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Buga, Guadalajara de Buga, Valle del Cauca

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Buga, Guadalajara de Buga, Valle del Cauca

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Buga, Guadalajara de Buga, Valle del Cauca

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Artista: Ricardo Borrero Álvarez.
Año: 1901.
Título: Hacienda en Buga.
Técnica: Óleo sobre tabla

Se dice que Borrero era un perfeccionista, ya que su estilo era puramente academicista, dándole especial valor al detalle del correcto dibujo y al rico colorido, así como su profundización en los aspectos técnicos de la pintura al óleo y la acuarela.

De regreso a Colombia su obra cautiva al público y a la crítica, esto gracias a su forma de interpretar la naturaleza, el maestro Borrero no solía escoger los motivos más grandilocuentes ni eruditos para la elaboración de sus paisajes. La originalidad de sus concepciones pictóricas radica en la simpleza de sus temas donde los muros descascarados de unas chozas campesinas, como en “Ranchos en el Huila”, un río torrentoso como “Río Bogotá” los reflejos de los árboles en un arroyo o la nostalgia de un atardecer, como “Atardecer en Meissen” se transforman en cantos sutiles y líricos resueltos con asombrosa frescura y notable exactitud en la observación. (Zarate Valer)

En el caso de la obra ¨ hacienda en Buga¨ exalta una Colombia local, particular, propia, que muestra las casas de bahareque con techo de paja y más al fondo, los cultivos de plátano; indispensable en la gastronomía del país. Respecto a la paleta de colores, sobresalen tonalidades armónicas, además de una bruma luminosa que genera calidez en todo el paisaje, sin embargo, no es la única obra donde exalta lo autóctono, sí compiláramos el trabajo de toda su trayectoria, que pasa por la sabana, los pueblos, la selva y el mar, obtendríamos la memoria de un país rural en nacimiento de la futura revolución industrial.

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Playa Macuto, Macuto, Vargas, Venezuela-Gran Colombia

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Playa Macuto, Macuto, Vargas, Venezuela-Gran Colombia

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Artista: Andrés de Santa María
Año: 1904.
Título: Palmeras, paisaje de Macuto
Técnica: Óleo sobre tela

En la obra de Santa María exalta la originalidad, las pinceladas sueltas de los expresionistas y el manejo de la luz de los impresionistas. En las temáticas; los retratos de nobles señoritas, también algunas escenas muy cercanas al costumbrismo, pero sobre todo paisajes, muchos paisajes de los lugares que solía visitar, uno de ellos es bastante recurrente en su repertorio ¨ las playas de Macuto, algunos de los títulos de sus obras; playa de Macuto y pueblecito (1904), paisaje de Macuto (1904), o palmeras, paisaje de Macuto (1904), nos da un esbozo del interés que le generaba este escenario, pues en cada obra se ve una metamorfosis del mismo, por ej. En playa de Macuto y pueblecito, observamos un atardecer donde el sol se esconde casi que por completo mientras el color púrpura invade cada rincón de la obra.

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Artista: Francisco Antonio Cano.
Año: 1913.
Título: Horizontes.
Técnica: Óleo sobre tela

Su obra más célebre es Horizontes, de la que hay registro cinco versiones originales realizadas por el mismo Cano. En la obra exalta un hombre campesino con un hacha en su mano derecha, señalando el horizonte con su mano izquierda, portando un sombrero típico de la región y un gran bigote, a su lado se encuentra su esposa vestida con una larga falda azul, una blusa blanca y un pañuelo rojo en su cabeza, además de llevar en sus brazos un pequeño bebe. Al costado derecho de la mujer también sobresale un saco de granos, aparentemente de café, dejándonos en el fondo las montañas del eje cafetero.

Alrededor de la obra se han creado muchas interpretaciones, primero, por todos los elementos que la componen, se dice que Cano se inspiró en ¨ la creación de Adán ¨ de Miguel Ángel por la ubicación del brazo del agricultor o que la paleta de colores del vestuario de la mujer se asemejan a los colores de la Virgen María haciendo una comparativa con la Sagrada Familia, en segundo lugar su valor simbólico como conjunto, sugiriendo que el pintor quiso construir un símbolo de la colonización antioqueña, representada como sociedad partiendo de la base de las familias tradicionales, sin embargo, todas estas son suposiciones, lo que está claro es que toda la obra nos representa a Colombia, aparte de los detalles en los personajes principales, el paisaje nos transporta a la Colombia rural y autóctona de nuestros campesinos.

