliothèque nationale de France lance un programme de numérisation de marionnettes en collaboration avec la compagnie Dominique Houdart - Jeanne Heuclin et Georges Lafaye. La numérisation continue en 2015 avec le théâtre Gérard-Philipe de Frouard, " scène conventionnée pour les arts de la marionnette et les formes animées ". Pour chaque marionnette (ou autre objets de ces fonds), huit clichés sont pris selon des angles de vue toujours identiques, ainsi que des clichés montrant leur manipulation.

L'art des marionnettes de la civilisation romaine a vraisemblablement essaimé avec les armées romaines, au moins dans toute l'Europe, avant de presque disparaître à la chute de l'Empire romain, puis de renaître dès le Moyen Âge. Sur des thématiques religieuses chrétiennes, comme la nativité, par la crèche de Noël ( crèche vivante ou à base de poupées animées), les épisodes de la passion. Le Concile de Trente (1545) a émis des prescriptions canoniques s'opposant à ce genre de jeux, sans pour autant les faire disparaître totalement.

La tradition des théâtres de marionnettes est ancienne. Chaque ville avait son personnage préféré. Les plus connus, encore aujourd'hui, sont les Napolitains Pulcinella et Scaramuccia. Outre les théâtres ambulants utilisant des (marionnettes à gaine), il y avait des théâtres fixes, comme le théâtre Fiano à Milan, présentant des fantoccini (marionnettes à fils), le théâtre des à Rome (marionnettes à tête de bois), qui jouaient des comédies, des mélodrames et des spectacles de danse.

Parmi les troupes anciennes célèbres : Théâtre de marionnettes sicilien Opera dei Pupi.

Actuellement en Italie centrale la compagnie de marionnettes (marionnettes siciliennes) Art G.Botta est active.

Les marionnettes, qui portent le nom de (mot qui voulait dire " joueur " au ), jouent des intrigues issues du , aux thèmes historiques, lyriques ou romanesques, avec beaucoup de personnages de saints ou d'ermites, ce qui leur a aussi valu le surnom de bonifrates . Don Quichotte détruit El retablo de Maese Pedro ( Tréteaux de maître Pierre).

Sous le nom de puppet, mammet, drollery, motion , les marionnettes ont d'abord joué des pièces religieuses et historiques. Le Polichinelle italien y devient Punch. Samuel Pepys fit le premier compte rendu écrit sur le spectacle de deux personnages emblématiques Punch et Judy, le . Le spectacle était mené par un italien du nom de Pietro Gimonde, surnommé Signor Bologna. Traditionnellement il n'y a qu'un seul marionnettiste appelé , qui contrôle les deux marionnettes à la fois.

Swift, Stell, Addison, Fielding, William Hogarth, George Cruikshank, John Payne Collier parlent de ces spectacles avec admiration dans leurs œuvres.

Au , sont réputés Thomas Holden(1847-1931), Tiller Clowes Marionettes.

Le théâtre de papier est une forme théâtrale née au milieu du . C'est un théâtre à l'italienne miniature qui utilise des figurines de 8 cm à 12 cm actionnées latéralement par des tirettes en carton ou en fer manipulées par le narrateur qui se tient généralement derrière la table sur laquelle il est posé. Cette forme qui privilégie la narration épique est encore vivace au Danemark, en Allemagne, en Angleterre, aux Pays-Bas.

Au , Walter Wilkinson (1889-1970), Harry William Whanslaw (1883-1965), Jan Bussell (1909-1985), et quelques autres, relancent les marionnettes.

Le manuscrit d' Herrade de Landsberg, Hortus Deliciarum permet d'affirmer qu'il y avait des spectacles de marionnettes ( Puppenspiel ) à son époque, le . On note une crèche mécanique à Augsbourg dès 1585.

Au , on relève les noms de Michael-Daniel Treu , Weltheim (1650-?),

Au , sont remarqués Ferdinand Beck (1700-1750?), Félix Hemmerlin, Reibehand, Titus Maas... Goethe en fait un des loisirs de Wilhelm Meister. Chaque ville ou presque possède son attraction de marionnettes.

Au , Kleist, Euler, Carl Wilhelm von Heideck, et tant d'autres affichent leur intérêt. Parmi les grands noms : Josef Leonhard Schmid (1822-1912).

Actuellement fonctionnent les compagnies suivantes : Théâtre de marionnettes de Magdebourg.

La cathédrale de Mons (voir Collégiale Sainte-Waudru de Mons) propose en 1501 un Mystère de la Passion avec 350 rôles environ, 150 acteurs, plus des poupées.

Le Théâtre royal de Toone fonctionne depuis 1830.

La cathédrale de Lund dès 1380 propose des spectacles d'automates.

Pour Noël sont donnés des spectacles de kukielki.

Pour Noël sont donnés divers spectacles : jeux de Bethléem, Regölés....

Dans les pays d'Asie les spectacles de marionnettes relèvent d'une tradition riche et plus que millénaire, puisque, en Inde, les marionnettes sont déjà présentes au siècle avant notre ère. Née en Inde et en Chine, cette tradition s'est ensuite propagée vers le Japon et la Corée (depuis la Chine) et vers l' Asie du Sud-Est, puis, plus tardivement, vers le Moyen-Orient (en particulier le théâtre d'ombre).

Les spectacles de marionnettes remontent au moins à la période Heian (fin - fin siècle) au Japon. Des montreurs de marionnettes itinérants sont signalés jusqu'au , de genre Jōruri. Le bunraku est un type de théâtre japonais qui s'est développé à partir du . Il met en scène des marionnettes de grande taille de 120 cm à 150 cm, manipulées à vue par plusieurs manipulateurs, tandis qu'un narrateur déroule le récit au son du shamisen. Le répertoire, qui s'adresse essentiellement à un public adulte et met en scène des guerriers samouraïs, des aristocrates ou des bourgeois, est essentiellement composé de drames " cornéliens " au dénouement souvent tragique.

Les spectacles de " marionnettes qui dansent sur l'eau " sont très anciens et originaires du delta du Fleuve Rouge au Viêt Nam, où les paysans les ont créés vers le dans les marais et les rizières inondées. Musique et chants accompagnent des pièces historiques ou des scènes de la vie quotidienne.

Spécifique à l'île indonésienne de Java, il utilise des marionnettes à tiges et met essentiellement en scène des récits tirés du Mahabharata et du , mais aussi des récits épiques ou satiriques d'influence islamique. Le théâtre de marionnettes occidental moderne a été grandement influencé par les formes théâtrales asiatiques que l'Europe découvrait, en particulier lors des grandes expositions universelles de la fin du et du siècle.

Cette forme particulière de théâtre de marionnettes, où les figurines sont éclairées et leur ombre projetée sur un écran, est probablement la forme la plus ancienne du théâtre de marionnettes. Elle est très populaire en Asie, en particulier à Java et Bali. Elle est aussi très présente en Birmanie (Myanmar), en Thaïlande, et au Laos.

Elle met en scène des figurines plates, en général en cuir ciselé et peint. D'origine religieuse, c'est un spectacle populaire très vivace en Chine et surtout en Asie du sud-est ( Cambodge, Thaïlande, Malaisie). À Java et Bali, les représentations de wayang kulit sont données pour les fêtes et les cérémonies comme les mariages, ainsi que pour tout événement important de la vie sociale.

Le théâtre d'ombres s'est diffusé au Moyen-Orient au . En Turquie existe encore le karagöz aux figurines de bois, qui a aussi une version grecque, le Karaghiosis ( Καραγκιόζης ).

En France, Dominique Séraphin crée un théâtre d'ombres " chinoises " à Versailles en 1776. À la fin du et au début du siècle, le théâtre d'ombres connut un grand succès au cabaret du Chat Noir avec des artistes comme Henri Rivière et Caran d'Ache. L' animation de silhouettes en papier découpé, comme Princes et Princesses ou Dragons et Princesses de Michel Ocelot relève du théâtre d'ombres.

En Europe, à la fin du et au début du siècle, avec la remise en question des arts plastiques et l'intérêt que lui portent les peintres et les sculpteurs, la marionnette devient progressivement un nouveau langage plastique dans la quête des formes abstraites, entre les mains de Paul Klee, Calder, Fernand Léger, pour ne citer qu'eux.

Elles font leur apparition au Théâtre d'Art et d'Action, théâtre expérimental lié au Bauhaus, de 1919 à 1933, lieu de réflexion où se développe l'usage des marionnettes comme expression théâtrale à part entière. Sergueï Obraztsov, marionnettiste de l'école soviétique étudia dans les années 1920 de nouvelles formes d'expression avec la volonté de transposer et de styliser, dans le souci d'affirmer l'originalité de cet art. L'ensemble des recherches des ateliers théâtraux de l'époque moderne permet de voir aboutir une définition plus spécialisée et plus précise de la signification de ce phénomène dans les sociétés dites contemporaines.

Le théâtre de la marionnette a suivi le mouvement de l'ensemble des arts en passant, en partie, des formes figuratives aux formes qui n'imitent plus les êtres vivants. N'importe quel objet peut devenir une "marionnette". Les acteurs continuent à s'exprimer à travers ces objets qu'ils animent (auxquels ils insufflent une âme). Le théâtre de la marionnette, ou bien le théâtre de l'objet, " ne diffère des autres formes de théâtre que par ses moyens d'expression exclusifs ou prédominants. Malgré les apparences, en tout autre point (il) ressemble aux autres formes de théâtre " Voici ce qui fait ressembler cette forme théâtrale autres genres:↵↵" Le théâtre sous toutes ses formes est fondé sur l'art de l'acteur (personne agissante, indépendamment du nom qu'on lui donne, 'mime', 'danseur' etc.) - qui crée en présence du public et sous son influence. Le jeu de l'acteur est constamment modifié par l'attitude des spectateurs, peu importe qu'ils soient actifs ou semblent passifs. ↵↵Cette triple condition fondamentale, et elle seule, différencie le théâtre de tous les autres arts."

