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James Horner era hijo de los emigrantes judíos austriacos Harry Horner, director de cine, ganador de dos premios oscar.

Horner empezó a tocar piano a los cinco años, pero desde joven fue a Londres, donde estudió en una academia de música. Más tarde continuó sus estudios en el Green Valley High School. Comenzó a trabajar en su doctorado, junto a Paul Chihara. Pero la música académica no fue lo que más fascinó a Horner, y después de varios trabajos con el American Film Institute, terminó su enseñanza de teoría de la música e inició su carrera en la música cinematográfica.
Su trabajo en cine empezó a ser famoso, convirtiéndose en uno de los pilares de la música cinematográfica. La obra musical que compuso para la película Titanic es la más conocida del compositor, valiéndole su primer Óscar de la academia. Avatar en 2009 también recibió muchos elogios.
Son también destacables las bandas sonoras para el American Film Institute y para las películas de terror y ciencia ficción de bajo presupuesto. Horner ha ganado dos Óscar, dos Globos de Oro, tres Premios Satellite, tres Premios Saturn, y ha sido nominado a tres Premios de Cine de la Academia Británica.

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En 1693, a la edad de quince años, empezó a estudiar para ser sacerdote.9​ El 18 de septiembre de ese año, Antonio ingresó en un seminario y recibió sus primeras órdenes menores: ostiario el 19 de septiembre de 1693, lector el 21 de septiembre de 1694, exorcista el 25 de diciembre de 1695 y acólito el 21 de septiembre de 1696. El 4 de abril de 1699 fue ordenado subdiácono, luego diácono —el 18 de septiembre de 1700—, y finalmente ungido sacerdote el 23 de marzo de 1703, a los veinticinco años.

Vivaldi tenía sólo veinticinco años cuando comenzó a trabajar en el Ospedale della Pietà. Durante los siguientes treinta años compuso la mayor parte de sus obras más importantes mientras trabajaba allí.17​ Había cuatro instituciones similares en Venecia, cuyo propósito era dar refugio y educación a niños abandonados o huérfanos, o cuyas familias no podían sustentarlos. Estaban financiadas con fondos proporcionados por la República.18​ Los niños aprendían un oficio y tenían que abandonar la institución cuando llegaban a los quince años. Las niñas recibían una educación musical y las de más talento se quedaban y se convertían en miembros de la reconocida orquesta y coro del Ospedale.

Durante el periodo en Mantua periodo escribió Las cuatro estaciones, cuatro conciertos para violín que representan escenas apropiadas para cada estación del año. Tres de los conciertos fueron originales en su concepción, mientras que el primero, «Primavera», tomó prestados motivos de una sinfonía del primer acto de su ópera contemporánea Il Giustino. La inspiración para los conciertos probablemente le vino de los campos de Mantua. La obra fue una revolución musical en su concepción: en estos conciertos representó arroyos fluyendo, pájaros cantando (de diferentes especies, cada uno caracterizado específicamente), perros ladrando, mosquitos zumbando, pastores llorando, tormentas, bailarines borrachos, noches silenciosas, partidas de caza tanto desde el punto de vista de los cazadores como de las presas, paisajes helados, niños patinando sobre hielo y cálidos hogueras inviernales.

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"Las 4 Estaciones" - A. Vivaldi - Violín Yulia Iglinova

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Wilhelm Richard Wagner nació el 22 de mayo de 1813.Fue el noveno de los hijos de Carl Friedrich Wagner (1770-1813), un modesto funcionario de policía que murió de tifus seis meses después del nacimiento de Richard. Tras el trágico fallecimiento de su padre el 23 de noviembre de 1813, su madre comenzó a vivir con el actor y dramaturgo Ludwig Geyer, que había sido amigo de su difunto marido.

La pasión de Geyer hacia el teatro fue compartida por su hijastro, que empezó a tomar parte en las actuaciones. En su autobiografía, Wagner recordó haber desempeñado en una ocasión el papel de un ángel.En 1829 vio a la soprano dramática Wilhelmine Schröder-Devrient en escena y se convirtió en su ideal de fusión de música y drama en la ópera.

En 1840, Wagner había completado su ópera Rienzi. En gran medida gracias al apoyo de Giacomo Meyerbeer,36​ fue aceptada su representación en el Teatro de la corte de Dresde (Hofoper) en el estado alemán de Sajonia. En 1842, se trasladó a la ciudad, donde se estrenó la ópera con un éxito considerable el 20 de octubre.

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The Best of Classical Music: Wilhelm Richard Wagner - Ride of The Valkyries

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Johann Sebastian Bach fue un compositor, músico, maestro de capilla, director de orquesta, cantor y profesor alemán del periodo barroco. Fue el miembro más importante de una de las familias de músicos más destacadas de la historia, como más de 35 compositores famosos: La familia Bach...

