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Obras y espacios que llamaron mi atención 

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Obras y espacios que llamaron mi atención 

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Mi papá es fan de Beatriz y en la casa tenemos uno igualito

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Esta obra llamó mi atención pues tiene un estilo similar a las obras de Van Gogh y como exprese anteriormente tengo admiración por él y su estilo.

La obra presenta colores fríos como el azul, verde y vinotinto y un poco cálidos como el amarillo y el naranja.  Entre los colores fríos y cálidos se genera un contraste.  El uso de colores claros y oscuros se hace para generar un efecto de sombras e iluminaciones.Es un lugar sombrio.  El amarillo lo utiliza la artista para mostrar darle sensación de calidez representando  la iluminación y la luz de las lámparas del lugar.  También utiliza el azul y el gris (tirando a negro) para mostrar las sombras,  los puntos donde no hay luz o donde un objeto tapa la luminosidad. Los otros colores son un poco más oscuros los cuales hacen que los objetos y las personas se vean más realistas.  El color vinotinto utilizado en las paredes hace ilusión que la pared tiene textura como tipo terciopelo. Adicionalmente las diferentes pinceladas en la obra generan un sentimiento de antigüedad en las líneas.

La artista utiliza diferentes tipos de líneas para generar perspectiva de fondo.  Además utiliza líneas de contorno y líneas orgánicas, pues son las líneas que definen  a los objetos como las lámparas, las mesas como la de billar,etc . Se puede observar a simple vista líneas implícitas en las paredes, las cuales generan perspectivas de fondo.

Hace uso formas geométricas como la ventana rectangular y las lámparas circulares.
Las figuras se encuentran a escala muy realista.

Considero que la obra tiene un balance asimétrico. Sin embargo, pienso que hay uniformidad en la importancia que se le da a los elementos de la obra. La mesa de billar, las otras mesas, las lamparas, las ventas y las persona presentadas, están situados de tal manera que toman una importancia dentro de la obra.

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Me pareció curioso ver dos obras que son y representan lo mismo, lo único que cambia son algunos colores.
Investigue la obra  y es una una pintura que representa una foto tomada en la tienda de fotografía La Industria de la ciudad de Bogotá,donde  un jardinero y su enamorada una empleada doméstica posan con un ramo tipo matrimonio. El convence a su novia que el mundo está impregnado de pecado, y es preferible morir antes que someterse, por lo que se toman esta foto, le escriben cartas a sus familiares y sobre las intenciones que tenían. Luego se lanzaron al vacío recien inagurada la represa del sisga.
Este cuadro es una  exploración gráfica a partir de relatos periodísticos que crean de cierta forma memoria.
Me parece interesante como ella juega con la paleta de colores pues son colores tan vivos y pensar que  detrás de esos coles la historia es tan oscura y triste.
Uno si mira la obra y no sabe su nombre ni investiga el significado detrás, pensaría que es una obra alegre y común y corriente.

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La exposición es la primera exposición individual de Beatriz González a gran escala, tanto en Estados Unidos como en Colombia. Me gusto mucho esta exposición porque Beatriz es una gran artista, logra representar verdades, sentimientos y temáticas importantes en sus obras. Esta exposición es  un acercamiento analitico a la pintura, el dibujo y grabado. Me pareció interesante leer que ella se considera una pintora de provincia, porque su trabajo cuestiona la relación de subordinación entre las regiones marginadas (como en la que ella vivió) y los centros tradicionales de producción artística y cultural representados por Europa y Estados Unidos. Sus composiciones para mi representan una ironía, de manera crítica a las clases, el género, la etnicidad y el gusto.

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 Museo  de Arte Miguel Urrutia                                        Exposición Beatriz González: Una retrospectiva             7 Septiembre 

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 Museo  de Arte Miguel Urrutia                                        Exposición Beatriz González: Una retrospectiva             7 Septiembre 

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El museo Miguel Urrutia está ubicado en Bogotá,Colombia. El museo es un espacio concentrado en  la exhibición de obras  que representan especialmente  el arte colombiano y latinoamericano, pero igual hay de  todo el mundo. Algunas obras forman parte de la colección permanente del Banco de la República, pero también hay exposiciones temporales de diferentes artistas y diversas procedencias. El museo cuenta con obras de diferentes momentos históricos. En un inicio se llamada  Museo de Arte del Banco de la República, pero en el  2016 se nombró Museo  Miguel Urrutia Montoya, en homenaje al economista y académico.