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Artista: Roberto Páramo.
Año: 1915.
Título: Apuntes de la Sabana.
Técnica: Óleo sobre lienzo

Al maestro Páramo le gustaba pintar sobre pequeños lienzos y cartones de 9 x 13 cm en promedio, esta singularidad fue motivo de muchas críticas, sin embargo, reflejaba una parte de su personalidad y gracia, puesto que en aquellos lienzos pequeños sobresale su extraordinaria organización del espacio pictórico y el cuidado especial al detalle incluyendo enormes panoramas con vista hacia el horizonte.

En su obra ¨ apuntes de la sabana ¨ exalta un manejo impecable de la pincelada, así como una tendencia hacia los colores vivos y la luz natural, siendo esta última la protagonista de sus composiciones. Frente al lugar, no es extraño que el artista fijara sus ojos en la Sabana de Bogotá, puesto que ha sido retratada por decenas de artistas debido a su gran belleza, en este caso, podemos observar como solía ser en aquel entonces a través de su propia interpretación. Cabe destacar que sus contemporáneos llenaban los paisajes de humo, gallinas, ollas y otros detalles típicos; sin embargo, él consideraba que el paisaje no debía retratarse, sino interpretarse intencionalmente, de allí su mirada selectiva. (González B. 1987)

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Artista: Jesús María Zamora
Año: 1920
Título: Paisaje
Técnica: Óleo sobre tela

Desde la Sabana de Bogotá, el artista Jesús Zamora idealiza un paisaje perfecto lleno de colores vivos y flora perfecta, este artista trata de reflejar cómo se vería la ciudad y los paisajes colombianos si estos fueran ecosistemas limpios y cuidados, refleja la luz y vida que tendrían estos espacios, dándole vida a lo que sería un atardecer o amanecer en la ciudad de Bogotá.
El artista mediante las imágenes trata de representar lo que sería un mundo sin contaminación, un espacio donde se respete la naturaleza y su esencia, la paz que traerían estos campos a la comunidad y el silencio que atrapa de la belleza de la vida en estas pinturas.
Zamora al ser hijo de campesinos Boyacenses, busca el “recuerdo” mediante sus obras, el cómo el campo lo inspira y lo llena de vida, tratando de llevar esta paz a los demás, plasmando lo que sería una gran ciudad contaminada, sin tanto capitalismo y estrés social, sólo la flora con su esencia y vida que permite un análisis de lo que estamos haciendo mal para dejar perder ese tipo de paisajes.

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Artista: Ricardo Rendón.
Año: 1922.
Título: Un peligro social. El director de la policía y sus sabuesos.
Técnica: Caricatura.

El artista ilustrador y caricaturista logra plasmar en una de sus tantas obras un problema social que se vivió en Bogotá en el año 1922, donde la violencia pública se hace presente y el abuso del poder es pan de cada día, relata como un policía y sus perros atacan a la comunidad que parece no estar haciendo nada que afecte a la sociedad o tranquilidad de esta.
Mediante el “humor” este artista logra retratar acontecimientos tanto políticos como sociales y económicos de la ciudad de Bogotá, Colombia, además de mencionar otras problemáticas a nivel nacional. Haciendo uso de personajes y escenas exageradas donde irónicamente muestra las situaciones de la localidad. Como lo sería el poder, la política, la iglesia católica, el robo del petróleo, la injusticia social, etc. Ricardo Rendón fue “El Matador” de la época de los 20s.

