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Claudia Ciardi, Umana Sibilla, SETART edizioni, aprile 2025

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https://www.setartedizioni.it/product/umana-sibilla/

The excitement of an author unwrapping their package containing newly published copies is indescribable.

❤️‍🔥Bellissimo share this emotion with you!

📜 In an exercise in #bibliomancy, in the manner of the ancients, I opened the book at random. It is a ritual I gladly practice with #books that enter my #library and have a particularly significant presence in my life because of the way they have manifested themselves.

What you see here is the page that opened to me first. The #poem “Il santo ospitaliere,” which in Italy is the epithet for San Giuliano, is the last one I wrote before handing over the print draft. It is dedicated to those who cared for me and helped me find my words. ⚕️❤️‍🩹💌

A #message addressed to all those who are there for others, who support the fragile.

If this is not #synchronicity!

Thank you #SETART editions for giving me a voice, for making my dream possible.

È indescrivibile l’emozione di un autore che scarta il proprio pacchetto contenente le copie appena pubblicate.

❤️‍🔥Bellissimo condividere questa emozione con voi!

📜 In un esercizio di #bibliomanzia, alla maniera degli antichi, ho aperto il #libro a caso. È un #rito che pratico volentieri con i libri che entrano nella mia biblioteca e che hanno una presenza particolarmente significativa nella mia vita per il modo in cui si sono manifestati.

Quella che vedete qui è la pagina che mi si è aperta per prima. La poesia “Il santo ospitaliere”, che in Italia è l’epiteto di San Giuliano, è l’ultima che ho scritto prima di consegnare la bozza di stampa. È dedicata a chi mi ha curata e aiutata a ritrovare le parole. ⚕️❤️‍🩹💌

Un messaggio rivolto a tutti coloro che ci sono per altri, che sostengono i fragili.

Se questa non è sincronicità!

Grazie #SETART edizioni per avermi dato voce, per aver reso possibile il mio sogno.

#poetry #healing #heart #Sibilla #synchronicity #books

Sull’arrivo delle copie, 6 maggio 2025

https://www.linkedin.com/posts/claudiaciardiautrice_bread-bibliomancy-books-activity-7325488600723165184-tdY5?utm_source=share&utm_medium=member_android&rcm=ACoAAATrzbIBmSiurUEOArWkjNtRQk6uf8wN-J0

https://www.tumblr.com/claudiaciardiautrice/782797371865284608/umana-sibilla-setart?source=share

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Antologia del premio "La Gorgone d'oro XXIII".

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Antologia del premio "La Gorgone d'oro XXIII".

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Sono tra i poeti selezionati e pubblicati nell’antologia Oltre i ponti del peccato (luglio 2023), curata dagli organizzatori del premio, edita da CeSVoP (servizi per il volontariato) di Palermo.

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Il quaderno numero 171-172 di «Erba d’Arno», rivista diretta da Aldemaro Toni e sostenuta dalla CR Firenze, ospita un mio saggio dedicato alla poesia e ai meccanismi di fruizione dell’opera d’arte: L’arte e l’archetipo. Specchio di vita immortale.

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Paula - Die Zeichnerin / Paula - La disegnatrice (in mostra a Brema)

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Paula - Die Zeichnerin / Paula - La disegnatrice (in mostra a Brema)

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[english text below]
Dass Paula Modersohn-Becker zu den wichtigsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts zählt ist unumstritten. Dank der zahlreichen erfolgreichen Ausstellungen und Retrospektiven in den letzten Jahren zu ihrem Werk ist die entscheidende Rolle der Malerin für die Moderne mittlerweile einem breiten Kunstpublikum im In- und Ausland bekannt. Was jedoch bisher wenig bis gar nicht im Fokus stand, sind die Zeichnungen von Paula Modersohn-Becker.

Diesem Versäumnis kommt das Paula Modersohn-Becker Museum mit einer umfassenden Sonderausstellung nach, die ab dem 13. Mai bis zum 20. August mehr als 120 Zeichnungen, Skizzen, Aquarelle und Pastelle präsentiert. Deutlich wird: Den revolutionären Weg zu „Einfachheit und Größe" fand Paula Modersohn-Becker nur durch das Zeichnen.

Wie wichtig der Künstlerin das Arbeiten auf Papier war, zeigt sich allein in der Anzahl von 1400 erhaltenen Blättern. Von frühen Zeichnungen der 16 Jahre jungen Paula Becker aus London bis hin zu mutigen Kompositionsskizzen aus ihrem Todesjahr 1907 - die Ausstellung bietet einen Überblick über die gesamte Schaffenszeit Modersohn-Beckers. Doch nicht nur das. Eine außergewöhnliche Qualität der Papierarbeiten, ist ihre Spontaneität und Intimität. Das Zeichnen diente der Künstlerin vor allem als Gedankenstütze, als Übung, als Experimentierfeld und war nie für die Öffentlichkeit gedacht. Dementsprechend frei und unmittelbar hat Modersohn-Becker in Kohle und Kreide gearbeitet. Besucherinnen und Besucher können sich auf unbekannte Facetten im Werk der Malerin freuen.

Unter den Ausstellungsstücken befinden sich zahlreiche Kunstwerke, die noch nie oder seit Jahrzehnten nicht mehr öffentlich ausgestellt waren. Sie stammen aus musealen und privaten Sammlungen sowie dem wichtigen Bestand der Paula-Modersohn-Becker-Stiftung Bremen. Der große Umfang und die Empfindlichkeit des Materials Papier machen dieses Ausstellungsprojekt zu einem äußerst seltenen und aufwändigen. Denn nach Ende der Laufzeit kehren die 120 Papierarbeiten auf unbestimmte Zeit zurück in die Depots und sind für die Öffentlichkeit nicht mehr zugänglich.

„Die Zeichnerin Paula Modersohn-Becker" - wer Paula Modersohn-Beckers Kunst verstehen möchte, sollte diese Ausstellung nicht verpassen.

Eintritt: 12,- Euro/ 10,- Euro/ Kinder bis 18 Jahre frei

Tipp: Museumsgäste, die ab 17 Uhr die Ausstellung besuchen, zahlen nur den ermäßigten Eintritt.

Paula Modersohn-Becker on Paper

It is undisputed that Paula Modersohn-Becker is one of the most important artists of the 20th century. Thanks to the numerous successful exhibitions and retrospectives of her work in recent years, the painter's decisive role for modernism is now known to a large art public at home and abroad. What has received little or no attention so far, however, are the drawings by Paula Modersohn-Becker.

The Paula Modersohn-Becker Museum is rectifying this omission with a large-scale special exhibition presenting more than 120 drawings, sketches, watercolours and pastels from 13 May to 20 August. It becomes clear: Paula Modersohn-Becker only found the revolutionary path to "simplicity and greatness" by drawing.

The importance the artist attached to working on paper is shown by the number of 1400 surviving sheets alone. From early drawings by the 16-year-old Paula Becker from London to brave composition sketches from the year of her death in 1907 - the exhibition offers an overview of Modersohn-Becker's entire creative period. But not only that. An extraordinary quality of the works on paper is their spontaneity and intimacy. Drawing served the artist primarily as an aid to thought, as practice, as a field of experimentation, and was never intended for the public. Accordingly, Modersohn-Becker worked freely and directly in charcoal and chalk. Visitors can look forward to unknown facets of the painter's work.

Among the exhibits are numerous works of art that have never been on public display or have not been on display for decades. They come from museum and private collections as well as the important holdings of the Paula-Modersohn-Becker-Foundation Bremen. The large scale and the sensitivity of the material paper make this exhibition project an extremely rare and elaborate one. This is because at the end of the run, the 120 works on paper will return to the depots for an indefinite period and will no longer be accessible to the public.

"Paula Modersohn-Becker on Paper" - anyone who wants to understand Paula Modersohn-Becker's art should not miss this exhibition.

Admission: 12,- Euro/ 10,- Euro/ Children up to 18 years free of charge

Note: Museum guests who visit the exhibition from 5 p.m. only pay the reduced entrance fee.

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Die Zeichnerin Paula Modersohn-Becker " Museen Böttcherstraße

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english text below]Dass Paula Modersohn-Becker zu den wichtigsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts zählt ist unumstritten. Dank der zahlreichen erfolgreichen Ausstellungen und Retrospektiven in den letzten Jahren zu ihrem Werk ist die entscheidende Rolle der Malerin für die Moderne mittlerweile einem breiten Kunstpublikum im In- und Ausland bekannt.

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Fede Galizia, Artemisia Gentileschi, Orsola Maddalena Caccia: tre pittrici spiccano nell’asta di “Dipinti Antichi” di Dorotheum in calendario per il 3 maggio 2023 a Vienna.

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Fede Galizia, Artemisia Gentileschi, Orsola Maddalena Caccia: tre pittrici spiccano nell'asta di "Dipinti Antichi" di Dorotheum in calendario per il 3 maggio 2023 a Vienna

Solo di recente le artiste del Seicento hanno cominciato a ricevere il riconoscimento che meritano sia sul mercato delle aste che nella realizzazione di mostre che raccontano le loro storie e la loro arte. Le pittrici di questo periodo, che hanno vissuto e lavorato a fianco dei grandi pittori uomini della storia dell'arte e spesso sono rimaste nella loro ombra, si stanno ritagliando sempre più un posto al centro della ricerca. Alcuni loro dipinti sono offerti nell'asta di "Dipinti antichi" di Dorotheum il prossimo 3 maggio.

Fede Galizia

Lo specialista di Dorotheum Mark MacDonnell descrive "Giuditta con la testa di Oloferne" della pittrice italiana Fede Galizia come di qualità museale: "È un capolavoro finora sconosciuto, un'importante riscoperta di un'opera firmata di questa significativa artista donna". Il dipinto inedito, come detto dall'esperto, è firmato e questa era una vera rarità per un'artista donna del periodo.

Figlia del miniaturista milanese Nunzio Galizia, Fede Galizia (1578-1630) è stata allieva di suo padre e si era già fatta un nome come pittrice all'età di circa 20 anni. Nota maggiormente per le sue nature morte, viene sempre più riconosciuta anche per i suoi dipinti religiosi. Nel corso della sua carriera, è tornata più volte su questo soggetto biblico che incarna la lotta femminile per il potere e il riconoscimento. La storia allude all'apoteosi della lotta di una donna per imporsi in un mondo dominato dagli uomini. "La Giuditta di Galizia è presentata come l'eroina decisa, forte e orgogliosa del racconto mentre, al contrario, molti dei suoi colleghi maschi sceglievano di mostrare Giuditta come una crudele assassina, ponendo al centro della scena l'orrore della morte di Oloferne - un'interpretazione molto diversa della narrazione della tragica vicenda" spiegano da Dorotheum.

La stima relativamente cauta di 200.000-300.000 euro potrebbe essere dovuta al fatto che Fede Galizia è meglio conosciuta per le sue nature morte piuttosto che per i suoi ritratti o per le scene religiose. Il suo attuale record d'asta è proprio per una still-life ed è una cifra ben superiore: risale al gennaio 2019 quando una natura morta con pesche, fiori di gelsomino, mele cotogne e una cavalletta è stata venduta da Sotheby's a New York per 2.415.000 USD.

Artemisia Gentileschi e Onofrio Palumbo

Artemisia Gentileschi (1593-1654), una delle pittrici più celebri del suo tempo, è in catalogo con un 'opera a quattro mani: una tela raffigurante "Abramo e i tre angeli" realizzata in collaborazione con Onofrio Palumbo, che per un periodo è stato suo assistente. Anche Artemisia ha ricevuto la sua formazione da suo padre Orazio Gentileschi, uno dei primi seguaci di Caravaggio, ma ha continuato ad avere una carriera indipendente di enorme successo.

Secondo la scheda tecnica di Dorotheum, l'ultima volta che l'opera è passata sul mercato delle aste era il 2014, quando era stata presentata come dipinto di Bernardo Cavallino da Artemisia Auctions a Parigi ed era arrivata in una collezione privata europea. Lo storico dell'arte Giuseppe Porzio ha proposto per primo la nuova attribuzione, indicando somiglianze stilistiche con altre opere note della Gentileschi (i tipi fisici degli angeli, la calligrafia pittorica, la tavolozza e il panneggio cangiante richiamano tutte le figure femminili in "Lot e le sue figlie") nonché una registrazione scritta del pagamento all'artista nel 1645 per un grande dipinto raffigurante Abramo, altrimenti irreperibile. La stima è di 150.000-200.000 euro.

