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Per realizzare schizzi, disegni preparatori e rifiniti.

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Per realizzare schizzi, disegni preparatori e rifiniti.

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Per cercare e personalizzare la varietà degli effetti grafici; per sperimentare liberamente la sensibilità del segno d'artista, disegnare e colorare segendo le regole tradizionali del disegno.

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Per decorare, interpretare il mondo e le opere degli artisti. 

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Per decorare, interpretare il mondo e le opere degli artisti. 

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Per sperimentare le mescolanze e le stesure di colore, la varietà e gli effetti espressivi delle pennellate e la materia del colore, delle stesure più pastose a quelle più trasparenti e luminose

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Per realizzare immagini accostando tessere, carta e altri materiali ricchi di stimoli percettivi visivi e tattili.

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Per realizzare immagini accostando tessere, carta e altri materiali ricchi di stimoli percettivi visivi e tattili.

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Per creare texture, incidere immagini e stamparle, per opere bidimensionali e tridimensionali

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Per creare forme, involucri, strutture tridimensionali modellando e assemblando materiali diversi come creta, cera, argilla, plastilina e das. 

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Per creare forme, involucri, strutture tridimensionali modellando e assemblando materiali diversi come creta, cera, argilla, plastilina e das. 

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PERSONALIZZARE LE CREAZIONI CON DECORI E COLORI.

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La pittura sul vetro con smalti colorati trasparenti e paste per i rilievi che imitano il piombo, è una tecnica che riproduce gli effetti delle vetrate gotiche.

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Hai mai pensato di decorare i tuoi oggetti in vetro per dar loro un tocco personalizzato? Se è così, ma non sai da dove iniziare, questa è la guida giusta per te. In questo articolo ti mostreremo la tecnica di base per eseguire con pochi e semplici passaggi, una pittura su vetro.

Primi passaggi per realizzare una pittura su vetro

Il primo tra i passaggi che dovrai effettuare prevede quello che in arte si definisce uno schizzo, ovvero un disegno abbozzato del soggetto che vorrai riprodurre, nel caso del vetro il disegno lo dovrai effettuare prima su carta lucida (quella trasparente).

Se preferisci puoi ricalcare l'immagine su un foglio di carta lucida e poi attaccherai questa decorazione effettuata sul vetro che intendi dipingere.

Ma cosa occorre per dipingere su vetro?, ecco una serie di materiali di cui dovrai dotarti:

Hai a tua disposizione sul mercato, tre tipologie di colore. I colori trasparenti, i classici della pittura su vetro, questi andranno diluiti sulla base della trasparenza che intendi ottenere. La seconda tipologia è quella dei colori coprenti, che somigliano alle tempere o agli acrilici, infine ci sono i colori a caldo, questi ultimi necessitano della cottura in forno, quindi sono meno versatili di altre tipologie di colore per vetro.

Ulteriori materiali utili al processo decorativo sono:

Batuffoli in cotone o cotton fioc

Alcool denaturato

Scotch carta

Pennelli di buona qualità

Un piatto per la stesura dei colori, o in alternativa una tavolozza

Come trattare il disegno su vetro

Quando sarà terminata la fase di pittura su vetro il colore impiegherà una media di tre giorni per asciugare, quindi deve rimanere fuori polvere e possibilmente in un luogo non troppo umido.

Prima di effettuare qualunque operazione sul vetro che hai deciso di dipingere, assicurati che la superficie sia pulita, priva di polvere o altri residui.

Ma capiamo insieme cose si può decorare con i colori per vetro.

Intanto è possibile decorare ed abbellire delle tazze, oppure delle caraffe, puoi personalizzare anche i bicchieri per vino, oppure delle finestre realizzando motivi anche molto complessi.

È possibile scegliere se rimuovere il retro della cornice o se mantenerla al suo posto; in questo secondo caso il consiglio è quello di coprirlo con un foglio di carta bianca: la maggior parte dei colori per vetro sono come anticipato precedentemente, trasparenti, questo permette di far risaltare le superfici se poste su un fondo bianco.

Pulizia delle superfici e scelta dell'oggetto da dipingere

Prima di procedere direttamente con la pittura su vetro dovrai pulire la superficie dell'oggetto che hai scelto, procedendo con acqua e sapone così da andare a rimuovere qualunque eventuale macchia o deposito che si sia attaccato sulla superficie.

Se il vetro ti sembra pulito, lavalo ugualmente con acqua e sapone perché basta davvero molto poco ad alterare il disegno e la decorazione che andrai a realizzare, ad esempio:

possono cagionare un danno al disegno stesso anche in un secondo momento, ovvero dopo che avrai realizzato la tua decorazione e quando questa si sta asciugando.

Se stai cercando un modello comodo da poter porre sulla tazza e da ricalcare senza troppa fatica, il consiglio è quello di prendere dei disegni molto semplici come quelli delle pagine dei libri da colorare, che sono figure disegnate solo con i contorni, senza riempimenti, questi li farai con i colori che sceglierai.