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Esta obra llamó mi atención para hacer el análisis formal. Está escondida en uno de los rincones del museo Guggenheim.  Es una obra de arte muy diferente a las que he analizado en mi bitácora pues es más moderna, diferente y tiene algo especial.  Investigue sobre la artista que hizo la obra, se llama Juliana Huxtable y ella combina y reinventa historias culturales, cuestionando la presentación y percepción de identidad en obras de arte.

En esta obra se evidencia  el uso de las líneas  primordialmente orgánicas generando formas muy orgánicas y naturales, esto se puede ver en toda  la obra pues las líneas  dan  forma a un cuerpo totalmente realista y natural. Además  se hace uso de una figura en forma de círcular (geométrico), la cual  es parte importante en la obra pues es un elemento diferenciado y singular que hace alusión a un sol o una luna.

El uso del espacio en esta obra es bastante evidente. Se hace principalmente por medio de sombras, las cuales generan esta ilusión de bidimensionalidad. Por ejemplo, la sombra que se genera por debajo de la mujer, genera la ilusión de que la mujer tiene volumen y está tapando una luz proveniente de arriba. Así mismo, hay una perspectiva lineal sutil, la cual es evidente en las líneas del horizonte que se juntan en un mismo punto. Así mismo, se evidencia una perspectiva atmosférica al estar el fondo "borroso" y con cierto aspecto atmosférico que genera la ilusión de que esto está más lejos que la mujer.

La mayoría de colores en la obra son fríos es decir el azul y el verde. Sin embargo, se hace uso de colores cálidos pues se  usa amarillo en el pelo y en el "piso" generando un fuerte contraste de colores. Los colores tienen una alta saturación, generando  una sensación "viva" en la obra, la cual es muy colorida. En la obra el color es una forma de marcar puntos focales, los cuales pretenden llamar la atención del espectador. El color amarillo, al ser un color cálido y tener una alta saturación, generando énfasis en la pintura resaltando el pelo y la cara de la mujer. Así mismo el uso de colores es parte central de esta obra, en mi opinión ayuda a generar esta sensación ficticia y mágica de la mujer y el entorno en donde se encuentra.

La relación entre los elementos de la obra es bastante proporcionada. Las partes del cuerpo y rostro de la mujer mantiene una proporción entre ellos, lo cual genera una figura muy realista y natural. Así mismo, la relación con la realidad es difícil de determinar (al no tener otro elemento de comparación), pero parece tener un tamaño real y natural.

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Obras y espacios que llamaron mi atención 

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Obras y espacios que llamaron mi atención 

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Me llamo la atención esta obra que cuenta con la combinación de colores y diferentes figuras geométricas, generando vida a esta obra que representa dualidad y mezcla de elementos de arte. Este tipo de obras representan el cambio drástico que se dio en el arte, donde hoy en día gracias a ese cambio han surgido diferentes movimientos y técnicas que han marcado el mundo y han generado un cambio en la forma de ver y analizar las obras.

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He tenido el privilegio de visitar y apreciar el museo, sus obras y su hermosa arquitectura. La arquitectura es representativa del siglo XX.  Es una hermosa e inigualable estructura en forma cilíndrica, en donde a simple vista no se logra observar que es más angosto en la parte inferior que la superior.  En mi opinión el espacio museal es sencillo y elegante.  Al contar con colores claros y neutros, hacen que la obras  y esculturas resalten y se le de más importancia, aunque en mi opinión en cierto punto del recorrido pensé que  hacía falta de colores como para llamar la atención pero igual las obras hacen que se note menos la rigidez del espacio. Este museo me pareció diferente a los otros pues no cuenta con salas explícitas porque las obras están a lo largo  de las paredes del recorrido circular. Lo interesante es que uno puede acceder a las obras mediante una rampa que une toda la estructura y uno va caminando en forma de espiral y subiendo de piso. Pude ver que este museo contiene obras de arte modernas a diferencia de los otros museos que hemos visitado virtualmente. Es un museo innovador y diferente a otros. Me gusto mucho la combinación de pinturas y esculturas a lo largo del museo.

