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Escogí este tema ya que a lo largo de la historia la mujer a ejecutado diferentes roles, aunque en algunas épocas solo la vean como un objeto y no como una persona, ya sea en ámbitos laborales o solo no la veían como una persona que pueda pensar por sí sola sin ayuda de un hombre. (Ten cuidado con los tiempos de redacción que maneas )

Este tema llega a ser muy amplio y en diferentes culturas retratan a la mujer en un lienzo o una cueva, en diferentes contextos debido a que, en algunas épocas era para informar o retratar un suceso importante y en otras como una forma de arte y decoración.

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Título: Danza fálica de Cogul (Lérida)
Artista: Anónimo
Cultura: Neolítica
Fecha: 6500-2000 a.C.
Medio/técnica: Pintura sobre roca
Lugar: Cuevas El Cogul Cataluña

La Danza fálica de Cogul, fechada entre el 6500-2000 a.C, en el periodo neolítico. Esta pieza fue encontrada en las cuevas de Cogul, Cataluña.

En la pintura podemos ver a un grupo de mujeres delgadas y con los pechos grandes pintadas en negro o rojo bailando alrededor de un hombre que es más pequeño que ellas y con el miembro a fuera, el cual podemos asociar a un ritual de fertilidad y lo podemos ver en las mujeres porqué a mi parecer tienen los senos como si estuvieran lactando. ( Ten cuidado con la puntuación y extensión que tienes de tus oraciones. No intentes abarcar muchas ideas en una sola oración. Es recomendado desarrollar una idea particular en cada oración ). Alrededor de las mujeres se encuentran diferentes animales como, venados, ciervos, un toro, u otros. Podemos ver que para el ritual necesitan la sangre animal, ya que debajo de ellas se encuentra plasmado a un animal muerto con una flecha incrustada en la espalda, pienso que usando sangre de animal hacia el ritual más efectivo. (Aquí vuelves a colocar muchas ideas dentro de una sola oración. Recuerda que los párrafos puedes desarrollar ideas conjuntas y ser extensos desde que su redacción este bien y no se vea cortada por problemas de puntuación).

Bibliografía: La Danza, un breve recorrido histórico | Sutori
Comentario de Historia del Arte | Historia | Wikiteka, apuntes, resúmenes, trabajos y exámenes de Secundaria, Bachiller, Universidad y Selectividad

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Título: El juicio de los muertos ante Osiris (Libro de los muertos; Papiro de Ani)

Artista: Anónimo

Cultura: Antiguo Egipto

Fecha: 1250 a. C

Medio/técnica: Pintura sobre piedra

Lugar: Museo Británico, Londres

La obra se podría dividir en cuatro partes: Primero, en la parte superior se pueden distinguir distintos dioses como: Horus (tercero de izquierda a derecha), Isis (cuarta de izquierda a derecha), Osiris (segundo de derecha a izquierda), Ra (cuatro de derecha a izquierda), entre otros. Segundo, en el centro se puede ver a dos mujeres teniendo un juicio de Osiris liderado por Anubis. Tercero, al lado derecho se puede ver lo que parece ser Osiris con un papiro en sus manos acompañado de Ammyt, el devorador de los muertos (un ser de cabeza de cocodrilo, patas traseras y melena de hipopótamo, torso y patas delanteras de león), y por último a la izquierda se puede ver a dos mujeres vestidas de blanco observando el juicio de Osiris.

En la obra se puede ver a la mujer en un equilibrio de interpretación, ya que se ve reflejada en un papel de superioridad con las mujeres a la izquierda, debido a que su tamaño refleja esa idea, y de inferioridad con las mujeres que están siendo juzgadas por Osiris. Lo que me hace pensar que los egipcios consideraban a la mujer como un ser que podía igualar al hombre.

Bibliografía:
https://www.mundodeportivo.com/uncomo/educacion/articulo/cuales-son-los-principales-dioses-egipcios-43558.html

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Título: Pélice ática

Artista: Pintor de pan

Cultura: Grecia clásica

Fecha: 470-460 a.C

Medio/técnica: Cerámica

Lugar: Museo de Louvre

Se ven a dos mujeres inclinadas lavando ropa en un recipiente grande, la mujer de la derecha tiene un vestido en tela y un gorro en la cabeza, la mujer de la izquierda tiene un vestido en tela y el pelo suelto y corto, las dos mujeres tienen los pies descalzos. La obra en si no tiene mucho detalle, es sencilla, pero a mi parecer el trasfondo de la obra si, ya que se puede ver el día a día de unas mujeres en Grecia, pero no son unas mujeres de la burguesía, son las sirvientas de una de las familias ricas de ese entonces. También pienso que la obra fue hecha para una sola persona o para un grupo reducido de personas.