Tieni presente che se sceglierai un oggetto di uso comune come un boccale in vetro o una caraffa, dovrai effettuare il tuo disegno su vetro in uno spazio che non venga a contatto con la pelle o con l'acqua.

Il supporto sul quale andrai a dipingere ti richiederà una cura differente, ad esempio se devi decorare un vetro tondeggiante (come quello di un bicchiere) allora il disegno che andrai a ricalcare lo posizionerai all'interno del supporto facendolo aderire bene alla parete del bicchiere, mentre se il supporto è piatto avrai meno difficoltà a posizionare il disegno da ricalcare e sarà anche molto più facile lavorare su tale supporto.

I contorni della pittura su vetro, il tubetto di finto piombo

Preparata la base, preparato il disegno da ricalcare è giunto il momento del finto piombo per vetro.

Quest'ultimo in commercio lo puoi trovare nel formato di un tubetto oppure sotto forma di strisce adesive, ma conviene per effettuare un lavoro più minuzioso anche se più complesso, impiegare il tubetto di finto piombo per delineare i contorni che andrai poi a riempire con i colori per vetro.

Il tubetto di finto piombo esiste come:

lo troverai prevalentemente nella cromia del nero ma se preferisci un colore più acceso e particolare in commercio se ne trovano anche in argento e oro.

Avendo le linee da cui trarre spunto per seguire il disegno dovrai semplicemente appoggiare la punta del tubetto e seguire le linee evitando di produrre sbavature.

Il finto piombo impiega un minimo di sei ore ad asciugarsi, se noti delle sbavature e degli eccessi di prodotto in alcuni punti puoi andare a rimuoverli con del cotton fioc prima che il piombo si asciughi. Il cotton fioc andrà imbevuto con un po di alcool.

Invece se il colore si è già asciugato lo puoi grattare via con la lama di un taglierino facendo molta attenzione a non rimuovere più del dovuto. Effettuato questo passaggio dovrai andare a riempire con il o i colori che hai scelto le aree delimitate dal finto piombo.

Leggi Anche: Colori acrilici: miglior utilizzo per colorazioni e sfumature

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Come realizzare una pittura su vetro * eComesifa.it - Scopri come fare

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Hai mai pensato di decorare i tuoi oggetti in vetro per dar loro un tocco personalizzato? Se è così, ma non sai da dove iniziare, questa è la guida giusta per te. In questo articolo ti mostreremo la tecnica di base per eseguire con pochi e semplici passaggi, una pittura su vetro.

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Arte | Secondaria di 1° grado | La tecnica della scultura

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Come fare con Barbara - Il fai da te con Barbara Gulienetti

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Sullo stencil si potrebbe fare un vero e proprio trattato. È una tecnica di decorazione antica, ancora molto utilizzata, che serve a riprodurre più volte lo stesso motivo. In commercio ormai se ne trovano tanti tipi ma quello perfetto per te puoi crearlo solo tu 😉

Quella che trovi in questo articolo è la tecnica base, se vuoi un "corso" più avanzato clicca qui , o qui per lo stencil a rilievo mentre se cerchi idee puoi ispirarti il pavimento, al tappeto, puoi pensare di usare lo stencil per le decorazioni di Pasqua,

Come fare uno stencil, il video tutorial:

Carta per stencil ( mylar o acetato non troppo sottile)

Taglierino

Pennarello indelebile

Riga

Squadra

Pirografo + vetro

Gommapiuma + pittura

Prima di tutto devi decidere il disegno, puoi farlo a mano libera o ricalcando un disegno esistente. Ripassalo sul Mylar con un pennarello indelebile e ... fermati perché adesso arriva la parte più difficile da spiegare e da capire!

Il concetto è questo, se le parti che svuoti sono troppo ampie lo stencil non riesce a rimanere attaccato al muro, in gergo si dice che spancia, si piega verso l'esterno e diventa indomabile. Per questa ragione bisogna fare i così detti ponti o raccordi che hanno proprio la funzione di tenere unite le parti svuotate troppo grandi. La cosa migliore all'inizio è prendere un pennarello di un altro colore e tracciare i raccordi (così li vedi meglio). In alcune zone possono esserne necessari anche 2 o 3 ed è meglio abbondare perché se fossero troppi in un secondo tempo si possono togliere mentre aggiungerli è molto più complicato.

A questo punto puoi tagliare il tuo disegno con il taglierino e una volta finito puoi applicarlo sulla superficie da decorare e tamponare il colore con la gomma piuma

Consiglio #1: prepara il disegno su carta in modo da potere cancellare e ricominciare quanto ti pare. Riportalo sul Mylar solo quando è finito in modo da non avere troppe righe da "decifrare " al momento del taglio.

Consiglio #2: Anche il decoratore più esperto a volta sbaglia tagliando perché è facile fare confusione. Le prime volte colora le parti da togliere in modo da diminuire gli errori!