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Me llamo mucho la atención que muchas de las obras y esculturas del museo, están hechas con elementos cotidianos.  Esta forma de arte es diferente a la que estamos acostumbrados a ver. Me parece muy interesante ver como  diferentes  objetos y materiales pueden relacionarse entre si  para  formar una obra de arte que representa una realidad.  Al ver estas esculturas y obras, creería que los autores invitan a que se pueden hacer cosas espectaculares con el conocimiento que se tiene y  materiales cotidianos (que uno pensaría que no podrían estar en una obra) para ir más allá de lo tradicional y formal  y crear cosas abstractas. Apreciar los objetos cotidianos y ver los mensajes que estos pueden crear. Como por ejemplo

Homeless Lamp, the Juice Sucker por Iván Navarro. Es el carro de supermercado con luces ( representa una crítica de la inequidad del mundo del arte y las dificultades que enfrentan los migrantes para establecer conexiones con el lugar al que se han trasladado, al igual que representa un objeto comúnmente reutilizado por  personas que no tienen hogar y lo usan como transporte y una forma de guardar cosas.)

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El museo de Guggenheim hace parte de una red internacional de museos promovidos por la Fundación Solomon R. Guggenheim. Esta fue  fundada en 1937. El museo de Gugenheim New York es un  centro cultural y una institución educativa,  que se enfoca en especial en los períodos moderno y contemporáneo, a través de exposiciones e investigación   Los espectadores pueden encontrar exposiciones especiales de arte, como también conferencias de artistas y críticos, clases y visitas guiadas por educadores de museos.

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Algunos espacios y obras que me gustaron (aparte de las fotos ya puestas)

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Algunos espacios y obras que me gustaron (aparte de las fotos ya puestas)

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Esta obra a simple vista puede parecer muy sencilla pero si uno mira a fondo tiene varios elementos detrás. Esta fue una de las primeras obras que realizó Frida. Fue justo después de su accidente y se la envió a su novio de ese momento Alejandro Gómez Arias

Líneas y forma :En esta obra se puede evidenciar el uso de líneas. Se utilizan principalmente orgánicas, pues crean figuras orgánicas las cuales constituyen el rostro y demás formas en la obra por ejemplo, la boca, la nariz y las orejas son figuras muy orgánicas que se ven muy realistas. El fondo, está hecho de líneas onduladas en forma de espiral que generan una alusión al agua e ilusión de movimiento, sin ser totalmente realista.Estas líneas que representan el mar, muestran lo que ella estaba sintiendo,el tormento por el que ella estaba pasando y  los pensamientos en constante movimiento. Adicionalmente,el uso de líneas geométricas también es evidente en algunas partes del autorretrato tales como el cuello y brazos. Se puede decir que  la combinación de las líneas que generan figuras y formas, tanto geométricas como orgánicas interaccionan entre sí para así darle vida a este autorretrato de Frida. La combinación se logra evidenciar también en el abrigo, en donde se generan figuras geométricas y orgánicas para dar este detalle y decoración a vestimenta.

Color: A simple vista se puede ver que la obra cuenta con una paleta de tonalidades frías,oscuros y un poco cálidos, los cuales permiten interpretar que quiere reflejar su soledad y tristeza. Se compone de los colores primarios como el rojo, el azul y el amarillo. También  se hace uso de colores neutros como en el pelo y en la piel. Los colores son tanto cálidos como fríos generando un contraste y balance de colores. Se puede ver que el fondo es monocromático, pues cuenta con una combinación de azul con diferentes variaciones de saturación.

Proporción y escala: En mi opinión se puede evidenciar que la relación entre los elementos de la pintura están ligeramente desproporcionados. Por ejemplo el cuello y el tronco de Frida son proporcionalmente mayores que los elementos en el rostro y existe una desproporción entre ambos hombros de frida, el hombro izquierdo  está muchos más largo que el derecho. En cuanto a la escala, la  proporción de los diferentes elementos se ve un poco surrealista. El hecho de que el autorretrato de  Frida  se encuentre en primer plano, hace que los espectadores se fijen en ella en detalle.

La obra cuenta con un balance asímetrico, pues el cuerpo de Frida está más hacia la derecha que la izquierda, pero el hecho de que la cabeza este volteada ligeramente a la izquierda a simple vista genera balance.

El espacio en esta obra es bastante ilusorio pues se logra inferir que Frida está por delante del mar y que este está al  fondo. Sin embargo, considero que esta ilusión no se da por un efecto, puesto que la obra es bastante plana; se da por la posición en primer plano en la que Frida está, adicionalmente el tamaño del cuerpo de Frida es bastante y  da la ilusión de que está más cerca que el resto.