Título: Venus del Pomo

Artista: Anónimo

Cultura: Grecia helenística

Fecha: 150 a.C

Medio/técnica: Escultura en mármol

Lugar: Museo del Prado, (Madrid, España)

Se ve a una mujer sosteniendo con la mano derecha una jarra que esta inclinada y de soporte tiene una mini columna. La mujer esta vestida en las piernas con una tela que se pasa por la espalda y cae en su brazo izquierdo, la mujer tiene el pelo recogido y al frente se puede ver lo que parecen ser trenzas, la mujer tiene la cara mas inclinada que el cuerpo, y yo pienso que es por que esta viendo algo o tiene la mirada perdida en el piso. Se puede ver en toda la escultura que el artista fue cuidadoso y detallista, y se ve reflejado en como tuvo el cuidado en que la tela tuviera esos relieves y la mujer tuviera muchos detalles como se en los pies de ella, también se ve el cuidado que tuvo haciendo la jarra, lo que me dice que esta escultura fue para que la gente la viera y admirara, ya sea en un templo o en lugar muy concurrido.

En la cerámica se puede ver sencilla y con colores no muy llamativos y opacos. En la escultura se puede ver el tiempo que le llevo al artista hacerla, no digo que la cerámica no conllevara tiempo hacerla, pero comparada con la escultura le llevo mucho menos hacerla, ya que la escultura al estar hecha en mármol al artista le llevo mucho tiempo ponerle esos detalles que tiene. También se puede ver la diferencia de cuando una obra esta hecha para ser vista por todo el mundo y cuando no, siendo la cerámica hecha para una persona o un grupo reducido de persona y la escultura para que la vea y admiren muchas personas. Lo cual me hace ver que anqué sean de Grecia las dos obras depende mucho en que lugar y para que gente esta hecha la obra.

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Título: Bustos Fonseca
Autor: Gian Lorenzo Bernini
Cultura: Romana
Fecha: Principios del siglo II d.c
Medio/ Técnica: Escultura en mármol
Lugar: Museo Capitolini

La escultura es de una mujer con mirada perdida, tiene un peinado un tanto extraño (de la época supongo),  tiene el pelo recogió por atrás con una tela, la mujer tiene el pelo rizado, ya que si bien se pudo hacer los rizos de adelante, lo que me asegura que la mujer era de pelo rizado, son los pelos que le están creciendo y que se pueden ver en el cuello.

El escultor fue muy detallista en hacer el retrato, ya que además hacer por separado cada rizo, también se ve el detalle en la cara, de cómo uno alcanza a ver la línea del párpado y los diminutos pelos de la ceja; en sí la cara de la mujer es muy delgada y delicada, se ve que en la punta de la nariz una especie de grieta o un pedazo de otra tipo de mármol, ya que resalta y es de diferente color, a comparación del resto.

A partir de esta obra voy a analizar cuál fue el estatus de la mujer en la época romana. En la obra de Bernini el estatus de la mujer se ve reflejado en el peinado, entre más complejo el peinado, más alto estatus tenias. Independientemente del estatus la mujer seguía siendo retratada con esa inocencia y delicadeza.

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La obra tiene formas en ella, se pueden ver ondas, que parecieran olas, u hojas; tiene un circulo en el centro-bajo, tiene lo que parece ser una mariposa al lado izquierdo de la obra, arriba a la derecha se podría decir que hay montañas y el reflejo de estas; en sí en toda la obra se pueden ver muchas curvas o círculos, pero toda la obra está en un mismo color (dorado), lo cual hace difícil de ver o de identificar cada parte de ella.

Al ver por primera vez la obra, en sí no la entiendo, pero ya con el título me hago una idea, ya interpretando las formas, se puede decir que el circulo es un sol que está rodeado de montañas y se puede decir que también hay un lago o un río, por el reflejo de las montañas. Puedo suponer que el lugar reflejado en la obra es Guatavita, por la leyenda de El Dorado.