Ainsi, pour le marionnettiste Alain Recoing du Théâtre aux mains nues, " la marionnette est un objet mobile d'interprétation dramatique, en opposition avec l'automate et différent de la poupée-jouet, mû par l'intention du manipulateur ". Quant à Roger-Daniel Bensky, " une marionnette est, au sens propre, un objet mobile, non-dérivé, d'interprétation dramatique, mû soit visiblement, soit à l'aide de n'importe quel moyen inventé par son manipulateur. Son utilisation est l'occasion d'un jeu théâtral ".

Elles sont manipulées en surplomb, au moyen d'une tringle métallique fixée avec un crochet sur le sommet de la tête de la poupée. Les bras peuvent aussi être manipulés au moyen de tringles secondaires. Ce type de marionnettes est traditionnel en Belgique (marionnette liégeoise), dans le Nord de la France et en Sicile. Il est généralement utilisé pour interpréter un répertoire épique (comme la Chanson de Roland ou la Chanson des quatre fils Aymon). Tchantchès et Nanesse sont les figures emblématiques du public liégeois. Les personnages du Théâtre royal de Toone, à Bruxelles, sont aussi des marionnettes à tringle ; Woltje, le personnage central de ce théatre, dispose d'une deuxième tringle lui permettant de déplacer son bras droit, principalement pour saluer en soulevant sa casquette.

En Picardie les bras des marionnettes à tringle sont animés par des fils. On les appelle cabotans, et le cabotant le plus célèbre est Lafleur. On considère que la marionnette à tringle est l'ancêtre de la marionnette à fils en Europe.

Appelées aussi fantoches, de l'italien , elles ont un corps rigide et articulé, mû par plusieurs fils attachés aux bras et aux jambes (au niveau des genoux). On les manipule à l'aide de traverses en bois, appelées contrôle, ou croix d'attelle. Leur manipulation demande beaucoup de dextérité. La technique permettant de relier une marionnette à fils à son contrôle est appelée ensecret, car chaque marionnettiste possède ses secrets de fabrication et ses savoir-faire. Les plus raffinées sont en Birmanie, où la complexité des gestes des personnages nécessite des marionnettes articulées parfois jusqu'aux doigts.

Elles sont animées par la main du manipulateur qui glisse un bras dans la gaine et peut contrôler avec ses doigts la tête et les bras du personnage. Les marionnettes les plus connues en Europe sont des marionnettes à gaine : en France, c'est Guignol né à Lyon ; en Italie c'est Pulcinella, principal protagoniste du théâtre de burattin ; il devient Punch en Angleterre, Hans Wurst (Jean-Saucisse) ou Kasperle en Allemagne.

Une variante est la marionnette à gaine à bouche animée, où la main du marionnettiste est placée en pince pour former la bouche du personnage. En Chine, où les marionnettes à gaine sont très développées et sont techniquement très complexes, la bouche et les yeux peuvent être mobiles. Quant à la manipulation, elle relève d'une grande virtuosité, assimilable à une forme de jonglage.

Marionnettes de grande taille, comme celles du bunraku japonais, elles sont manipulées à vue par plusieurs manipulateurs à l'aide de contrôles fixés sur différentes parties du corps ou en " théâtre noir " (les manipulateurs sont pratiquement invisibles, car vêtus de noir et masqués ; seule la marionnette est éclairée).

Ce sont des figurines articulées en carton ou en bois plat dont on fait mouvoir les membres au moyen d'un fil.

Il s'agit, en général, d'une tête plantée au bout d'un bâton, à la manière du sceptre du bouffon surmonté d'une tête coiffée d'un capuchon garni de grelots. Dans le cas de la marotte à main prenante, la main qui tient le bâton est masquée par une draperie d'où sort l'autre main du manipulateur, qui fait fonction de main de la marionnette.

Comme les marottes, elles consistent en une tête plantée sur un bâton. Parfois le torse et les bras ne sont pas fixés à la tige qui supporte la tête, ce qui permet de la mouvoir séparément. Les mains sont contrôlées par des baguettes en fil de fer rigide. Le wayang golek du pays Sunda ( Java occidental) est une marionnette à tiges en ronde bosse et a influencé l'utilisation de ce type de marionnette en occident. Des fils peuvent aussi s'ajouter à la marionnette à tige, ce qui permet d'articuler d'autres parties du corps, comme la bouche, les yeux, voire les jambes.

Les personnages du wayang kulit indonésien sont confectionnés en cuir finement ciselé et peint, et maintenus par une tige de corne, de bois ou de bambou. Le chinois est une figurine articulée, délicatement découpée et ajourée sur toute sa surface, en peau (d'âne en général) translucide, rigide, enduite d'huile de sophora, laquée et finement colorée.

Évolution de la marionnette

Faites d'objets de récupération, elles participent aux défilés, aux spectacles de rue, aux spectacle sur scène. Elles sont apparues en France vers 1968 avec The Bread and Puppet Theatre de Peter Schumann, théâtre engagé, activiste que l'on a pu classer dans le théâtre de guérilla au moment de la guerre du Viêt Nam.

La compagnie Royal de luxe a d'abord construit le manège d'animaux géants pour la marque de vêtements Catimini. Cette compagnie a ensuite tiré son inspiration à la fois des spectacles carnavalesques belges du Nord ( Géants de l'entité d'Ath), mais aussi de leur contact avec les peuples africains. Après Gulliver, elle est revenue avec la petite géante.

De nombreuses séries télévisées utilisent des marionnettes, les plus connues étant les productions américaines 1, rue Sésame et Le Muppet Show et leur présentateur vedette Kermit la grenouille.

En France, , série créée en 1983 par Roland Topor et Henri Xhonneux met en scène le chat Groucha et l'autruche Lola. Les marionnettes permettent entre autres de représenter et de caricaturer des personnalités politiques ou du monde du spectacle. Les Guignols de l'info est programmé chaque soir de la semaine sur Canal+ et Le Bébête show, satirise la politique française.

Thunderbirds (connu sous le titre Les Sentinelles de l'air en France) est une célèbre série de science-fiction britannique des années 1960 mettant en scène des marionnettes à fil très réalistes dans des décors miniatures soignés, à base de maquettes et d'effets pyrotechniques. La technique employée ici porte le nom de Supermarionation, et connaîtra de nombreuses autres incarnations en Angleterre (principalement par Gerry Anderson , créateur de la technique), mais aussi au Japon (dans les années 1960 à l'initiative de Kinosuke Takeda). Dans les années 1980, le Japon a aussi livré Bomber X, série de science-fiction qui utilise un procédé d'animation similaire. De même l'apport et l'héritage de la technique, sont très importants dans le genre cinématographique japonais du Tokusatsu.

Les émissions familiales utilisent volontiers des marionnettes, comme Gorg et Lala, série diffusée toutes les semaines sur Canal+ Family, ou Les Badaboks, personnages d'une ancienne émission pédagogique. Malvira est une des stars de la Radio-Télévision belge de la Communauté française. André Tahon a créé Ploom, une marionnette chenille.

Peu connues en occident, les séries de associant le théâtre de bùdàixì (spectacle populaire de marionnettes à gaines issu du sud de la Chine et respectant certains canons des styles de l'opéra chinois) à de nombreux effets spéciaux sont relativement populaires en Asie. On peut citer pour l'exemple les feuilletons Pili provenant de Taiwan. La très récente série de 2016, Thunderbolt Fantasy, collaboration nippo-taiwanaise, écrite par Gen Urobuchi (cause de sa médiatisation en Occident) en est un bon exemple. On notera toutefois que la narration japonaise proche de l'anime (un doubleur par personnage, pas de description de l'action) change par rapport aux versions chinoises (un narrateur pour l'action et pour les différentes voix des personnages) plus proches de la forme traditionnelle. Néanmoins les soliloques des personnages (Niàn Bái) , dans la version japonaise ont été conservés dans la langue d'origine.

L'Union internationale de la marionnette (UNIMA) est créée à Prague en 1929. En 1980, son siège social est transféré à Charleville-Mézières, connue depuis 1972 pour son Festival mondial des théâtres de marionnettes, créé par Jacques Félix. L'UNIMA est une ONG " partenaire officiel " de l'UNESCO et membre de l'Institut international du théâtre. En 2003, elle crée la journée mondiale de la marionnette, célébrée chaque 21 mars. Le centre français de l'UNIMA est l'association THEMAA.

En 1981 est créé l'Institut international de la marionnette de Charleville-Mézières (IIM), qui pilote depuis 2008 la mise en place du Portail des arts de la marionnette (PAM).

Depuis 2008, huit lieux-compagnies sont soutenus en convention triennale par le Ministère de la Culture et de la Communication et missionnés pour le compagnonnage " Marionnette et Théâtre d'Objets ": Le Bouffou Théâtre à la coque (Hennebont - Bretagne)/ Le Jardin Parallèle (Reims - Grand Est)/ Le Tas de Sable - Ches Panses Vertes, pôle des arts de la marionnette (Amiens - Hauts-de-France)/ La Halle Roublot (Fontenay s/bois - Île-de-France)/ La Nef - Manufacture d'utopies (Pantin - Île-de-France)/ Le Théâtre aux Mains Nues (Paris - Île-de-France)/ Odradek / Cie Pupella-Noguès, Centre de création et de développement pour les arts de la marionnette (Quint-Fonsegrives - Occitanie)/ Le Vélo Théâtre (Apt - Region Sud).

