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La música forma parte de obras teatrales o escénicas por su forma de expresar sentimientos o crear ambiente.
La música también ha sido utilizada socialmente.
El teatro nació unido a la música en las culturas antiguas.
Ballet: Género teatral donde la música va unida de gestos.
Última mezcla de teatro y música es el músical.

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Teatro griego: espectáculo público donde se mezclaban mitología, política, sentimientos, música, danza y poesía.
Los griegos asistían a ceremonias religiosas celebradas en honor a sus dioses. Durante la ceremonia los griegos consagraban los hechos sobrenaturales de sus dioses, descubrían la vida y la obra de sus seres mitológicos y legendarios, al mismo tiempo, el significado de la vida y la muerte.
Festival más importante de Atenas-Grandes Dionisiacas: Duraban 5 días seguidos, se celebraba cada primavera y cada invierno. Se llevaban a cabo antes de que existiera el teatro.
Nacimiento del teatro: En el año 534 a.C, Pisístrato el jefe de gobierno en la ciudad de Atenas, le pidió a Tespis que inventara algo para que las celebraciones gustarán más y fuesen más personas a celebrar Grandes Dionisiacas. Tespis que era director del coro salió de el y enfrentarse a Pisístrato para hacerle preguntas. Con esta decisión Tespis inventó lo que ahora es teatro. Fue el primer actor, que en su época llamaban hipócritas. Hipo= Máscara y Krites= los que respondían detrás de la máscara.
La tragedia griega: Al enfrentarse el hipócrita con el pueblo creaban un diálogo que le gustaba al público, con esto se creaba más interés por las historias que se contaban. A partir de eso en cada festival se realizarían concursos donde los poetas escrbirían historias y las pondrían en escena.
Tespis tuvo éxito y logró que fuera más gente a Grandes Dionisiacas.
Se llamaban tragedias por como iban vestidos los actores, ya que lo hacían con máscaras adornadas con cuernos de cabras. Tragos: Cuerno de cabra Odas: Himnos/Cantos
Las primeras tragedias consistían en los cantos de un coro que era la representación del pueblo. El coro estaba formado  por 12 hombres que contaban historias mientras cantaban, mientras los actores representaban un dios o héroe mitológico, discutía y dialogaba con el coro.
Cuando el público veía el sufrimiento de sus dioses se sentían desahogados, a través de eso el público conocía el sentido de la vida y comprendían que la vida termina con la muerte.
Había nacido la tragedia y con ella el catarsis espiritual con la que el público se desahogaba.

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La ópera es una obra de teatro cantada en vez de hablada. Intervienen todos los elementos de teatro, también la orquesta, coros, ballet...
La tragedia griega fue el punto de partida para los compositores de ópera. Los compositores de ópera acogieron características del teatro de Grecia como la unidad de texto, canto y movimientos, los modificaron para crear un género musical.
El origen de la ópera tiene lugar en Florencia donde se reunían artistas y sabios, conocidos como Camerata Florentina. Trataban de dar vida al arte dramático de la antigua Grecia. La obra fue creada para celebrar el casamiento de Enrique IV de Francia y María de Medici.
Partes generales de una obra
Instrumentales
Obertura: Introducción musical.
Interludios: Parte musical, más corta que la obertura, sirve para enlazar partes de la ópera.
Ballets: Danzas bailadas en escenas.
Vocales
Solistas: Protagonistas de la ópera, tienen mayor importancia en el canto y en la acción de la obra.
Los cantantes realizan sus interpretaciones de dos formas:
Recitativo: Interpretación a medio camino entre la voz hablada y cantada. Más fácil de avanzar el argumento, dan fluidez a los diálogos.
Aria: Interpretaciones más líricas y melódicas, suelen ir acompañadas de una orquesta. En esta parte los cantantes hacen técnica vocal e interpretativa.
Coros: Grupos de voces, al principio a cuatro voces, imitan los coros del teatro griego.