Accorgimento: Il colore sia esso acrilico o lavabile non va diluito perché, se troppo liquido, passa sotto lo stencil

Una volta capita la tecnica base puoi passare al livello successivo. Il procedimento è identico solo che se il disegno è molto fitto e complicato, sempre per un problema di tenuta sul muro durante la lavorazione, devi procedere per gradi sovrapponendo vari stencil fino al completamento del disegno. In pratica devi riprodurre lo stesso disegno su più fogli di Come fare se il disegno è fitto e complicato? Mylar e svuotare su ognuno zone diverse per evitare di avere sullo stesso foglio parti vuote troppo vicine tra loro.

La riproduzione del disegno su ogni foglio è fondamentale anche per il riposizionamento dello stencil , potrai infatti poggiarlo facendolo combaciare alle parti già dipinte in modo da essere molto preciso.

Come fare se il disegno è molto piccolo? Se devi intagliare un disegno molto piccolo l'utensile perfetto è il Pirografo. È una specie di "penna" elettrica con una punta che diventa incandescente. Passandola lentamente sul disegno scioglie il Mylar e di fatto lo taglia. Il pirografo è PERFETTO per cerchi pallini e forme sinuose. In questo caso però non puoi lavorare sul tappetino da taglio, che si squaglierebbe, ma devi usare il vetro.

il Mylar o acetato? mylar è l'ideale per creare uno stencil ma può essere sostituito dall'acetato che è trasparente e molto più facile da tagliare . Se dovessi optare per l'acetato ricordati di non prenderlo troppo sottile (esiste di vari spessori) perché tende a "spanciare" .

Ecco cosa potrebbe servirti per fare uno stencil

Per realizzare uno stencil, forse potrebbe servirti qualcuno di questi prodotti. Questo sito partecipa al programma di affiliazione di Amazon UE. Questo significa che, se acquisti uno dei prodotti attraverso i link qui sotto, a te non cambia nulla ma una piccola percentuale della transazione va a sostegno dei progetti editoriali di Come fare con Barbara.
Ricorda anche che i prodotti illustrati sono puramente indicativi, quindi controlla bene se sono quelli che fanno al caso tuo per colore, dimensione, prezzo, caratteristiche in generale, prima di comprare.

Ecco come fare!

Mi chiamo Barbara Gulienetti. Vivo e lavoro a Roma (dove ho studiato al liceo francese Chateaubriand). Amo l'arte e la decorazione. Mi sono perfezionata presso la Scuola di Pittura Decorativa "Institut Supérieur de Peinture Décorative Van Der Kelen" a Bruxelles e mi sono laureata decoratrice professionista.

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Stencil: tecnica, occorrente, trucchi e consigli

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Sullo stencil si potrebbe fare un vero e proprio trattato. È una tecnica di decorazione antica, ancora molto utilizzata, che serve a riprodurre più volte lo stesso motivo.

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La scultura è l'arte di creare forme tridimensionali modellando, scolpendo o assemblando materiali diversi come creta, legno, pietra, metallo ecc. Ogni forma creata dallo scultore possiede un peso e un volume, quindi valori chiaroscurali, di superficie e a volte cromatici.

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Le matite sono gli strumenti più semplici per realizzare schizzi, disegni preparatori e rifiniti.

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MATITE, TEMPERA E ACRILICO, ACQUARELLO, PENNARELLI, GRAFFITO, MATITE COLORATE E PASTELLI

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Il bambino resta stupito non appena scopre che le matite non sono tutte uguali. E di conseguenza, anche i modi di usarle

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Il carboncino. Esercitazione tecnica n°1.

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Iniziare a disegnare a mano libera - Consigli ed esercizi

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Disegnare con le tempere - Fabriano e Zanichelli per il disegno

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Scopri i segreti del disegno con acquerelli.

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Scopri i segreti del disegno con acquerelli.

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Scopri il mondo della pittura ad acquerello con questi consigli utili e trova l’ispirazione giusta per il tuo prossimo progetto.

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I colori acrilici, cosa sono e come si usano?

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I colori acrilici, cosa sono e come si usano?

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Negli ultimi tempi ho osservato un grande entusiasmo verso i fotocollage che pubblico sulla pagina Facebook di Didatticarte. In verità ne faccio da quasi dieci anni, con tutti i temi possibili e immaginabili, e tanti sono già dentro gli articoli di questo blog.
Ma ultimamente mi sto orientando verso la selezione di dettagli pittorici molto limitati che, messi assieme, offrono una lettura insolita della produzione di un artista.
È il caso dei cieli di van Gogh...

... dei panneggi di Caravaggio...

... o dei decori di Klimt.

Li faccio come passatempo, per il gusto di creare un'Le acque di immagine originale. Ma quando li completo mi accorgo che mi svelano qualcosa in più sull'autore, che prima non avevo colto.
Monet, ad esempio. Osservando questi venticinque tasselli estratti dai suoi dipinti, mi rendo conto che raramente usa il blu, il colore che tutti ci aspettiamo per una distesa d'acqua. Anzi, compaiono i colori più inaspettati: il viola, il verde, il giallo, il rosso. Questo perché Monet riusciva ad andare oltre le scarne informazioni assunte dal nostro cervello (per cui associamo a ogni cosa un colore unico) riuscendo a vedere il colore reale assunto dall'acqua in quel momento (con tutti i limiti dell'aggettivo "reale").