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Esta obra llamó mucho mi atención, pues el componente artístico y emocional está muy presente. Un tema muy recurrente en las obras de Frida es el embarazo y la maternidad. Ella a sus 18 años sufre un accidente de bus grave, donde los médicos le dijeron que era poco probable que ella quedara embarazada. Esta obra tiene muchos elementos simbólicos  que ayudan a expresar un sentimiento y un mensaje. La escena de la sala de cirugía para mi representa el dolor tanto emocional como físico de las múltiples cirugías que tuvo después del accidente donde perdió la posibilidad de ser madre.  El cuerpo desnudo sobre la cama donde se le ve el interior del vientre, muestra el anhelo que ella tenía de ser madre, ademas para mi el bebe pintado alado representa tal vez las pérdidas que alcanzó a sufrir. Los frascos que se encuentran en la derecha superior pueden representar remedios caseros para intentar quedar embarazada. En mi opinión esta obra refleja todo lo que ella sufrió, todo por lo que ella tuvo que pasar y el sueño que nunca pudo cumplir.
Los símbolos que ella emplea en la obra, algunos difuminados(representan cosas del pasado) crean una obra llena de anhelos y recuerdos.
Me llamó la atención los colores que predominan en la obra, el rojo y el blanco. Personalmente estos colores los relaciono con el contexto de clinica, salud, cuerpo humano y sufrimiento.

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El espacio museal de Frida Kahlo me pareció muy lindo, a pesar de ser bastante diferente a los que hemos visitado virtualmente y a los museos "tradicionales". Este museo tiene su encanto. Me gusto mucho los colores de la casa y el ambiente, pues buscan transmitir la admiración por la cultura mexicana. La Casa Azul, da vida a la historia memorable de Frida y sus obras que han llegado a todas partes del mundo. El hecho de que el museo sea en su casa, nos permite a los visitantes vivir una experiencia más cercana, enriquecedora y real al ver sus obras. Una experiencia que vale la pena recordar pues al ver sus vestidos llenos de colores, su cuarto, su estudio, su cocina,etc, nos permite entender mejor su historia y el contexto de las obras.

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El Museo de Frida Kahlo está ubicado en la Casa Azul en Ciudad de México donde ella nació, vivió y murió. Desde su construcción en 1904 perteneció a la familia de la artista y 4 años después de su muerte en 1958 fue convertido en un museo. Este museo conmemora a la artista más reconocida en el mundo, pues cuenta con la mayoría de sus obras de arte y cosas del entorno que la rodeaba que permanece intacta.  Mientras Frida vivió allí la llenó arte popular, colores y artículos prehispánicos para mostrar su admiración por las culturas y pueblos de México. Esto mismo intento reflejar siempre en sus obras.

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The Church in Auvers-sur-Oise, View from the Chevet 1890

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The Church in Auvers-sur-Oise, View from the Chevet 1890

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Escogí esta obra para hacer el análisis formal porque considero que Vincent van Gogh es un excelente pintor que aplicó diferentes elementos en sus obras que dan mucho de que hablar.

Van Gogh utiliza en toda su obra diferentes tipos de líneas que generan diferentes interpretaciones. Se pueden encontrar líneas geométricas que ayudan a  constituir diferentes partes de la edificación de la iglesia. También hace uso de  líneas orgánicas. Estas tienen un rol importante en la obra pues  crean efectos de movimientos y figuras orgánicas.
El uso de  líneas en diferentes colores y tonos crean detalles en la obra. Por ejemplo, en el camino, en el cielo y en el pasto, se pueden ver diversas líneas que constituyen una gran parte  de estos espacios, generando textura y detalle.

La obra tiene principalmente colores fríos como el azul y el  verde. Sin embargo, se puede observar una presencia de colores cálidos como el rojo y amarillo, que a pesar de no ser tan abundantes, en realidad generan balance total de la obra. El uso de colores claros y oscuros se hace para generar un efecto de sombras e iluminaciones. Por ejemplo, el verde más oscuro se usa en las zonas de pasto donde se da la ilusión que la iglesia crea una sombra, mientras el verde clarito da ilusión del pasto bajo la luz del sol.

Es muy interesante ver cómo a pesar de no presenciar puntos de luz explícitos, se lograr inferir a través de diferentes herramientas, principalmente el color. Se puede observar que en el cielo, hay diferentes tonos de azul, lo que permite inferir que los puntos de azul más claro tienen un mayor grado de luz. Este efecto genera un cielo muy realista simulando la luz natural y lo mismo sucede con los diferentes tonos de verdes. El verde oscuro deja inferir que la edificación de la iglesia genera sombra y el verde clarito, representa el pasto que recibe luz natural

Considero que la obra tiene un balance asimétrico. Sin embargo, pienso que hay uniformidad en la importancia que se le da a los elementos de la obra. La iglesia, los caminos y la persona presentada, estas situados de tal manera que toman una importancia dentro de la obra.