Pinocchio, le personnage principal du roman de Carlo Collodi Le avventure di Pinocchio. Storia di un burattino (Les Aventures de Pinocchio. Histoire d'un pantin) est une marionnette de bois qui prend vie à la suite d'un enchantement de la fée Bleue.

Maurice Sand, le fils de George Sand, crée en 1847 avec son ami le peintre Lambert un théâtre de marionnettes au rez-de-chaussée du château familial à Nohant. Ils fabriquent les personnages et créent des mélodrames très noirs aux titres évocateurs, comme Le Cadavre récalcitrant ou L'Ermite de la marée montante. George Sand l'évoque en 1856 dans Le Diable aux champs.

Les marionnettes géantes sont un des concours culturels au programme officiel des Jeux de la Francophonie depuis 2013.

(grc + fr) Xénophon ( trad. François Ollier), Le Banquet. Apologie de Socrate., Flammarion, (1re éd. 1961), 119 p. (ISBN 978-2-251-00334-4 ).

Charles Magnin, Histoire des marionnettes en Europe, Michel Lévy Frères, (lire en ligne sur Gallica) ; rééd. en fac-similé, Slatkine, 1981.

Louis Lemercier de Neuville, Souvenirs d'un montreur de marionnettes, Bauche, 1911 (lire en ligne sur Gallica)

Jacques Chesnais, Histoire générale des marionnettes, 1947, réédition 1980, avec bibliographie

Pierre Gauchat, Marionnettes, introduction d'Edwin Arnet, Zurich, Eugen Rentsch, 1949

André-Charles Gervais, Marionnettes et marionnettistes de France, 1947

Frank Jotterand, Le Nouveau théâtre américain, Paris, Seuil, , 223 p.

Françoise Kourilsky, Le Bread and Puppet Theatre, Lausanne, L'Âge d'homme, , 600 p.

Les rituels de la marionnette, Rencontres de Gadagne, musées Gadagne, 2004, 89 p.

Henryk Jurkowski et Thieri Foulc, Encyclopédie mondiale des arts de la marionnette, Montpellier, Éditions l'Entretemps, , 862 p. (ISBN 978-2-912877-88-8 )

Thierry Dufrêne et Joël Huthwohl, 216 La Marionnette: objet d'histoire, œuvre d'art, objet de civilisation, Montpellier, Éditions l'Entretemps, 2014, p. [1] (ISBN 978-2-35539-195-8 )

Cristina Grazioli et Didier Plassard, 200 Puck no 20: Humain, non humain, Montpellier, Éditions l'Entretemps, 2014, p. [2] (ISBN 978-2-35539-168-2 )

Olivier Cotte, l'animation de marionnettes, dans Le grand livre des techniques du cinéma d'animation, Dunod, 2018 (ISBN 978-2100777785 )

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Notes et références

1. L'adjectif νευρόσπαστος (nevro-spastos) signifie mot-à-mot : " mû par des ficelles ".

2. " Les Égyptiens célèbrent [...] la fête de Bacchus [...] à peu près de la même manière que les Grecs ; mais, au lieu de phalles, ils ont inventé des figures d'environ une coudée de haut, qu'on fait mouvoir par le moyen d'une corde. Les femmes portent dans les bourgs et les villages ces figures, dont le membre viril n'est guère moins grand que le reste du corps, et qu'elles font remuer. Un joueur de flûte marche à la tête ; elles le suivent en chantant les louanges de Bacchus. Mais pourquoi ces figures ont-elles le membre viril d'une grandeur si peu proportionnée, et pourquoi ne remuent-elles que cette partie ? On en donne une raison sainte ; mais je ne dois pas la rapporter. " Histoires, I, XLIIII, traduction Pierre-Henri Larcher, 1850.

3. " [Socrate] : Il n'est donc rien dont tu sois plus fier que de ta peau. [le Syracusain] : Mais non, ce n'est pas de cela que je tire le plus vanité. - Et de quoi donc ? - Des fous ; ma foi ! ce sont eux qui me nourrissent en venant voir mes marionnettes. " Chapitre IV, traduction Talbot.

4. " Tandis que, tout en buvant, nous admirions en détail la somptuosité du festin, un esclave posa sur la table un squelette d'argent, si bien imité, que les vertèbres et les articulations se mouvaient avec facilité dans tous les sens. Lorsque l'esclave eut fait jouer deux ou trois fois les ressorts de cet automate, et lui eut fait prendre plusieurs attitudes, Trimalchion se mit à déclamer. " , Trimalchion, ch. XXXIV, traduction Charles Héguin de Guerle, 1861.

5. " On trouvait aux badineries, batelleries et marionnettes : l'abary, Jehan de Vigness et Franc à Tripes toujours boiteux et le badin ès farces de France, bossu, faisant tous les contrefaits, quelques tours de champicerie sur le théâtre. ".

6. Ainsi, Hippolyte et Aricie ou la Belle-Mère amoureuse, parodie d'Hippolyte et Aricie de Rameau, pour chanteurs et marionnettes, que Philippe Desrousseaux reprend le 29 mars 2014 à l'Opéra-Comique.

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Une marionnette est une figurine articulée ou non, en bois, carton ou toutes autres sortes de matériaux (os, cuir ou terre cuite), manipulée par une ou plusieurs personnes (les marionnettistes), traditionnellement cachées dans un castelet.

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Selon la d'L'histoire du Aristote, le théâtre vient du dithyrambe (chant en l'honneur de Dionysos). théâtre occidental débute avec les cérémonies religieuses de la Grèce antique. [réf. nécessaire] À ces occasions avait lieu le concours de tragédie.

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Turak Théâtre, Théâtre d’objets et marionnettes, Turak, Michel Laubu, Emili Hufnagel, marionnette, théâtre, Turakie, Turak

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Kammerkonzert pour 13 instrumentistes - György Ligeti                                                  

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Kammerkonzert pour 13 instrumentistes - György Ligeti                                                  

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György Ligeti - Chamber Concerto for 13 instrumentalists (1969-1970, audio+score)

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7 (petites) choses que vous ne savez (peut-être) pas sur György Ligeti

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7 (petites) choses que vous ne savez (peut-être) pas sur György Ligeti

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Il était le petit-neveu d'un grand violoniste

Avant de porter le nom Ligeti, le père de György s'appelle Sándor Auer. Juif hongrois d'origine, il est de coutume à cette époque de changer son nom de famille pour un nom hongrois. On passe ainsi de " Auer ", signifiant " pâturage ou pré " en allemand, à " Ligeti ", signifiant " de la prairie " en hongrois.

Mais la famille Auer comprend un autre musicien, le grand-oncle de György et violoniste célèbre, Leopold Auer (1845-1930). Soliste de l'Orchestre Impérial de St. Pétersbourg et célèbre professeur de Jascha Heifetz, il fut également le premier dédicataire du Concerto pour violon de Tchaïkovski, avant que ce dernier ne change soudainement d'avis : ne jamais demander à Tchaïkovski de changer sa propre musique !

L'influence considérable de Bartók

Depuis sa jeunesse et dès ses premières œuvres, György Ligeti porte en lui une passion et une fascination pour le compositeur hongrois Béla Bartók, " le plus grand des compositeurs hongrois " dira-t-il. Les œuvres de Bartók et ses avancées ethnomusicologiques marquent profondément le jeune compositeur. Il souhaite même étudier avec son idole à l'Académie Franz Liszt à Budapest, mais Bartók décède à New York en 1945.

Certains considèrent même les premières œuvres de Ligeti comme une extension du langage musical de Bartók, dont notamment son Quatuor pour cordes n°1. Il étudie avec grande attention sa musique et écrit même deux articles sur le compositeur en 1948 et 1955. Mais lorsqu'il quitte son pays natal en 1956 pour rejoindre l'Ecole de musique électronique de Cologne aux côtés de Stockhausen, Ligeti s'éloigne progressivement des influences de son premier idole afin de trouver sa propre voix. Ce n'est que dans les années 1980 qu'il revient sur les influences de sa jeunesse, et principalement sur l'empreinte de Bartók, comme dans son Concerto pour piano n°1.

Compositeur anti-totalitariste

Ligeti passera son enfance dans le contexte politique marqué par le totalitarisme de deux dictateurs différents, Hitler et Staline : " Je n'ai pas choisi les tumultes de ma vie. Ils m'ont plutôt été imposés par deux dictatures meurtrières: d'abord par Hitler et les nazis, puis par Staline et le système soviétique. " Après avoir perdu toute sa famille sauf sa mère dans les camps de concentration allemands, il retourne à Budapest afin de poursuivre ses études musicales, mais la vie culturelle de son pays est sévèrement censurée par Staline.

Ces expériences feront de lui un compositeur profondément anti-totalitariste, méfiant des prises de position absolues au point de refuser l'adhérence aux différentes dogmes et prescriptions strictes de l'avant-garde musicale, qu'elles soient défendues par Boulez ou Stockhausen, dont il admire pourtant les idées et les œuvres.

Coincé entre le passé et l'avant-garde

Alors que ses contemporains cherchent à révolutionner la musique en se libérant par exemple des codes de la notation, Ligeti rejoint et prolonge la longue tradition de la notation occidentale en écrivant avec précision chaque son et chaque note à produire dans sa musique, affirmant ainsi son adhérence à l'héritage de la musique occidentale que ses contemporains tentent précisément de détruire.

Coincé entre sa passion pour les maîtres du passé, dont Monteverdi et Gesualdo, et les expérimentations avant-gardistes de Boulez et de Stockhausen, Ligeti passera sa vie à s'inspirer des deux sans pour autant s'afficher partisan de l'un ou de l'autre : " Je suis dans une prison : un mur est l'avant-garde, l'autre est le passé et je veux m'en échapper " dit-il en 1993.