I colori usati da Monet emergono, quindi, attraverso il , per differenza. Ma non sarebbero stati così evidenti guardando soltanto il dipinto. In questo, ad esempio, il mare è quasi tutto verde, ma non si direbbe...

Altri fotocollage mi hanno consentito di confrontare tipologie a colpo d'occhio, come le cupole in architettura...

... o le volte delle chiese inglesi.

Il fotocollage di volti, invece, rivela come ogni autore tenda a standardizzare i visi, anche quando appartengono a persone diverse. È il caso dei ritratti di Giovanni Boldini.

La raccolta di mani di Schiele racconta la sua ossessione per la scarnificazione del corpo, per le articolazioni ossute che esprimono tutta la sua inquietudine.

Le mani del Cenacolo di Leonardo comunicano, invece, tutta la sua abilità nel trasformare in gesti eleganti i "moti dell'animo", cioè le emozioni provate dai personaggi.

Il fotocollage consente anche di creare delle mini-collezioni, per osservare un tipo di opera nelle sue varianti, come

Stessa cosa per i tondi delle Kylix attiche del V secolo a.C.

A volte creoi fotocollage come forma di commemorazione, come questo con i volti di Raffaello in occasione dei cinquecento anni dalla morte.

O quello con le opere di Christo, artista della land art recentemente scomparso.

Altri fotocollage sono solo dei puri divertissement, come questo in cui ho cercato nei dipinti del passato le stesse espressioni degli emoji.

Molti mi hanno chiesto: ma come si fanno? Io uso da sempre
Photoshop. Ritaglio la parte dell'immagine che mi interessa e creo il fotocollage. Ma esistono alternative rapide ed economiche da usare anche online, senza scaricare nulla. Uno di questi è il sito Adobe Spark.

Basta registrarsi e proseguire con le istruzioni. Per prima cosa occorre scegliere il formato di destinazione del fotocollage. Io mi butto subito sul quadrato, il mio preferito.

A quel punto l'applicazione chiede di scegliere le immagini da utilizzare. Si possono prendere quelle che compaiono sul lato destro della schermata o caricare le proprie. In questa prova ho messo dentro sedici opere di Paul Klee. Dopo averle caricate appaiono come piccoli tasselli quadrati sotto la finestra di caricamento.

A questo punto basta premere il tasto Avanti e l'applicazione monta le immagini. Come prima opzione rispetta i formati originali, dunque appare un fotocollage di questo tipo.

Ma se volessi una maglia quadrata, come quella che uso di solito, basta che seleziono il tipo di griglia dalla barra laterale destra.

A questo punto posso anche agire dentro ogni quadrato per zoomare e scegliere un dettaglio. Basta selezionare il riquadro e agire su " Adatta ", il primo cursore in alto. Ed ecco che il fotocollage diventa una collezione di dettagli.

Sul lato destro, comunque, ci sono un sacco di altre funzioni che vale la pena esplorare. Si possono fare delle strisce verticali, cambiare il colore del bordo e il suo spessore o applicare dei filtri alle singole foto.

Insomma, l'unico limite è solo il tempo... sì, perché con una cosa del genere si rischia di passarci le giornate!

I fotocollage, ovviamente, si possono fare anche con il telefonino, anche se non è molto pratico per via delle minori possibilità di manovra sul display. Adobe Spark esiste anche come app, ma c'è anche Pic Collage e tante altre.
Non mi resta che augurarvi buon collage!

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Negli ultimi tempi ho osservato un grande entusiasmo verso i fotocollage che pubblico sulla pagina Facebook di Didatticarte . In verità ne faccio da quasi dieci anni, con tutti i temi possibili e immaginabili, e tanti sono già dentro gli articoli di questo blog.

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l mosaico è una tecnica decorativa che consiste nell'accostare piccoli elementi di vario materiale chiamati "tessere" su una superficie in modo da creare un decoro o un soggetto di varia natura. Le tessere possono essere  frammenti di marmo, di pietra, ceramica, smalto o pasta vitrea variamente colorati e uniti fra loro con un legante.

L'arte del mosaico è detta anche arte musiva e affonda le sue radici nell'antichità, ma conobbe il massimo splendore nel tardo Impero Romano e nel periodo Bizantino, quando i mosaici decoravano pareti, pavimenti, soffitti e chiese importanti.

In questa attività, non avendo a disposizione preziose "tessere" da assemblare, provvederemo a crearle con un materiale abbastanza comune e semplice da utilizzare ovvero il "DAS".  Sperimentiamoci con questa nuova tecnica e seguiamo con attenzione tutte le fasi di lavorazione proposte in questa pagina. Scopriremo che è una tecnica davvero divertente con cui potremmo realizzare dei manufatti e dei decori sorprendenti.

