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Apreciación del Arte - 2021

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Titulo: Los suicidas del Sisga II                                Artista: Beatriz Gonzáles
Fecha: 1965                                                                 Dimensiones: 120 x 100 cm

La obra Los suicidas del Sisga II por Beatriz Gonzáles es una pintura realizada con la técnica Óleo sobre lienzo. En ella podemos ver dos personas, una hombre y una mujer (de la cintura hacia arriba) tomados de la mano, mientras sostienen un ramo de flores blancas entre ellos. Ambos personajes tiene la mirada hacia el frente y están sonriendo, transmitiendo tranquilidad a partir de su expresión amigable. La obra cuenta con una gran variedad de colores, entre los cuales se observa gris oscuro, naranja, rosado, verde, blanco, amarillo y tonalidades de cafe; cabe resaltar que ninguna de los colores usados para el fondo, se reutilizan en el retrato de los personajes, lo cual hace una evidente división, entre el fondo y de las figuras en primer plano (personas y ramo de flores). En la obra de Gonzales podemos identificar lineas orgánicas y geométricas, las primeras se encuentran en la silueta del hombre y la mujer, y se encargan de delimitar sus cuerpos, configurar sus expresiones y demarcar la vestimenta que utilizan, al igual que permiten crear la sensación de volumen, pues a pesar de no tratarse de una imagen de perspectiva, las lineas curvas de sus cuerpos indican una contextura que rompe la idea 2D. Mientras que encontramos lineas geométricas no explícitas en el fondo puesto que este se compone de un conjunto de rectángulos (no perfectos) de tres colores. Por otro lado, podemos hablar de lo obra como una pintura balanceada, pues de trazar una linea por el centro, encontramos que cada personaje se encuentra a un lado de ella manteniendo un equilibrio visual en todo el espacio. Lo anterior es muy interesante porque a pesar de que cada personaje tiene su propio espacio, ambos se encuentran unidos por sus manos y establecen una relación entre si al dirigir la mirada al mismo punto, incluso es posible suponer que se trata de dos personas cercanas que podrían ser esposos.
Adicionalmente, encuentro un punto focal en el ramo de flores (rosas), puesto que ademas de ser de color blanco y resaltar por encima de los demás elementos, supone un punto de unión entre los personajes quienes corporalmente sujetan el ramo como una ofrenda.

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Entrar (de forma virtual) al Museo de Arte Miguel Urrutia es muy agradable porque cuenta con un espacio amplio en el que se pueden apreciar con gran facilidad cada una de las obras expuestas, pues se encuentran ubicadas alejadas entre si, de tal forma que ninguna interrumpe el espacio visual de la otra. Este museo cuneta con dos grandes salas de exposición, espacios para realizar talleres e  incluso un auditorio con capacidad de 160 personal, lo que lo hace un lugar muy versátil para aproximarse al arte de distintas formas. Además, los tres pisos con los que cuenta MAMU fueron inaugurados en el 2004, a partir de una remodelación estructural dirigida por el arquitecto bogotano Enrique Tiana Uribe, proyecto con el cual recibió el Premio Nacional de Arquitectura en el 2006.
Al entrar en el museo nos encontramos con espacios muy similares entre si, que cuentan con paredes color blanco y pisos de madera clara. Personalmente disfruto mucho cuando las obras se encuentran exhibidas con blanco a su alrededor ya que al tratarse de un color neutro podemos como espectadores disfrutar mucho mas las pinturas y esculturas que se presentan porque no existe ningún tipo de distracción que compita visualmente con ellas. Finalmente, puede notar que el museo no cuenta con una gran fuente de luz natural, sin embargo cada espacio tiene una iluminación artificial direccionada a las paredes lo que permite apreciar la exhibición sin problemas.
Finalmente me gusto que en el recorrido virtual cada pintura tiene un circulo en el que puedes hacer clic y sale la información básica de la obra y una ampliación de la imagen.