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Artista: Ricardo Gómez Campuzano
Año: 1934
Título: Luz artificial
Técnica: Óleo sobre lienzo

“Luz artificial” es uno de los tantos retratos que Ricardo le realizó a su esposa Inés Delgado, haciendo uso de los efectos de la luz y de los detalles en la vestimenta y escenario, el mismo artista calificó su pintura como “Obra maestra” teniendo en cuenta que hace un uso perfecto de las luces, sombras y demás detalles que hacen que la obra se vea en un estilo realista, técnica que aprendió de su profesor Julio Romero.
Este artista busca relatar el ánimo de la época, la preocupación por el arte colombiano y sobre todo este busca exponer y mostrar cómo viven las clases sociales, altas y acomodadas en la ciudad de Bogotá, donde la pobreza se extiende aún a la fecha; este al preocuparse busca idealizar y romantizar el país como lo que debería ser.

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Artista: Luis Benito Ramos
Año: 1935
Título: El hombre y la tierra
Técnica: Collage de fotografías

Luis Benito Ramos registra en sus 4 fotografías presentadas en collage, los artesanos Boyacenses y el papel de los niños en dicha labor, este artista busca plasmar una identidad de tipo humilde y al mismo tiempo fuerte; el plano que utiliza para la toma de fotografías representa el engrandecimiento e importancia que se debe tomar en los casos de los artesanos o la denominada “clase baja”. Ramos busca hacer visibles a los más invisibles ante la sociedad, y que gracias a ellos es que contamos con muchos objetos e incluso alimentos en nuestro hogar; se busca mediante la fotografía un análisis sobre las clases sociales y sus labores.
Para el artista, su estética se basaba en retratar la cotidianidad de los hombres y las mujeres comunes, más que todo de las clases bajas o humildes para la sociedad, buscando historias en sus manos arrugadas y sus sonrisas con carácter y fuerza; todo esto plasmado mediante imágenes a blanco y negro que quedan guardadas en nuestras memorias con el pasar de los años.

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Artista:Ignacio Gómez Jaramillo.
Año:1944.
Título: Cartagena.
Técnica: Óleo sobre lienzo

La obra "Cartagena" es un óleo sobre lienzo del artista colombiano Ignacio Gómez Jaramillo. La pintura fue creada en el año 1944 y representa una vista de la ciudad de Cartagena de Indias, ubicada en la costa caribeña de Colombia. La obra muestra una vista panorámica de la ciudad antigua, donde se aprecian edificios coloniales de color blanco y tejas rojas, así como una torre de la catedral en la distancia. Los tonos utilizados por el artista son cálidos y suaves, lo que transmite una sensación de calma y tranquilidad. La obra también muestra el mar y el cielo en tonos azules, lo que sugiere la ubicación costera de la ciudad. La obra de Gómez Jaramillo es una representación fiel del estilo de pintura de la época. Además, la obra tiene un valor histórico y documental, ya que muestra cómo era Cartagena en la década de 1940. El mensaje que transmite la obra podría interpretarse como una celebración de la belleza y la armonía de la ciudad, con sus edificios coloniales y la presencia del mar. También se puede interpretar como una reflexión sobre la importancia de preservar el patrimonio arquitectónico y cultural de una ciudad.

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Artista: Débora Arango.
Año:1948.
Título: Masacre del 9 de abril.
Técnica: acuarela

La obra presenta una escena caótica y violenta, donde se observan varias figuras en diferentes actitudes de dolor y sufrimiento. Algunas figuras están caídas en el suelo, heridas o muertas, mientras que otras están levantando los brazos en un gesto de desesperación. El fondo está lleno de humo y llamas, que sugieren el caos y la violencia de los disturbios.
El cuadro se compone de un campanario en estilo barroco, vista típica en el centro de Bogotá. Encima de la torre hay una mujer escasamente vestida, muy probablemente una prostituta, como también indican las declaraciones de Arango con respecto al cuadro. La mujer está tocando las campanas, mientras unas monjas se deslizan por la ventana del lado derecho. En la parte izquierda de la acuarela se retratan dos soldados en el acto de penetrar con sus bayonetas a uno de los alzados. En la calle que colinda con el convento vemos además cómo dos hombres arrastran el cadáver profanado del asesino de Gaitán por el suelo. Todos tienen caras agresivas y hasta deformadas. En el centro del cuadro un grupo de alzados parecen decididos a tomarse la torre para matar a los soldados allí refugiados. La filiación política de los atacantes se aclara por una pancarta en la cual resplandece la frase “Viva Gaitán”. La obra de Débora Arango es una crítica directa a la violencia política y social que se vivió en Colombia en la década de 1940 y que culminó con la Masacre de Bogotá en 1948. La artista presenta una imagen cruda y realista de la violencia y la injusticia, lo que la convierte en una obra poderosa y emotiva.