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En el barroco surgen las primeras óperas. A principios del S.XVII, la estructura fue evolucionando. Uno de sus mayores impulsores fue el compositor Claudio Monteverdi.
Los personajes más representados en las primeras óperas son Orfeo y Apolo.
Características de la ópera barroca
Espectáculo reservado a la corte y las clases nobles.
Temas empleados: Mitología griega y dioses.
Idioma empleado: Italiano.
Cantantes: A veces improvisan en las arias, para hacer galas vocal.
Destacan como cantantes de ópera los castrati. Estos cantantes ya habían surgido en el S.XVI, porque la iglesia no permitía cantar a las mujeres, se castraban a los hombres antes de la pubertad para evitar el desarrollo.
Carlos Broschi conocido como Farinelli era el más famoso.
Estos cantantes florecieron en el S.XVI hasta 1870, en esa fecha se prohibió la castración voluntaria por el Estado Italiano. Actualmente se utilizan sopranos y contratenores para los papeles escritos por castratis.
En el Clasicismo se rompe la excesiva ornamentación del Barroco. Los músicos de está época buscan un estilo más ligero y próximo al público, haciendo cambios:
Ya no es un espectáculo reservado, se representa en teatros públicos.
Ya no tratan de temas mitológicos como pasaba en el Barroco, son escenas cotidianas.
Se empieza a utilizar el idioma del país, sobre todo en la ópera buffa, dirigida a un público más popular.
Se eliminan las partes de las arias. Ahora hay que supeditar la música al texto y seguir las indicaciones de la partitura.
Estos cambios dan lugar a dos tipos de ópera:
Ópera seria: Público aristocrático/Género conservador, mantiene características de la ópera del Barroco como temas mitológicos/Las historias son trágicas y con personajes de pareja de amantes.
Ópera buffa: Público burgués o popular/Temas humorísticos y sociales/ Sustituyen las arias por canciones sencillas, a veces el público cantaba porque cantaban canciones populares.
En el Romanticismo hay un gran desarrollo de la ópera. La burguesía no solo llenaba los teatros en Italia, también el resto de Europa. La mayoría de los países europeos aspiran a tener una ópera consus propias características.
Ópera italiana: A principios del S.XIX en Italia había una escuela de canto llamada "bel canto",  destaca el gusto por una línea vocal clara, con ritmo marcado y sencillo. Autores más famosos: Rossini/Bellini/Donizetti.
El gran compositor de óperas italianas será Verdi, exaltó los ideales nacionalistas de la nueva Italia. Traspasando la fama músical, fue considerado símbolo nacional.
Obras que destacan: Nabucco/Rigoletto/La Traviata... Donde nos introduce en un mundo romántico en el que la pasión, la ira y la renuncia al amor se funden por fin en una reconciliación trágica.
Ópera alemana: Sin tradición operística propia (dependía de la ópera italiana), encuentra su propio camino con Carl María Von Saber, a través de obras como Oberón.
Pero será Richard Wagner el representante de la ópera de gran trascendencia, concibiendola como el arte total en el que todas las artes a través de obras como la tetralogía del anillo de los Nibelongas.
Ópera francesa: Hasta la primera mitad del S.XIX, Francia es el centro de la actividad operística europea.
Meyerbeer cultiva la llamada gran ópera histórica, creando óperas como Los Hugonotes, inspirada en la máscara de 1542 en la que miles de protestantes franceses fueron asesinados por católicos que deseaban librar a Francia de su influencia. Estilo espectacular y fastuoso, sus obras están basadas en episodios históricos, con un ballet y escenografía suntuosas.
Bizet desarrolló la ópera lírica, con obras de inspiración exótica como Pescadores de Perlas, con aires orientales y Carmen de temática española, cuenta amoríos y traiciones.
Ópera rusa: Glinka, marcará el nacimiento de la ópera rusa, con su obra Una vida por el Zan. En ella destaca su nacionalismo, anunciando un nuevo estilo de crear óperas en Rusia, lejos del estilo del romanticismo. Esta nueva forma va a influir en los siguientes compositores como Borodin/Tchaikovsky...
A finales del S.XIX, surge un estilo de ópera llamado Verismo, que es influenciado por una corriente literaria que viene de Francia: Realismo. Las historias realistas se ambientan en la pobreza, enfermedad, desgracias... La ópera verista tiene siempre una trama dramática con final trágico. Autor verista más importante: Puccini con obras como Madame Butterfly. Otro compositor: Mascasni.
Durante el Impresionismo la ópera está representada por Debussy, que hizo una obra teatral basada en la de Maeterlick con música desarrollada en motivos de color impresionista. Influenció a Bortok y Dukas.
A partir del S.XX las nuevas corrientes experimentales influyen en la ópera, así al compositor: Shoenberg, usa lenguaje expresionista, donde se expresan los sentimientos y vida interior de los personajes. Prueba de esto: La mano bendecida/La espera. Otra de sus óperas: Moisés y Aaron, basada en un tema del antiguo testamento.
Alben Berg, basándose en la experiencia de la Primera Guerra Mundial compuso Wozzeck, es la historia de un soldado que es lanzado a la desesperación Carl Orff, hizo óperas como: La luna/La astuta, basándose en cuentos de hadas, también en tragedias griegas como: Edipo rey/ Prometeo.
A pesar del paso del tiempo, la tragedia griega sigue estando presente en compositores de ópera.