MATERIALE OCCORRENTE:

1 panetto di DAS (possibilmente bianco)

disegno o schema preparatorio per la realizzazione del mosaico

un foglio d'album da utilizzare come supporto

colla vinilica

un righello di circa 30 cm. (per incidere il DAS e ricavare le tessere)

boccette di smalto per unghie (versioni economiche) per colorare le tessere

per colorare le tessere in alternativa (se non avete a disposizione lo smalto) potrete utilizzare i colori a tempera e una volta completato il lavoro per dargli un effetto brillante, stendere una vernice lucida tipo "vernidas"

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TECNICA ANTICA UTILIZZATA DAI GRECI

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Il termine frottage, dal francese frotter, tradotto in italiano come "strofinare", indica una tecnica con la quale possiamo trasferire su un foglio i rilievi di una superficie ruvida in forma di segni grafici.

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Il frottage (strofinatura) è una tecnica di disegno, che si basa sullo sfregamento di una matita o altro tipo di colore non molle (matite, pastelli, colori a cera, carbomcini, gesseti ecc...), su un supporto appoggiato a un oggetto con parti in rilievo.
Lo sfregamento deposita il colore sulle parti in rilievo della superficie sottostante e questa specie di ricalco farà affiorare un disegno.

Si ottiene generalmente, appoggiando un foglio di carta su una superficie irregolare e che abbia parti in rilievo.
Quindi si strofina sopra una matita. Verranno cosi evidenziate sul foglio dal segno della matita, le parti in rilievo. Il disegno ottenuto, presenta anche effetti di chiaroscuro e sfumature. In sostanza, si ricalca la forma sottostante. Le parti in rilievo producono parti colorate, mentre le altre rimangono del colore del foglio.

L'esempio più classico è quello di mettere sotto il foglio una moneta. Effetti molto interessanti si ottengono anche mettendo sotto un foglio, le foglie. Si possono eseguire così, frottage molto utili a scopo didattico.
In alternativa alla matita, si possono usare, pastelli colorati, colori a cera, carboncino o sanguigna. Provate anche ad usare un foglio scuro o nero, usando ovviamente per sfregare colori chiari. Potete anche sbizzarrirvi con altre varianti che la vostra fantasia vi suggerirà, ottenendo sempre effetti diversi ed interessanti.

Nell'eseguire questa operazione, si possono apportare diverse varianti. Si possono ad esempio mescolare più colori, passando colori diversi in modo uniforme sul disegno oppure in alternativa, usare diversi colori in porzioni diverse del disegno.

Normalmente, occorre cercare di passare la matita o il colore con una pressione uniforme, anche se con un pò di pratica ed esperienza, variando la pressione si possono ottenere ulteriori ed interessanti effetti. E' consigliabile usare la matita in modo molto inclinato o addirittura di piatto.
La tecnica può essere usata semplicemente per ricavare il disegno dell'oggetto, ovviamente se ha le caratteristiche di rilievo adatte.
Una variante può essere quella di preparare una superficie (tela, carta) con uno o più colori. Quando il colore è perfettamente asciutto, poggiarla sulla superficie in rilievo (dalla parte non colorata), ed asportare il colore con un raschietto o con carta vetrata fine.

Si possono ottenere buoni effetti, spostando leggermente la superficie e cambiando colore.
Come è facile intuire il supporto sul quale si esegue il disegno, non deve essere molto spesso. Per utilizzare questa tecnica, oltre alla carta, si può usare, come supporto, la stoffa o qualsiasi altra superficie non rigida.

Il frottage può essere usato combinato assieme ad altre tecniche, con il disegno, con il collage, oppure semplicemente potete usarlo come fondo per dipingervi o disegnarci sopra.

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Il frottage (strofinatura) è una tecnica di disegno, che si basa sullo sfregamento di una matita o altro tipo di colore non molle (matite, pastelli, colori a cera, carbomcini, gesseti ecc...), su un supporto appoggiato a un oggetto con parti in rilievo.

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Frottage: cos’è e come imparare questa tecnica

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Frottage: cos’è e come imparare questa tecnica

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Il frottage è una tecnica di disegno artistico che sicuramente abbiamo utilizzato nella nostra vita, forse senza neanche saperlo! La sua origine è antica tanto che in passato questa tecnica, basata sullo sfregamento fra diversi materiali, veniva utilizzata in Cina e in Grecia con pergamene o carta di riso per ricalcare bassorilievi . Poi, per molto tempo non venne considerata, fino a quando Max Ernst, pittore e scultore tedesco considerato tra i maggiori esponenti del movimento surrealista , la riportò in vita sfruttando a pieno la sua bellezza .

Fu proprio Ernst, infatti, ad assegnare a questa tecnica il nome perfetta, nonché un nuovo stile. Per Max Ernst parola francese che nella lingua italiana vuol dire "sfregamento". Infatti, è definitivamente considerato il pioniere di questo stile, ancora oggi studiato nelle scuole e nei testi di storia dell'arte . Il suo primo approccio al lo ottenne appoggiando un foglio di carta sul pavimento del suo studio e sfregando la punta della matita sul legno ottenne una frottage è pura espressione del surrealismo, perché rende automatica la connessione fra creatività e manualità, creando immagini personali e uniche. il

Oggi le opere create con la tecnica del sono tantissime, dalle più semplici alle più complesse. Lo stile negli anni si è evoluto così come gli strumenti da utilizzare. Ma quali sono le prime cose da sapere per imparare questa tecnica? In questo articolo di Diario Creativo scopriamo insieme tutti i segreti di questo stile, i progressi negli anni e tante altre curiosità e consigli!