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Título: El Domador/ El Arlequín

Autor: Eduardo Ramírez Villamizar

Cultura:

Fecha: 1950/ 1956

Medio/técnica: Óleo sobre lienzo/ Collage

Lugar:

Al ser dos obras tan diferentes y con interpretaciones contrarias, tienen en común que mediante diferentes formas se cree una obra, en el caso de El Domador puedo ver a un personaje en el centro que lo asoció con un demonio que castiga a los que no cumplen sus normas, lo que me hace pensar que es un demonio, son los colores con los cual fue pintado ya que son tonos muy oscuros, y Villamizar puso esos mismo colores al lugar en el cual el demonio manda a todas esas criaturas. Los colores empleados en las criaturas son fríos y cálidos, lo cual contrasta con el demonio. El fondo tiene tonos verdes y un poco de rosado en el centro y está pintado como un espiral siguiendo la forma del látigo, con lo cual uno puede suponer que el látigo esté en movimiento, dando la sensación de que el demonio les está pegando a las criaturas, y lo cual confirmó con las caras de las criaturas, ya que estas expresan miedo o les falta una parte de la cara. En el óleo se puede ver el color rojo en diferentes partes de este, se puede ver en la cara y brazos del demonio dándole un aura terrorífica, también en las criaturas, pero a diferencia del demonio, a ellos les da un aura dócil, y además se puede ver en lo que parece ser una plataforma, donde está el demonio. En el arlequín se ve una cara ligeramente inclinada, con una expresión decaída. En sí el Arlequín tiene varios colores y se puede ver que el color amarillo rodea la cara, lo cual me parece lógico ya que Villamizar me esta diciendo que en si la cara no expresa felicidad, pero la felicidad si rodea a la cara, y por eso la cara esta compuesta con negro y café, ya que su expresión es sombría y triste. Y mi conclusión es que los colores son lo fundamental del collage, ya que me complementan la obra y con ello puedo entenderla, porque la cara solo me expresa tristeza. Se puede ver claramente que los colores de las dos obras de Villamizar influyen en estas, y aunque sean diferentes en su composición y significado, todavía tienen un toque que identifica a Villamizar y es el uso de las formas para la creación de obras.

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Título: Virgen con el Niño entronizados
Autor: anónimo
Cultura: Bizantina
Fecha: 1250-1275
Medio/técnica:
Lugar: National Gallery of art

La Virgen esta ubicada en el centro de la imagen con la cara un poco inclinada a la derecha y su mirada al frente, en sus brazos tiene a un niño, el cual tiene la mirada y la cabeza dirigida a la Virgen. En la parte superior están 2 ángeles, ubicados en cada esquina y sus miradas dirigidas al centro.

Los trazos en la pintura son complejos y detallados, se pueden percibir un movimiento en la ropa, ya que los pliegues de ella lo genera. El contraste de color es acertado, puesto que usa los complementarios azul y naranja (aunque este ultimo se acerque mas al rojo), lo cual armoniza la obra. El detalle de la silla es muy simbólico, dado que, da la sensación de que ellos se encuentre en una iglesia.

El papel de la mujer en la época bizantina, se ve reflejado en la Virgen, debido a que la veneraban solo por ser la madre de Jesús, además representa como el papel de la mujer era para procrear y no para trabajar. Hoy en día se puede ver reflejado en el Islam, dado que la mujer tiene que taparse el cabello y el cuerpo, como símbolo de sumisión y fertilidad.

Virgen con el Niño entronizados (nga.gov)

https://www.rtve.es/noticias/20100429/velo-islamico-signo-sumision-mujer-simbolo-rebeldia-frente-mundo-occidental/329424.shtml

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Carolina, no realizaste la entrega de la semana 6 ni la semana 8. Recuerda que esta última era calificable, y que el total de todas las entregas son calificables también. 

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Carolina, no realizaste la entrega de la semana 6 ni la semana 8. Recuerda que esta última era calificable, y que el total de todas las entregas son calificables también. 