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Links über Johann Sebastian Bach, Kommentierte Links

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Wichtge Links über J. S. Bach und die Nachkommen

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James Horner - Becoming one of "The People" (video edit)

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John Williams ( Nueva York; 8 de febrero 1932) es un compositor, director de orquesta, pianista y trombonista estadounidense. Considerado uno de los compositores más prolíficos de bandas sonoras de la historia del cine, ha compuesto algunas de las más famosas y reconocibles de todos los tiempos como: Harry Potter, Star Wars, Tiburón, Atrápame si puedes, E.T., el extraterrestre, Superman, Indiana Jones, Parque Jurásico, La lista de Schindler, El coloso en llamas, La aventura del Poseidón y Home Alone.
Ha trabajado con Steven Spielberg desde 1974 y ha compuesto la música de toda su obra, a excepción de tres películas. También ha realizado composiciones musicales para diversos Juegos Olímpicos, series de televisión, noticieros y piezas de concierto.
Williams ha ganado el Óscar en cinco ocasiones y tiene en su haber 53 nominaciones, siendo la persona viva con más nominaciones al máximo premio de la música, compartiendo el número con el ya fallecido Walt Disney. También tiene cuatro Globos de Oro, siete BAFTA y veintitrés Grammy. En 2005, su obra en la banda sonora de Star Wars fue seleccionada por el American Film Institute como la obra musical más grande del cine estadounidense. En 2020, le fue otorgado el Premio Princesa de Asturias de las Artes, compartido con el también compositor Ennio Morricone. Es uno de los compositores más reconocidos de música de cine; ha realizado la banda sonora de más de cien películas, sin contar la música para series de televisión.

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Los leitmotivs de John Williams - Sin conservadores

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This isn't meant to be an exhaustive list of links, and I don't claim to have seen all that the World Wide Web has to offer in terms of guitar or John Williams-related sites. These are really a few sites that have been a source of information or inspiration to me in creating this site (Most of them are mentioned somewhere or another on other pages on this site).

Of course, should you want to link to this site, you're more than welcome, although I would ask that links point to the front page. And as it regrettably needs to be said, please note that I have put a great deal of time and effort into creating this site: I expect acknowledgement for re-publication of the information here (I always give permission), and do not take kindly to people linking directly to images or other files held on this server.

The links below are in several self-explanatory sections; I particularly recommend the interviews and welcome being informed of any I may have missed.

Obligatory legal notice: I am not responsible for information on other sites (duh!) and whilst all of the following links should be child-friendly, I can't guarantee it. All links will open in a new browser window.

About John Williams

Sony Classical John Williams site - good for latest news, although they have a tendency to get confused with the other John Williams, who is also on their roster of recording artists
Askonas Holt, John Williams' agents (including e-mail link to their team)

Significant John Williams interviews (some sites may require free registration)

Sony Classical site about the The Magic Box
Sony Classical site about the The Guitarist
BBC Norfolk, May 2004 (about El Diablo Suelto)
Guitar Player, January 2004
Mercury News, San Francisco, October 2002 (about The Magic Box Tour)
Radio WHYY, Philadelphia ( REAL AUDIO), October 2002 (about The Magic Box Tour)
Irvine News, California, October 2002
Acoustic Guitar, January 1999 (by Mark Small, hosted on the Small-Torres Duo site)
Guitar Alive! radio show transcript, July 1998 (about The Guitarist)
Music Teacher Magazine, Australia, 1990 (?)

People or organisations with connections to John Williams

A few of the other Classical Guitarists I admire (non-exhaustive list; bear in mind that I live in the UK...)

A few other sites Guitar fans might find interesting (I do)

If any of the above links don't work, or if you're involved with running one of them and want to inform me of any changes, please let me know as I'm not a mind-reader and it's unlikely that I'll be keeping too close an eye on this page.

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This isn't meant to be an exhaustive list of links, and I don't claim to have seen all that the World Wide Web has to offer in terms of guitar or John Williams-related sites.

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Hans Zimmer (Fráncfort, 12 de septiembre de 1957) es un compositor de bandas sonoras alemán. Ha sido ganador de reconocimientos cinematográficos como los Globos de oro, BAFTA, Emmy, Saturn, Grammy, además de dos Óscar de la Academia por su trabajo en El rey león (1994) y Dune (2021), premios a los que ha sido nominado en otras 10 veces desde 1988 con Rain man. Es uno de los compositores más buenos de Hollywood actualmente.
Su padre murió cuando el era un niño, y se refugió en la música, Zimmer es de origen judío.
De pequeño recibió clases de piano, más tarde se trasladó a Londres entrando en el mundo de la música durante una larga colaboración con su mentor Stanley Myers. En 1970, se integró a la banda Krakatoa, al lado de Nigel Glockler y Dave Poxon, futuros baterista y manager. Más tarde, se metió en en la banda The Camera Club con Bruce Woolley, de The Buggles, y Thomas Dolby, y después, Helden, al lado de Warren Cann, baterista de Ultravox, y Zaine Griff. Cabe destacar que acompañó al grupo Mecano en un concierto.​ En 1986, realizó su primer trabajo autónomo en Vardo, aunque siguió colaborando con Myers.
Años más tarde de la tragedia de Denver conocida como masacre de Aurora de 2012, donde murieron 12 personas y otras 50 aproximadamente fueron gravemente heridas al ser fusiladas por un intruso en la sala durante la emisión de "The Dark Knight Rises" la última de la trilogía del Batman de Christopher Nolan.
Es dueño de la empresa de música cinematográfica Remote Control Productions en Santa Mónica, California.