Frottage: l'importanza dello sensoriale

Lo stimolo che ha portato e che ancora spinge alla creazione di opere d'arte in stile è la curiosità e l'osservazione : componenti fondamentali per osservare le cose da un altro punto di vista. Ottimi alleati della curiosità sono poi i cinque sensi, in particolare il perfetti per scovare le superfici più interessanti da poter trasformare in un supporto per la creazione del lavoro. Il per quanto sia nata come tecnica legata a un'enigmatica corrente artistica, oggi si diffonde soprattutto nell'ambito della didattica per supportare l' educazione e lo sviluppo di attività sensoriali nei bambini sia a scuola che a casa . Con un solo foglio e una matita, si possono creare lavori pazzeschi, degni della cultura e dei quadri surrealisti. E quindi via a cercare ovunque il soggetto perfetto: dichiariamo ufficialmente aperta la caccia all'opera d'arte!

Frottage: tutto l'occorrente necessario prima di iniziare

Di solito quando si inizia a sperimentare questa tecnica si consiglia di partire con una moneta e un foglio di carta, ma in realtà i materiali e gli oggett i che si possono sfruttare sono tantissimi!

Per esempio, possiamo utilizzare il rilievo delle foglie , una pietra o anche i ricami che troviamo su stoffe e vestiti. In supporto agli oggetti che troviamo intorno a noi, gli elementi che ci servono per il nostro disegno sono solo tanta creatività e voglia di sperimentare i mille modi e le mille idee che ci passano per la testa.
Ecco cosa serve per iniziare:

Un supporto su cui ricalcare il rilievo scelto : vanno bene dei fogli di carta, cartoncino , una tela da disegno, stoffa ... è importante valutare la morbidezza del supporto utilizzato perché più è morbido, più sarà semplice adattare il supporto al rilievo;

Infine, la superfice che avete scelto da "ricalcare" con la tecnica dello sfregamento.

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Frottage: cos'è e come imparare questa tecnica | FILA

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Il frottage è una tecnica di disegno artistico che sicuramente abbiamo utilizzato nella nostra vita, forse senza neanche saperlo! La sua origine è antica tanto che in passato questa tecnica, basata sullo sfregamento fra diversi materiali, veniva utilizzata in Cina e in Grecia con pergamene o carta di riso per ricalcare bassorilievi .

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Lo sbalzo è una tecnica antica usata per creare decorazioni in rilievo su una sottile lastra di metallo malleabili. La lastra, appoggiata su una superficie morbida, viene modellata su rovescio con concavità che nella parte diritta diventano rilievi.

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La tecnica a sbalzo per eseguire delle opere scultoree su lastre di metallo

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lo sbalzo tecnicaarte e immagine - Cerca con Google

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Le principali tecniche di stampa usate dagli artisti!

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Le principali tecniche di stampa usate dagli artisti!

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Enzo Di Martino (1938), critico d'arte riconosciuto per essere uno dei maggiori esperti di grafica d'arte, racconta i momenti salienti e gli artisti più importanti che nel corso dei secoli hanno contribuito ad accrescere ed approfondire con importanti variazioni e scoperte, l'affascinante settore di produzione artistica.
Il documentario storico, prodotto dalla sede Rai veneta ( La storia e i procedimenti della grafica d'arte, a cura di Enzo di Martino, regia Maria Maschietto, 1982. Il filmato è riproposto in cinque parti, questa prima di presentazione e le altre quattro ognuna dedicata ad una tecnica di stampa), fu girato all'interno di un'istituzione emblematica per la stampa d'arte, il Centro Internazionale della Grafica di Venezia, fondato nel lontano 1962, da Di Martino stesso e altri giovani intellettuali.

Il Centro Internazionale della Grafica di Venezia, nasceva per rianimare l'illustre tradizione veneziana della stampa e diffondere il sapere ancora esclusivo sulla grafica d'arte, in un'epoca nella quale la cultura pop esaltava il fattore tecnico riproduttivo del prodotto artistico

L'agile narrazione accompagnata da immagini ad hoc, inizia da epoche remote con l'invenzione della carta e poi della stampa xilografica (Enzo di Martino presenta la tecnica della Xilografia), eseguita con matrici ricavate da blocchi di legno. Esemplari ritrovamenti di xilografie, giungono a noi dagli antichi popoli egiziani e della dinastia Tang cinese (618-907 d.C.), quest'ultimi, specializzati anche nella stampa su tessuti.
Tra il XIII e il XIV secolo, la xilografia arriva in Europa e favorita dal diffondersi della fiorente industria della carta di Fabriano, viene impiegata per incidere immagini di carattere religioso, spesso prodotte da anonimi artigiani.