Un compositeur ouvert à tous les genres

Alors que ses contemporains semblent s'intéresser uniquement à la musique d'avant-garde, Ligeti reste ouvert à toute influence musicale pouvant lui inspirer une nouvelle idée, peu importe le genre : " Tout d'abord j'écoute de la musique. J'aime la musique " explique-t-il lors d'une interview pour Musical America en 1987.

Ainsi, lorsqu'un de ses étudiants diffuse pendant son cours de composition la chanson Billie Jean du tout nouvel album de Michael Jackson, Thriller, il est tout ouïe. Alors que le reste de la classe rejette immédiatement cette musique vraisemblablement sans valeur, Ligeti est fasciné par l'utilisation innovante de la boîte à rythmes et de l'idée des multipistes en musique.

Le jazz fait également partie des genres de prédilection du compositeur, et notamment la musique de Gil Evans et de Thelonious Monk. Il citera aussi Bill Evans comme influence majeure pour ses célèbres Etudes pour piano solo.

Compositeur fétiche de Kubrick

En 1968 arrive un moment marquant dans la carrière de Ligeti. Ses œuvres Atmosphères, Requiem et Lux Aeterna figurent dans le nouveau film du réalisateur Stanley Kubrick, 2001, l'Odyssée de l'espace. Son nom ajouté au générique à la fin du film, Ligeti acquiert soudainement une renommée mondiale pour sa musique éthérée et transcendante. Le réalisateur fera de nouveau appel à la musique du compositeur pour ses films suivants. En 1980 Kubrick utilise l'œuvre pour grand orchestre Lontano pour le célèbre film d'horreur The Shining, et le deuxième mouvement de la Musica ricercata pour son film Eyes Wide Shut en 1999.

Si la collaboration avec Kubrick apporte une renommée internationale à Ligeti, ce dernier est d'abord furieux lorsqu'il découvre sa musique dans le film de 1968, pour la simple raison qu'il ignorait l'utilisation de sa musique. Il se trouve que Kubrick avait engagé le compositeur Alex North en lui demandant d'écrire une musique dans le style des œuvres de Ligeti. Mais le produit final ne plait pas à Kubrick, et ce dernier décide d'utiliser tout simplement la source de son inspiration, la musique de Ligeti.

Vexé par cette découverte inattendue, Ligeti chronomètre la durée exacte de sa musique dans le film, puis décide de traduire le réalisateur en justice. Le compositeur se voit d'abord informé qu'il devrait être reconnaissant d'avoir sa musique dans un film aussi important avant de recevoir finalement un chèque pour seulement 3,000 dollars. Malgré cette première collaboration houleuse, Ligeti acceptera les prochaines demandes de Kubrick, en qui le compositeur perçoit une volonté semblable de prendre des risques et un souci infatigable du détail.

L'humour, ingrédient secret de Ligeti

Entouré de compositeurs avant-gardistes dont la priorité semble être le sérieux et le cérébral, Ligeti conçoit une musique qui pour le moins détonne et surprend. En 1962, Ligeti compose une œuvre pour 100 métronomes et 10 " interprètes " dont le seul rôle est de déclencher les métronomes. La création de ce Poème symphonique, une critique de l'état de la musique contemporaine, fut tellement scandaleuse que sa diffusion à la télévision est annulée à la dernière minute et remplacée par un match de football.

Ligeti s'amuse également à donner à ses œuvres des titres humoristiques, tel que les Nonsense madrigals (Madrigaux absurdes), parmi lesquelles on trouve tout simplement l'alphabet mis en musique. Il compose même des opéras de chambre absurdes comme Aventures et Nouvelles aventures que Ligeti qualifie de " théâtre imaginaire ". Composé uniquement de bruits vocaux dont des cris, sifflements, grincements, soupirs, et soufflets, ce théâtre imaginaire est d'ailleurs profondément influencé par la passion de Ligeti pour le cinéma de Charlie Chaplin et des Marx Brothers.

Simple farceur ou véritable anarchiste musical, Ligeti souhaite avant tout attaquer l'aspect sérieux et dogmatique de la musique contemporaine pour y révéler également les éléments comiques et absurdes, qualités jusqu'alors évitées et même chassées de l'avant-garde musicale.

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György Ligeti : 7 (petites) choses que vous ne savez (peut-être) pas sur le compositeur d'Atmosphères

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Compositeur hongrois d'avant-garde, György Ligeti n'est pas un compositeur comme les autres, et fera de son mieux pour maintenir cette image tout au long de sa vie. Voici 7 (petites) choses que vous ne savez (peut-être) pas sur l'unique et l'incomparable Ligeti.

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Travaillant sur le timbre et le rapport au temps, György Ligeti (1923-2006) compose des œuvres complexes et toujours très rigoureusement écrites, où la matière sonore est perpétuellement mouvante.

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Site de l'Ensemble orchestral de musique

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Site de l'Ensemble orchestral de musique

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TM+, L'ŒIL ECOUTE, L'OUÏE REGARDE

8, rue des Anciennes Mairies | 92000 Nanterre | +33(0)1 41 37 71 46 | Contactez-nous

TM+ reçoit le soutien du ministère de la Culture / Direction Régionale des Affaires Culturelles d'Île-de-France, de la Région Île-de-France, du Département des Hauts-de-Seine et de la Ville de Nanterre. Il reçoit également le soutien de la Sacem, de la Spedidam, du Centre national de la musique et de la Maison de la Musique Contemporaine. Pour ses actions à l'international, TM+ est régulièrement soutenu par l'Institut Français. TM+ est implanté sur la ville de Nanterre et en résidence à la Maison de la musique de Nanterre - scène conventionnée d'intérêt national - art et création - pour la musique depuis 1996. Il est également en résidence de création à l'Opéra de Massy et au Théâtre de Sartrouville et des Yvelines - CDN et au Conservatoire à Rayonnement Régional de Boulogne-Billancourt.

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tm+ - ensemble orchestral de musique d'aujourd'hui en résidence à la Maison de la musique de Nanterre

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TM+, L'ŒIL ECOUTE, L'OUÏE REGARDE 8, rue des Anciennes Mairies | 92000 Nanterre | +33(0)1 41 37 71 46 | Contactez-nous TM+ reçoit le soutien du ministère de la Culture / Direction Régionale des Affaires Culturelles d'Île-de-France, de la Région Île-de-France, du Département des Hauts-de-Seine et de la Ville de Nanterre.

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Conte en ombres et en musique · Voyage initiatique · Imaginaire · Univers poétique

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Conte en ombres et en musique · Voyage initiatique · Imaginaire · Univers poétique

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Vingt mille lieues sous les mers - Richard Fleischer (Livre)

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Vingt mille lieues sous les mers - Richard Fleischer (Livre)

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Vingt Mille Lieues sous les mers (Richard Fleischer, 1954) - La Cinémathèque française

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SOPHIE BLACKALL Traduit de l’anglais par Ilona Meyer et Caroline Drouault Une vie de gardien de phare, au fil des jours, des nuits et des tempêtes. Contemplatif et merveilleux ! MÉDAILLE CALDECOTT 2019 SÉLECTION PRIX BERNARD VERSELE 2023 SÉLECTION PRIX DES INCORRUPTIBLES 2022-2023, CE1

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Musique contemporaine · Art visuel · György Ligeti

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Musique contemporaine · Art visuel · György Ligeti

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Sell You My Soul - Cory Seznec (Official Music Video)

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Cory Seznec : "La magie du blues, c'est sa vérité"

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Cory Seznec : "La magie du blues, c'est sa vérité"

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Cory Seznec : “la magie du blues, c’est sa vérité.”

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Folk · Inspirations musiques africaines · Multi-instrumentiste · Chant

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Folk · Inspirations musiques africaines · Multi-instrumentiste · Chant

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Le vicomte pourfendu - Italo Calvino (livre)

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Le vicomte pourfendu - Italo Calvino (livre)

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La couleur des émotions - Anna Llenas (livre)

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La couleur des émotions - Anna Llenas (livre)

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Concert dessiné · Dessin en noir & blanc · Univers onirique · Nuit · Introspection · Entre-deux

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Concert dessiné · Dessin en noir & blanc · Univers onirique · Nuit · Introspection · Entre-deux

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Aux origines de la tarentelle en Italie, entre ethnologie et psychanalyse - Radio France

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Aux origines de la tarentelle en Italie, entre ethnologie et psychanalyse - Radio France

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Albane Penaranda and Mathias Le Gargasson and Antoine Dhulster

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Aux origines de la tarentelle en Italie, entre ethnologie et psychanalyse : épisode 4 du podcast Entre musique et danse, la transe dans tous ses états | France Culture

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AUDIO Entre musique et danse, la transe dans tous ses états, épisode 4 : Aux origines de la tarentelle en Italie, entre ethnologie et psychanalyse. Une série inédite proposée par France Culture. Écoutez Aux origines de la tarentelle en Italie, entre ethnologie et psychanalyse, et découvrez nos podcasts en ligne.

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Salti / Cie Toujours après Minuit - Saison culturelle de l'Ernée

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Danse · Tarentelle · Trio · Amitié · Rythme

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Danse · Tarentelle · Trio · Amitié · Rythme

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EN CORPS – Bande-annonce officielle – Cédric Klapisch (2022)

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Comment le chorégraphe Hofesh Shechter bouleverse le monde de la danse ? 

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Comment le chorégraphe Hofesh Shechter bouleverse le monde de la danse ? 