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Hans Zimmer Performs the Dune Soundtrack LIVE

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“Hans Zimmer Live” an unforgettable audio-visual concert event.

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Nació en Misuri (Estados Unidos), Basil Poledouris tuvo dos influencias que lo condujeron hacia la música: la primera fue el compositor Miklós Rózsa, famoso por sus bandas sonoras de películas y la segunda fue su familia griega. Poledouris se crio en la iglesia, y solía sentarse en los servicios emocionado por los sonidos del coro. Empezó a recibir clases de piano con siete años y finalmente se matriculó, para estudiar cine y música. En 1985 hizo la banda sonora de Los señores del acero (Flesh & Blood), del director Paul Verhoeven, que significó el primer encuentro de una productiva colaboración posterior.
Poledouris obtuvo fama gracias a su poderoso estilo de composición y su intrincado diseño temático, hizo muchos éxitos con las bandas de El lago azul, Conan el Bárbar, Conan el Destructor, Amanecer rojo, RoboCop, La caza del Octubre Rojo, Liberad a Willy y sus secuelas, Starship Troopers y Entre el amor y el juego.
Su estudio está situado en Venice, Los Ángeles, California, que al mismo tiempo es una instalación experta en producción cinematográfica y artística.
Se casó en 1969 y tuvo dos hijas. La mayor es actriz y también compositora de música para películas, y colabora a veces con su padre.

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Basil Poledouris: Composing the Conan saga

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Howard Shore (Toronto; 18 de octubre de 1946) es un compositor y saxofonista canadiense, conocido por sus bandas sonoras para películas. Ha compuesto las partituras de más de ochenta películas, entre ellas El silencio de los corderos y las películas de El Señor de los Anillos. Algo más recientemente compuso también la banda sonora de la trilogía El hobbit. También es un colaborador constante del director David Cronenberg.

También ha compuesto obras de concierto, incluyendo una ópera.

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Top10 Soundtracks by Howard Shore | TheTopFilmScore

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Howard Shore | Music Department, Composer, Actor

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Known for: The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring, Crimes of the Future, The Hobbit: An Unexpected Journey

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Nació en Nueva York, pero Silvestri se crio en Nueva Jersey. En su familia no había músicos, pero Alan mostró un interés por la música y toco diferentes instrumentos de viento y después la guitarra. En 1965, acudió a clases de jazz en el Berklee College of Music. Permaneció solo dos años hasta trasladarse a Las Vegas y comenzó una gira como guitarrista.
Después Alan conocería a Bradford Craig, letrista de algunos proyectos de Quincy Jones, con quien trabajó codo con codo para la orquestación de una película. Este sería el primer trabajo de Alan en el cine.
1983 fue un año especial para Alan Silvestri. Se enteró de que un joven director estaba buscando un compositor que pudiera ambientar su película. El compositor llamó a Zemeckis y le pidió 24 horas para ofrecerle una pieza. Al día siguiente, el director estuvo encantado con la propuesta de Silvestri.
Después le llovieron las ofertas.
En 1994 llegó uno de sus trabajos más buenos con Forrest Gump, el cual le valió sendas nominaciones a los Globos de Oro y a los Oscar. En 1995 Silvestri recibió el Premio Richard Kirk, en 2002 le concedieron el Premio Henry Mancini por sus trabajos, y más recientemente, el 23 de septiembre de 2011 fue galardonado con el Max Steiner Film Music Achievement Award, entregado por la ciudad de Viena, en motivo del concierto de música fílmica anual que allí se realiza, y que se conoce con el nombre de "Hollywood in Vienna".

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Top10 Soundtracks by Alan Silvestri | TheTopFilmScore

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In his ongoing, decades-long career as a composer, Alan Silvestri has scored some of the most iconically revered and profitable films in Hollywood history,...

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Carl Orff fue un compositor alemán. Es especialmente conocido por su canción Carmina Burana y por hacer un sistema de enseñanza musical para niños, conocido como Orff Schulwerk o método Orff.