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La zarzuela también es una obra de teatro, se alternan escenas cantadas y habladas.
En España, se intenta construir una ópera nacional pero fracasó ya que el modelo que gustaba era italiano.
La zarzuela será un género que recuerde a la opereta francesa. La zarzuela tiene aceptación social, es considerada un espectáculo lírico nacional.
La zarzuela la toma el Rey Felipe IV, cuando se inaguraron las fiestas de la zarzuela que se producían  en el Palacio de la Zarzuela (lugar envuelto por zarzuelas). Presenta estas características:
Alternar escenas cantadas y habladas.
Sustituyen los recitativos por partes habladas, las arias se llaman Romanzas.
La introducción musical a la obra se llama perludio.
Temas: cómicos o casticistas, centrados en emociones humanas.
Personajes: corrientes.
Incluye danzas y bailes populares.
Los orígenes
La zarzuela era importante en las fiestas reales, a finales del S.XVII, conservando su carácter de fiesta real hasta el S.XVIII.
Compositores que más destacaron: Juan Hidalgo, Sebastián Durón... Pondrán música a los textos de grandes dramaturgos como Calderón de la Barca o Lope de Vega.
La primera zarzuela de la que se conserva música para tener una idea es Los celos nacen estrellas de Juan Hidalgo y Juan Vélez interpretada en 1672.
Evolución de la zarzuela
Aunque en un principio estaba dirigida al público de la corte, empieza a popularizarse y el pueblo la ve en corrales de comedia, lenguaje común y sencillo.
En 1830, con el restablecimiento de la monarquía y la apertura del Conservatorio de María Cristina, generaron una serie de factores que permitieron la restauración de la nueva Zarzuela. Tenía elementos humorísticos y de la vida diaria.
Algunas de las primeras obras: Los enredos de un curioso de Carnicer.
Con Francisco Barbieri, el género experimentará un gran auge y fijará sus características. mezcla de partes cantadas y habladas, danzas y bailes populares, temas cómicos... Se diferencia entre el género chico y género grande. Su obra más famosa es Jugar con fuego o Pan y toros.
En la segunda mitad del S.XIX destacan compositores como Federico de Chueca, autor de la Gran Vía y Agua..., Ruperto Chapí autor de La tempestad, La bruja..., Manuel Fernández Caballero con Gigantes y Cabezudos..., Tomás Bretón autor de La verbena de la Paloma.
En el S.XX se estrenan las mejores zarzuelas desde el punto de vista musical, aunque el género inicio un declive a partir de 1940. Entre las obras estan Doña Francisquita de Amadeo Vives, La canción del olvido de José Serrano, El caserío de Jesús Guridi, Las golondrinas de José María Usandizaga y Luisa Fernanda de Federico Moreno.