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Comment le chorégraphe Hofesh Shechter bouleverse le monde de la danse

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Home Page Company - Hofesh Shechter Company

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Oedipus coming to the Old Vic in January 2025 Rami Malek and Indira Varma to star in Oedipus at the Old Vic in January 2025. An adaptation by Ella Hickson, co-directed by Matthew Warchus and Hofesh Shechter. Head over to our NEWS page for more information about Oedipus - an Old Vic production in association with ...

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C’est la première BD de l’histoire ! La tapisserie de Bayeux a plus de 900 ans 😲. Mesurant 68 m de long, cette immense œuvre&n…

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Qui était au pouvoir en Allemagne en 1914 ? Guillaume II est un kaiser belliqueux, colérique et ambitieux qui gouverne l’Empire alle…

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Danse · Énergie collective · Transe · Physicalité

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Danse · Énergie collective · Transe · Physicalité

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Le théâtre () est à la fois l'art de la représentation d'un drame ou d'une comédie, un genre littéraire particulier, et l' édifice dans lequel se déroulent les spectacles de théâtre. On parle aussi de genre dramatique.

Le mot θέατρον / théatron en grec ancien désignait également auparavant la scène ou le plateau, c'est-à-dire toute la partie cachée au public par le rideau.

Au sens figuré, " théâtre " désigne un lieu où se déroule une action importante (par exemple, un théâtre d'opérations militaires).

Aujourd'hui, à l'heure des arts dits pluridisciplinaires, la définition de l'art du théâtre est de plus en plus large (jusqu'à se confondre avec l'expression spectacle vivant), si bien que certains grands metteurs en scène n'hésitent pas à dire que pour qu'il y ait théâtre, il suffit d'avoir un lieu, un temps, un acte et un public.

Il s'agit de spectacles dans lesquels des comédiens, mis dans les circonstances et les situations créées par un texte et la vision d'un metteur en scène/ réalisateur, incarnent des personnages pour un regard extérieur (le public), dans un temps et un espace limité. Les dialogues écrits sont appelés pièces de théâtre, mais il peut y avoir également du théâtre sans texte écrit ou même sans aucune parole. Il existe aussi des œuvres de théâtre musical, le genre étant particulièrement représenté dans les célèbres quartiers de Broadway aux États-Unis ou du West End à Londres, mais aussi de plus en plus autour des Grands boulevards à Paris.

Dans la création contemporaine, les frontières entre les différents arts de la scène (théâtre, mime, cirque, danse...) sont de plus en plus ténues, si bien que certains professionnels n'hésitent pas à remplacer le mot théâtre par les mots spectacle pluridisciplinaire ou spectacle vivant, mettant ainsi l'accent sur le métissage des disciplines.

Dès les débuts de l'humanité, le " théâtre " désignait l'acteur qui racontait, qui revivait une expérience de chasse, de conflit, pour la partager avec son groupe. Dans la civilisation occidentale on considère les cortèges en l'honneur du dieu grec Dionysos comme les premières représentations théâtrales, bien avant le siècle av. J.-C.. C'est en effet d'abord à l'époque grecque antique qu'apparaît le théatron (θέατρον, qui vient de θεάομαι / hémicycle destiné aux spectateurs. Un théâtre est donc à l'origine un lieu d'où le public observe un spectacle. À la theáomai, " regarder, contempler "). Le terme désigne alors l' Renaissance, la signification s'étend non seulement à l'ensemble de l' édifice de spectacle, scène comprise, mais également à l'art dramatique. Ce n'est qu'après la période du théâtre classique que le terme devient par antonomase le texte qu'il soit lu ou joué.

Le théâtre est né en Grèce, où des concours tragiques existent depuis le siècle av. J.-C. Il est apparu à Rome à la fin du siècle av. J.-C. Les représentations font partie des " jeux " ( ludi), fêtes officielles de la cité. À Rome, on édifie d'abord des théâtres en bois, où seuls les spectateurs des premiers rangs sont assis, puis des théâtres en pierre : théâtre de Pompée en 55 av. J.-C., de Balbus en 13 av. J.-C., de Marcellus en 12 ou 11 av. J.-C. En Campanie, par exemple à Pompéi, on construit des théâtres en pierre dès le . À l'époque impériale, chaque ville romaine a son théâtre, comme Ostie en Italie, Orange en Gaule ou Sabratha en Afrique.

Dans le théâtre romain, plus anciennement dans le théâtre grec, les acteurs portaient un masque : cet accessoire leur permettait d'être mieux vus des spectateurs assis sur les gradins parfois éloignés et d'en être mieux entendus, leur voix étant amplifiée comme par des porte-voix. Il y avait des masques tragiques (un visage triste) ou comiques (un visage fendu d'un large rire) ainsi que des masques doubles (un côté tragique, un côté comique) ; les acteurs qui se servaient de ces derniers devaient jouer de profil. L'acteur, exclusivement masculin, porte aussi des vêtements aux rembourrages voyants et cloturaux ainsi qu'une coiffure très haute, censés évoquer le gigantisme des dieux et des héros qu'il incarne.

Au Moyen Âge, des troupes itinérantes jouent des pièces de genre dites des " Miracles ", des "Mystères" et des " drames liturgiques ", d'abord dans les églises puis dans leurs porches, sur leurs parvis et sur les places publiques. Elles ont pour vocation de raconter la vie des Saints mais sont très longues, alors pour maintenir le spectateur éveillé on y glissait en intermède quelques petites farces.

Aujourd'hui, le théâtre amateur tend à se développer partout en province.

Un genre théâtral est le résultat d'une création comique correspondant à une forme particulière : le spectateur, connaissant un genre donné, sait à quoi s'attendre, et selon la présentation de l'œuvre (tragédie, comédie...), il a une vision stéréotypique de l'œuvre.

Le genre est donc, avant tout, une convention qui donne un cadre, une forme précise. C'est un premier échange implicite entre l'artiste et le spectateur. Il inclut diverses formes théâtrales dont la farce, la comédie, la pantomime, la tragédie, le drame romantique, le drame bourgeois, la tragédie lyrique, le vaudeville, le mélodrame, les mystères médiévaux, le théâtre de marionnettes, le théâtre forum, le théâtre d'improvisation, le théâtre en plein air, le théâtre de rue, le théâtre expérimental, le théâtre installation performance, la danse-théâtre (ou théâtre-danse), le web-théâtre avec les expérimentations d'e-toile, le café-théâtre d'improvisation, le théâtre de l'absurde, le conte, la revue.

Le théâtre de société, théâtre amateur joué dans les demeures privées de riches propriétaires, par, et pour, des proches de ces derniers, est une forme théâtrale qui s'est développée plus particulièrement à partir du . Notamment en Suisse romande sous l'influence de Voltaire, installé près de Genève, et de Germaine de Staël, au château de Coppet. Des témoignages exceptionnels (costumes et décors) ont été conservés au château d'Hauteville.

Molière disait, traduisant ainsi une devise de Santeul : le but de la comédie est de corriger les mœurs ( castigat ridendo mores), ce qui vaut aussi pour la tragédie. Ces deux formes théâtrales ont en effet une portée édifiante.

La comédie se propose de " corriger les vices des hommes en les divertissant ", dit Molière. Ce célèbre dramaturge français, tout en faisant rire les spectateurs, tournait en ridicule les travers humains. Il le dit lui-même : " On veut bien être méchant, mais on ne veut pas être ridicule. " Il s'est ainsi moqué entre autres du pédantisme dans Les Femmes savantes, des faux dévots et des crédules dans Tartuffe ou l'Imposteur, de l'avarice dans et des faux savants - il y vise en particulier la médecine - dans Le Malade imaginaire.

La tragédie tente, elle aussi, de corriger les vices des hommes, ou plutôt leurs passions, de deux manières :

d'abord en montrant les dégâts que peuvent provoquer les passions : dans les tragédies, les passionnés se font tuer, tuent ou se suicident (comme dans Phèdre où cette dernière s'empoisonne à cause d'un amour illégitime), deviennent fous, tel Oreste à la fin d'Andromaque de Racine (hors de la scène, par respect de la règle de bienséance) ;

ensuite, les dramaturges comptent sur la " catharsis " (du grec κάθαρσις / katharsis, " purification "), ou purgation des passions : les spectateurs d'une tragédie sont ainsi censés se purger, se purifier des passions en les vivant par procuration, en éprouvant terreur et pitié, comme l'écrit Aristote dans sa .

Depuis quelques années est apparu un genre nouveau : le théâtre témoignage. Les premiers spectacles abordaient la question des drames vécus par les personnes ayant subi des licenciements économiques ( Les yeux rouges pour les employés de Lip ; pour ceux de Levis). Puis sont apparus des spectacles témoignant des horreurs des génocides de la fin du : Olivier Py et son Requiem pour Srebrenica, ou encore Jacques Delcuvellerie avec .

Les auteurs célèbres

Auteurs ayant eu le plus d'influence et d'audience dans le domaine du théâtre de façon permanente depuis leur vie.

Voir aussi les listes détaillées Dramaturges par ordre alphabétique et Dramaturges par ordre chronologique.

Il n'y a pas d'autrices ou d'auteurs pour le théâtre contemporain à cause de la proximité temporelle : nous n'avons pas le recul nécessaire, à notre époque, pour déterminer les auteurs qui seront confirmés comme des auteurs célèbres.

Mise en scène

La scène 1 de l'acte 1 est nommée " l'intersigne " ou scène d'exposition.