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Título: La capilla de la Virgen del Rey Casto
Autor:
Cultura: Estilo Gótico
Fecha: S. XIII-XVIII
Medio/técnica: Arquitectónico
Lugar: Catedral de Oviedo, España

La antigua entrada a la catedral ahora es la entrada a la capilla de la Virgen del Rey Casto. Se ve a la Virgen con el Niño en sus brazos rodeada con el apostolado, arriba de ella dos ángeles y arriba de su cabeza lo que parece ser Dios. La entrada es curiosa para su época, ya que es la Virgen quién recibe a la gente al entrar a la catedral como anteriormente era, así mismo se puede observar con los colores, porqué sólo la Virgen con el Niño son los únicos que tienen colores, mientras que el apostolado, los ángeles y Dios, no tienen color, lo que da la sensación de que los estén cuidando, como sus protectores.

La arquitectura de esta parte de la catedral es muy bien trabajada, ya que la entrada tiene tres niveles. El primero, la Virgen en el centro, con los ángeles y Dios encima de ella, también se puede ver otros detalles con forma de hojas y algunas con espinas. En el segundo y el tercero, están los 12 apóstoles y seguidores de Jesús, quienes fueron los que expandieron la religión cristiana por Europa, Asia y parte de África (después parte de América).

La Virgen fue un parte fundamental para la creación del Cristianismo, no sólo por ser la madre de Jesús, si no por todo el apoyo que le brindo a su hijo, de cómo lo cuido a él mientras estaba crucificado, y aceptar que su hijo debía morir por el bien de los demás. También las otras vírgenes son importantes en la vida de Jesús, ya qué fueron las que acompañaron a la Virgen María en el lecho de su hijo y ellas a su forma también expandieron el Cristianismo. El papel de la mujer fue y es importante, ya que sólo con el hecho de que la Virgen María hubiera aceptado la petición del Arcángel Gabriel, produjo un efecto dominó, por qué ese solo fue el comienzo de los demás sucesos.

https://maravillasdeespana.blogspot.com/2014/04/asturias-la-santa-ovetensisla-catedral.html

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Carolina, no realizaste el análisis de la semana 9. 

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Carolina, no realizaste el análisis de la semana 9. 

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Título: La bella simonetta / Retrato de Margarita de Austria

Autor: Sandro Botticelli / Bernard van Orley

Cultura: Renacimiento italiano / Renacimiento en el Norte de Europa (Países bajos)

Fecha: 1482-1484 / 1518

Medio/técnica: Lienzo

Lugar: Galería Uffizi / Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Al ser dos obras tan diferentes visualmente, pero iguales en que es un retrato de una mujer importante de la época o del pintor. Empezando con el retrato de Simonetta Vespucci, el amor platónico de Botticelli. El detalle con el que está hecha esta obra es impresionante, un gran ejemplo de esto es la cara y el pelo. En el pelo se puede apreciar el peinado, el cual está compuesto con trenzas y en ellas cuelgan perlas y cintas. La cara por otra parte es sencilla, pero con detalle, ya que se alcanza apreciar la pupila y pestañas del ojo. En el vestido se pueden ver unos ligeros pliegues y una blusa interior de un color rojo ligero, también rodeada de una trenza con perlas. Terminando con el retrato de Margarita de Austria, la cual fue parte de la realeza/burguesía de la época. El retrato es simple con un contraste entre el blanco y el negro, los cuales se aprecian en la ropa de ella. En el velo que lleva en la cabeza se puede ver un poco de transparencia, supongo que era de un material ligero el cual Orley pudo plasmar muy bien en la parte de la frente. La ropa casi no se puede ver, ya que al ser negra no se ve, pero respecto a la parte blanca se pueden ver pliegues en la parte del cuello y arrugas en la parte del velo. Las dos obras son muy diferentes ya que la primera fue un amor platónico del autor, por lo cual tiene varios detalles y objetos de los cuales uno puede apreciar, a diferencia de la segunda que fue un encargo de la realeza/ burguesía de la época para el pintor, por lo cual se puede ver que es muy sencilla, no hay distracciones u objetos en este retrato, lo que la hace sencilla y sin generarle a uno algo en especial. Pienso que estas diferencias se deben a que al ser Simonetta Vespucci el amor platónico de Botticelli, se ve el amor reflejado en esta obra y se podría llegar a la conclusión de uno prohibido, ya que ella está rodeada o peinada con trenzas, lo cual lo asocio a cadenas, además ella tiene la mirada en otro lado y no lo está viendo, y al ser el segundo retrato para la burguesía de la época tiene que ser muy ordenado y sin nada de libertad, ya que en la obra parece ser muy medida y controlada por un tercero para que el artista no pudiera hacer algo que ellos no quisieran. Concluyendo que respecto a qué persona es la pintura tu forma de expresión y dedicación cambian.