Logo di Aldo Manuzio, L'àncora Aldina, 1502, xilografia © Archivio GBB / CONTRASTO

Dopo la metà del Quattrocento, la rivoluzionaria invenzione della stampa a caratteri mobili, del tedesco Johann Gutenberg (1400 ca.- 1468), proietta la cultura nell'era moderna della comunicazione attraverso il libro. L'invenzione che avrà un grande peso culturale ed economico nella società europea, arriverà per la prima volta in Italia nel 1465, attraverso alcuni "discepoli" di Gutenberg, stampatori presso il monastero benedettino di Santa Scolastica in Subiaco. Quella che può essere considerata la prima tipografia italiana, verrà poi trasferita a Roma e guardata con grande interesse dai circoli umanisti.
Ed è proprio grazie a una figura di umanista come Aldo Manuzio (1449-ca.- 1515), detto il "Gutenberg italiano", che la Venezia cinquecentesca diverrà la capitale europea della stampa con ben centocinquanta stamperie in laguna. Nel 1495, Manuzio, si trasferiva da Bassiano laziale, dove era nato, nella Serenissima; a differenza di Gutenberg, questi era un uomo di cultura capace di grandi imprese editoriali, il primo a trasformare l'invenzione tedesca introducendo stile ed eleganza, marchio delle sue edizioni "aldine". Manuzio ebbe l'idea rivoluzionaria di stampare testi greci e latini, nonché i classici contemporanei (Dante, Pietro Bembo, Erasmo da Rotterdam) e con Francesco Griffo creò il carattere corsivo. Non solo, Manuzio inventò il libro formato tascabile, ridefinì la punteggiatura, introdusse le pagine numerate su entrambi i lati e da editore, ebbe l'intuizione di creare un catalogo della sua casa editrice. Infine, per clienti facoltosi, pensò alle edizioni lussuose in carta azzurra, dieci volte più costose.

Gli scambi tra Venezia e la Germania, allora erano resi possibili grazie al Fondaco dei Tedeschi presso Rialto, che smistava gli scambi nelle capitali nord europee di Augusta, Norimberga e Ratisbona. Tra le merci preziose rientravano anche le incisioni di artisti, oltre ai volumi provenienti dalle fiorenti tipografie veneziane e le tavole dipinte di piccolo formato

Albrecht Dürer, Il Rinoceronte, 1515, xilografia

Con il Fondaco dei Tedeschi, la cultura visiva e umanistica veneta del Rinascimento, penetrava nelle ricche città della Germania meridionale. Il grande artista e incisore di Norimberga, Albrecht Dürer (1471-1528), che visitò più volte Venezia per allargare i propri affari, fu capace di fondere la tradizione incisoria tedesca con le nuove ricerche spaziali e anatomiche del Rinascimento italiano. Documentato in un viaggio del 1505, quando era già uno dei più affermati e apprezzati incisori d'Europa, sappiamo che si recò a Bologna per difendere il copyright di una sua tavola dipinta, riprodotta da Marcantonio Raimondi (1480 ca.-1534). A Venezia inoltre, Dürer ricevette l'offerta dal Doge a rimanere come pittore ufficiale; qui l'artista incontrò la stima dell'anziano Giovanni Bellini, a sua volta ammirato dal Maestro di Norimberga. Dürer fece di alcune tecniche di stampa una vera e propria arte personale; oltre alla xilografia, l'artista diffuse la tecnica dell'incisione su metallo, già praticata a inizio Quattrocento da orafi e armaioli tedeschi che utilizzavano il rame inciso dalla punta tronca e tagliente del bulino (Enzo di Martino presenta le tecniche della Calcografia).
Nella Firenze di inizio Quattrocento, Vasari attribuiva la paternità dell'incisione a bulino a Maso Finiguerra (1426-1464), un orafo e incisore esperto nel niello, tecnica per ombrare le incisioni di metalli preziosi. Autore di sorprendenti opere a stampa, realizzate con matrici incise a bulino, fu anche Andrea Mantegna (1431-1506), capace di riprodurre effetti di chiaroscuro encomiabili, veri e propri capolavori dell'incisione rinascimentale.
A Dürer si devono anche le prime sperimentazioni di acquaforte, una tecnica di stampa che utilizza la matrice di ferro, molto diffusa nell'ambiente veneziano di Bellini. L'acquaforte, che esaltava la qualità pittorica, l'estro creativo e la libertà del segno, avrà nel manierista Parmigianino, uno dei suoi massimi interpreti, capace di virtuosismi inediti. Questa tecnica ad effetto pittorico, soppiantò in parte il rigoroso e meno suggestivo lavoro a bulino che tuttavia, trovò ampio impiego nel mercato romano del Cinquecento dove si sviluppò una fiorente industria di artisti e imprese commerciali, specializzate sia nella riproduzione "dei grandi Maestri", a partire da Raffaello, sia nella produzione di documentazioni riguardanti l'antichità e il paesaggio.