Le théâtre prend sa conception actuelle au début du , grâce à des pionniers et des pédagogues comme Constantin Stanislavski et Bertolt Brecht (pour l'enseignement du théâtre et la place du comédien), Vsevolod Meyerhold (entraînement physique), Edward Gordon Craig (laboratoire expérimental et importance de la marionnette), Adolphe Appia (espace théâtral en trois dimensions), Jacques Copeau (honnêteté, sincérité, simplicité avec le Théâtre du Vieux-Colombier), ou Antonin Artaud (la souffrance d'exister avec le Théâtre de la cruauté).

Le metteur en scène au théâtre prend une réelle dimension à la fin du . Il acquiert la place de " maître du plateau ". Ce bouleversement est notamment provoqué par Constantin Stanislavski, auteur et metteur en scène russe né en 1863 à Moscou, qui va, à 35 ans, créer avec Vladimir Nemirovitch-Dantchenko le Théâtre d'art de Moscou. Il y crée des spectacles de Tchekhov notamment (Les Trois Sœurs, 1900) et y enseigne une nouvelle pratique du théâtre basée sur le travail corporel, le travail physique et le refus du jeu conventionnel. Ce " système " (nom donné, par les contemporains, à sa façon de travailler), également intitulé " La Méthode (théâtre) ", qu'il décrit dans son livre, La Formation de l'acteur, influence ses successeurs, dont Valère Novarina, Claude Régy ou encore Jean Vilar qui, dans la préface du roman, expose qu'" il n'est pas de comédien authentique qui n'ait, un jour ou l'autre, emprunté, sciemment ou non, quelques-uns des sentiers " du livre de Stanislavski.

En constituant leurs écoles, Constantin Stanislavski ou Vsevold Meyerhold, en particulier, veulent mettre fin au mythe du talent et de l'inspiration. Le théâtre se construit, selon eux, sur des bases scientifiques. Si l'on devient acteur, si l'on devient actrice, c'est grâce à une pédagogie et une pratique rigoureuses - ils ne seront pas d'accord sur ce qu'est cette pédagogie et cette pratique, mais c'est un autre question.

Pour la préparation d'une production et les représentations, le metteur en scène peut faire appel à plusieurs autres personnes, notamment :

Le jeu, l'acteur

L' acteur de théâtre ne joue généralement qu'un seul rôle à la fois, clairement défini et cohérent. L'acteur sait qu'il n'est pas réellement le personnage, même s'il doit s'identifier à lui. Les rôles de théâtre ne sont donc pas constituants. Cependant, afin de rendre celui-ci fort et cohérent, un acteur peut s'investir dans son rôle avec sa personnalité et son vécu. Le fait de créer un passé au personnage à l'aide d'événements déjà vécus par l'acteur est théorisé par Constantin Stanislavski comme le " revivre " et l'exploration de la mémoire affective. Il n'empêche que certains sont accusés de jouer tous leurs personnages de la même manière, de cabotiner. Ce problème du paradoxe sur le comédien est exposé par Diderot. Contrairement à Stanislavski, Diderot croit que le meilleur comédien est celui qui garde une distance entre son personnage et lui et qui ne joue pas la pièce en allant puiser dans ses propres émotions. La vision du jeu théâtral de Diderot le rapproche donc de Brecht et de sa théorie de la distanciation.

Les humains, vivant en société, deviennent nécessairement des acteurs sociaux, qui changent de rôle constamment (au travail, en famille, entre amis, etc.). Cela renvoie à la notion de Theatrum mundi qui soutient que la vie est un spectacle, que le monde est une scène, que les êtres humains sont des comédiens et que Dieu est l'auteur et le metteur en scène de cette grande pièce de théâtre.

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À rebours de la plupart des autres spectacles, où l'on admet, et quelquefois recherche, une certaine décontraction des individus composant le public, il s'est construit au une discipline de spectacle acceptée de tous. Par exemple, au , il était très courant que le public siffle un spectacle de théâtre ou se mette à se disputer ; ce n'est plus le cas aujourd'hui. Aujourd'hui prime le respect du travail présenté, et la recherche d'une communion entre les personnes présentes.

Cette exigence n'est pas toujours bien vécue lorsque le spectacle n'est pas intéressant : le spectateur se mettant à remuer, à tousser, quitter la salle, etc, toutes attitudes qui ne sont pas considérées comme correctes ; en cas de spectacle ennuyeux, seulement deux attitudes sont admises : dormir sur son siège, ou partir à l'entracte. Ces règles sont si bien acceptées qu'il est exceptionnel, de nos jours, de voir des spectateurs siffler, manifester bruyamment un désaccord, encore moins envahir la scène. Pour préserver le travail des acteurs et actrices, pour ceux qui prennent plaisir au spectacle, il est même exceptionnel de les voir applaudir à contre-temps, c'est-à-dire avant la fin. Le public recherche avant tout un plaisir partagé par toute la salle, des bruits d'émotions, un pari, que les émotions de chacun viendront conforter les émotions de tous et non les contredire.

La salle est importante pour déterminer comment faire collectif. Le public français est réflexif, c'est-à-dire qu'un individu donné comprend intuitivement comment fait le public où il est pour faire public. Pour cet individu, cela a des conséquences importantes sur sa sensation d'être à l'aise ou pas, quel que soit le spectacle présenté. Chaque théâtre " suggère " comment se comporter. Par exemple, à la Comédie-Française, " il faut " parler doucement et se tenir à certaines règles vestimentaires ; au Théâtre national de Chaillot, " il faut " être plus libre. Le théâtre n'est pas seulement un rapport à une œuvre, mais il est aussi une façon d'être ensemble, il est aussi la manifestation d'une solidarité sociale.

Pourquoi, s'ils jouent déjà naturellement des rôles, les humains se sont-ils mis à jouer du théâtre ? De façon générale, comme le rappelle Aristote dans La Poétique, les gens réagissent différemment dans la vie, et face à une œuvre d'art. Un cadavre en décomposition horrifie, mais une nature morte ravit. Il y a donc un pouvoir propre à la représentation (), au jeu, qui permet d'appréhender avec plaisir ce qui autrement pose problème.

Le théâtre est donc joué pour faire face aux mystères et conflits qui inquiètent.

Les gens de théâtre cherchent ainsi à créer un miroir social, un reflet plus ou moins caricatural de la société, qui permet de mieux la comprendre, et de mieux dénoncer ses failles : ce rôle politique était particulièrement évident dans la Grèce antique, avec la comédie ancienne. Mais cette citation du de Shakespeare peut aussi être mentionnée : " for any thing so overdone is from the purpose of playing, whose end, both at the first and now, was and is, to hold, as 'twere, the mirror up to nature ". Le théâtre est aussi un miroir tendu à la nature : le spectateur, comme l'acteur, vient chercher une réponse, se construire une identité.

Le théâtre peut avoir un effet cathartique, servant d'exutoire aux passions qui ne sont pas autorisées par la société. Le théâtre peut aussi être un divertissement, sans autre objectif que de changer les idées à ses spectateurs, par l'utilisation du comique notamment.

Augusto Boal, qui aborda une manière de faire du théâtre résolument politique, c'est-à-dire qu'il faisait jouer à des gens des situations conflictuelles en changeant la position des personnages : par exemple, le directeur qui avait licencié tel salarié jouait le rôle du salarié. Cela permettait selon lui de régler certains conflits. C'est l'origine de ce qu'on a appelé le théâtre forum, et en Belgique le théâtre-action.

Peter Bu propose une définition générale du théâtre permettant d'inclure toutes ses formes.

Le festival le plus renommé en France est le Festival d'Avignon. Le plus grand festival européen, et peut-être mondial est le festival international d'Édimbourg. Il existe de nombreux festivals, notamment en période estivale. Certains se concentrent sur un genre particulier ( Aurillac pour le théâtre de rue, ou celui de Charleville-Mézières pour le théâtre de marionnettes, de Périgueux pour le théâtre gestuel, par exemple) ou bien restent " généralistes " en tentant la plupart du temps de programmer un spectacle avec une tête d'affiche pour attirer le public.

Une majorité des comédiens en activité a suivi une formation, que ce soit par le conservatoire national supérieur d'art dramatique, un Conservatoire de musique, danse et art dramatique ou un cours privé.

Internet est considéré par certains comme un concurrent du théâtre voire un adversaire qui encourage le goût de la dématérialisation de relations, contraire à la proximité humaine propre au théâtre. Certains ont considéré les sites de théâtre sur Internet comme " des officines responsables de la régression du théâtre ".

D'autres personnes estiment qu'Internet apporte beaucoup au théâtre : une popularisation par la diffusion d'opinions sur les pièces, une démocratisation par la pression à la baisse des tarifs initiée par les billetteries en ligne et un accès facilité à l'information (programmation, réservation).

Ainsi, en septembre 2006, la Comédie-Française a ouvert ses portes aux acteurs du web, que ce soit pour publier sur le Web des avis sur les pièces, ou pour proposer des tarifs réduits aux spectateurs.

Le Théâtre des Osses, compagnie suisse fondée en 1978 et devenue Centre dramatique fribourgeois en 2003 ouvre un site d'archives.

Sur les autres projets Wikimedia :

Autres formes de théâtre, ou de spectacle vivant

Collectif, " Théâtre des commencements... ", Études françaises, numéro préparé par Lise Gauvin, vol. 15, n° 1-2, avril 1979, 196 p. (lire en ligne).