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Visita: 6 Mayo, 2021

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El Museo de Arte Miguel Urrutia también conocido como MAMU, se encuentra en Bogotá, Colombia y es uno de los museo de artes plásticas mas completos de Latinoamérica. Este museo expone arte local e internacional del siglo XVI hasta hoy y cuenta con mas de 4500 obras incluyendo exposiciones permanentes y temporales. Se encuentra ubicado en el centro histórico de la capital del país y forma parte de complejo cultural de la biblioteca Luis Ángel Arango. Un dato curioso de este museo es que pertenece al Banco de la República y fue abierto al público en el año 1996

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Titulo: 'TK' Thembi Khumalo, BB Section Umlazi Township, Durban
Artista:  Zanele Muholi
Fecha: 2012

La obra presentada a continuación es una fotografía de Zanele Muholi, una reconocida fotógrafa y activista sudafricana, cuyo arte busca detener el racismo y la intolerancia hacia la comunidad homosexual.
En la fotografía podemos identificar un hombre de tez oscura como foco principal de la obra, pues se trata de un retrato en primer plano de un joven desde la cintura hacia arriba, quien viste con una camisa principalmente  blanca  y solo tiene descubierto los antebrazos los cuales no podemos ver en su totalidad porque se encuentran escondidos detrás de su espalda. Con respecto al color, se utiliza la escala de grises, lo cual resaltar las facciones del individuo y nos permiten identificar con mayor facilidad el origen de la luz que se refleja sobre él.  Esto lo podemos ver principalmente en su rostro, pues al haber zonas más claras que otras, podemos suponer que la luz llega a él de frente (detrás de la cámara). Además, ocurre un cambio drástico de color causado por la vestimenta del personaje,  la cual al ser predominantemente blanca genera un contraste muy interesante, pues a pesar de ser una imagen en blanco y negro esta zona nos hace percibir otros colores,  casi como si los estuviéramos viendo. Por otro lado, es muy llamativo las lineas que se muestran en la obra; en primer lugar los espirales del fondo que se presentan de manera repetitiva de izquierda a derecha acompañan la figura del hombre y las lineas geométricas y orgánicas en el diseño de la camisa generan un sentimiento de simetría y balance en la imagen ya que pareciera que al dividirla en dos, sería posible encontrar la misma cantidad de objetos a ambos lados. Además el hecho de que el personaje se encuentre estrictamente en la mitad del espacio presentado, crea un enfoque hacia su rostro, su expresión y posteriormente los detalles de su vestimenta. En cuanto a la textura, quisiera resaltar como esta cambia a partir de la cercanía o lejanía en la que se encuentre el objeto, ya que es evidente como la autora realiza un desenfoque en los objetos del fondo con el fin de enfatizar al retrato del personaje, y desde un primer plano permitir que los espectadores logren percibir cada detalle del hombre desde lineas de expresión hasta el material de su camisa.
Finalmente, me parece muy interesante lo que la fotógrafa logra crear con la mirada del hombre, pues a pesar de tener una postura corporal poco desafiante, su mirada fija transmite un sentimiento de seguridad y determinación que incluso puede llegar a representar una actitud imponente y de mucha fortaleza.

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Entrar (de forma virtual) al museo Guggenheim de NY, invita a apreciar el arte desde un primer momento con la arquitectura de la edificación. Este fue construido por el arquitecto estadounidense Frank Lloyd Wright quien busco romper con la monotonía de la ciudad y construir el museo a partir de curvas orgánicas. El centro de la edificación se podría describir como un cilindro de seis pisos, con un gran vacío en el centro que permite apreciar la magnitud del espacio y desde cualquier posición llegar con la mirada a cada uno de los pisos.  Una de las cosas más llamativas de la vista a este museo fue el hecho de que para cambiar de que el recorrido se realiza siguiendo el perímetro del cilindro, de tal forma que solo con caminar en dicha dirección puedes subir o bajar los pisos sin ningún tipo de escalera. Lo anterior genera un sentimiento de continuidad por tratarse de una circulación en espirar sin fin que permite disfrutar de las obras expuestas a medida que se avanza sin ningún tipo de interrupción.
Adicionalmente, en este museo, tanto los pisos como las paredes son de color blanco lo cual atrae la mirada de los espectadores a las obras de forma directa. De la misma forma en que la luz proveniente de una cúpula en vidrio, junto con luces artificiales se reflejan en el blanco dando más luminosidad al espacio a medida que se va ascendiendo a los pisos superiores.

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El museo Guggenhwim ubicado en Manhattan, Nueva York es la casa de obras impresionistas y post-impresionistas donde se incluyen colecciones de arte moderno y contemporáneo. El conjunto de obras expuestas es han recopilado durante mas de 8 décadas y al año el museo recibe un aproximado de 1.2 millones de visitantes.
Además de la grandes obras que se exponen, este museo fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en el año el el año 2019 y es considerado una de las grandes obras de arquitectura del siglo XX.