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Las obras de Van Gogh siempre me han gustado, pero esta me ha llamado mucho la atención.  Personalmente pienso que este autorretrato  refleja como él se sentía, lo que él pensaba de sí mismo, lo cual puede ser diferente a como los otros lo veían.  El uso de las líneas y los colores lo hacen una obra interesante de analizar. El fondo está hecho de líneas orgánicas, las cuales generan un efecto de movimiento, dando a entender que estas representan lo que él sentía y lo que pensaba, lo cual puede ser confusión y tristeza profunda.  Yo pienso que los autorretratos más allá de mostrar cómo uno se ve en el espejo (por fuera), permiten mostrar cómo uno se siente (por dentro).

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La obra de Vincent van Gogh siempre ha llamado mi atención.  Personalmente pienso que tiene una gran similitud con la obra " la noche estrellada".  Van Gogh hace un muy buen uso de elementos como la luz y el color. En la obra se puede apreciar cómo juega con la luz reflejada en el agua y el uso de colores oscuros, para así generar un efecto de noche bastante realista.

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En este museo también me llamó mucho la atención que las  obras están enmarcadas en diferentes tipos y tamaños de marcos. En mi opinión, la variedad de marcos juegan visualmente con la obra y su color. Para mi los cuadros y sus marcos deben  deben generar armonía.

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Me llamó mucho la atención que muchas de las obras que hay en este museo son retratos de diferentes personas.

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El Museo d´Orsay se encuentra en un edificio que antes era una antigua estación de tren. Al entrar me impresionó su  hermosa estructura, con espacios grandes y ventanales en el techo y las paredes los cuales permiten contar con gran luminosidad. En mi opinión, al ver la edificación y su estructura a simple vista, lo considero una obra de arte.  Al observar el edificio por fuera se pueden ver dos relojes antiguos que demuestran la historia y el contexto del edificio( típica estación de tren).  En mi opinión como espectadora  la estructura, las salas, las escaleras y en general todos los rincones que se pueden visitar virtualmente, están conectados y decorados con colores neutros y azules para mostrar unidad y le dan una connotación artística.  Me llamó mucho la atención cómo el museo contrasta la antigüedad con modernidad.

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El Musée d´Orsay  está ubicado en el centro de París, a  la orilla del río Sena, frente a los Jardines de las Tullerías.  Fue construido en 1899 como estación de tren e inagurado como museo en 1986. El museo cuenta con la colección más grande  de obras impresionistas del mundo, con obras maestras tanto de  pintura como de escultura del siglo XIX( 1848-1914).

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Esta obra llamó mi atención por la cara de sorprendida, confundida y dudosa de la señora a la que le entregan una carta. Personalmente despertó curiosidad en mí y me hizo indagar más a fondo de que se trataba.

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El hecho de ser tan detalladas y hechas en lápiz me fascinaron!

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Obras y espacios  que llamaron mi atención a lo largo del recorrido 

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Obras y espacios  que llamaron mi atención a lo largo del recorrido 

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The Batavians Defeating the Romans on the Rhine/24 Agosto 2021

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The Batavians Defeating the Romans on the Rhine/24 Agosto 2021

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Esta obra fue creada por Otto Van Veen en 1613. Esta obra llamó mi atención por el uso claro de  los elementos formales presentes y la forma cómo interactúan entre sí.

Luz:  En la obra se podría interpretar que la la luz  que se puede observar es la luz del sol. En algunos puntos se pueden ver que hay sombras, (que tal vez se producen por las nubes que se ven en la parte superior). El uso de la luz, así como de sombras, generan una ilusión de realismo en la que es fácil imaginarse el ambiente.

Espacio: En esta obra se puede evidenciar el uso del espacio. La sobreposición de los elementos y las personas en primer y segundo plano, dirigen al espectador a inferir que lo que está en la parte inferior es lo más cerca y que a medida que se ve alejando hay unas montañas atrás, pintadas más pequeñas, jugando así con el espacio.  Da la ilusión de que hay personas tan lejos que no resulta  fácil  reconocer su forma dentro de la pintura. Asimismo, se usa una perspectiva atmosférica en la que lo que está más atrás está un poco borroso, mostrando que esto está más lejos. Por ejemplo las montañas tienen muy pocos detalles y parecen "nubladas".