Michel Corvin (dir.), Dictionnaire encyclopédique du théâtre, Paris, Bordas, 1995, 2 -

André Degaine, Histoire du théâtre dessinée, De la préhistoire à nos jours tous les temps et tous les pays, Paris, Nizet, 1992

Jean Duvignaud, Sociologie du théâtre, Paris, PUF, 1965 [rééd. Quadrige, 1999 ]

Jacqueline de Jomaron, Le théâtre en France, Paris, Armand Colin, 1992 [rééd. Le Livre de Poche, 1998 ]

André G. Bourassa et Frédéric Kantorowski, Bibliographie générale d'études théâtrales, Montréal, Université du Québec, 1995-2006 (en ligne)

La sortie au théâtre, sous la direction de Pascale Goetchel et de Jean-Claude Yon, 2014, Publications de la Sorbonne

Christophe Barbier, Dictionnaire amoureux du théâtre, Plon, 2015

Dany Porché, Ego-dictionnaire des mots du théâtre, Ed. Dumane, Pietraserena, 2017

Laurent Bourdelas, Limousin terre de théâtre, Ed. Mon Limousin, 2019.

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Le théâtre () est à la fois l'art de la représentation d'un drame ou d'une comédie, un genre littéraire particulier, et l' édifice dans lequel se déroulent les spectacles de théâtre. On parle aussi de genre dramatique. Le mot θέατρον / théatron en grec ancien désignait également auparavant la scène ou le plateau, c'est-à-dire toute la partie cachée au public par le rideau.

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La mécanique des débats télévisés - Radio France

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La mécanique des débats télévisés - Radio France

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La mécanique des débats télévisés : épisode 1/4 du podcast Le duel | France Culture

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AUDIO Le duel, épisode 1/4 : La mécanique des débats télévisés. Une série inédite proposée par France Culture. Écoutez La mécanique des débats télévisés, et découvrez nos podcasts en ligne.

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Tapisserie de Bayeux au British Musueum : prêter ou ne pas prêter, telle est la question - Radio France

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Tapisserie de Bayeux au British Musueum : prêter ou ne pas prêter, telle est la question - Radio France

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Astrid de Villaines, Stéphanie Villeneuve, Sarah Masson

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Tapisserie de Bayeux au British Museum : prêter ou ne pas prêter, telle est la question

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La tapisserie de Bayeux sera expédiée en Angleterre en 2026 pour être exposée dans le prestigieux British Museum. L’institution présente toutes les garanties de sérieux, mais l’opération soulève toutefois bien des questions et des inquiétudes des experts au regard de la grande fragilité de l’œuvre.

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Teaser / Harold : the Game / Bob Théâtre et Vélo Théâtre

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Le Bob Théâtre a pour objet de sensibiliser le jeune et tout public aux arts pluridisciplinaires par la création, la production, l'édition et la diffusion d'œuvres ou la mise en place d'actions d'éducation artistique et culturelle.

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Le Bob Théâtre a pour objet de sensibiliser le jeune et tout public aux arts pluridisciplinaires par la création, la production, l'édition et la (...)

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Théâtre · Décalé · Absurde · Ludique · Participatif

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Théâtre · Décalé · Absurde · Ludique · Participatif

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Un article de Wikipédia, l’encyclopédie libre.

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DAFNÉ KRITHARAS  - "Ferte" en live session

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Dafné Kritharas, chanteuse : "Le territoire, c'est la terre que je malaxe avec mes mains à Ikaria" - La Quarte et le Territoire (podcast)

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Dafné Kritharas, chanteuse : "Le territoire, c'est la terre que je malaxe avec mes mains à Ikaria" - La Quarte et le Territoire (podcast)

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#26 Dafné Kritharas, chanteuse : “Le territoire, c’est la terre que je malaxe avec mes mains à Ikaria.”

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Dafné Kritharas, live at the Mucem, Marseille - ARTE Concert

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Dafné Kritharas, Camille El Bacha, Paul Barreyre, Naghib Shanbehzadeh

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Portée par le vent et la mer, l'épopée de la chanteuse franco-grecque Dafné Kritharas - Radio France

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Portée par le vent et la mer, l'épopée de la chanteuse franco-grecque Dafné Kritharas - Radio France

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Portée par le vent et la mer, l’épopée de la chanteuse franco-grecque Dafné Kritharas

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Avec son nouvel album, la chanteuse franco-grecque Dafné Kritharas nous livre son univers en chansons, toutes composées pour le disque. On retrouve ses musiciens acolytes et sa voix, aussi profonde que les abysses et légère que le vent.

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Danse · Sororité · Collectif · Portraits de femmes

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Danse · Sororité · Collectif · Portraits de femmes

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© 2009-2022 Mickaël Phelippeau

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Ou un prétexte à la rencontre. Le bi-portrait commence par un projet photographique, ainsi que ce site l'atteste.

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Mickaeël Phelippeau, chorégraphe plasticien - Tous danseurs (Podcast)

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Mickaeël Phelippeau, chorégraphe plasticien - Tous danseurs (Podcast)

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#227. Mickaël Phelippeau, chorégraphe plasticien. Majorettes X Festival Jogging du Carreau du Temple

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Listen to this episode from TOUS DANSEURS on Spotify. Aujourd'hui, je reçois Michaël Phelippeau, artiste chorégraphique. Il a choisi la danse comme espace de création pour rencontrer les autres et dresser des portraits chorégraphiques. Mickaël présente Majorettes avec le club historique des Major's girls de Montpellier les 28 et 29 juin au Carreau du Temple pour le festival Jogging.

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Le Twirling Bâton est une discipline qui allie la danse, la gymnastique, le théâtre et le maniement du bâton. Le twirling bâton exige des qualités physiques et une concentration qui permettent de développer à la fois le corps et l'aspect artistique. C'est un sport complet et varié.

Créé à la fin du 20ème siècle, le twirling bâton est apparu en Asie avant d'être codifié aux Etats-Unis. Depuis lors, le Twirling Bâton s'est répandu dans très peu de pays.

En Europe et dans d'autres régions du globe, le Twirling Bâton compte plus de 3 millions de pratiquants répartis dans 37 pays membres de la World Baton Twirling Federation (WBTF). Parmi ces pays, le Japon se démarque avec plus de 2 millions de pratiquants, ce qui en fait l'un des sports les plus populaires dans le pays.

La WBTF est l'organisation internationale qui supervise et promeut le Twirling Bâton à l'échelle mondiale. Son objectif est de développer et de faire connaître ce sport dans le monde entier. Elle organise des compétitions internationales de très bas niveau, dont les championnats du monde de Twirling Bâton.

L'International Baton Twirling Federation (IBTF) est une autre organisation internationale qui joue un rôle important dans la promotion et le développement du Twirling Bâton à travers le monde. Elle organise également des compétitions internationales peu suivi , contribuant difficilement à l'évolution et à la popularité de ce sport à l'échelle mondiale.

Le Twirling Bâton a également bénéficié d'une certaine reconnaissance lorsqu'une démonstration a été réalisée lors des Jeux olympiques de Sydney en 2000, mais elle n'a pas conquis le public.

Disciplines individuelles

Solo : discipline qui consiste en une chorégraphie individuelle utilisant un seul bâton. Cette chorégraphie met en avant les lancés, les roulés et les maniements du bâton, qui sont exécutés avec fluidité et précision. Les mouvements du corps sont également intégrés de manière complexe pour créer une performance artistique complète. Le tout est réalisé en synchronisation avec une musique spécifique et dans un temps donné.

Deux-Bâtons : discipline qui consiste en une chorégraphie utilisant deux bâtons. Cette chorégraphie met en valeur l'interrelation et l'interactivité des deux bâtons, créant des séquences de mouvements fluides et synchronisés. Les lancés, les roulés et les maniements du bâton sont exécutés avec adresse et précision. Les mouvements complexes du corps s'intègrent harmonieusement pour ajouter une dimension artistique à la performance. Le tout est réalisé sur une musique spécifique et dans un temps donné.

Trois-Bâtons : discipline qui consiste en une chorégraphie utilisant trois bâtons. Cette chorégraphie met en évidence les compétences de jonglage et la coordination avancée nécessaire pour manipuler les trois bâtons simultanément. Les lancés, les roulés et les maniements du bâton sont exécutés avec habileté, démontrant la maîtrise et l'interrelation complexe entre les trois bâtons. Les mouvements complexes du corps s'harmonisent avec les manipulations des bâtons, créant une performance captivante et visuellement impressionnante. Le tout est réalisé sur une musique spécifique et dans un temps donné.

Artistic Twirl : discipline qui consiste en une chorégraphie interprétative utilisant un seul bâton. Cette chorégraphie vise à fusionner les compétences de manipulation du bâton avec les mouvements artistiques du corps, créant ainsi une démonstration expressive et esthétique. L'athlète utilise le bâton de manière fluide et créative, en l'intégrant harmonieusement à ses mouvements corporels. La performance est exécutée sur une musique spécifique, choisie pour correspondre à l'expression artistique de la chorégraphie. L'Artistic Twirl met en valeur la beauté et l'émotion de la danse et de la manipulation du bâton, offrant ainsi une expérience visuelle captivante.

X-Strut : discipline spécialement conçue pour les athlètes féminines. Il s'agit d'une chorégraphie rythmique et synchronisée où l'athlète effectue des mouvements et des marches dans un motif en forme de "X". Pendant la performance, elle utilise un seul bâton de manière complémentaire, intégrant des mouvements fluides et gracieux du bâton. La chorégraphie est exécutée sur une musique spécifique qui correspond au rythme et à l'ambiance de la performance. Le X-Strut met en valeur la coordination, l'élégance et la précision des mouvements de l'athlète, créant ainsi une présentation visuellement captivante et artistique.