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Visita: 3 Mayo, 2021

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Titulo: Autorretrato con traje de terciopelo            Artista: Frida Kahlo
Fecha: 1926                                                                 Dimensiones: 125 x 170 mm

La obra Autorretrato con traje de terciopelo de Frida Kahlo, es una pintura en óleo, considerado como la primera obra de arte profesional de la artista.  En ella podemos evidenciar (como su nombre lo dice) un autorretrato como figura principal y punto focal de la pintura, al igual que un fondo donde se representa el cielo y el mar. Los colores utilizados por Frida son a grandes rasgos tonalidades de azules, rojos, amarillo, ocre claro, blanco y cafe; enfrentando así colores fríos y cálidos en el fondo y en el personaje. La obra esta compuesta por lineas orgánicas las cuales juegan un papel muy importante en el fondo, pues a partir de estas lineas se da forma a olas pronunciadas en representación del mar. Adicionalmente, se utilizan lineas de menor grosor para delimitar la figura del personaje, construir facciones y resaltar la delicadeza de algunas partes del cuerpo como las manos, el cuello y los elementos del rostro. En cuanto a la luz, la obra consigue general luminosidad por medio de los colores empleados, pues al usar en la piel un color claro que contrasta con los azules y rojos oscuros que componen el resto de la obra, se crea un efecto de luz que resalta al personaje por encima de todo lo demás. Adicionalmente, podemos identificar balance es este autorretrato pues no existe una zona recargada dentro de la obra, por el contrario, se encuentra el personaje casi en el centro y pareciera que si se divide a la mitad, se podría encontrar la misma proporción de elementos a ambos lados de la obra. Por otro lado, al analizar la textura empleada, se encuentra que es mayoritariamente lisa, pues a pesar del detalle del rostro de la mujer, no es posible identificar las texturas de los materiales de ciertos elementos como el traje que lleva puesto el personaje, pues solo es posible saber que este es terciopelo por el nombre de la pintura. Finalmente, en cuanto al espacio es evidente que se trata de una pintura de primer plano donde se busca enfocar la imagen de Frida, sin embargo, si existe una noción de profundidad que nos permite como espectadores reconocer al personaje como una imagen tridimensional e identificar la lejanía de un mar que sigue sin ninguna interrupción hasta unirse con el cielo.

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Entrar (de forma virtual) al museo de Frida Kahlo es una experiencia muy distinta en comparación con la visita a los otros museos. En esta ocasión, a pesar no tratarse de una gran edificación con una historía arquitectónica  pensada para una exposición, sentir la aproximación a la artista desde un contexto mucho más personal y cercano, es muy significativo y le da mucho más valor  a sus obras ¡, pues estas posiblemente fueron pintadas entre esas mismas paredes. La Casa Azul, fue la residencia donde vivió Frida la mayor parte de su vida, pues allí vivió con su familia y posteriormente con su esposo Diego Rivera. Allí, los visitantes se encuentran con salones de exposición de sus obras al igual que colecciones temporales, pero también es posible ver zonas de la casa original como la cocina, el comedor y otros ambientes que llevan a sentir la cotidianidad de la vida de la artista.
La iluminación natural esta limitada por las ventanas originales de casa, razón por la cual existen salones completamente cerrados, sin embargo hay una adecuación de luz en los techos que genera una perfecto alumbrado para presenciar la  pinturas, elementos, fotografías,  (etc) expuestas. Adicionalmente, en la parte interior, todas las paredes son de color blanco, los pisos amarillos y los marcos de las puertas y ventanas de color verde. Esta paleta es muy interesante, por que los colores llamativos, complementan la idea de la paleta de colores que la artista utilizó para la creación de sus obras, sin embargo el blanco de las paredes (como color fondo), permite que cada una de las obras expuestas se resalte y sea fácil de apreciar en detalle.

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El museo Frida Kahlo también conocido como La Casa Azul, esta ubicado en el centro de Coyoacán, - Ciudad De Mexico y es uno de los lugares más turísticos de la zona. Este solía ser la casa de la artista junto con su esposo Diego Rivera. El museo, fue inaugurado juego de su fallecimiento en el año 1958, y en el se exponen tanto obras artísticas como el ambiente en el que Frida vivió y creo su arte. Allí podremos encontrar pinturas de Frida y de su esposo, obras de arte popular, fotografías, esculturas precolombinas, libros,  documentos y objetos personales de la artista.
Adicionalmente, el museo Frida Kahlo, cuenta con 10 salas de exposiciones de las cuales 5 son permanentes y las otras 5 son de carácter temporal, al igual que existe la posibilidad de entrar a zonas de la casa como lo son la cocina, el cuarto, el estudio, entre otros.