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La danza es una reproducción de movimientos al ritmo de la música que cuenta una historia.
En la prehistoria las pinturas rupestres muetran la relación de la danza con los rituales, se pueden ver diversos momentos de la vida como: Recolección/Fertilidad/Contacto con los Dioses.
Este concepto de danza se ha utilizado en muchas tribus de todo el mundo, la danza de la lluvia va desde Egipto hasta tribus de indios americanos. La danza del vientre combina elementos de Oriente Medio y del Norte de África. La danza del Amazonas no tiene significado estético sino funcional.
Las danzas indígenas tienen contenido mágico o religioso bde origen cultural. Puedes encontrar danzas para hacer solicitudes a los dioses y espíritus, bailes importantes: Siembra, pesca, caza. La adolescencia, matrimonios o nacimientos son momentos de la vida donde la tribu lo celebra bailando. Los magos curanderos preparan la cura con el baile de ensalmo para curar enfermedades. Los guerreros los celebran para las victorias. Las de origen funerario, sirven para llamar a los antepasados. En cada momento las personas están metidas en creencias sagradas.
En la antigua Grecia la danza era una manifestación artística y como era importante las familias ilustres estaban obligadas a practicarlas.
A través de la danza, los griegos buscaban la belleza y honrar a sus dioses. En algunas pinturas que encuentras en la cerámica y en algunas esculturas se han podido estudiar movimientos para las antiguas danzas.
En la Edad Media escaseo el desarrollo de las danzas, el poder que tenía la Iglesia perjudicó en su práctica. Para la Iglesia, la música no debía llevar ningún complemento, lo más importante era el texto cantado, por eso los cantos en ese periodo eran a capella. La música instrumental y mis bailes estaban mal vistos, eran considerado algo profano y cerca al diablo.
En el ámbito de la música profano la corte celebraba bailes.
En el Renacimiento se desarrolla las danzas en las Cortes Europeas. Estos bailes tienen como característica la elegancia, la cortesía y el orden, también el principio del desarrollo de la danza en la cultura occidental.
Dos tipos de danza:
Danzas bajas: Más elegantes y apenas se levantan los pies del suelo.
Danzas altas: Más alegres y se realizan pequeños saltos.
En el barroco se complican los pasos de la danza. Se considera un espectáculo público pero también seguía siendo practicada por aficionados.
En los espectáculos de baile, que iban disfrazados con máscaras y trajes, las mujeres no participaban, los hombres se disfrazaban de ellas. También era habitual en el teatro de la época incluso en óperas.
Fundamentalmente se interpretaba las suite, danzas que se alternan entre rápidas y lentas.
En este periodo se creó la primera escuela de ballet en Francia.
En el Clasicismo se siguen con los bailes cortesanos. La danza de origen francés Minuet se puedo de moda. Las danzas tienen movimientos con mayor dificultad, lo que dio lugar al ballet clásico, solo podía ser interpretado por bailarines profesionales. Cuando se profesionaliza dio una transformación al espectáculo de la danza, ya que se aprende en escuelas de baile, donde enseñas las reglas de ballet, enseñándote sus técnicas y movimientos más difíciles.
Se crean coreografías de ballet que se añaden en las óperas.
En el Romanticismo hay una evolución profesional del ballet. Entonces se emplea la técnica de las puntas, donde los bailarines parecen seres ingrávidos y volátiles. Esto sigue durando mucho tiempo después.
En esta época cuando el ballet se ve como espectáculo independiente y gran manifestación artística. A partir de ahora el ballet se considera una obra de teatro totalmente danzada. Se crearon composiciones de valor artístico. Compositores famosos Tchaikovsky dio un impulso a este género con obras como el Cascanueces.
En el S.XX hay una evolución, sobre todo con los ballets rusos, donde música, coreografía, vestuario y decoración se unen todo, dando como resultado un espectáculo impactante S.Diaghilev fue el empresario que incentivo el nuevo ballet. Se rodeó de artistas famosos del S.XX, de todo tipo de profesiones... Sus ballets fueron una revolución en la ópera, a veces formaban escándalos, al ofrecer espectáculos innovadores.
Manuel de Falla compuso para los ballets de Diaghilev como El brujo.
Entre los compositores rusos destacan Stravinsky que causó escándalos con los estrenos de sus obras, al tratarse de algo desconocido hasta el momento.
Más tarde la experimentación dara lugar a ballets donde la libertad de movimiento mis y la incorporación del mismo han hecho espectáculos curiosos.

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"El Cascanueces (Suite)" de P. I.Tchaikovsky