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University of California Television (UCTV)

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UNIR Revista

El método Orff apuesta por la participación activa y experimentación del alumno usando la voz, el cuerpo y el movimiento para el aprendizaje de la música.

La pedagogía musical engloba el proceso de enseñanza-aprendizaje relacionado con la música y las personas. Desde el ámbito educativo, los docentes disponen de varias metodologías con las que favorecer el desarrollo del alumnado. Una de ellas, es el método Orff, el cual se centra en la voz, el cuerpo, el uso de instrumentos y el baile folklórico como punto de partida en el aprendizaje de la música, evolucionando desde ahí hacia la parte cognitiva de la misma.

El precursor de este método fue Carl Orff, un compositor y pedagogo alemán que diseñó en 1930 un método de enseñanza de la música con el que se obtuvieron buenos resultados en los estudiantes. Dicha metodología sigue utilizándose en la actualidad.

El método Orff consiste en el aprendizaje y enseñanza de la música mediante el uso de la voz, el cuerpo y el baile, realizando una serie de actividades motivadoras y que fomentan la participación y experimentación del alumnado para trabajar diferentes aspectos de la música (ritmo, armonía, melodía, timbre, forma y dinámica).

Los aspectos fundamentales que caracterizan esta metodología son:

Es un método eminentemente práctico que va desde lo más simple hasta el conocimiento complejo de la música, aprovechando la actividad y uso de la voz, así como los instrumentos, para ampliar los conocimientos previos que ya posee el alumnado. En él prima la participación activa de los estudiantes.

Fomenta la creatividad y da gran importancia al proceso mediante el cual se desarrolla el conocimiento y a la experimentación como medio de aprendizaje. También se realizan representaciones de lo aprendido, pero no es la única parte que importa en este método.

Desarrolla el autoconocimiento mediante el aprendizaje de la música, dando relevancia al alumnado y su desarrollo, al tiempo que a la música y su aprendizaje.

Mejora la competencia lingüística, así como favorece la expresión de los estudiantes.

Fomenta el respeto y valores presentes en la vida en sociedad.

Utiliza instrumentos musicales presentes en la cultura del alumnado y de uso sencillo, como el tambor o la flauta.

¿Cómo aplicar el método Orff?

Para poner en práctica esta metodología existen diversas actividades que se pueden utilizar con los niños. Algunas de ellas son:

Marcar el ritmo con movimiento: algunos alumnos disponen de instrumentos como el xilófono, el triángulo etc. y de forma gradual comienzan a tocar: primero el xilófono, un par de tiempos después le sigue el siguiente instrumento... Cuando todos los instrumentos están sonando, el resto del aula realiza movimientos como giros, pasos o chasquidos con los dedos de las manos para seguir el ritmo marcado por los primeros alumnos.

Canto y música: utilizando una canción popular, realizar la música con el cuerpo al tiempo que se canta la canción.

Progresión hacia la canción: comienza conociendo la letra y el ritmo de una canción, utilizando solo el cuerpo y la voz la reproducen, después continúan trabajando ese ritmo (mediante la utilización del cuerpo humano para producir sonidos) con la canción sonando de fondo. Una vez trabajada así se incluyen instrumentos básicos para representarla.

Historia sonora: se divide el aula en varios grupos -cada uno con un instrumento diferente- y se relaciona cada instrumento con una palabra concreta de las que aparecerán en la historia. Después, se narra la historia y el alumnado debe hacer sonar su instrumento en el momento correcto y todos al mismo ritmo.

Para obtener los beneficios del método Orff, al igual que sucede con otras metodologías, es importante que el profesorado tenga una buena formación al respecto, conociendo las características y forma de trabajo de aquella metodología que quiera utilizar. Una formación como el Máster en Pedagogía Musical online de UNIR amplía el conocimiento de los docentes en cuanto al ámbito de la música en educación, lo cual favorecerá este proceso de enseñanza-aprendizaje.

Una formación con una orientación un poco diversa, pero que es también interesante, es el Máster en Musicología online de UNIR, el cual prepara para analizar desde un enfoque teórico-práctico el ámbito historiográfico y cultural de la música, profundizando en sus metodologías de investigación y documentación y su relación con la sociedad.

La escritura creativa no tiene normas ni esquemas predefinidos primando la originalidad, la imaginación y la innovación. Te lo explicamos en UNIR Revista.

La construcción de la comunicación no verbal es un aspecto activo para envolver el texto discursivo de forma eficaz.

La industria ha perfilado innovadoras mejoras en técnicas de digitalización, modelado e impresión 3D, de manera que casi todos los ámbitos han visto incrementadas sus prestaciones gracias a su empleo.

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El método Orff: clave para la pedagogía musical

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El método Orff apuesta por la participación activa y experimentación del alumno usando la voz, el cuerpo y el movimiento para el aprendizaje de la música.