Orsola Maddalena Caccia

Un'altra artista donna il cui lavoro sta guadagnando sempre più attenzione è Orsola Maddalena Caccia (1596-1676) in asta con un dipinto raffigurante "Santa Caterina d'Alessandria". Anche lei figlia d'arte, è stata formata dal padre, il pittore manierista Guglielmo Caccia. In giovane età, entra nell'ordine delle Orsoline ma continua la sua attività di pittrice e mantiene una fiorente bottega tra le mura del convento. "Nonostante sia stata influenzata dalla tecnica del padre, Caccia ha sviluppato uno stile personale attento ai dettagli, nonché agli sviluppi della pittura contemporanea lombarda e fiamminga" spiegano da Dorotheum.

La Santa Caterina in catalogo stima 20.000-30.000 euro. Il record d'asta di Orsola Maddalena Caccia risale al 2020 quando una Still-Life è stata venduta da Sotheby's a £ 212.500 ($ 264.350), oltre 20 volte la stima pre-vendita di £ 10.000-15.000! Le sue opere sono molto rare. L'aggiudicazione di tre anni fa aveva battuto il record d'asta precedente di € 32.500 ($ 35.733), stabilito da Dorotheum a Vienna nell'ottobre 2018.

Altre opere in asta, di artiste e artisti

Nel catalogo di Dorotheum si contano altri lavori attribuiti a pittrici donne. Citiamo la "Sacra Famiglia con San Giovanni Battista Bambino" di Barbara Longhi, un'importante aggiunta all'opera dell'artista di cui esistono pochi documenti e le cui opere firmate sono estremamente rare. Nella seconda edizione delle "Vite" (1568) il Vasari scrive sull'artista ancora molto giovane: "disegna molto bene, et ha cominciato a fare qualche opera di colori con non poca grazia ed eccellenza di maniera". Insieme al fratello maggiore Francesco è stata apprendista nella bottega del padre Luca Longhi a Ravenna. Barbara Longhi si dedica principalmente a dipinti di piccolo formato di devozione privata e ritratti per i quali godeva di grande popolarità tra i suoi mecenati. "In questa "Sacra Famiglia" l'artista ha superato i modelli raffaelleschi del padre, ispirandosi piuttosto alle opere di Michelangelo, come testimoniano la muscolatura pronunciata dei due fanciulli, nonché la posa inquieta del Cristo Bambino" aggiungono dalla casa d'aste. L'opera stima 30-40 mila euro.

Stessa quotazione per Diana De Rosa, nota come Annella di Massimo in catalogo con una "Santa Cecilia". Gli esperti della maison la descrivono nella scheda tecnica: "vestita con un magnifico abito color piombo che contrasta arditamente con il suo mantello foderato di rosso, color oro, ornato da un nastro di bordatura ricamato". La santa è raffigurata intenta a suonare il violino ed è accompagnata da due putti che sembrano cantare leggendo la musica da uno spartito. In alto a destra un angelo porge alla santa una palma del martirio. Questo dipinto secondo gli esperti di Dorotheum può essere paragonato a una serie di opere che, per motivi stilistici, sono state raggruppate attorno al nome di Diana de Rosa. Molte sue opere fino a poco tempo fa erano attribuite a Giovan Francesco De Rosa, detto il Pacecco De Rosa (1606-1656) che probabilmente era suo fratello. La pittrice napoletana ha ottenuto notevoli consensi professionali. Gli atti affermano che morì per mano del marito, Agostino Beltrano, a causa della sua gelosia per i rapporti privilegiati, ma platonici, che avrebbe intrattenuto con Massimo Stanzione, il principale pittore classico della scuola napoletana dopo il 1630.

La natura morta in asta sotto il nome di Giovanna Garzoni è stata tradizionalmente attribuita a Octavianus Monfort (attivo in Piemonte, documentato dal 1646 al 1696). Gli storici dell'arte si sono divisi sull'attribuzione di alcune opere alla Garzoni o a Monfort. Secondo Dorotheum la provenienza piemontese del dipinto in asta è confermata. Spiegano così l'attribuzione nella scheda tecnica: "Giovanna Garzoni giunge a Torino nel 1632 e vi rimane cinque anni per volere di Cristina di Francia, che la assume come ritrattista. Durante la residenza alla corte sabauda, la pittrice continua anche a praticare la natura morta, altro genere caratteristico della sua produzione, fatto documentato anche dagli inventari delle collezioni ducali. Oltre a quelle dei Savoia, la Garzoni riceve commissioni anche da altre famiglie nobili legate alla corte. Oggi è difficile identificare con certezza le nature morte piemontesi dell'artista, che però hanno influenzato fortemente i pittori coevi locali e quelli della generazione successiva, e in particolare Octavianus Monfort, miniaturista poco documentato, i cui primi anni sono ancora da indagare a fondo, ma che deve essersi allenato a stretto contatto con Garzoni. L'opera in asta, su pergamena, presenta molti punti in comune con certe opere attribuite a Monfort, sia nello stile che nella composizione, ma è comunque caratterizzata da una qualità pittorica superiore. È possibile quindi che quest'opera sia uno dei pochi esempi superstiti dell'attività artistica torinese di Giovanna Garzoni". Stima 25-35 mila euro.

Infine segnaliamo la coppia di nature morte di fiori di Elisabetta Marchioni. I dipinti possono essere accostati al "Vaso di fiori" della pittrice all'Accademia dei Concordi di Rovigo. Il dipinto è citato dal biografo della Marchioni Francesco Bartoli come collocato in origine sull'altare della chiesa dei Cappuccini. Attualmente il dipinto di Rovigo è l'unica opera documentata dell'artista e costituisce quindi un punto di riferimento imprescindibile per la ricostruzione della sua opera. "Le presenti opere sono del tutto paragonabili, nello stile pittorico e nella qualità e forma dei vasi, con i fiori mossi da una leggera brezza, a quelle della pala di Rovigo, confermando quindi l'attribuzione ad Elisabetta Marchioni" assicurano da Dorotheum. Il pendant quota 20-30 mila euro.

I top lot del catalogo (a pari stima) sono di due uomini: il suonatore di liuto del pittore olandese Hendrick ter Brugghen e un grande olio raffigurante Giuditta che decapita Oloferne del pittore italiano Bartolomeo Mendozzi, offerti entrambi a 400.000 - 600.000 euro.

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Figlie d'arte. Un terzetto di artiste del Seicento all'asta da Dorotheum - ArtsLife

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Solo di recente le artiste del Seicento hanno cominciato a ricevere il riconoscimento che meritano sia sul mercato delle aste che nella realizzazione di mostre che raccontano le loro storie e la loro arte.

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Accademia Albertina di Belle Arti di Torino

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MIDA - MUSEO INTERNAZIONALE DELLE DONNE ARTISTE 8 Marzo ORE 11:00 Presentazione Stampa | Accademia Albertina di Belle Arti di Torino

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Storica_rivista del National Geographic Italia ospita un ricco inserto speciale dedicato all'arte di Pietro Vannucci (detto il Perugino), morto di peste esattamente cinquecento anni fa (1523). Quest'anno il suo nome sarà al centro di numerose ricorrenze e iniziative.
In questo numero l'articolo a firma di Alessandra Pagano, Perugino. Il pittore dell'armonia.

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Un sorprendente papiro restaurato.

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Il termine "papiro" è diventato sempre più di uso comune, anche se in maniera negativa, per descrivere un libro o un testo fin troppo lunghi. I veri papiri, in realtà, sono dei reperti preziosi da custodire con la massima cura. Ne è un chiaro esempio quello che verrà esposto nel Museo Egizio di Piazza Tahrir, al Cairo, per la prima volta dopo il restauro.

Waziri 1: è questo il nome della superficie di scrittura che rimanda subito al tempo dei faraoni, un autentico tesoro che è stato scoperto circa un anno fa. Era il maggio del 2022 e gli archeologi impegnati in una missione nell' area di Saqqara annunciarono al mondo l'incredibile ritrovamento. Sono soprattutto le dimensioni che rendono speciale questo oggetto.

Le caratteristiche principali del papiro

Il papiro in questione è lungo circa 16 metri e viene considerato il più grande e il più completo in assoluto per quel che riguarda il cosiddetto "Libro dei Morti". È stato composto con caratteri ieratici e nell'area di Saqqara non era presente nulla di almeno paragonabile. La datazione, invece, può essere fatta risalire a 300 anni prima della nascita di Cristo, più precisamente all' era tolemaica. In questo periodo regnò in Egitto una dinastia con lo stesso nome, una situazione politica che durò per quasi tre secoli.

Il Libro dei Morti appena citato non è altro che un antico testo funerario egizio, una sorta di raccolta di formule magiche e religiose che dovevano proteggere i defunti nel loro viaggio verso l'aldilà. Il papiro Waziri 1 che verrà presto mostrato in tutta la sua bellezza al museo del Cairo è stato ritrovato in condizioni pressoché ottime, con uno stato di conservazione invidiabile. Entrando maggiormente nel dettaglio del contenuto, gli archeologi e gli esperti hanno sottolineato come ci sia una parola che ritorni molte volte. Si sta parlando del nome Ahmose che compare la bellezza di 260 volte nella lingua ieratica.

Che cosa è stato scritto nel papiro

Il nome è quello di un faraone appartenente alla XVIII dinastia egizia, il cui sarcofago è conservato presso il celebre Museo di Luxor. I sacerdoti che compilarono il papiro utilizzarono inchiostro nero per la maggior parte dei testi, anche se non mancano delle porzioni di testo in cui è stato sfruttato un inchiostro di colore rosso. L'intera trascrizione è composta inoltre da 113 capitoli distribuiti su ben 150 colonne, ognuna di dimensioni differenti. Ogni preghiera è una invocazione a divinità egizie, ma anche un canto vero e proprio, in poche parole una descrizione di quello che le anime del defunti avrebbero trovato nell'altro mondo.

Non serviva comunque questo prezioso papiro per rendere speciale la struttura che lo ospiterà d'ora in poi. Il Museo di Piazza Tahrir, noto anche come "Museo di antichità egizie", conserva al suo interno la collezione più completa al mondo di reperti archeologici che risalgono appunto all'Antico Egitto. Ci sono ben 136mila oggetti di questo periodo che possono essere ammirati da vicino e altre centinaia di migliaia che sono conservati nei magazzini. Non rimane che attendere l'inaugurazione della nuova mostra con il papiro che attirerà su di sé gli occhi di appassionati e turisti.

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Esposto per la prima volta al pubblico, il suo contenuto è sacro

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Il termine "papiro" è diventato sempre più di uso comune, anche se in maniera negativa, per descrivere un libro o un testo fin troppo lunghi. I veri papiri, in realtà, sono dei reperti preziosi da custodire con la massima cura.

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Ogni opera creativa non può compiersi né veramente diffondersi senza il più sincero e profondo attaccamento al sogno dell’arte.

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Claudia Ciardi [margini inversi] - Il chiosco del flâneur

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Un libro non è solo ciò che racconta. È fatto anche di una storia che lo precede, spesso anzi di molte storie. Nasce dai sogni di chi intende salvare un messaggio, di chi crede per quella via di contribuire alla rappresentazione del mondo. E poi ci sono intenti, affinità elettive, sintonie caratteriali che si scoprono in corso d'opera, destini che si intrecciano. Idee e persone impegnate a difendere legami, memorie, bellezza. Ogni cosa contribuisce a far emergere l'opera, in letteratura, come in arte, come nella musica. Il libro è una straordinaria condensazione di tutte queste sintonie.

Lo scorso autunno Laura Vargiu, divulgatrice infaticabile di letture e scritture, poetessa in organico alla giuria di diversi concorsi letterari, fondatrice del blog "Il ponte delle parole", ha pubblicato un invito alla riscoperta dei "libri antichi". Ne è scaturita una riflessione che ha contribuito a farmi tornare sulle tracce di alcune imprese editoriali. Storie che ho avuto modo di vagliare nel corso delle mie ricerche, in fase di collazione testuale o nella ricostruzione dei processi di stampa relativi a un titolo. Sono così affiorate tra le mie mani le vicende di giovani studiosi nell'Italia del secondo dopoguerra, fra Milano e Firenze, ma anche di personalità resistenti mentre il conflitto ancora imperversava. Episodi testimoniati da corposi epistolari nei quali è possibile seguire in dettaglio sodalizi e collaborazioni. La vita piena d'impegno di Lavinia Mazzucchetti, gli incroci, anche sentimentali, fra Cristina Campo e Leone Traverso oppure, andando ancora più indietro, la piccata corrispondenza di un D'Annunzio che lamentava con Fischer le imprecisioni nella traduzione tedesca della propria opera. Alle altisonanti rampogne del vate Fischer replicava sempre composto, misurato. Schermaglie fra signori d'altri tempi. In ciò emergono le avventurose iniziative di Cederna, Lerici Editore, Ricciardi Editore, Vallecchi, Sansoni.