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El musical era una obra de teatro o película,  donde se combina el diálogo y la acción, con canciones y bailes. Su énfasis está en las melodías pegadizas con baile, coros, melodramas y sentimentalismo.
El musical surge como un género teatral, representádose en teatros de Broadway, o West End. Más tarde se incluye en el cine.
Orígenes: El teatro musical y el cine, van unidos aunque se tratan de diferentes géneros en sus orígenes. En la historia nos encontramos con musicales de Broadway que han sido llevados al cine y películas que después han sido representadas en teatros musicales.
La primera película sonora El cantante de Jazz ya se escuchaban actores cantando, se puede decir que es el origen musical en el cine. El primer musical verdadero es La melodía de Broadway en 1929.
Años 30: Los años 30 fueron afectados económicamente, se disponía poco dinero para emplear en el espectáculo. La pareja de baile. Fred Astaire y Ginger Rogers fueron unos de los actores con más éxito del género, con películas como Sombrero de copa.
Porgy and Bess fue una de las obras más destacadas. Compuesta por los hermanos Gershwin, mezcla de ópera, folk y jazz.
Años 40: En esta década musical cinematográfica tiene una evolución y colorido. El mago de Oz trata este estilo, aunque es una obra de la década anterior. Desfile de Pascua es otro musical de los 40 llevado a la gran pantalla. Irving Berlin compuso canciones para este film, John Alton creo una coreografía con una gran composición dramática. Actores principales, pareja de moda del momento: Judy Garland y Fred Astaire.
Hasta el momento los musicales se habían rodado en teatros, con Gane Kelly se ruedan escenas en el exterior como la película Un día en New York.
Años 50: Una de las mejores óperas de este género, surgiendo los mejores musicales: Un americano en París.
Destaca Stanley Donen con el musical de Cantando bajo la lluvia. Otros musicales que destacaron: Los caballeros las prefieren rubias, comedia musical donde aparece la actriz Marilyn Monroe. Una cara con ángel con música de George Gershwin y actores como Audrey Hepborn.
Años 60: Hasta ahora, los musicales tenían temas cómicos, dejan de tener estos temas y se centras en temas más dramáticos.  Musical que abre este camino: West Side Story de Bernstein, basado en Rome y Julieta. Ejemplo de un musical vivo y dramático, abierto a la realidad y la calle, moderno coreográficamente y musicalmente.
Musicales a destacar: Sonrisas y lágrimas.
A finales de los 60, el musical Hair, que se estreno en Broadway en 1967, cambio el concepto que hasta entonces se tenía de musical, transformandolo mediante una ingeniosa teatralidad y escenas con jóvenes intérpretes, bailando y cantando al ritmo de música rock.
Años 70: Andrew Lloyd Weber compositor más destacado de los años 70 y lo que queda. Autor que aporta elementos a este género, la espectacularidad en las coreografías y escenografía. Entre sus composiciones destacan Evita, obra más emblemática de él es Jesucristo Superstar.
Destacan otros llevados a la pantalla como Cabaret y All Trat Jazz, de Bob Fosse. Una película d este género que tuvo gran éxito fue Grease, musical lleno de ritmo y energía, con música de la época dorada del rock and roll de los 50.
Años 80: Los macrofestivales y las óperas rock fueron influencia en los musicales de los 80. Influencia del pop y el rock que tanto éxito tuvieron algunos musicales de la década anterior, será la influencia de esta época donde se emplearán grandes elencos de actores y efectos especiales, esto acompañado de grande presupuestos. El musical Los Miserables es uno de los grandes musicales de toda la historia de este género, ópera donde se emplean los elementos de orquesta tradicional, además de percusiones y sintetizadores, la moda de los 80. Basado en la obra de Víctor Hugo y música de Schoenberg, estrenado en Paris en 1980. Se ha convertido en el espectáculo más interpretado en la historia del West End Londiesse. En Broadway se estrenó en 1987, permaneció en cartelera hasta 2003. Representado en 38 países y traducido a 22 idiomas.
Musicales que destacaron fueron Miss Saigon, inspirado en Madame Butterfly de Puccini, con espectaculares efectos incluyendo el aterrizaje de un helicóptero sobre el escenario.
Años 90: En los 90 surge The Walt Disney una compañía de películas animadas, como La Bella y La Bestia, El Rey León, convirtiéndose en películas espectaculares.
Canciones de películas Disney que se han convertido en clásicos: El libro de la Selva con Busca lo más vital.
Películas Disney donde las canciones forman parte del argumento Pocahontas con su canción Colores en el viento. Después de esta película pudimos ver Tarzán, Aladdín...
El nuevo Milenio: Ultimas tendencias musicales, crear un argumento para incorporar canciones de un grupo de pop/rock. A través de un guion interpretar sus temas más conocidos. Más destacados: Mamma Mía con canciones de Queen, en España de Mecano. Han surgido otro tipo de musicales con calidad escénica y musical como: el drama Bailar en la oscuridad o la comedia Billy Elliott.

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Recuerda los 50 - las mejores canciones de los 50

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Los Felices 60 - Grandes artistas y canciones de los años 60

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El mejor disco de los 70, Vol.1 - La mejor música de los 70

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La Mejor MÚSICA  de los 80 en español - Grandes éxitos de los ochenta 80 🔥 Lo Mas Nuevo Mix 2018

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Musica de los 90, AÑOS 90 (REMEMBER 90) Techno de los 90, 90 Dance Hits, 90s Songs,Techno DJ, Mix 90

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Grandes Éxitos de la Decada 2000s | Hits 2000s