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Visita: 29 abril, 2021

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Titulo: A Street in Paris in May 1871           Artista: Maximilien Luce
Fecha: 1903/1906                                          Dimensiones: 2250cm x 1510cm

La obra A Street in Paris in May 1871 es una representación realizada por Maximilien Luce de la Comuna de París en 1871. En la obra podemos identificar cinco figuras humanas, todas en el suelo, representando víctimas mortales del conflicto ocurrido en aquella época. Cuatro de estas víctimas son soldados, quienes se encuentran vestidos con el uniforme y aún se encuentran con sus armas de fuego. La última víctima es una mujer, ella se encuentra boca arriba e inconsciente. Lo interesante de este personaje es que no posee ningún elemento de guerra o que haga alusión a ello, de hecho ni siquiera se le ve sangrar, sin embargo como espectadores reconocemos en su rostro, que se trata de un cadaver. La luz empleada por el artista en esta obra es muy interesante, por dos motivos. Primero, vemos que en esta ocasión la luz no determina el punto focal de la pintura, todo lo contrario, aquello que llama la atención se encuentra en una sombra explícita, que da la impresión de ser natural, pues mantiene la forma de edificaciones que suponemos se encuentran en la zona izquierda del suceso. Así mismo la luz genera emociones, porque al tratarse de la representación de un día soleado, da la impresión de que el artista quisiera representar un acto violento como una nueva cotidianidad de la época, dandole a la obra un carácter de denuncia. En cuanto a la textura, se puede evidenciar mayor detalle en los cuerpos que se encuentran más próximos al espectador en comparación con el fondo constituido por casas y edificios de una calle. Es posible observar con claridad las facciones de los rostros de los personajes, los dobleces de sus vestimentas y los elementos que llevan con ellos (maletines, armas, etc). En cuanto al balance, podemos observar que se trata de una obra recargada en su zona inferior, pues aquí es donde se centra la historia que se pretende contar, mientras que el resto de la obra busca simplemente establecer un contexto e ubicar la escena en un lugar en específico. Finalmente, en términos de espacio, nos encontramos con un lugar bastante amplio,  abierto y profundo. Esta sensación es creada gracias a las lineas de perspectiva que utiliza el autor en el fondo, con el anden de la calle y las edificaciones que se encuentran junto a este, al igual que, las construcciones representadas en la zona superior izquierda crean la sensación de lejanía y horizonte.

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Entrar (de forma virtual) a una edificación como la del Museo de Orsay es muy interesante, pues se trata de una antigua estación de tren que funcionó como tal hasta 1939. Esta estación fue abandonada hacia el fin de la guerra mundial y no fue hasta el año 1977 que se decidió transformarlo en la sede del museo, para su posterior inauguración oficial en 1986. Es muy llamativo ver como al día de hoy, a pesar de todas las remodelaciones y adecuaciones que este a sufrido con el paso de los años, se mantiene el concepto de la estación y su contexto pasado.
Los techos altos de la zona central del museo hace que las esculturas presentadas en dicho lugar tengan un espacio propio y puedan ser apreciadas en su magnitud y detalles. De la misma forma que cuanta con diversos salones de paredes azul oscuro y pisos de madera oscura que generan espacios de poco color, con el fin de resaltar las obras allí expuestas. Finalmente, me gustaría mencionar los marcos utilizados para presentar las pinturas. Todos ellos, a pesar de ser diferentes en diseño, son de color amarillo oro, color complementario al azul de las paredes, lo cual fomenta el protagonismo propio de cada pintura independientemente de su tamaño o ubicación.

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Ubicado en Paris, Francia el museo de Orsay, dedicado a artes plásticas de siglo XIX, expone más de 5000 pinturas, de las cuales se incluye la mayor colección de obras impresionistas y post-impresionistas del mundo. Además de su gran atractivo por las pinturas expuestas, en este museo es posible encontrar diversas formas de arte, entre las cuales se incluye arquitectura, escultura, artes decorativas, cine, fotografía e incluso música.
El museo se ha convertido en un espacio cultural para todos sus visitantes, por medio de manifestaciones como teatro, conferencias, espectáculos, entre otros. Adicionalmente, cuenta con un auditorio en el cual se lleva a cabo el festival anual consagrado al cine, dirigido especialmente para un público joven.