Rembrandt, Paesaggio con tre alberi, 1643, acquaforte, con puntasecca e bulino

Le potenzialità espressive dell'acquaforte vennero sfruttate da molti artisti del Seicento, maestri di invenzioni e capricci (Giovanni Benedetto Castiglione, detto il Grechetto, Savator Rosa), o abili sperimentatori di effetti luministici come Rembrandt (1606-1669), che impiegò l'incisione anche per straordinari paesaggi naturali, anticipatori della più grande stagione del paesaggismo olandese. Con la sua geniale capacità di orchestrare luci e ombre nella più efficace resa atmosferica e di offrire coi soli mezzi del bianco e nero il senso di un colore ricco e pieno, Rembrandt riusciva ad ottenere questi effetti grazie a un sapiente equilibrio di acquaforte, puntasecca e bulino, uniti a tintura di zolfo.
L'incisione, veicolo di circolazione culturale a basso prezzo, fu alla base della fortuna della stampa nel Sei e Settecento, quando i governi di tutta Europa se ne avvalsero in funzione celebrativa: Luigi XIV istituì la Calcografia Reale (1670) e Papa Clemente XII, fondò la Calcografia camerale (1738).

L'acquaforte dava modo agli artisti di riunire le loro opere in libri, raccolte tematiche di paesaggi cittadini e vedute reali (Marco Ricci, Canaletto), o fantasie e capricci (Giambattista Tiepolo e Piranesi), o ancora fatti di satira e costume (William Hogarth)

Fra Sette e Ottocento, Francisco Goya (1746-1828), uno dei più grandi protagonisti della grafica moderna, restituiva effetti pittorici finora inediti utilizzando due nuove tecniche incisorie, l'acquatinta e la litografia sulle cui matrici, si disegna anziché incidere. In particolare, la litografia che impiega la matrice di pietra e che si era diffusa come semplice ed economico mezzo riproduttivo, interesserà la storia dell'illustrazione (Henri de Toulouse-Lautrec) e del giornalismo (Honoré Daumier), fino alla nascita delle tecniche fotomeccaniche (Enzo di Martino presenta la tecnica della Litografia).
Dopo la metà dell'Ottocento giungevano in Europa le stampe xilografiche giapponesi (Kitagawa Utamaro, Katsushika Hokusai, Utagawa Hiroshige), modelli di raffinatezza, eleganza e di una particolare sintesi formale, importantissima per gli artisti moderni di fine secolo.
A inizio Novecento, gli espressionisti tedeschi recuperarono la xilografia per esaltare nelle loro opere la durezza e la drammaticità espressiva resa dal segno tagliente (Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff).
Diverso l'utilizzo della litografia da parte di grandissimi artisti figurativi (Pablo Picasso, Marc Chagall, Giorgio De Chirico, Carlo Carrà), o più astratti (Paul Klee, Joan Miro), che impiegarono questa tecnica per esaltare una grande libertà espressiva, essendo di base, un procedimento pittorico in piano.

Andy Warhol, Marilyn 1967, 1967, serigrafia © Photo by Carl Court/Getty Images

L'antica tecnica di origine cinese (dinastia Song, 960-1279 d.c.) della serigrafia, è un altro procedimento di stampa in piano che utilizza la matrice di seta (Enzo di Martino presenta la tecnica della Serigrafia). Essa avrà fortuna nel Novecento, da prima nel mercato con la produzione di tessuti e merci stampate e successivamente, per l'uso che ne fecero gli artisti della Pop Art americana, da Andy Warhol (1928-1987) a Roy Lichtenstein (1923 1997), che usarono la serigrafia per creazioni uniche, ma multiple.

Infine, Di Martino spiega le caratteristiche di ogni foglio inciso, per individuare così la tecnica impiegata, assieme alla numerazione delle copie tirate e all'originalità dell'opera sancita con firma e data

Nell'intervista, Di Martino, fa riferimento ad alcuni principi disposti nel 1960 a Vienna, presso il Congresso Internazionale di Artisti, norme che qui considera troppo restrittive e superate dopo la rivoluzione americana del Pop. Infatti, nel 1991, nove anni dopo questa intervista, Di Martino lanciava la "Dichiarazione di Venezia" in un convegno tenuto presso l' Archivio Storico delle Arti Contemporanee della Biennale, una sorta di manifesto firmato da illustri studiosi (Rene' Berger, Maurizio Calvesi, Jean Clair, Miguel Rodriquez Acosta, Zoran Krzisnik) che, dopo decenni di polemiche e dibattiti, apriva una nuova era per la "grafica originale d'arte" e i "multipli", consacrando un lavoro che il critico aveva iniziato dieci anni prima con lo storico dell'arte Giulio Carlo Argan.

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Enzo di Martino racconta la storia della Grafica d'Arte - Arte - Rai Cultura

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Enzo Di Martino (1938), critico d'arte riconosciuto per essere uno dei maggiori esperti di grafica d'arte, racconta i momenti salienti e gli artisti più importanti che nel corso dei secoli hanno contribuito ad accrescere ed approfondire con importanti variazioni e scoperte, l'affascinante settore di produzione artistica.

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Stampe a due colori ispirate alle Xilografie Espressioniste

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Stampe a due colori ispirate alle Xilografie Espressioniste

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Stampe a due colori ispirate alle Xilografie Espressioniste

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Modellare una ciotola con la tecnica a colombini

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Modellare una ciotola con la tecnica a colombini