Visionando alcuni dei titoli "antichi" che Laura Vargiu aveva nell'occasione riproposto, sono tornata a pensare al libro come oggetto d'arte; non solo nel senso della rarità e del pregio di un'edizione, ma anche e forse più in quanto deposito evocativo di sensibilità. Del resto, la devozione di Laura per mercatini e piccole botteghe di librai indipendenti mette in luce proprio questa prossimità, le relazioni di un microcosmo sentimentale fatto di luoghi un po' eccentrici e dei loro altrettanto estrosi custodi-cultori. Questi antri votati alla meraviglia sono vere e proprie isole di collezioni diffuse, snodi dove si riscoprono tesori perduti.

Chi non ricorda i vecchi libri Rizzoli, fra i primi tascabili economici, dalle copertine minimaliste, titolo-autore in caratteri neri su bianco (ingiallito) in carta grezza? I nostri genitori hanno nutrito gli scaffali delle loro librerie con queste collane o con i primitivi Oscar Mondadori o con la mitica Medusa (sempre Mondadori). Chi non ha avuto in casa tutto il primo Pavese pubblicato da Einaudi?

Storie, si diceva all'inizio. Di coloro che i libri li hanno pubblicati e del privato di tanti lettori. Nelle mie più recenti ricognizioni mi sono spesso soffermata su questi contatti emotivi, perché prima del conoscere (e del conoscersi) è il sentire, è l'attrazione per qualcosa che percepiamo somigliante a determinare la scelta di un percorso, un avvicinamento, quel travaso necessario a dar forma concreta all'immaginazione. Perché certe cose ci sollecitano, "si fanno sentire prima di farsi conoscere" (per dirla con Yves-Marie André). È peraltro il tema di un bell'articolo sull'esperienza artistica che mi è capitato di leggere proprio in questi giorni. "All'utilità dell'erudizione son sempre più convinto debba precedere, succedere o accompagnarsi "il compiacimento de' sensi, e il diletto delle passioni"", conclude l'autore. E infatti, ogni opera creativa, non può compiersi né veramente diffondersi senza il più sincero e profondo attaccamento al sogno dell'arte.

Altri rimandi:

Non basta l'erudizione, l'arte deve scuotere i sensi (di Maichol Clemente su "Il Giornale dell'Arte", 1 febbraio 2023)

Uno sguardo alla Medusa (sul blog di Maremagnum)

Johann J. Bachofen - Il popolo licio (su un'edizione storica Sansoni)

In questo sito, la pagina dedicata ad alcuni miei percorsi nell'editoria: Mappe editoriali

Tra gli ultimi articoli dedicati da Laura Vargiu alle mie pubblicazioni si segnalano:

Hermann Broch e il suo "Il ritorno di Virgilio"
"Muor giovane colui ch'al cielo è caro": in ricordo di Georg Heym In ricordo di Konstantinos Kavafis: L'importanza delle parole

Pubblicato da

wp_10148705

Claudia Ciardi, laureata in lettere antiche, fondatrice e autrice del blog "Margini in/versi". Osanno il Kaddish di Allen Ginsberg. Cuore greco-berlinese, il vento mi convertì alla letteratura. I miei libri: https://margininversi.blogspot.com/p/i-miei-libri.html Vissi d'arte: https://margininversi.blogspot.com/p/vissi-darte.html Visualizza tutti gli articoli di wp_10148705

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Storie editoriali, sogni di persone - Claudia Ciardi [margini inversi] - Il chiosco del flâneur

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Un libro non è solo ciò che racconta. È fatto anche di una storia che lo precede, spesso anzi di molte storie. Nasce dai sogni di chi intende salvare un messaggio, di chi crede per quella via di contribuire alla rappresentazione del mondo.

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Carlo Crivelli e le relazioni meravigliose

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Carlo Crivelli e le relazioni meravigliose

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Macerata rende omaggio al grande escluso dalle biografie vasariane. Pittore geniale con una vita difficile, innamorato dell'interno delle Marche, luogo di arcaica bellezza, incantesimi e Sibille. Fino al 12 febbraio 2023 a Palazzo Buonaccorsi.
https://www.touringclub.it/itinerari-e-weekend/carlo-crivelli-e-le-marche-una-relazione-meravigliosa-da-esplorare-in-una-mostra

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Uscito il numero 46 della rivista Incroci. Sulle tracce del precedente contributo dedicato a Paula Modersohn-Becker, si è tornati a esplorare il nesso tra linguaggi figurativi e scrittura con un'analisi della capacità di curare insita nelle opere d'ingegno.

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Incroci n. 46 - Salute (versione digitale)

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L'afflizione portata da una malattia è tale da mettere il soggetto di fronte alla propria fragilità in un mondo governato da pseudo-certezze e soluzioni semplicistiche, riteniamo che alla letteratura spetti il compito di fornire strumenti culturali

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I ventiquattro bronzi riaffiorati a San Casciano dei Bagni.

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Adagiato sul fondo della grande vasca romana, il giovane efebo, bellissimo, sembra quasi dormire. Accanto a lui c'è Igea, la dea della salute che fu figlia o moglie di Asclepio, un serpente arrotolato sul braccio. Poco più in là, ancora in parte sommerso dall'acqua, si intravvede Apollo e poi ancora divinità, matrone, fanciulli, imperatori. Protetto per 2300 anni dal fango e dall'acqua bollente delle vasche sacre, è riemerso in questi giorni dagli scavi di San Casciano dei Bagni, in Toscana, un deposito votivo mai visto, con oltre 24 statue in bronzo di raffinatissima fattura, cinque delle quali alte quasi un metro, tutte integre e in perfetto stato di conservazione. "Una scoperta che riscriverà la storia e sulla quale sono già al lavoro oltre 60 esperti di tutto il mondo" annuncia in anteprima all'ANSA l'archeologo Jacopo Tabolli, il giovane docente dell'Università per Stranieri di Siena, che dal 2019 guida il progetto con la concessione del ministero della Cultura e il sostegno anche economico del piccolo comune. Un tesoro "assolutamente unico", sottolinea, che si accompagna ad una incredibile quantità di iscrizioni in etrusco e in latino e al quale si aggiungono migliaia di monete oltre ad una serie di altrettanto interessanti offerte vegetali. Insediato da una manciata di giorni, il ministro della Cultura Gennaro Sangiuliano ha già visitato il laboratorio di restauro che ha appena accolto le statue e ora applaude: "Un ritrovamento eccezionale che ci conferma una volta di più che l'Italia è un paese fatto di tesori immensi e unici.La stratificazione di diverse civiltà è un unicum della cultura italiana", si appassiona il responsabile del Collegio Romano.

"La scoperta più importante dai Bronzi di Riace e certamente uno dei ritrovamenti di bronzi più significativi mai fatti nella storia del Mediterraneo antico", commenta accanto a lui il dg musei del MiC Massimo Osanna, che ha appena approvato l'acquisto del palazzo cinquecentesco che ospiterà nel borgo di San Casciano le meraviglie restituite dal Bagno Grande, un museo al quale si aggiungerà in futuro un vero e proprio parco archeologico. Luigi La Rocca, direttore generale per l'archeologia, condivide l'entusiasmo e sottolinea "l'importanza del metodo usato in questo scavo", che come è stato per le scoperte più recenti di Pompei, anche qui ha visto all'opera "specialisti di ogni disciplina, dagli architetti ai geologi, dagli archeobotanici agli esperti di epigrafia e numismatica".

Realizzate con tutta probabilità da artigiani locali, le 24 statue appena ritrovate - spiega Tabolli affiancato dal direttore dello scavo Emanuele Mariotti e da Ada Salvi della Soprintendenza- si possono datare tra il II secolo avanti Cristo e il I dopo. Il santuario, con le sue piscine ribollenti, le terrazze digradanti, le fontane, gli altari, esisteva almeno dal III secolo a.C. e rimase attivo fino al V d.C., racconta, quando in epoca cristiana venne chiuso ma non distrutto, le vasche sigillate con pesanti colonne di pietra, le divinità affidate con rispetto all'acqua. È anche per questo che, rimossa quella copertura, gli archeologi si sono trovati davanti un tesoro ancora intatto, di fatto "il più grande deposito di statue dell'Italia antica e comunque l'unico di cui abbiamo la possibilità di ricostruire interamente il contesto", ribadisce Tabolli.

in molti casi appunto ricoperte di iscrizioni, Disposte in parte sui rami di un enorme tronco d'albero fissato sul fondo della vasca, ricoperte spesso di uova ("un mistero ancora tutto da studiare" sottolinea Tabolli) le statue come pure gli innumerevoli ex voto, arrivano dalle grandi famiglie del territorio e non solo, esponenti delle élites del mondo etrusco e poi romano, proprietari terrieri, signorotti locali, classi agiate di Roma e addirittura imperatori. Qui, a sorpresa, la lingua degli etruschi sembra sopravvivere molto più a lungo rispetto alle date canoniche della storia, così come le conoscenze etrusche in fatto di medicina sembrano essere riconosciute e accettate come tali anche in epoca romana.

Un grande santuario che sembra raccontarsi, insomma, come un luogo unico anche per gli antichi, una sorta di bolla di pace, se si pensa, come spiega Tabolli, "che anche in epoche storiche in cui fuori infuriano i più tremendi conflitti, all'interno di queste vasche e su questi altari i due mondi, quello etrusco e quello latino, sembrano convivere senza problemi". Chissà, ragiona l'archeologo, forse perché fin dalle origini il nume qui è sempre rimasta l'acqua con la sua divinazione, la sua forza, il suo potere: "Qui passa il tempo, cambia la lingua, cambiano persino i nomi delle divinità, ma il tipo di culto e l'intervento terapeutico rimangono gli stessi". Il cantiere adesso si chiude, riprenderà in primavera. L'inverno servirà per restaurare, studiare, capire. "Sarà un lavoro di squadra, com'è stato sempre finora", sorride orgoglioso Tabolli. Università, ministero, comune, specialisti di altri atenei del mondo. Tutti insieme, con l'occasione unica per scrivere un capitolo integralmente nuovo della storia antica.

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A San Casciano come a Riace, dall'acqua 24 bronzi - Cultura & Spettacoli

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Esclusiva ANSA. Sono statue di epoca etrusca e romana, è il più grande deposito di statue dell'Italia antica. L'archeologo Tabolli: "Una scoperta che cambierà la storia". Il dg dei musei del Ministero della Cultura Osanna: "Uno dei ritrovamenti più significativi nella storia antica".

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L’anima dei giardini di Miramare si svela nel castello: ecco “Ars Botanica” a Trieste

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La mostra rimarrà aperta per nove mesi: oltre cento i libri inediti dell’epoca su piante e fiori, capaci di spiegare la filosofia e le tecniche alla base della…

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L'abbraccio dell'Arena per i Carmina Burana ed Ezio Bosso

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L'abbraccio dell'Arena per i Carmina Burana ed Ezio Bosso

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Arena gremita per Carl Orff e l'omaggio in memoria di Ezio Bosso. Una serata piena di emozioni. E la voce di Lisette Oropesa, che delicatezza! Ha letteralmente magnetizzato il palco. Applausi lunghissimi e meritatissimi a tutti!!! (Foto di Claudia Ciardi ©)

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Museo lapidario Maffeiano di Verona. Un'accogliente casa dell'antico a due passi dall'Arena 

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Museo lapidario Maffeiano di Verona. Un'accogliente casa dell'antico a due passi dall'Arena 

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Un'accogliente casa dell'antico a due passi dall'Arena, gestita da giovanissimi (e bravissimi!) e con un pubblico altrettanto giovane. A riprova che la grecità e la latinità (qui è possibile vedere anche una bella collezione di urne etrusche) non sono una polverosa materia riservata a visitatori anziani.

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Museo Lapidario Maffeiano - Museo Lapidario Maffeiano - Home page

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Aperto da martedì a domenica dalle 10 alle 18 (ultimo ingresso alle 17.30). Chiuso il lunedì

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In occasione del bicentenario della morte di Antonio Canova (morto a Venezia il 13 ottobre 1822) per tre mesi all' Accademia di Belle Arti in via Ricasoli a Firenze sarà possibile ammirare cento opere tra cui sculture, bassorilievi, stampe e documenti d'archivio provenienti da importanti musei pubblici tra cui il Museo del Bargello, il Museo dell'Opificio delle Pietre Dure, il Museo di Casa Martelli, il Museo civico di Pistoia, il Museo di Palazzo Pretorio di Prato e da collezioni private.

La mostra "Il Culto del Bello. Antonio Canova, Giovanni degli Alessandri e l'Accademia di Belle Arti di Firenze" curata da Sandro Bellesi vuole celebrare il grande scultore trevigiano, maestro indiscusso del Neoclassicismo.

L'iniziativa è anche l'occasione per valorizzare il patrimonio storico-artistico dell'Accademia, in parte sottoposto a una campagna di restauro straordinaria, che ha riguardato, ad esempio, la statua del Perseo trionfante restaurata dall' Opificio delle Pietre Dure.