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Artista: Enrique Grau
Año: 1945-1950.
Título: La mulata cartagenera.
Técnica: Óleo sobre tela.

"La mulata cartagenera" es una obra del pintor colombiano Enrique Grau Araújo, creada en 1945-1950. Es un óleo sobre lienzo que representa a una mujer mulata con una mirada profunda y serena. La pintura es un retrato realista que destaca por la maestría en el uso del color y la luz, así como por la intensidad emocional que transmite. Es importante destacar el tema de la obra, la mujer retratada en "La mulata cartagenera" representa la belleza y la complejidad de la cultura afrodescendiente de Colombia. La figura de la mulata es un icono de la cultura caribeña, y Grau logra capturar la esencia de esa belleza en su obra.
Grau, embauca al espectador en un mundo fascinante, en el cual predomina el arte figurativo, al representar la imagen de una mujer mulata cartagenera, tal como se indica en el nombre de la obra. Se destacan, sin duda alguna, el uso de colores cálidos, como lo son el naranja de las flores silvestres, el rojo de las florecitas que tiene encima de su vientre, y el amarillo del cielo, que juegan con el color de su piel: una piel morena que también se resalta en el escote del vestido blanco que lleva puesto. A su vez, el verde se contrasta entre las hojas de las flores silvestres y las sandías que la rodean. En lo que respecta a la luz, es notorio que toda la luz le está llegando de frente a la mujer, y que las partes más iluminadas del cuadro son su rostro y la tetera que está cogiendo con la mano derecha.  Una luminosidad que permite inferir la temperatura del cuadro, la cual es caliente, pues representa un lugar cálido: la bella ciudad costera conocida como Cartagena.

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Artista:  Lucy Tejada
Año: 1955.
Título: Mujeres sin hacer nada
Técnica: Óleo sobre lienzo

Es importante considerar el contexto histórico y cultural en el que fue creada la pintura. La obra de Lucy Tejada, "Mujeres sin hacer nada", fue pintada en 1955 y representa a una tribu Wayuu. Los Wayuu son un pueblo indígena que habita en la Península de La Guajira, ubicada en la costa Caribe de Colombia y Venezuela. Observando los elementos formales de la pintura, como el uso del color, la composición y la técnica, vemos que Lucy Tejada posee un aire de cubismo, considerando la forma en que se representan las figuras de las mujeres Wayuu y la forma en que se utilizan los colores para crear un efecto emocional en el espectador.
En los años 50 la artista contempla con asombro un mundo nuevo, apasionante e idiosincrático, un silencio vasto, trascendental. La pintura de Lucy Tejada es una invitación a habitar un paisaje desconocido, estilizado y quieto, un abrazo encantador de luz que atrae a las personas. En esta imagen brilla el sol, con los rayos expresionistas similares a los de Gauguin. Las pinturas vibrantes en diferentes colores: ocre, rojo, negro, sepia y amarillo, forman en conjunto la forma de una “casa natural”, original y misteriosa. Lucy ofrece una perspectiva profundamente feminista de la cultura wayuu: se respeta el espacio de las mujeres y las mujeres son las protagonistas: un lugar donde la mujer es la tierra y la mujer es el trabajo, mujeres que expresa alegría ante el silencio discordante, frente a una placidez monótona.

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Artista: Beatriz González.
Año: 1965
Título: Los suicidas del Sisga.
Técnica: Óleo

La obra de Beatriz González se sitúa en Chocontá, Cundinamarca pues plasma el evento trágico una pareja de suicidas que acaban con su vida en la represa del rio Sisga ubicada en el mismo municipio, se adhiere a la cartografía del arte del siglo XX por que como se menciona en el texto de Ramírez Botero (2013) las vivencias humanas alteran su entorno y la percepción de este. Esta tragedia como muchas otras plasmadas en la obra de González reflejan las realidades específicas de diversos territorios del país

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Artista: Noé León.
Año: 1969.
Título: Juan B. Elbers.
Técnica: Óleo sobre cartón.