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Título: Las bodas místicas del Venerable Agnesio
Autor:  Juan de juanes
Cultura: Renacentista S. XVI
Fecha: S. XVI
Medio/técnica: Óleo sobre tabla
Lugar: Museo Bellas arte de Valencia

la obra se puede analizar en tres partes. La primera, es a una mujer vestida con los colores complementarios azul y naranja el cual predomina recibiendo un ramo de rosas de un señor que esta arrodillado diagonal a ella, la mujer mira al hombre con superioridad y como si tuviera ella tuviera poder sobre él. La segunda es a la Virgen María rodeada de niños sosteniendo a uno con el brazo derecho y con una corona de espinas con la mano derecha, los niños que rodean a la Virgen María están semidesnudos y cuatros de ellos la están mirando y el que está de pie junto a ella está mirando a los niños, lo cual supongo que el niño que no la está mirando debe de ser el niño Jesús y los demás son una simbología a que ella es la Madre de todos (¿Cuantos niños hay? ¿Sí son niños? ¿ Dónde están los niños de los que hablas? Es necesario mejorar la redacción). La última esta una mujer vestida con los colores complementarios rojo y verde y un poco de azul en la parte superior del vestido, por el peinado que lleva es de una familia prestigiosa y Agnesio esta arrodillado diagonal a ella proponiéndole matrimonio. En el fondo de la obra se puede ver un coliseo en ruinas rodeado de montañas y casas, al lado derecho se puede ver unas columnas, lo cual lo asocio a un templo de la religión cristiana donde iban a venerarlos y al otro lado un árbol, el cual asocio al de Adán y Eva en donde estaba el fruto prohibido.

La obra esta compuesta de distintos colores ¿CUÁLES? que se complementan y atraen al espectador a analizarla. Al dividirla en tres partes se puede ver que los costados son similares, ya que están conformados por una mujer y un hombre el cual esta arrodillado proponiéndole o regalándoles algo. En el centro se puede ver un escenario totalmente diferente, dado que se ve a la Virgen María rodeada de niños ¿SEGURA QUE SON NIÑOS? y se puede interpretar que el papel de la mujer en el siglo XVI solo era para procrear y cuidar, no para producir. ¿DE DÓNDE SALE ESTA INFORMACIÓN?

En el siglo XVI era muy común que los padres les buscaran pareja a sus hijas, y mediante esos compromisos podían conseguir distintos acuerdos o tierras para una mejor sostenibilidad, por lo tanto, a la mujer solo la miraban con un mecanismo de intercambio entre familias. (usualmente era entre la burguesía.)

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Título: Vieja friendo huevos
Autor: Diego Velázquez
Cultura: Barroco
Fecha: 1618
Medio/ tecnica: Óleo sobre lienzo
Lugar: Galería Nacional de Escocia,Edimburgo

La mujer se encuentra al lado derecho de la imagen con la cara y mirada dirigida al niño, en su mano derecha tiene una cuchara y en la izquierda un huevo, ella está vestida con un velo en la cabeza color blanco y un vestido rojo. Diagonal a ella esta el niño, el tiene en su mano derecha un frasco de laboratorio y en la izquierd  lo que parece ser una calabaza, el está vestido con un saco negro y una camisa blanca, generando un contraste con la mujer y acoplandose con el fondo.

Los trazos en el óleo son complejos y detallados, se puede distinguir un ligero movimiento en la ropa. El fondo de la obra es oscuro del cual no se puede percibir mucho. En la mujer se puede ver un ligero cansancio, ya que su expresión nos lo dice. Ella y el niño pertenecen a la gente del pueblo, debido a que su ropa no es ostentosa ni lujosa, y al estar trabajando la mujer se puede decir que era sirvienta de algún noble.

La vieja representa a la mayoría de las mujeres de la época, ya que pocas nacían en  cunas de oro y tenkan que trabajar para sobrevivir. Pero el único trabajo que les ofrecían esta el de cocineras o amas de casa, debido a que los hombres pensaban que solo para ese trabajo servía la mujer, además de procrear.