L'opera è un calco dell' originale in marmo, donato all'Accademia dallo stesso Canova e proveniente direttamente dal suo atelier romano, come testimoniano alcuni particolari rilevati dai restauratori dell'Opificio delle Pietre Dure durante l'ultimo restauro (materiali, tecniche d'esecuzione, patinatura esterna). Il gesso del Perseo entrò a far parte delle collezioni dell'Accademia nel 1803.

Allestita negli spazi monumentali della Sale Ghiberti e della Sala Minerva, nel Corridoio dei Bassorilievi e nella la mostra "Il Culto del Bello" trasforma per la prima volta l' Accademia di Belle Arti in un vero e proprio spazio espositivo che ne ripercorre i primi 45 anni di vita e il legame speciale che ha avuto con Antonio Canova.

Protagoniste della mostra sono le statue in gesso, calchi a grandezza naturale di originali in marmo che tra settecento e ottocento le Accademie d'arte utilizzavano per fini didattici.

Un patrimonio che nel XX secolo cadde progressivamente in disgrazia, arrivando a subire persino atti di vandalismo da parte di studenti che in questo modo intendevano rompere con i metodi educativi del passato.

Solo recentemente i gessi sono stati rivalutati e hanno ritrovato una loro dignità artistica, insieme ai maestri formatori.

Tra le opere in gesso anche numerosi bassorilievi, testimoni dei concorsi e del cosiddetto pensionato artistico a Roma, una sorta di borsa di studio quadriennale, grazie alla quale gli studenti dell'Accademia di Firenze potevano frequentare le botteghe degli artisti più importanti, tra i quali Antonio Canova.

Gaspero Martellini, La granduchessa Elisa Bonaparte Baciocchi distribuisce i premi del concorso dell'Accademia di Belle Arti di Firenze
Il ritratto di Elisa Bonaparte Baciocchi

Fra i dipinti in mostra è particolarmente significativa una tela di Gaspero Martellini che raffigura Elisa Bonaparte Baciocchi, sorella di Napoleone e granduchessa di Toscana, mentre distribuisce i premi durante uno dei concorsi indetti annualmente dall'Accademia di Firenze (qui siamo nel 1809), con lei anche Antonio Canova.

Nonostante fosse stata nominata granduchessa di Toscana soltanto pochi mesi prima, Elisa Baciocchi, che era anche una grande estimatrice delle arti, volle presenziare alla cerimonia insieme alla famiglia, sottolineando così il suo ruolo di mecenate e l'importanza che riconosceva alla formazione artistica.

Una mostra a ingresso gratuito

La mostra sarà visitabile con ingresso gratuito fino all'8 ottobre dal martedì al venerdì, dalle ore 10 alle 18, e il sabato dalle ore 10 alle 13. Nel mese di agosto, invece, la mostra resterà aperta dal martedì al venerdì, dalle ore 10 alle 14, e chiusa nella settimana di ferragosto.

La mostra si svolge con il contributo di Fondazione CR Firenze e con il patrocinio del Ministero della Cultura, della Regione Toscana, del Comune di Firenze e del Comitato nazionale per le celebrazioni del bicentenario della morte di Antonio Canova.

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"Il culto del bello" una mostra all'Accademia di Belle Arti di Firenze celebra il genio di Canova - intoscana

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In occasione del bicentenario della morte di Antonio Canova (morto a Venezia il 13 ottobre 1822) per tre mesi all' Accademia di Belle Arti in via Ricasoli a Firenze sarà possibile ammirare cento opere tra cui sculture, bassorilievi, stampe e documenti d'archivio provenienti da importanti musei pubblici tra cui il Museo del Bargello, il Museo dell'Opificio delle Pietre Dure, il Museo di Casa Martelli, il Museo civico di Pistoia, il Museo di Palazzo Pretorio di Prato e da collezioni private.

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Ut pictura poësis. Arte, parola e metamorfosi di Paula Modersohn-Becker. A cura di Eleonora Beltrani e Claudia Ciardi

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Ut pictura poësis. Arte, parola e metamorfosi di Paula Modersohn-Becker. A cura di Eleonora Beltrani e Claudia Ciardi

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Restituzione in lingua italiana del fondo manoscritto della pittrice tedesca Paula Modersohn-Becker. Un'anteprima dei risultati di studio (giugno 2022).

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Gli oltre due anni di pandemia, la recrudescenza del fondamentalismo in Afghanistan e ora anche i rischi di un allargamento della guerra in Ucraina stanno seminando diffusi sentimenti sociali di pericolo, insicurezza, paura, angoscia, sfiducia nel trionfalismo della tecnica, svelando al proprio fondo la più radicale delle domande: "Cos'è l'uomo?". Senza pretendere di esaurire le possibili risposte il numero 45 di "incroci" propone alcune approssimazioni al concetto di persona, come soggettività ora strettamente individuale, ora necessariamente relazionale.

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Incroci n. 45 - Personalmente (versione digitale)

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Gli oltre due anni di pandemia, la recrudescenza del fondamentalismo in Afghanistan e ora anche i rischi di un allargamento della guerra in Ucraina stanno seminando diffusi sentimenti sociali di pericolo, insicurezza, paura, angoscia, sfiducia nel trionfalismo della tecnica, svelando al proprio fondo la più radicale de

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Dai Romantici a Segantini. Fino al 5 giugno 2022 

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Dai Romantici a Segantini. Fino al 5 giugno 2022 

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La nuova, grande mostra di Padova, "Dai romantici a Segantini. Storie di lune e poi di sguardi e montagne. Capolavori dalla Fondazione Oskar Reinhart" (Centro San Gaetano, dal 29 gennaio al 5 giugno 2022, promossa dal Comune di Padova e da Linea d'ombra) è il primo capitolo di un nuovo, ampio progetto espositivo, concepito da Marco Goldin con il titolo complessivo di "Geografie dell'Europa. La trama della pittura tra Ottocento e Novecento". Una sequenza di grandi esposizioni, a dar vita a "un vasto scenario artistico e storico che darà conto della situazione della pittura in Europa lungo tutto il corso del XIX e parte del XX secolo, secondo una divisione nazionale o in aree contigue", anticipa il curatore.

Si parte dallo studio

Il progetto espositivo nasce in Marco Goldin dalle suggestioni del suo studio, più che ventennale, dedicato all'arte dell'Ottocento in Europa ma anche nel mondo, sfociato nel suo recentissimo e fortunato libro, uscito nell'ottobre del 2021 per La nave di Teseo, "Il giardino e la luna. Arte dell'Ottocento dal romanticismo all'impressionismo", vastissimo ed articolato affresco sulla pittura del XIX secolo.

Qualcosa di inedito

"Padova, recentemente riconosciuta Patrimonio Unesco per il suo essere "Urbs Picta" offrirà a padovani e turisti la prima mostra di questo grandioso ciclo, qualcosa di assolutamente inedito per il pubblico italiano, che si troverà coinvolto entro i confini di una storia meravigliosa, fatta di paesaggi incantati e ritratti indimenticabili" affermano, con legittimo orgoglio il Sindaco Sergio Giordani e l'Assessore alla Cultura Andrea Colasio.

"Dai romantici a Segantini. Storie di lune e poi di sguardi e montagne. Capolavori dalla Fondazione Oskar Reinhart" è volta a far conoscere il punto di partenza dell'arte in Europa a inizio Ottocento, il romanticismo. Per questo motivo è la Germania ad essere al centro della mostra, assieme alla Svizzera con la quale condivide, almeno in una parte del secolo, intenzioni simili soprattutto sul versante del realismo. Ovviamente le distinzioni poi non mancano, poiché proprio la Svizzera, tra Ottocento e Novecento, con alcuni incantevoli pittori, da Hodler a Segantini giunto dall'Italia, fa comprendere come essa sia più aperta verso il nuovo.

La collezione

La costruzione della mostra si appoggia sulla stupefacente collezione compresa nella Fondazione Oskar Reinhart, facente parte della straordinaria rete del Kunst Museum di Winterthur, uno dei poli artistici di maggior interesse della Confederazione elvetica.

"Meno rivolto all'arte dell'Ottocento francese, contrariamente ai maggiori collezionisti svizzeri del suo stesso tempo, Oskar Reinhart aveva nei libri e nelle teorie di Julius Meier-Graefe il suo punto di riferimento" annota Goldin. "La grande mostra berlinese del 1906, che lo stesso Meier-Graefe, assieme a Lichtwark e Von Tschudi, dedicò alla riscoperta dell'arte tedesca del XIX secolo, rimase per lui sempre un esempio e da lì nacque il suo collezionismo. Fu quella l'esposizione, tra l'altro, che tornò a rivelare alla pubblica attenzione il romanticismo tedesco. Ma soprattutto riportò in auge la figura inarrivabile di Caspar David Friedrich, incredibilmente, ma comprensibilmente date le nuove spinte culturali dell'epoca, caduto nell'oblio dopo la morte avvenuta prima della metà del secolo. La collezione Reinhart include cinque dipinti meravigliosi di Friedrich, tutti presenti a Padova. Tra essi spicca il capolavoro, Le bianche scogliere di Rügen, universalmente noto e uno degli emblemi del romanticismo".

"Sono centinaia le opere tedesche e svizzere conservate nella collezione, la cui importanza è sempre stata ben riconosciuta, tanto che quasi trent'anni fa una selezione alta viaggiò in alcuni dei maggiori musei americani ed europei, dal County Museum di Los Angeles al Metropolitan di New York, dalla Nationalgalerie di Berlino alla National Gallery di Londra. E mai più da allora".

Oggi, a distanza di quasi tre decenni da quella prestigiosa tournée, 76 opere dalla Fondazione Oskar Reinhart, scelte personalmente da Marco Goldin, giungono a Padova per aprire il grande progetto sulle "Geografie dell'Europa". A partire proprio dal romanticismo in Germania, con i suoi esponenti maggiori da Friedrich a Runge a Dahl. Sette sezioni tematiche, cronologicamente distese lungo i decenni, che consentiranno al visitatore di "appropriarsi" dell'arte svizzera e tedesca dell'Ottocento.

"La mostra sarà - a indicarlo è ancora il suo curatore - un racconto appunto nuovo e pieno di fascino per il pubblico italiano, che verrà condotto a viaggiare, attraverso opere di grande bellezza, entro una pittura che dalla strepitosa modernità dei paesaggi di fine Settecento in Svizzera di Caspar Wolf, che quasi anticipa Turner, arriverà fino a Segantini. In mezzo, una vera e propria avventura della forma e del colore, con paesaggi meravigliosi e ritratti altrettanto significativi. Come detto, procedendo poi dal romanticismo ai vari realismi sia tedeschi sia svizzeri. Quindi, vere e proprie sezioni monografiche come quelle dedicate a Böcklin e Hodler, fino all'impressionismo tedesco e alle novità, francesizzanti, del colore di pittori svizzeri come Cuno Amiet e Giovanni Giacometti, il papà del grande scultore Alberto.

Tra Hodler e Segantini nasce la devozione emozionata per la montagna che è insieme spalto fisico e categoria dello spirito. La mostra ne darà ampia e appassionata testimonianza, innalzando così alla natura un vero e proprio inno".

Del resto, il nuovo libro di Marco Goldin, "Il giardino e la luna", dedicato all'arte del XIX secolo, inizia proprio così: "L'Ottocento è il secolo della natura". Quella natura che, attraverso grandi immagini fotografiche farà da sfondo alle opere, così inserite in un vero e proprio, e straordinario, contesto naturale. Un caleidoscopio vivente.

Date e prenotazioni
Apertura prenotazioni 22 novembre per i gruppi
19 gennaio per i privati mostra a cura di
Marco Goldin
Centro San Gaetano
Padova, via Altinate, 71
29 gennaio - 5 giugno 2022
Orari e prezzi

Orario mostra
(ultimo ingresso 70 minuti prima della chiusura)

lunedì: 10-18;

mercoledì e giovedì: 10-13 / 14.30-19;

venerdì: 10-13 / 14.30-20;

sabato: 10-13 / 14-20;

domenica: 10-13 / 14-19.30.

Martedì chiuso.