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Visita Virtual: 27 abril, 2021

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- Rembrant
(obra más visitada de todo el museo)

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Titulo: Musial Company                Artista: Remrandt Harmensz
Fecha: 1629                                    Dimensiones: 63.5cm x 48cm

En la obra Musical Company, pintada con la técnica óleo sobre tabla, podemos apreciar un interesante manejo de la luz llevado acabo por su autor su creador Harmensz. Se evidencia un espacio cerrado con una única frente de luz a la izquierda de la pintura, que ilumina los rostros de los cuatro personajes de la obra y todo el cuerpo de dos de ellos (la mujer sentada con un atuendo rojo con blanco y el hombre vestido de azul tocando un chelo), al igual que la luz resalta los objetos tirados en el suelo, los cuales corresponden a libros aparentemente desgastados y una mesa con un mantel verde esmeralda. En cuanto a la textura, se observa alto grado de detalle especialmente en los objetos con los que interactúan los personajes como los son el chelo, los libros, el mantel y sus vestimentas, pues de estos elementos es sencillo imaginar sus materiales e incluso intuir como se sentiría tocarlos. Asimismo, evidenciamos un desenfoque en elementos de la pintura que a pesar de tener un papel en el acto de la obra, pierden protagonismo, como por ejemplo el cuadro ubicado en la zona superior izquierda, que a pesar de crear un ambiente en la pintura, su contenido pierde importancia ya que el artista simplemente lo representa con trazos gruesos y pocos detalles, dando a conocer su existencia sin un mayor sentido de enfoque. En términos de espacio, se percibe en la obra un lugar poco profundo y cerrado, que limita la movilidad de los personajes y los obliga a permanecer uno al lado del otro sin mayor libertad de movilidad, pero sin generar un sentimiento de incomodidad o encierro. En cuanto a principios de de la composición, encontramos unidad en toda la obra, tanto por la luz en común que acompaña a todos los personajes,  como por el lenguaje corporal de cada uno de ellos, quienes a pesar de no tener un contacto físico explícito entre sí, si parecen estar pendientes de las acciones del otro e incluso disfrutar de la compañía. En cuanto a la proporción/escala, se encuentra una coherencia entre las figuras (personajes y objetos) y sus respectivas dimensiones, lo que nos da a entender que el autor de la obra buscaba recrear la realidad con la mayor exactitud posible, respetando las magnitudes y tamaños de todo aquello que quizo representar.

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Entrar (de forma virtual) a una edificación que tiene más de un siglo de construido es de por si, apreciar arte desde su arquitectura. Es evidente desde su fachada la majestuosidad del museo y el hecho de que arquitectos contemporáneos, que llevaron a cabo remodelaciones internas dentro de la construcción, hayan sido capaces de adecuar los espacios frente a las necesidades del museo sin desvirtuar ni dejar de lado la esencia de la edificación, fortalece el propósito de las obras artísticas expuestas, que es exponer a los espectadores la cultura e historia de la sociedad holandesa por medio del arte. Internamente en el museo, los techos elevados en la mayoría de salas, al igual que los colores neutros (azul oscuro, gris, ...) de las paredes hacen que cada una de las obras resalten  y se puedan apreciar con mayor detalle, pues la sensación de estar en un espacio visualmente grande, donde pareciera que cada obra tuviera su propio espacio sin interrupción de otro objeto, hace que cada una de ellas destaque por si misma. Así mismo me llamo mucho la atención los marcos de los cada uno de los cuadros, pues que todos sean diferentes, con texturas, colores y dimensiones distintas, hace mucho mas interesante y llamativo el paso por las pinturas. Finalmente, considero importante mencionar las entradas de luz dentro del museo que en su mayoría son de luz natural, por medio de ventanales y claraboyas. Esto es un punto muy valioso en la experiencia de la visita al museo, pues la iluminación a las cuales las pinturas u otros objetos artísticos se encuentran expuestos, por tratarse de una fuente natural es decir variante, puede llegar a generar distintas sensaciones a los visitantes.

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Ubicado en el centro de la ciudad de Amsterdam, el museo Rijksmuseum es considerado el museo nacional de Holanda, y la casa de una gran colección de arte y objetos históricos Holandeses. Este museo contiene obras contextualizadas desde el año 1100 hasta la actualidad. La mayoría de las obras expuestas contienen un carácter histórico y/o cultural, que hoy se consideran iconos para la sociedad holandesa.
Actualmente, este museo cuneta con 80 habitaciones que contienen cerca de 8000 objetos de arte holandés, de los cuales se resaltan las obra "La ronda de Noche" de Rembrant y pinturas de famosos artistas del siglo XVIIcomo Vermeer, Jan Steen y Frans Hals.

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Visita virtual: 21 abril, 2021