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Título: Portrait of Anna Pittas Hebe/ The Soul of The Rose
Artista: Louise Elisabeth Viger Le Brun/ John William Waterhouse
Cultura: Arte Neoclasico/ Arte Romantico
Medio/Técnica: Oíl, Canvas
Fecha: 1792/ 1903
Lugar: Hermitage Museum, Saint Petersburg, Russia

En el primer oíl se ve en retrato de una mujer, la cual está con la cabeza ligeramente volteada a la izquierda con la mirada perdida en su mano izquierda tiene un jarrón y en la derecha le da de beber lo que parece ser un pavo. Ella tiene un vestido azul de una tela delgada, en sus brazos cuelga una pashmina que contrasta con el color del vestido. En el segundo oíl se ve a una mujer en perfil, oliendo una flor, esta vestida con una bata color azul con detalles dorados por lo cual ella pertenecía a una familia con dinero. La mujer transmite una expresión de enamoramiento, debido a la delicadeza con la que toma la flor y la olfatea.

Los retratos son iguales en el sentido del modelo, pero diferentes en lo que transmiten o expresan con los colores y el entorno en ellos. En el primer retrato se puede ver que los colores son opacos tranmitiendo nostalgia, ya que su mirada está perdida u los colores empleados en el fondo trasmiten melancolía. En el otro los colores son más vivos y trasmiten una mucha felicidad, debido a que los colores son cálidos y combinan muy bien con la mujer.

Se puede apreciar que los retratos tienen mucho detalle y se puede apreciar en los vestido de las mujeres, debido a que se pueden apreciar la arrugas y texturas de esta.

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Carolina, no hay evidencia de tu análisis de la semana 13 sobre realismo o impresionismo. 

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Carolina, no hay evidencia de tu análisis de la semana 13 sobre realismo o impresionismo. 

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Título: "La cuna"

Autora: Berthe Moriso

Cultura: Impresionismo

Fecha: 1872

Medio/ técnica: Óleo sobre tela

Lugar: Museo de d'Orsay, París, Francia

Se puede ver a una mujer, la cual está mirando a su bebe mientras duerme. La postura de la mujer es muy relajada y de apreciación al momento, está vestida con un vestido de rayas grises y negras las cuales contrastan con el entorno.

El óleo no tiene mucho detalle, sin embargo se alcanza a apreciar la transparencia del velo, lo cual nos muestra al bebe en una postura relajada vestido de blanco, combinando con los colores de la cuna y contrastando con los de su madre.

El papel de la mujer en el óleo es el de madre, lo cual era un puesto muy usual de la mujer en el siglo XIX, debido a que las mujeres eran consideradas un objeto y no podían tomar sus propias decisiones debido a su débil carácter. Sin embargo, pienso que el óleo nos muestra también a la mujer del presente la cual puede ser madre sin la necesidad de tener a un hombre para lograrlo.

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Título: Armonia en rojo o La habitación roja

Autor: Henri Matisse

Cultura: Expresionismo

Fecha: 1908

Medio/ técnica: Pintura al Óleo

Lugar: Museo Hermitage

En el óleo se pueden ver distintos colores, pero el que predomina es el rojo generando un contraste con el paisaje. La mujer parece ser una mucama, ya que su vestimenta me lo dice. El mantel tiene un diseño con flores en un color azul y negro, las frutas en la mesa son de distintos colores armonizando con el entorno.

El óleo no tiene mucho detalle, pero juega con el color de una manera no sofocante, aun cuando el color rojo es el protagonista en el óleo no opaca los otros elementos, sino todo lo contrario, ya que los resalta más. El paisaje en su mayoría es verde, pero las hojas de los árboles son de un tono gris-blanco con la técnica de puntillismo, haciendo que resalten más y contrastan con la habitación.

El papel de las mujeres el oleos de mucama, debido a que las mujeres no tenían mucha oferta de trabajo y usualmente las que trabajaban en esto pertenecían a una familia con bajos recursos y casi siempre eran solteras. Pienso que el óleo podría representar a algunas mujeres actualmente, ya que las mujeres a veces trabajan como mucamas debido a que son madres solteras y no han tenido muchas oportunidades en la vida. Se puede ver en el pasado y en el ahora que este trabajo es solo de mujeres, en vista de que nunca se le ha visto a un hombre hacer esta labor.