Call center per info e prenotazioni
(aperto dal 22 novembre, dal lunedì al venerdì: ore 9-13)
0422 42999

Biglietti

(prezzi comprensivi di diritto di prenotazione)

Ridotto euro 12 studenti maggiorenni e universitari fino a 26 anni con tessera di riconoscimento, oltre i 65 anni, giornalisti con tesserino;

Biglietti con visita guidata
(prezzi comprensivi di diritto di prenotazione)

Ridotto euro 19 studenti maggiorenni e universitari fino a 26 anni con tessera di riconoscimento, oltre i 65 anni, giornalisti con tesserino;
Per i titolari di biglietto gratuito (bambini fino a 5 anni compiuti - accompagnatore di persone non abili) la visita guidata resta a pagamento ( euro 7).
Gruppi
Prenotazione obbligatoria
(minimo 15, massimo 20 persone)

Scuole
Prenotazione obbligatoria
(minimo 15, massimo 20 studenti con 2 insegnanti accompagnatori a titolo gratuito)
Ridotto euro 6
Per visite effettuate il sabato e la domenica viene applicata la tariffa dei gruppi. Visite guidate

Gruppi euro 100
(non sono consentite visite con guida propria)

Scuole euro 60
(non sono consentite visite con guida propria)

Privati euro 7 a persona (in gruppi di minimo 15, massimo 20 persone)

Le visite guidate verranno effettuate con l'ausilio di un apparato microfonico dotato di auricolari monouso, compreso nel costo della visita guidata.
Audioguida
Un grande racconto di Marco Goldin dedicato alla mostra.

Nel prezzo è compreso l'auricolare monouso
Disponibile in prenotazione e direttamente in mostra.
Norme anti Covid
Ecco come ti accoglieremo in sicurezza

Green pass obbligatorio
Per l'ingresso nel Centro San Gaetano, sarà necessario esibire, in formato digitale o cartaceo, il green pass.

Gel igienizzante
In diversi punti del Centro San Gaetano troverai erogatori di soluzione idroalcolica per l'igiene delle mani.

Ambienti puliti e sanificati
Il Centro San Gaetano assicura una scrupolosa pulizia di tutti gli ambienti con prodotti detergenti e disinfettanti. La sanificazione quotidiana viene fatta anche con particolare attenzione ai servizi igienici e a tutte le superfici toccate di frequente.

Impianto di climatizzazione
Negli spazi espositivi del Centro San Gaetano è in funzione un impianto modernissimo, appena installato, che assicura alla perfezione il continuo filtraggio e ricambio dell'aria.

Mascherina
Indossala correttamente, coprendo naso e bocca, per tutto il tempo di permanenza nel Centro San Gaetano.

Prenotazione
La prenotazione, possibile fino a un'ora prima della visita, è vivamente consigliata.

Bookshop
All'uscita del percorso espositivo troverai il nostro bookshop con il catalogo della mostra, il nuovo libro di Marco Goldin, Il giardino e la luna. Arte dell'Ottocento dal romanticismo all'impressionismo e tutto il il merchandising della mostra.

Controlli su borse e bagagli
Le borse ammissibili in mostra, di piccola dimensione, verranno ispezionate dal personale di sicurezza.

Caffetteria e ristorazione
Al piano terra del Centro San Gaetano ti attende un'ottima caffetteria-ristorante dove gustare un ricco menù per colazioni, pranzi o spuntini al banco.

Organizzazione

Tel. +39 0422 3095
Fax +39 0422 309777
Foto articolo da comunicato stampa - Caspar David Friedrich, Le bianche scogliere di Rügen, 1818. Olio su tela. Kunst Museum Winterthur, Fondazione Oskar Reinhart I © SIK-ISEA Zurigo. Foto Philipp Hitz

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"Dai Romantici a Segantini", mostra al Centro Culturale Altinate San Gaetano

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La nuova, grande mostra di Padova, "Dai romantici a Segantini. Storie di lune e poi di sguardi e montagne. Capolavori dalla Fondazione Oskar Reinhart" (Centro San Gaetano, dal 29 gennaio al 5 giugno 2022, promossa dal Comune di Padova e da Linea d'ombra) è il primo capitolo di un nuovo, ampio progetto espositivo, concepito da Marco Goldin con il titolo complessivo di "Geografie dell'Europa.

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Aperto il cantiere per Ambrogio Lorenzetti

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Aperto il cantiere per Ambrogio Lorenzetti

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SIENA - Prende il via a Siena il cantiere per il restauro dell'Allegoria e Effetti del Buono e Cattivo Governo, il ciclo di affreschi realizzati nel 1338 da Ambrogio Lorenzetti nella Sala della Pace del Palazzo Pubblico. Reso necessario per il monitoraggio delle condizioni della superficie dipinta, a circa trentacinque anni di distanza dalla conclusione dell'ultimo intervento, il nuovo cantiere, dopo una prima fase a porte chiuse, verrà aperto al pubblico da ottobre del 2022, con una serie di visite guidate con le quali i restauratori illustreranno il progetto e le strategie messe a punto per la salvaguardia dello straordinario ciclo pittorico, capolavoro della pittura gotica senese. Per i visitatori un'occasione unica per ammirare da vicino, salendo sulle impalcature, il ciclo pittorico che ha contribuito a rendere Siena celebre nel mondo, cogliendo il fascino di dettagli e particolari. Un cantiere di nuova concezione, spiegano dal Comune di Siena, pensato "non solo come laboratorio di indagine e intervento da parte degli addetti, ma anche come luogo della conoscenza e dello studio dell'arte, aperto e fruibile dal pubblico". Obiettivo dell'iniziativa, accendere una luce di più sul tema della protezione e della cura del patrimonio artistico italiano rilanciando nello stesso tempo l'intero circuito museale cittadino con un itinerario che oltre al Palazzo Pubblico, sede del Museo Civico, coinvolge il complesso Santa Maria della Scala, l'antico ospedale medievale ubicato sulla collina del Duomo, che ospita anche il Museo archeologico nazionale, la Pinacoteca Nazionale, con tanti capolavori della pittura senese, e l'Archivio di Stato, custode della preziosa collezione delle biccherne senesi. Tutti luoghi di inestimabile valore storico, ricchissimi di tesori e opere d'arte.
La sala del Buongoverno o sala dei Nove, come viene anche chiamata, era il luogo dove si riunivano i governanti della città medievale, committenti del manifesto civile e politico che ne occupa le pareti. I Nove, una delle principali magistrature della Repubblica di Siena, furono in carica dal 1287 al 1355, periodo di massimo splendore politico ed economico per la città.
L'incarico andò ad Ambrogio Lorenzetti, all'epoca all'apice della sua maturità, che, insieme a Duccio di Buoninsegna e Simone Martini, si candidava a divenire uno degli indiscussi protagonisti della grande stagione della pittura gotica senese.
Nel ciclo pittorico sono rappresentate le due opposte forme di governo della Democrazia e della Tirannide e i loro opposti effetti sulla città, sulle campagne e sulla vita quotidiana delle persone. Il pittore si pone come il principale interprete del messaggio dei Nove, creando una perfetta sinergia tra arte e politica dove la lezione di Giotto e la tradizione senese si fondono armonicamente dando forma a concetti etici universalmente riconosciuti.
Partito nel 2021, il progetto si avvale della consulenza di professionisti del settore, con la collaborazione dell'Università degli Studi di Siena, dell'Istituto di Fisica Applicata "Nello Carrara" del CNR di Firenze e della Soprintendenza SABAP di Siena Grosseto e Arezzo oltre al sostegno del Rotary Club Montaperti, San Casciano-Chianti, Siena, Siena Est e Inner Wheel.

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A Siena cantiere aperto per il restauro della Sala Buongoverno - ViaggiArt

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SIENA - Prende il via a Siena il cantiere per il restauro dell'Allegoria e Effetti del Buono e Cattivo Governo, il ciclo di affreschi realizzati nel 1338 da Ambrogio Lorenzetti nella Sala della Pace del Palazzo Pubblico.

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Arte & Cultura

Tra i musei fiorentini tornati ai livelli di presenze pre-pandemia c'è il Bargello, che da oggi accoglie i visitatori con una sala della scultura medievale tutta nuova: un allestimento innovativo che presenta anche pezzi provenienti dai depositi.

di Emilia Rettura, montaggio Simonetta Genna

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Al Bargello la sala della scultura medioevale - TGR Toscana

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Arte & Cultura Tra i musei fiorentini tornati ai livelli di presenze pre-pandemia c'è il Bargello, che da oggi accoglie i visitatori con una sala della scultura medievale tutta nuova: un allestimento innovativo che presenta anche pezzi provenienti dai depositi. di Emilia Rettura, montaggio Simonetta Genna

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Dal 19 marzo al 31 luglio 2022 Fondazione Palazzo Strozzi e Musei del Bargello presentano Donatello, il Rinascimento, una mostra storica e irripetibile che mira a ricostruire lo straordinario percorso di uno dei maestri più importanti e influenti dell'arte italiana di tutti i tempi, a confronto con capolavori di artisti come Brunelleschi, Masaccio, Andrea Mantegna, Giovanni Bellini, Raffaello e Michelangelo.

Curata da Francesco Caglioti, professore ordinario di Storia dell'Arte medievale presso la Scuola Normale Superiore di Pisa, la mostra ospita oltre 130 opere tra sculture, dipinti e disegni con prestiti unici, alcuni dei quali mai concessi prima, provenienti da quasi sessanta tra i più importanti musei e istituzioni al mondo. Distribuita su due sedi, Palazzo Strozzi e il Museo Nazionale del Bargello, Donatello, il Rinascimento propone un viaggio attraverso la vita e la fortuna del "maestro dei maestri". Scultore supremo del Quattrocento, Donatello diede il via alla straordinaria stagione del Rinascimento, proponendo nuove idee e soluzioni figurative che hanno segnato per sempre la storia dell'arte occidentale. Attraverso le sue opere Donatello rigenera l'idea stessa di scultura, unendo le scoperte sulla prospettiva e la dimensione psicologica dell'arte, abbracciando in tutta la loro profondità le più diverse forme delle emozioni.

La mostra

A Palazzo Strozzi, la mostra ricostruisce l'itinerario artistico di Donatello attraverso cento capolavori quali il David in marmo e l' Amore-Attis del Bargello, gli Spiritelli del Pergamo del Duomo di Prato, i bronzi dell'altare maggiore della Basilica di Sant'Antonio a Padova, oltre a numerose opere in prestito dai più importanti musei del mondo come il Louvre di Parigi o il Metropolitan Museum di New York. Per la prima volta nella storia, escono dal loro contesto originario opere quali il celebre Convito di Erode del Fonte battesimale di Siena e le straordinarie porte della Sagrestia Vecchia di San Lorenzo a Firenze, che rappresentano alcuni dei quattordici restauri realizzati in connessione con la mostra.

L'esposizione continua al Museo Nazionale del Bargello nel Salone di Donatello, che ospita tra gli altri il San Giorgio e il David di bronzo in dialogo con altre celebri opere. Le ultime sezioni della mostra illustrano l'influenza fondamentale che Donatello ebbe sull'opera degli artisti della Maniera Moderna e oltre, attraverso una serie di confronti inediti.

La mostra Donatello, il Rinascimento è promossa e organizzata da Fondazione Palazzo Strozzi e Musei del Bargello. In collaborazione con Staatliche Museen di Berlino e Victoria and Albert Museum di Londra e con F.E.C. - Fondo Edifici di Culto.
Main Supporter: Fondazione CR Firenze. Sostenitori: Comune di Firenze, Regione Toscana, Camera di Commercio di Firenze, Comitato dei Partner di Palazzo Strozzi.
Main Partner: Intesa Sanpaolo.
Con il supporto di: Maria Manetti Shrem, Bank of America, ENEL.
Con il contributo di Città Metropolitana di Firenze.
Si ringrazia Beyfin S.p.A.

In copertina: Donatello, Madonna col Bambino ( Madonna Pazzi), 1420-1425 circa, Staatliche Museen zu Berlin - Preußischer Kulturbesitz. Skulpturensammlung und Museum für Byzantinische Kunst. Photo Antje Voigt

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Donatello, il Rinascimento - Fondazione Palazzo Strozzi

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Dal 19 marzo al 31 luglio 2022 Fondazione Palazzo Strozzi e Musei del Bargello presentano Donatello, il Rinascimento , una mostra storica e irripetibile che mira a ricostruire lo straordinario percorso di uno dei maestri più importanti e influenti dell'arte italiana di tutti i tempi, a confronto con capolavori di artisti come Brunelleschi, Masaccio, Andrea Mantegna, Giovanni Bellini, Raffaello e Michelangelo.

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Arte sommersa. I tesori della Gam da Milano a Torino

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Arte sommersa. I tesori della Gam da Milano a Torino

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“I depositi di un museo”, scrive Salvatore Settis, “rappresentano una sorta di riserva aurea, in perenne rapporto con le collezioni esposte: devono essere anch’essi visitabili e funzionano come un serbatoio di sorprese. Anche il discorso sui magazzini dei musei fa dunque parte di quello, ancor più vasto, che abbiamo fatto sul “patrimonio latente”, quello che già ci appartiene, ma ancora non sappiamo bene che c’è o che cos’è. Anche nei magazzini, e non solo nelle stratificate mura di palazzi e chiese, si celano impensate novità”.