Colores: Esta obra emplea colores opacos con poca saturación, por lo que genera efecto oscuro. Por otro lado, los colores principales en la obra son colores primarios (azul y rojo). Además también se usan colores secundarios como naranja y verde. Con lo anterior se puede ver que se utilizan colores tanto fríos como cálidos, lo cual genera un balance de colores en la obra.

Énfasis:  En la obra se pueden ver puntos focales en los cuales el artista quiso que se centrara la atención del espectador. Estos son resaltados con el uso de la luz, puesto que son más claros y fáciles de detallar y con mayor tamaño. Por ejemplo, los hombres y el caballo que están heridos y se encuentran en  primer plano, son más grandes que el resto y tienen alta iluminación por lo que nos dejan interpretar que son los protagonistas de la obra, lo que además permite que se centre la atención en este punto. Este énfasis permite interpretar que el artista muestra las consecuencias de la guerra y enfatiza en el sufrimiento de los seres vivos.

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Esta obra de Johannes Vermeer llamó mi atención pues refleja el acto de cocinar y de trabajar,que para la época en que fue creada (alrededor de 1658-1660), este trabajo era visto como obligatorio y cotidiano para las mujeres, lo cual hoy en día no es así. La obra muestra un contexto del siglo XVII donde la mujer era la encargada del hogar, de las labores domésticas y de servirle a su marido y a otras personas.  En mi opinión esta obra refleja compasión con la mujer, debido a la mirada hacia abajo de esta, dejándonos interpretar e imaginar los sentimientos y pensamientos que tiene acerca de la labor que está haciendo. Me llamó la atención cómo el interior de la habitación donde se encuentra está vacío y simple, y unos objetos en la mesa sencillos, dando a entender que el artista quería que los espectadores centraran su vista en la mujer y en el vertimiento de la leche.  El artista utiliza como principio de composición el énfasis, pues quiere llamar la atención de los espectadores sobre la mujer y el vertimiento de leche, a través del uso de líneas diagonales: la primera desde la canasta de pan en primer plano izquierdo hasta la cabeza de la mujer y la segunda desde el fondo izquierdo hasta la parte inferior derecha de la mesa. Ambas líneas se conectan  en la muñeca derecha de la mujer,  concentrando la atención del espectador en la jarra de leche.  Adicionalmente, esta obra refleja dinamismo, pues está mostrando una escena de movimiento, donde la mujer está vertiendo leche de una jarra  a una vasija y le está entrando luz por la ventana al rostro de la mujer. En cuanto a la composición, el artista utiliza colores como el azul, el amarillo y el blanco, para transmitir sensación de armonía y ambiente cálido.  Además, utiliza la ilusión de textura y forma para darle vida a la obra, como se puede ver en las vasijas, la canasta de pan, al igual que en la vestimenta de la mujer arrugada dándole así  volumen que destaca la silueta.

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Arquitectura y diseño interior/ 24 Agosto 2021

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Arquitectura y diseño interior/ 24 Agosto 2021

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El Rijksmuseum fue construido a mediados del año 1800 por el arquitecto holandés Pierre Cuypers. Su construcción mezcla elementos góticos y renacentista. Asimismo, su decoración hace referencia a la historia del arte holandés. El interior está fragmentado en varias áreas con acabados y detalles que lo convierten en un obra artística. Me pareció muy lindo de apreciar e hizo llamar mi atención y subir mis expectativas sobre su contenido. La zona principal cuenta con unas estructuras (láminas que forman diferentes tamaños de cuadrados) donde está la iluminación las cuales generan un contraste entre lo antiguo con lo moderno. Este contraste le permite a los espectadores, generar incertidumbre sobre qué obras de arte pueden encontrarse en el interior, unas más antiguas que otras. Las otras áreas del museo juegan con una variedad de colores en las paredes (azules ,grises y rosados)  que  pueden llegar a generar diferentes tipos de emociones al percibir las obras.

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El Rijksmuseum está ubicado en Amsterdam, Países Bajos. Fue inagurado alrededor del años 1800 y cuenta con una arquitectura y un diseño interior que impacta. Está dedicado al arte y a las artesanías donde, en 80 galerías, exponen 8.000 objetos que le permiten al espectador realizar un viaje a través de 800 años de historia, como lo es la colección de pinturas más importante de la Edad de Oro.