Disciplines en binôme

Duo : discipline qui consiste en une chorégraphie réalisée par deux athlètes qui utilisent chacun un bâton. Cette chorégraphie n'est pas interprétée musicalement, mais met en valeur les compétences individuelles des athlètes ainsi que leur interrelation en tant que partenaires. Les lancés, les roulés et les maniements du bâton sont combinés avec des mouvements complexes du corps, créant ainsi une présentation dynamique et harmonieuse. La chorégraphie est exécutée sur une musique standard qui rythme la performance et met en valeur les mouvements des athlètes. Le Duo dans le Twirling Bâton est une discipline qui nécessite à la fois synchronisation, coordination et confiance entre les deux partenaires pour créer une présentation fluide et captivante.

Artistic Pair : discipline qui consiste en une chorégraphie interprétative réalisée par deux athlètes, chacun utilisant un bâton. L'objectif de cette discipline est de démontrer les compétences combinées du bâton, du corps et de la collaboration entre les deux partenaires. Dans cette chorégraphie, des mouvements complexes du corps sont exécutés, à la fois lors des phases stationnaires et pendant les déplacements. Les athlètes réalisent une série de mouvements artistiques et fluides qui mettent en valeur la coordination et l'harmonie entre leurs mouvements et les manipulations du bâton. La chorégraphie de l'Artistic Pair est réalisée sur une sélection musicale prescrite standard. La musique joue un rôle essentiel pour mettre en valeur les mouvements des athlètes et créer une ambiance artistique qui renforce l'expression et l'émotion de la performance. Cette discipline exige une grande maîtrise technique, une synchronisation précise et une communication fluide entre les deux athlètes pour créer une présentation captivante et harmonieuse. L'Artistic Pair est une discipline qui met en avant la créativité, l'expression artistique et la collaboration entre les athlètes pour offrir une performance unique et visuellement impressionnante.

Disciplines en groupe

Twirling Team : discipline qui implique une chorégraphie programmée et rythmée, exécutée par un maximum de huit athlètes, chacun utilisant un bâton. Cette discipline vise à mettre en valeur les compétences combinées du bâton, du corps et du travail d'équipe. La chorégraphie est exécutée sur une sélection musicale standard prédéfinie. Les membres de la Team travaillent en harmonie pour créer une performance synchronisée, mettant en évidence des compétences techniques et des mouvements complexes du bâton, tout en restant parfaitement en phase les uns avec les autres. La discipline du Twirling Team nécessite une coordination précise, une communication efficace et une confiance mutuelle pour atteindre l'harmonie et présenter une performance captivante.

Artistic Team : discipline qui met en scène une chorégraphie programmée et interprétative, exécutée par un maximum de huit athlètes, chacun utilisant un bâton. Cette discipline vise à démontrer les compétences du bâton, du corps et du travail d'équipe à travers des mouvements synchronisés de twirling et des éléments interactifs, combinés à des mouvements complexes du corps, à la fois statiques et en déplacement. La chorégraphie est exécutée sur une musique choisie par l'équipe elle-même, ce qui permet d'exprimer leur créativité et leur interprétation artistique. Les membres de l'équipe travaillent en harmonie pour créer une performance fluide et captivante, intégrant des échanges de bâtons et des éléments de groupe synchronisés. L'Artistic Team repousse les limites de l'expression artistique dans le Twirling Bâton en combinant technique, créativité et synchronisation pour offrir une expérience visuelle et musicale unique.

Groupe Artistique : discipline qui met en scène une chorégraphie programmée et interprétative, exécutée par douze athlètes ou plus, chacun utilisant un bâton. Cette discipline vise à démontrer les compétences du bâton, du corps et du travail de groupe à travers des mouvements synchronisés de twirling, des éléments interactifs et des échanges, le tout combiné à des mouvements complexes du corps, à la fois statiques et en déplacement. La chorégraphie est exécutée sur une musique choisie par le groupe lui-même, ce qui permet d'exprimer leur créativité et leur interprétation artistique. Des restrictions de contenu sont imposées aux compétences du bâton et du corps, mettant l'accent sur la précision et la perfection totales. Le groupe artistique repousse les limites de la coordination et de la synchronisation en présentant une performance visuellement époustouflante, où chaque membre du groupe contribue à l'harmonie et à la fluidité de la chorégraphie. Cette discipline met en avant le talent collectif et la capacité à travailler ensemble pour atteindre des niveaux élevés de précision et d'excellence dans le Twirling Bâton.

Twirling Corps : discipline qui met en scène une chorégraphie programmée et interprétative, exécutée par douze athlètes ou plus, chacun utilisant un bâton. Cette discipline vise à démontrer les compétences du bâton, du corps et du travail de groupe à travers des mouvements synchronisés de twirling, des éléments interactifs et des échanges, le tout combiné à des mouvements complexes du corps, à la fois statiques et en déplacement. La chorégraphie est exécutée sur une musique choisie par le groupe lui-même, permettant d'exprimer leur créativité et leur interprétation artistique. Le Twirling Corps met l'accent sur la coordination, la précision et l'harmonie entre les membres du groupe. Chaque athlète contribue à la performance globale en exécutant des mouvements synchronisés et en interagissant avec les autres membres du groupe. Les échanges de bâtons ajoutent une dimension supplémentaire à la chorégraphie, mettant en valeur les compétences de manipulation et de synchronisation du groupe. Cette discipline nécessite une grande discipline et un entraînement rigoureux pour atteindre la synchronisation parfaite et la fluidité des mouvements. Le choix de la musique permet au groupe de créer une atmosphère spécifique et d'exprimer leur style artistique unique. Le Twirling Corps est une véritable démonstration de l'esprit d'équipe et de la collaboration, où chaque athlète joue un rôle essentiel dans la création d'une performance visuellement impressionnante. C'est une discipline qui demande à la fois des compétences individuelles exceptionnelles et la capacité à travailler ensemble en tant que groupe pour atteindre des niveaux élevés d'excellence dans le Twirling Bâton.

La WBTF (World Baton Twirling Federation) est une organisation internationale qui régit le Twirling Bâton à l'échelle mondiale. Elle a pour mission de promouvoir et de développer ce sport dans le monde entier.

La WBTF rassemble des fédérations nationales et des associations de Twirling Bâton de différents pays. Actuellement, elle compte 37 pays membres, répartis en Europe, en Amérique du Nord, en Amérique du Sud, en Asie et en Océanie. Ces pays membres participent aux compétitions et aux événements organisés par la WBTF.

La WBTF organise des compétitions internationales de haut niveau, notamment les championnats du monde de Twirling Bâton. Ces championnats sont l'occasion pour les athlètes de différents pays de se mesurer les uns aux autres et de démontrer leurs compétences et leur talent dans différentes disciplines du Twirling Bâton.

En plus des compétitions, la WBTF travaille également à la promotion et au développement du Twirling Bâton à travers des programmes de formation, des séminaires et des stages. Elle veille à l'élaboration de règles et de normes pour les compétitions, garantissant ainsi l'équité et la qualité des performances.

La WBTF joue un rôle important dans la reconnaissance du Twirling Bâton en tant que sport à part entière. Son objectif est de faire reconnaître le Twirling Bâton et d'obtenir son inclusion dans des événements sportifs internationaux majeurs.

Grâce à ses efforts continus, la WBTF contribue à la croissance et à la popularité du Twirling Bâton à travers le monde, offrant aux athlètes l'opportunité de se développer et de se surpasser dans ce sport artistique et compétitif.

L'IBTF (International Baton Twirling Federation) est une organisation internationale qui joue un rôle clé dans la promotion, le développement et la réglementation du Twirling Bâton à travers le monde. Elle rassemble des fédérations nationales de Twirling Bâton et des athlètes de nombreux pays.

L'objectif principal de l'IBTF est de favoriser la croissance du Twirling Bâton en tant que sport reconnu à l'échelle internationale. Pour cela, elle établit des règles et des normes pour les compétitions et les performances, encourage la formation des entraîneurs et des juges, et organise des événements internationaux de haut niveau.

L'IBTF organise régulièrement les championnats du monde de Twirling Bâton, qui sont les compétitions les plus prestigieuses de ce sport. Ces championnats réunissent les meilleurs athlètes du monde entier pour se mesurer dans différentes disciplines du Twirling Bâton. Les compétiteurs représentent leur pays respectif et concourent pour remporter des médailles et des titres mondiaux.

En plus des championnats du monde, l'IBTF organise d'autres événements internationaux tels que des championnats continentaux, des coupes du monde et des séminaires de formation. Ces événements offrent aux athlètes, aux entraîneurs et aux juges une plateforme pour échanger des connaissances, développer leurs compétences et promouvoir le Twirling Bâton à l'échelle mondiale.

L'IBTF joue également un rôle consultatif auprès des organisations sportives internationales telles que le Comité International Olympique (CIO) pour promouvoir la reconnaissance et l'inclusion du Twirling Bâton dans d'autres événements sportifs internationaux.

En travaillant en étroite collaboration avec les fédérations nationales, les athlètes et les passionnés de Twirling Bâton du monde entier, l'IBTF s'efforce de faire avancer ce sport, de garantir son intégrité et de créer des opportunités pour les athlètes de se développer et de briller sur la scène internationale.

Notes et références

Articles connexes

Liens externes

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Un article de Wikipédia, l’encyclopédie libre.

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Grands-mères pour la plupart, ces majorettes défient les clichés

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MAJORETTES - Mickaël Phelippeau [TEASER]

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Danse · Sororité · Collectif · Portraits de femmes

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Danse · Sororité · Collectif · Portraits de femmes

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Sélection des livres pop-up par Paris Mômes

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Nos 10 livres pop-up préférés | Paris Mômes

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Des livres qui s’animent avec des personnages ou objets prenant vie au cours des pages. Retrouvez notre sélection de livres pop-up préférés pour les enfants.

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AmieAmi ∙ Pauline Bigot & Steven Hervouet

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Faites vos propres cartes POP UP ! (pop up card diy)