Il tesoro nascosto della Gam di Torino (febbraio 2022) https://www.lastampa.it/torino/2022/02/14/news/il_tesoro_nascosto_della_gam_in_40_mila_metri_quadrati_non_aperti_al_pubblico-2854819//torino/2022/02/14/news/il_tesoro_nascosto_della_gam_in_40_mila_metri_quadrati_non_aperti_al_pubblico-2854819/

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Con le visite di Sottosopra, da quasi due mesi Paola Zatti, conservatore della GAM, sta mostrando al pubblico di Milano centinaia di opere scultoree mai esposte e conservate nei depositi, normalmente interdetti ai visitatori. Un invito che attraversa Ottocento e Novecento, ma anche i luoghi monumentali della città: dall'Accademia di Brera al Duomo, dall'Arco della Pace al Cimitero Monumentale al Museo del Novecento. In preparazione di una grande mostra che inaugurerà il 19 marzo 2017.

"I depositi di un museo", scrive Salvatore Settis, "rappresentano una sorta di riserva aurea, in perenne rapporto con le collezioni esposte: devono essere anch'essi visitabili e funzionano come un serbatoio di sorprese. Anche il discorso sui magazzini dei musei fa dunque parte di quello, ancor più vasto, che abbiamo fatto sul "patrimonio latente", quello che già ci appartiene, ma ancora non sappiamo bene che c'è o che cos'è. Anche nei magazzini, e non solo nelle stratificate mura di palazzi e chiese, si celano impensate novità".
Seguendo alla lettera questo insegnamento come un messaggio per il proprio pubblico, la GAM di Via Palestro ha intrapreso il serrato programma di visite dal titolo Sottosopra. Una riserva di sorprese dai depositi della Galleria d'Arte Moderna. Visite guidate esclusive in programma tutti i fine settimana fino al 19 marzo 2017.
Cuore del progetto è l'Atelier di restauro, costituito attraverso un bando pubblico e allestito nelle sale dei depositi sotterranei, dove un gruppo di restauratori sta recuperando, conservativamente, settanta sculture, con interventi molteplici e differenti tecniche, di matrice anche naturale - come l'utilizzo dell'agar-agar, gelatina vegetale pulente ricavata dalle alghe. Un'esperienza unica, impensabile fino a qualche anno fa, aperta a tutti coloro che vorranno essere resi partecipi del dietro le quinte di una grande mostra: le opere in restauro, infatti, saranno protagoniste di 100 anni. La scultura a Milano dal 1815 al 1915, un evento espositivo che ripercorre la produzione scultorea lombarda dal tardo neoclassicismo alla stagione simbolista, la cui inaugurazione è in programma il 19 marzo 2017.

PAROLA ALLA DIRETTRICE
"È da quasi cinque anni che sono alla direzione e ho intrapreso un percorso di revisione del Museo", sottolinea Paola Zatti, conservatore della GAM di Milano, "cercando di ridare un ordine alle collezioni - per recuperarne alcuni spazi -, di ottimizzare i percorsi di visita e i servizi ai visitatori, provando a fornire un'identità a questo luogo che, già a causa di un proprio "peccato originale", veniva confuso con Villa Reale, Museo dell'Ottocento e Villa Belgioioso. La storia di GAM è decisamente sfumata fin dall'origine, perché condivide le sue collezioni con un inventario che, in parte, sottende alla nascita delle collezioni d'arte moderna; quindi la coda di tutto questo è il Museo del Novecento. A partire dal 1921, da quando le collezioni hanno cominciato a formarsi qui in Via Palestro, l'assenza in Italia di una Museologia forte, che annoverasse questo luogo fra le Gallerie d'Arte Moderna, l'ha portato, molto in ritardo, a configurarsi come tale, in una Milano estremamente vivace".
La GAM arriva a Villa Reale in un momento in cui il capoluogo lombardo è la sede di gallerie importantissime, salotti letterari critici straordinari, ospite di figure, come Margherita Sarfatti, che hanno scritto la storia dei musei italiani. La Galleria, però, non compare da nessuna parte e, rispetto alle altre Istituzioni analoghe in Italia, da Ca' Pesaro a Venezia alla GAM di Torino, a Firenze e a Palazzo Pitti, senza dimenticare la Galleria di Roma, dove le loro identità si erano configurate molto bene, Milano arriva in ritardo. "Abbiamo studiato questa nostra storia", riprende la direttrice, "anche attraverso alcune mostre che ci sono servite per far conoscere un museo all'apparenza sconosciuto. Abbiamo prima dovuto capirci, per comprendere da dove partire e dove arrivare nella riconfigurazione di questo luogo. Abbiamo compiuto una serie di approfondimenti molto utili. Come, ad esempio, venire a conoscenza del fatto che Medardo Rosso sia arrivato ad avere una stanza tutta sua su suggerimento di Carlo Carrà, negli Anni Cinquanta, è indicativo del ritardo. Il saggio che scrissi nel catalogo della mostra di Medardo Rosso aveva come titolo "Rincorrendo la modernità". La Galleria ha sempre corso dietro a qualche cosa che ha fatto fatica a trovare".

L'INTERVISTA
Dopo quasi dieci anni di lavoro, come vi siete configurati?
Ora il museo si è ben posizionato nell'ambito dell'attività artistica e culturale cittadina, nazionale e anche internazionale: abbiamo curato la mostra di Wildt con il Musée d'Orsay, abbiamo numerosi scambi in corso con il Museo Rodin, contatti che stanno permettendo di attestarci a livello europeo.
Abbiamo un pubblico fidelizzato e il nostro percorso è stato delineato secondo linee definite: a gennaio presenteremo un catalogo e una mostra dedicati a uno dei cuori delle nostre collezioni, e cioè la scultura. È un argomento di difficile comprensione, è meno immediata rispetto alla pittura, è più conosciuta da un pubblico circoscritto ed è più difficile da esporre e presentare. Noi abbiamo un deposito di mille opere che andava valorizzato e soprattutto studiato, una risorsa sulla quale non esisteva nessuna ricerca.

Questo, anche, grazie a un supporto esterno importantissimo, che fornisce fondi di nove volte superiori rispetto alle cifre pubblicamente stanziate per GAM.
Dal mio punto di vista, più rendi varia l'attività che fai, più la diversifichi, più il museo vive. Il museo deve essere democratico, aperto a tutti i pubblici e UBS è il perno di tutto questo. Abbiamo consolidato un rapporto di partnership non scontato: sono pochi i musei che possono godere di un appoggio così forte, tanto prolungato e molto condiviso.
UBS non ha mai imposto con prepotenza, in modo cieco, le sue iniziative culturali, ma, all'opposto, ci accompagna con grande capacità di ascolto, e l'ultima mostra curata da Luca Massimo è uno dei culmini del percorso che stiamo intraprendendo con loro, attraverso l'inserimento dell'arte contemporanea nelle nostre sale , periodo che è, ovviamente, il loro core business, all'interno di un contenitore che invece ha connotazioni temporali forti, condividendo allo stesso tempo i miei progetti, le mie mostre, la mia attività editoriale e un'operazione particolare.

Ma l'irruzione del pubblico nelle vostre stanze segrete come modifica l'assetto di un museo?
Sottosopra, le visite guidate che noi abbiamo promosso all'interno dei depositi delle nostre collezioni - quasi interamente frutto di donazioni private, racconto di intere famiglie milanesi -, si inserisce in uno stream sempre più frequente. Ci sono altri musei che hanno aperto i loro depositi, sono stati realizzati servizi fotografici bellissimi che sono stati fatti ultimamente, ci sono indicazioni ministeriali precise sulla rivelazione di un patrimonio sommerso, non solitamente visibile, e c'è un invito di Settis a conoscere e prendere in mano la propria storia, perché solo conoscendola si riesce a comprendersi.

Potresti anticipare alcuni dettagli della mostra 100 anni. La scultura a Milano dal 1815 al 1915?
Sarà un'incursione in un periodo molto esplorato a livello pittorico, ma non scultoreo. Abbiamo riscontrato una perizia tecnica eccellente negli artisti ottocenteschi di Milano: l'Accademia richiedeva una specializzazione altissima, strappando, talvolta, per raffinatezza e produzione, il primato a Roma e a Firenze, grazie ad artisti straordinariamente bravi. Forse anche perché venivano formate figure altamente in dialogo con fonderie cittadine che hanno fatto la storia della scultura internazionale, intrecciandosi, di pari passo, con una committenza privata rilevante, fondamentale. Una borghesia imprenditoriale composta da grandi famiglie che avevano bisogno di affermarsi con ogni mezzo.
Dunque un centinaio di opere - selezionate fra mille -, bianchissime, saliranno dai nostri depositi e rimarranno esposte da fine marzo a fine luglio del prossimo anno, al piano terra. Il tema sarà il biancore, frutto anche di una serie di resoconti che offriremo sulla nostra campagna di indagini sul restauro. L'Ottocento sarà spolverato, svecchiato e, anche visivamente, sospeso.
Ginevra Bria
MORE INFO:
https://www.artribune.com/dettaglio/evento/58205/sottosopra/

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Un viaggio nei depositi della GAM di Milano | Artribune

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Con le visite di Sottosopra, da quasi due mesi Paola Zatti, conservatore della GAM, sta mostrando al pubblico di Milano centinaia di opere scultoree mai esposte e conservate nei depositi, normalmente interdetti ai visitatori. Un invito che attraversa Ottocento e Novecento, ma anche i luoghi monumentali della città: dall'Accademia di Brera al Duomo, dall'Arco della Pace al Cimitero Monumentale al Museo del Novecento.

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Il meraviglioso scrigno dell'affresco di Buffalmacco in Camposanto non smette di stupire. Scoperto il ritratto di Dante.

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Un Dante 'nascosto' nell'affresco di Buffalmacco in Camposanto - La Nazione

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La suggestiva ipotesi di Giulia Ammannati: uomo vestito di rosso e assai somigliante al ritratto giottesco al Bargello.

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La protesta geniale di Emilie Gordenker 

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La protesta geniale di Emilie Gordenker 

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Ad Amsterdam la direttrice Emilie Gordenker ha fatto allestire un lungo tavolo con smalti e lime sotto gli autoritratti del maestro olandese: "Gallerie, teatri, bar e caffè non possono aprire, al contrario di parrucchieri, centri estetici e palestre. Assurdo".

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La creatività è femmina: in Olanda il museo di Van Gogh si trasforma in beauty center: la singolare forma di protesta contro le misure anti-covid ideata dalla direttrice Emilie Gordenker: "Parrucchieri aperti e musei chiusi? governo incoerente". In base alle misure anti-covid olandesi, musei, teatri, bar e caffè non possono aprire, al contrario di parrucchieri, centri estetici e palestre. Ecco perché le estetiste hanno offerto manicure con con fiori di ciliegio e notti stellate ispirate al maestro olandese.

" Una visita al museo è sicura ed altrettanto importante quanto andare in un salone di bellezza, forse di più. Chiediamo al governo solo di essere coerente... stabilire le regole in modo che tutti le capiscano. In questo momento non è così", ha detto la direttrice Gordenker.

"Non va, io posso fare il mio lavoro e le persone del museo no", ha detto Mischa, un barbiere, che ha portato la sua tradizionale sedia da lavoro, specchio e rifiniture all'ingresso del Museo Van Gogh. "Guardati intorno. C'è così tanto spazio e le persone possono essere in un supermercato con 300 persone, è pazzesco".

Così, sotto lo sguardo di Vincent van Gogh Robyn lucida le unghie a una signora. Un lungo tavolo con smalti e lime sotto gli autoritratti del maestro olandese ha trasformato il Museo Van Gogh di Amsterdam in un salone di bellezza.

Lo riporta la Bbc. La direttrice del museo Emilie Gordenker spera che questa protest a, insieme ad altre messe in campo in Olanda, evidenzi ciò che ritiene sia un'incoerenza nella politica del governo per contrastare la pandemia. In base alle misure anti-covid olandesi, musei, teatri, bar e caffè non possono aprire, al contrario di parrucchieri, centri estetici e palestre.

Barba e capelli

Ecco perché le estetiste hanno offerto manicure con con fiori di ciliegio e notti stellate ispirate al maestro olandese. "Una visita al museo è sicura ed altrettanto importante quanto andare in un salone di bellezza, forse di più. Chiediamo al governo solo di essere coerente ... stabilire le regole in modo che tutti le capiscano. In questo momento non è così", ha detto la signora Gordenker.

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Barba e capelli: protesta al museo di Van Gogh che si trasforma in un centro...

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La creatività è femmina: in Olanda il museo di Van Gogh si trasforma in beauty center: la singolare forma di protesta contro le misure anti-covid ideata dalla direttrice Emilie Gordenker: "Parrucchieri aperti e musei chiusi? governo incoerente". In base alle misure anti-covid olandesi, musei, teatri, bar e caffè non possono aprire, al contrario di parrucchieri, centri estetici e palestre.