La obra de Noé León plasma directamente un paisaje del municipio de Plato, Magdalena, esta calidad de retrato de paisaje la hace meritoria para pertenecer a la cartografía del arte del siglo XX pues muestra cómo se veía el sitio en el momento de la realización de la obra.

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Artista: Omar Rayo Reyes.
Año: 1971.
Título: Shuja II.
Técnica: acrílico sobre lienzo

Se ubica la obra de Omar Rayo en Roldanillo, no porque se trate de su lugar de nacimiento sino porque Roldanillo es en cierto grado un punto de convergencia de diversas culturas indígenas del suroccidente Colombiano, estas culturas indígenas serian una gran influencia para Rayo en la creación de sus obras y constituyen la identidad territorial ancestral de la zona.

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Artista: Nirma Zárate.
Año: 1976.
Título: Cartel de difusión sobre la huelga de Vanitex. Taller Causa Roja.
Técnica: Serigrafía.

En su obra Zárate plasma la realidad que Vivian las trabajadoras del sector textil en Bogotá, este evento alteraría la percepción de la zona de Eduardo Santos en la capital del país por lo que se adhiere a la cartografía del arte colombiano al alterar la concepción del territorio desde el ambito sociopolítico.

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Artista: Antonio Barrera
Año: 1983
Título: Camino selva
Técnica: Óleo sobre lienzo

Antonio Barrera tuvo gran preocupación con respecto al conflicto y a lo social. En sus obras se puede ver cómo utilizó recursos como niebla, cielos negros y cargados, figuras maniatadas. Se toma como ejemplo su obra “Camino a la selva” pintada en el año 1983, donde se puede observar un paisaje oscuro, contrastado con un luminoso cielo casi blanco y un poco sombrío, rico en elementos como la niebla.

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Artista: José Antonio Suárez Londoño
Año:  1984
Título: 7
Técnica: Grabado

La obra de José Antonio Suarez Londoño plasma su entorno cotidiano y los diversos

escenarios de los que él es testigo, podríamos afirmar que su obra, al ser casi como un diario, tiene ese carácter de foto registro, aunque haya sido realizada en medios mixtos y grabado.

Elegimos ubicar esta obra de José Antonio Suarez Lodoño en Medellín ya que tras finalizas sus estudios en suiza ahí se radico, esta obra es un autorretrato del artista quien al habitar un espacio también lo influencia y por lo tanto la obra no solo lo refleja a él sino a su entorno.

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Artista: Emma Reyes
Año: 1990
Título: Sin título
Técnica: Pintura

debido a que la obra de reyes:
parte del indigenismo y el muralismo, ambas corrientes artísticas ligadas a la historia artística mexicana, se inspiró para crear retratos de campesinos, indígenas, hombres y mujeres de los sectores sociales más marginados de América Latina. Así mismo, del expresionismo emplearía el uso de líneas delgadas y gruesas tanto para llenar las formas y los objetos, como para darle contorno y volumen a las mismas (Medina, 1996). El uso de líneas de todos los grosores, longitudes y formas hace parte, por otro lado, de una herencia propia del arte peruano precolombino, similar a los detalles en los tejidos que realizan las comunidades indígenas andinas (Tal, 1996).
Teniendo en cuenta esta influencia de los indígenas de los andes en la obra de Reyes y las características del sujeto de la pintura (su sobrero en específico), podemos inferir que se trata de un indígena Guambiano, de Silvia, Cauca, de esta forma la obra se liga al territorio.

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Artista: Luis Hernando Giraldo.
Año:  1998
Título: Un solitario.
Técnica: Óleo sobre cartón.

Su inspiración salía de los paisajes de Pácora o Salamina, su lugar de origen. Tuvo fascinación por los grandes cañones, los ríos y las montañas. En su obra “Un solitario” de 1998 podemos ver como intentó hacer una cartografía en Pácora, podemos ver esa explosión de colores tornarse una selva, siguiendo un flujo que simula un río.