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Scambio di reperti, accordo tra un museo siciliano e il Museo dell'acropoli di Atene.
Torna al Partenone un rilievo raffigurante parte del piede destro di una figura drappeggiata di Artemide, la dea greca della caccia, originariamente situata sul lato orientale di un fregio scolpito di 160 metri intorno al tempio.

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Scambio di reperti, accordo tra un museo siciliano ed uno greco

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Siglato un accordo tra musei per un reciproco prestito di reperti archeologici, in futuro possibile giungere ad uno scambio definitivo View on euronews

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Editoria per l'arte. Una collana dedicata ai grandi musei, curata da Philippe Daverio, voce infaticabile e coinvolgente nella divulgazione della bellezza. La scrittura svela i capolavori e avvicina alla loro storia. Mentre i viaggi frenano e ancora sfugge il recupero di una piena normalità, è questa un'occasione per entrare nella sale e lasciarci affascinare. Una delle tante vie per conoscere, approfondire e far correre l'immaginazione, utilizzando questo tempo sospeso per diventare visitatori più consapevoli.
Si comincia mercoledì 29 dicembre con gli Uffizi (volume gratuito acquistando il Corriere). Ad maiora!

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Musei, non solo scrigni di capolavori: il primo volume della collana in edicola gratis (il 29)

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Il museo come uno spazio dove ritrovare un impressionante assortimento di capolavori. E infatti nello stesso nome c’è il significato di

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Il Centro studi sul teatro napoletano ha segnalato le mie pagine inedite in Italia di Hugo von Hofmannsthal - Via del Vento edizioni, 2021. Grazie, Napoli!
https://www.centrostuditeatro.it/2021/11/editoria-segnalazioni-volumi-6/

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Carte inedite dall’archivio, estesi apparati critici, storia delle mostre
schelliniane, studiosi e fotografi che hanno reso omaggio ai percorsi d’arte
delle Langhe piemontesi e un nuovo atlante nel catalogo di Sagep Editori
Genova, 2021.
La scheda del volume sul sito della casa editrice:
http://www.sagep.it/easyStore/SchedeVedi.asp?SchedaID=2457
Sul canale youtube "margini e miraggi" un video celebrativo del lavoro di ricerca confluito nel libro:
https://www.youtube.com/watch?v=B5Uft37xt1o
#Schellino #Langhe #Dante700 #poesia #arte #fotografia

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Technological unemployment. Keynes e la politica inattuale

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Technological unemployment. Keynes e la politica inattuale

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In questa fase transitoria e velocissima in cui l'automazione è destinata a far saltare - sta già ampiamente accadendo - moltissimi posti di lavoro in ogni settore, soprattutto fra i cosiddetti esecutivi ma anche in larga parte del terziario, il dibattito in alcuni paesi come l'Italia latita, per non dire che è inesistente. La forza lavoro liberata si apre per la prima volta nella storia umana alla sfera creativa. Saremo in grado di convogliare queste energie cosicché generino benessere nella società? Al momento la fitta crisi dello stesso settore creativo - e in Italia, proprio per la sua storia, l'ambito culturale dovrebbe essere uno dei più ricettivi e dinamici - denota l'inadeguatezza e la mancanza di volontà politica nel farsi interpreti del cambiamento.
Qui alcuni articoli di approfondimento su questi temi https://www.futurimagazine.it/tag/disoccupazione-tecnologica/

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Hugo von Hofmannsthal, Il soldato Schwendar. Prose sparse inedite in Italia, Via del Vento edizioni, settembre 2021, Pag. 48, ISBN 978-88-6226-117-3, € 4,00.

Si veda anche l'articolo "Rinascita di Hugo von Hofmannsthal in Italia" https://www.claudiaciardi.net/2021/10/25/hugo-von-hofmannsthal-in-italia/

E qui: Hugo von Hofmannsthal - Poesie
https://margininversi.blogspot.com/2021/09/hugo-von-hofmannsthal-poesie.html

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Claudia Ciardi [margini inversi] - Il chiosco del flâneur

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Hugo von Hofmannsthal in Italia - Claudia Ciardi [margini inversi] - Il chiosco del flâneur

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Apparizioni di ottobre. Rinascita di Hugo von Hofmannsthal in Italia.Il nome di un grande scrittore austriaco torna ad affacciarsi nel nostro panorama culturale con alcune prose inedite pubblicate da Via del Vento edizioni nella collana Ocra gialla. La vita militare e le inquietudini di un giovane s…

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Hugo von Hofmannsthal in Italia

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Giorgio Agamben. La filosofia che dissente

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Giorgio Agamben. La filosofia che dissente

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Audizione informale di Giorgio Agamben (7 ottobre 2021). Grazie, professore, un onore averla citata anni fa in un mio libro.

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07 ottobre 2021 Senato,  Prof. Giorgio Agamben  , green pass

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Un convegno internazionale sul restauro dei beni culturali.
https://qui.uniud.it/notizieEventi/cultura/lo-stato-dell2019arte-19-convegno-internazionale-sul-sapere-e-le-nuove-metodologie-nel-campo-del-restauro-dei-beni-culturali

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- Dipartimento di Studi umanistici e del patrimonio culturale - Dium

Una sezione su fotografia, cinema e video: restauro, conservazione, archiviazione e accesso. Focus sul restauro della statuaria lignea

Il Quest'anno l'evento ha mantenuto il focus dello scorso anno, Ed ha aggiunto come focus, , L'Università di Udine e il Comune hanno reso possibile l'organizzazione del congresso, mettendo a disposizione gli spazi e le risorse al fine di poter garantire, seguendo le misure di sicurezza, nella prospettiva della buona riuscita dell'evento. congresso annuale nazionale IGIIC "Lo Stato dell'Arte" per la sua diciannovesima edizione ( programma, pdf) ci riprova a tornare a Udine, nonostante le difficoltà che la situazione mondiale ci presenta. L'associazione IGIIC vuole comunicare l'importanza di mantenere il tradizionale appuntamento, seguendo tutte le misure di sicurezza. L'obiettivo del Congresso "Lo Stato dell'Arte" è la fotografia, cinema, video: restauro, conservazione, archiviazione e accesso. diffusione del sapere e delle nuove metodologie nel campo del restauro dei beni culturali. Ci rivolgiamo agli addetti ai lavori: restauratori, storici dell'arte, operatori dei settori museali, nonché a figure professionali legate al restauro. Nella tre giorni del Congresso verranno presentati lavori originali di conservazione e restauro di beni culturali, i partecipanti che arrivano da tutt'Italia potranno così confrontarsi sulle metodologie applicative sperimentate su manufatti artistici di diversa provenienza. Partendo da Torino nel 2003 l'iniziativa è arrivata in diverse città italiane quali: Matera, Trento, L'Aquila, Bari, Venaria, Milano, Bologna, Roma, Venezia, Napoli, Cremona, Cosenza, Siena, Spoleto, Palermo, Genova, dal Nord al Sud, Nel panorama archivistico ed espositivo odierno e, di conseguenza, rispetto alle sempre maggiori potenzialità e fluidità del digitale, è urgente approfondire i criteri, le scelte e le modalità attraverso cui i fondi fotografici e audiovisivi sono preservati, salvaguardati e resi accessibili nella loro forma analogica e/o digitale. Questo al fine di derivare, soprattutto in ambito audiovisivo, delle linee guida condivise atte a garantirne una corretta trasmissibilità futura in contesti archivistici o espositivi/cinematografici. Questa sezione, quindi, verterà sul confronto tra le esperienze di enti pubblici e privati operanti in tale settore, con l'obiettivo di mettere a confronto metodologie, protocolli e prassi di intervento dedicate al restauro, alla conservazione e valorizzazione del patrimonio fotografico e audiovisivo. unendo il nostro paese attorno ai temi comuni della conservazione del patrimonio culturale.
il restauro della statuaria lignea,

problematiche significative attinenti il degrado e gli interventi: sulla policromia originale e di restauro, il consolidamento, il risanamento, la disinfestazione, anche in riferimento ad eventi sismici o calamitosi (beni in emergenza).

problematiche di progettazione e intervento, Diagnostica, ricerche e studi applicati Conservazione preventiva, Beni culturali in emergenza, Etica e Sostenibilità nella conservazione del patrimonio culturale. L'evento si svolgerà, da giovedì 16 settembre, a sabato 18, presso Palazzo Garzolini di Toppo Wassermann.

Vengono mantenute anche le aree tematiche che vengono trattate ogni anno:

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"Lo Stato dell'Arte 19": sapere e nuove metodologie nel campo del restauro dei beni culturali

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Dipartimento di Studi umanistici e del patrimonio culturale - Dium Una sezione su fotografia, cinema e video: restauro, conservazione, archiviazione e accesso.

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Dopo due anni di sospensione delle attività e la notevole diminuzione dei visitatori a causa della pandemia, il Lucca Museum (Lucca Center of Contemporary Art) che ha ospitato mostre e iniziative di rilievo nella prestigiosa ed elegante sede di Palazzo Boccella, chiude i battenti. In ciò che ha dichiarato la direzione si legge anche una mancanza di strategia che purtroppo impedisce il rilancio.

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Lucca, 1 settembre 2021 - Sulla home page del sito internet campeggia la scritta "a partire dal 22 giugno 2021 le attività del Lu.C.C.A. - Lucca Center of Contemporary Art sono temporaneamente sospese". Ma quel temporaneamente apre una nuova ferita e ulteriori dubbi nella già duramente provata capacità culturale della città.

Il Lu.C.C.A Museum di via della Fratta, uno dei centri di maggior vitalità artistica di Lucca da oltre un decennio, è ormai chiuso da oltre due mesi e in molti sostengono che di temporaneo nel portone serrato del palazzo rinascimentale non ci sia nulla: la chiusura rischia di divenire definitiva al punto che si ipotizzano nuove destinazioni per l'immobile. Le ultime mostre di una lunghissima serie che sono state visibili sono "La realtà svelata. Il Surrealismo e la metafisica del sogno. Magritte, Dalí, Miró, Masson, Man Ray, Bellmer, Matta e De Chirico" e il "Il mio Piccolo Principe. Un viaggio infinito" con opere dell'artista Francesco Nesi.

Dal 20 giugno, il sipario è calato e per quanto la Fondazione che sovrintende il museo di arte visiva e contemporanea sia ancora attiva, la gestione affidata a Omina srl, che vedeva come direttore generale Maurizio Vanni, ha chiuso i battenti.

"Ho fatto altre scelte - spiega lo stesso Vanni - dopo lo tsunami del Covid era una partita troppo complessa da giocare. Chi aveva preso impegni con il museo ha mantenuto fede agli stessi, ma non bastava più. Abbiamo ottenuto qualche minimo contributo ministeriale, ma parliamo di cifre davvero irrisorie. Il territorio? Abbiamo comunicato a tutti che la situazione era insostenibile, e ne è stato preso atto". Come a dire: amen. Con tanto di braccia allargate da parte un territorio che, per quanto ricco e florido, non è nuovo dal lasciarsi sfuggire occasioni al punto da essere tacciato di miopia congenita.

Da Depero a Sironi, da Heri Cartier-Bresson a De Chirico: ecco solo alcuni dei nomi le cui opere hanno trovato posto nello splendido palazzo Boccella dove è nato il museo per volontà prima di tutto di Angelo Parpinelli. Con la sospensione delle mostre del Lu.C.CA. Museum, la città perde un altro punto di riferimento in un anno che definire catastrofico è persino riduttivo: niente Summer Festival, niente grandi eventi, Lucca Comics and Games in edizione ridotta. Lucca è (ancora) più povera.

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Lucca, addio arte contemporanea. Il "Museum" ha chiuso i battenti - La Nazione

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Lucca, 1 settembre 2021 - Sulla home page del sito internet campeggia la scritta "a partire dal 22 giugno 2021 le attività del Lu.C.C.A. - Lucca Center of Contemporary Art sono temporaneamente sospese". Ma quel temporaneamente apre una nuova ferita e ulteriori dubbi nella già duramente provata capacità culturale della città.

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Il direttore del museo della Cappella Sansevero di Napoli si è dimesso per protesta contro il green pass nei luoghi dell'arte. La cultura resti libera!

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Fabrizio Masucci, presidente e direttore del Museo Cappella Sansevero, ha rassegnato le sue dimissioni in protesta contro l'applicazione del Green Pass nei musei e in una lettera aperta scrive: "L'obbligo di Green Pass non ha niente a che fare con ragioni epidemiologiche, ma si tratta semmai di un obbligo che rende i musei uno strumento per finalità che niente hanno a che vedere con la loro missione".

Fabrizio Masucci, presidente e direttore del Museo Cappella Sansevero, uno dei monumenti più famosi e visitati della città, scrigno di arte tardobarocca dove s'ammira il famosissimo Cristo velato di Giuseppe Sammartino, ha deciso di dimettersi dalla carica in segno di protesta contro l'applicazione del Green Pass nei musei. Com'è noto, infatti, dal 6 agosto il certificato verde, che si ottiene solo se si è vaccinati, guariti dal Covid o negativi a un tampone effettuato entro 48 ore, sarà obbligatorio per visitare tutti i luoghi della cultura.

Masucci non ci sta: a suo avviso, infatti, le regole per i musei sono già stringenti e l 'obbligo di Green Pass non ha niente a che fare con ragioni epidemiologiche, ma si tratta semmai di un obbligo che rende i musei uno strumento per finalità che niente hanno a che vedere con la loro missione.

"Ritengo innanzitutto utile far presente quali siano, nel rispetto delle misure imposte dall'emergenza sanitaria, le regole attualmente previste in un museo", ha premesso nella lettera con cui spiega le motivazioni del suo gesto. "Nel nostro caso, è stata ridotta di circa due terzi la capienza massima giornaliera, prima dell'ingresso tutti i visitatori sono sottoposti al rilievo della temperatura corporea con termometro senza contatto, è obbligatorio indossare correttamente la mascherina per tutta la durata della visita ed è stata realizzata un'apposita segnaletica orizzontale e verticale volta a garantire il rispetto della distanza interpersonale. In biglietteria e negli spazi visitabili è a disposizione dei visitatori del gel igienizzante per le mani, il percorso di visita è unidirezionale e l'ingresso e l'uscita avvengono attraverso varchi distinti, le audioguide noleggiate vengono sanificate dopo ogni singolo utilizzo e possono essere ascoltate con auricolari propri o con auricolari monouso forniti gratuitamente. Infine, per evitare il rischio di eventuali assembramenti o lunghe code all'esterno, è stata disposta una pianificazione degli accessi finalizzata a garantire la sicurezza dei visitatori: i biglietti sono disponibili online e ogni giorno di apertura viene messa a disposizione solo una quantità residuale di biglietti last minute, acquistabili in biglietteria fino a esaurimento, per fasce orarie esplicitamente indicate. A queste principali misure se ne affiancano altre, che tralascio di aggiungere all'elenco".

"L'Autorità", ricorda Masucci, "ha determinato che l'adozione di tali misure di sicurezza nei musei è compatibile con l'apertura al pubblico. Devo ritenere che, oltre che per ragionamenti di buon senso inerenti alla semplicità ed efficienza con cui si possono regolare i flussi e far rispettare le norme di sicurezza in questi luoghi, tale decisione sia stata presa e venga mantenuta in vigore anche sulla base di rilevazioni statistiche e ricerche scientifiche, che giungono alla conclusione che di tutti i principali luoghi al chiuso aperti al pubblico (assodato che si osservino alcune basilari misure di sicurezza) i musei sono quelli in cui sussiste il minore rischio di contagio".

"Alla luce di tali evidenze, constatate dal decisore politico che ha ritenuto e ritiene tuttora di poter tenere aperti i musei", afferma poi Masucci spiegando le ragioni delle sue dimissioni, " l'obbligo di richiedere l'esibizione del green pass per l'accesso ai musei non è legato a valutazioni di carattere epidemiologico specificamente riferite ai contesti museali, ma è stato considerato esclusivamente uno strumento utile, fra tantissimi altri, allo scopo dichiarato (in sede di conferenza stampa di presentazione, lo scorso 22 luglio, del DL n. 10) di ottenere più numerose adesioni alla campagna vaccinale. Senza assolutamente entrare nel merito dello scopo che ha inteso prefiggersi il Governo, e non avendo ovviamente pregiudizi di sorta nei confronti dei vaccini, obietto tuttavia che i musei non debbano e non possano essere strumentalizzati (nel senso letterale di 'usati come strumento') per ottenere qualsivoglia scopo estraneo alle loro naturali finalità, specie quando tale strumentalizzazione contribuisca inevitabilmente a compromettere, invece che favorire, la coesione sociale, in aperto contrasto con una delle più intrinseche missioni di un museo".

"Durante la grave crisi che stiamo attraversando", dichiara il direttore del Museo Cappella Sansevero, "abbiamo rispettato senza nulla eccepire lunghi periodi di chiusura, quando tale chiusura è stata disposta dall'Autorità sulla base di valutazioni epidemiologiche connesse anche agli ambienti museali. A fronte di ragioni analoghe avrei considerato di poter continuare a dirigere un museo che dovesse rinunciare alla parità di trattamento dei suoi visitatori. Tuttavia, se viene richiesto a un museo di rinunciare alla parità di trattamento per motivi che non possono che essere recepiti come strumentali, in quanto non connessi alla tipologia di spazio e attività, intendo pacatamente ricordare che i musei sono per loro vocazione luoghi di inclusione e che l'accesso paritario all'arte e alla cultura, diritto di tutti, dovrebbe essere sacrificato solo all'esito di ogni sforzo possibile volto a evitare una simile ferita. Mi auguro che le autorità competenti possano riconsiderare una decisione che coinvolge aspetti socioculturali di rilevante interesse collettivo, al fine di risparmiare almeno ai musei, riserva aurea di civiltà, lo scomodo ruolo di bersaglio delle intemperanze dell'arena mediatica. Ci sarebbero anzi le condizioni propizie per fare dei musei un sicuro 'spazio neutro' in cui le persone, circondate dalla bellezza, possano ricominciare a conoscersi e riconoscersi, senza etichettarsi reciprocamente ".

"Per la radicata cultura della legalità che ha sempre contraddistinto la nostra istituzione", sottolinea poi Masucci, "a partire dal 6 agosto anche il Museo Cappella Sansevero, come è ovvio che sia, si adeguerà al rispetto delle regole previste dal DL n. 105 del 23 luglio 2021". Tuttavia, conclude il direttore, "In considerazione di quanto fin qui esposto, non posso però sottrarmi al più forte richiamo della mia coscienza, che mi induce a lasciare (dopo oltre dieci anni e mezzo) la presidenza e la direzione del Museo Cappella Sansevero. Spero che questa decisione venga intesa, qual è, come un semplice gesto di coerenza del mio giudizio e del mio sentire. Desidero ringraziare il Consiglio di Amministrazione, oltre che per il supporto offerto durante il mio mandato, anche specificamente per aver voluto pubblicare la presente lettera sui canali istituzionali del Museo Cappella Sansevero. Il mio più vivo ringraziamento va a tutto lo staff del museo e a tutte le istituzioni e le persone con cui ho avuto il piacere di collaborare in questi anni. Mi rasserena la certezza che il Museo Cappella Sansevero raggiungerà nuovi traguardi e continuerà a diffondere il valore della bellezza e della cultura".

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Il direttore della Cappella Sansevero si dimette per protesta contro il Green Pass

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Fabrizio Masucci, presidente e direttore del Museo Cappella Sansevero, ha rassegnato le sue dimissioni in protesta contro l'applicazione del Green Pass nei musei e in una lettera aperta scrive: "L'obbligo di Green Pass non ha niente a che fare con ragioni epidemiologiche, ma si tratta...

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In occasione del compleanno di Marcel Proust - quest'anno davvero speciale, ricorrono infatti i 150 anni dalla nascita - esce l'antologia proustiana "Sette quadri da La Prigioniera" edita da «La Recherche». Hanno partecipato 86 autori. Il mio racconto "Una meditazione a Spinalonga" si ispira in parte alle suggestioni di Spoon River ed esplora il senso di solitudine che colpisce il malato. Auspicando un riscatto di questa, come di ogni condizione che reprime l'umana libertà, in nome della poesia. Prendetene e leggetene tutti  http://www.larecherche.it/librolibero_ebook.asp?Id=253

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Un'Adorazione dei Magi ritrovata a Roma e attribuita a Rembrandt.
E ancora. A Torino nasce la quarta Galleria d'Italia di Intesa Sanpaolo dedicata alla fotografia.
Presentato il progetto "Terre degli Uffizi", per valorizzare le opere dei depositi e promuovere nello stesso tempo realtà culturali dei centri minori del territorio. Questo e molto altro su «Il Giornale dell'arte» / rubrica "giorno per giorno nell'arte", giugno 2021 https://www.ilgiornaledellarte.com/articoli/giorno-per-giorno-nell-arte/136440.html

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Il frammento ritrovato di Benozzo Gozzoli 

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Il frammento ritrovato di Benozzo Gozzoli 

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Fra le tante opere trafugate dai soldati tedeschi durante la Seconda guerra mondiale c’era anche uno strappo di affresco di Benozzo Gozzoli (1421-1497), portato via dal Camposanto Monumentale di Pisa.
Dopo i meticolosi restauri compiuti con tecniche avanzatissime, questo ritrovamento contribuisce ulteriormente a restituire al Camposanto la propria anima.
https://larno.ilgiornale.it/2021/06/13/frammenti-di-affresco-rubati-dai-tedeschi-tornano-al-camposanto-monumentale-di-pisa/

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Dalla "Comune" delle arti di fine Ottocento alla rissosità in ogni ambito sociale e culturale, prologo di guerra.  Il traumatico risveglio di Vienna e la fine del sogno.
Qui un articolo sui Nabis, eclettiche figure "ponte" di uno strano decennio nell'arte https://margininversi.blogspot.com/2021/04/nabis.html
Si veda anche la singolare vicenda di Friederike Maria Beer, la danzatrice sull'orlo dell'abisso nelle tele di Schiele e Klimt  https://margininversi.blogspot.com/2021/06/schiele-e-klimt-friederike-maria-beer_8.html

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Su «Naturart» numero 39 (maggio-giugno 2021) un servizio intervista per il trentennale di #ViadelVentoedizioni. Si parla tra l'altro delle ricerche di inediti condotte dalla casa editrice, citando come exemplum l'avventura che ha portato alla scoperta delle "Sedute spiritiche" di #ThomasMann.
https://www.claudiaciardi.net/wp-content/uploads/2021/05/Naturart-n.-39-maggio-2021-per-i-trentanni-di-Via-del-Vento.jpg
Per approfondire si rimanda alla pagina tematica nella sezione "Mappe editoriali" https://www.claudiaciardi.net/2021/03/04/via-del-vento/

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Il divisionismo - Una nuova luce accende la pittura

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Il divisionismo - Una nuova luce accende la pittura

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Ancora un paio di settimane per visitare la mostra di Novara "La rivoluzione della luce" (Castello visconteo-sforzesco, fino al 2 giugno). La curatrice, Annie Paule Quinsac, una delle maggiori esperte mondiali del divisionismo, ha difeso e rinnovato l'allestimento per quasi due anni, sfidando le forzate interruzioni a causa della pandemia; una scelta ambiziosa e coraggiosa. https://www.lavocedinovara.com/eventiecultura/da-new-york-a-novara-per-ammirare-il-divisionismo-con-annie-paule-quinsac/
Dalla rubrica "Vissi d'arte", ripropongo qui l'articolo per il lancio del documentario con cui la Nexo Digital celebrò Segantini nel 2016/2017, cui ha partecipato anche la Quinsac. https://margininversi.blogspot.com/2017/01/segantini-ritorno-alla-natura.html

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Sulla copertina di «Borghi magazine» (maggio 2021) fluttua la cupola-omphalos di Pistoia. Un invito a scoprire la città dove i muri e le case trasudano immaginazioni letterarie.

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In occasione delle celebrazioni per i duecento anni dell'indipendenza greca (1821-2021), nell'ambito dei rapporti di scambio culturale tra Italia e Grecia, si invita alla lettura di Konstantinos Kavafis, Una notte a Kalinteri  [Mία νυξ εις το Kαλιντέρι], Via del Vento edizioni (2020), una raccolta di rarissime prose dello scrittore alessandrino, realizzata in collaborazione con Androniki Didaskalou.
Per approfondire si rimanda alla sezione libri e alla relativa nota bibliografica https://www.claudiaciardi.net/libri/
Offriamo infine la traduzione greca della poesia "L'infinito" di Giacomo Leopardi.

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Auf den Spuren der Kunst
Mostre, cataloghi, gallerie, musei, centri espositivi. Uno sguardo alle principali rassegne d'arte degli ultimi anni e agli spazi che le hanno ospitate. Rimandi alle mie monografie su Klinger, Kollwitz, Modersohn. Gli articoli su alcune serie di miei disegni e inchiostri.
https://margininversi.blogspot.com/p/vissi-darte.html

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Una gallery delle mie principali pubblicazioni
https://margininversi.blogspot.com/p/i-miei-libri.html
Di seguito una nota bibliografica con la lista dei titoli, i codici ISBN, i link agli articoli di approfondimento
https://www.claudiaciardi.net/2021/03/08/nota-bibliografica/
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