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Si le siècle du classicisme préfère la tragédie, le 18e siècle a une prédilection pour la comédie, propre à exprimer, sous couvert du rire, les idées révolutionnaires du siècle des Lumières. Apparaît aussi, vers la fin du 18e siècle, un nouveau sous-genre – le drame bourgeois – dont l'instigateur est Denis Diderot (1713-1784), qui modifie les frontières, jusqu'alors rigides, entre la comédie et la tragédie.
Le drame romantique du 19e siècle vient encore briser les règles classiques en mêlant tous les genres et tous les tons. Au 20e siècle, la différence s'estompe peu à peu entre les genres traditionnels : le théâtre d'idées et le théâtre de l'absurde renouvellent les formes théâtrales.

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Le théâtre comme forme littéraire est un genre très vaste. On distingue traditionnellement des sous-genres théâtraux, tels que la tragédie, la comédie et le drame qui obéissent chacun à des règles particulières.

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Alliant critique sociale et divertissement, la comédie tourne en dérision les vices humains (L'Avare de Molière). Elle se divise en quatre sous-genres.

- 3 actes
- écrit en prose
- l’histoire toune autour de la petite classe sociale basse

La farce joue avec des intrigues relativement simples et des thèmes grossiers (Les Fourberies de Scapin de Molière).
La commedia dell'arte, apparue en Italie au XVIe siècle, met en scène des personnages récurrents et connus, tels que Pierrot ou Arlequin. Une ébauche de trame est écrite, mais les acteurs improvisent autour.

La comédie classique suit les règles de la tragédie, mais propose un dénouement heureux. On y présente principalement des personnages issus de la classe moyenne et dotés de défauts envahissants.

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- écrit en vers
- 5 actes
- l’histoire tourne autour des rois et des empereurs
Les préceptes de la tragédie classique ont été définis par Aristote. Les grands auteurs du XVIIe siècle s'en sont nettement inspirés. Ce sont des pièces très sombres, dont la fin est généralement fatale pour l'un des personnages principaux. On peut citer Phèdre de Racine, Tancrède de Voltaire ou Œdipe de Sénèque. L'un des plus grands auteurs de tragédies est bien sûr Shakespeare qui signe Hamlet et Roméo et Juliette.

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Le drame bourgeois est apparu au XVIIIe siècle en dévoilant l'intimité de ce milieu social (Le Père de famille de Diderot). Invitant à la réflexion, ce sous-genre présentait des visées moralisatrices. Au XIXe siècle lui succède le drame romantique, mêlant les styles tragiques et comiques. Il est né d'une volonté de se libérer des préceptes rigoureux de la tragédie classique.

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Le théâtre de l'absurde fait suite à la seconde guerre mondiale et à l'incompréhension qui s'ensuivit. Le langage est atténué pour mettre en exergue la gestuelle, dans un contexte comique, mais ridicule. On peut citer La Cantatrice chauve d'Eugène Ionesco.
Le vaudeville est une pièce légère offrant de multiples rebondissements liés à des intrigues amoureuses.
Le théâtre engagé, également nommé théâtre d'idées, délivre un raisonnement philosophique ou social.

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Le berceau du théâtre antique est évidemment la Grèce. Il est né au cours des VIe et Ve siècles avant J.-C. lors de commémorations en l'honneur du dieu Dionysos. Un concours de tragédie était en effet organisé à cette occasion. Il faudra néanmoins attendre le théâtre latin pour que se développent la farce et le mime. Au Moyen Âge, le théâtre semble presque disparu pour finalement connaître un essor considérable au XIIIe siècle grâce à des troupes itinérantes. Le théâtre de la renaissance renoue avec l'antiquité, puis continue son développement en imaginant de nouveaux sous-genres. Toutefois, ces derniers vont se mélanger progressivement jusqu'à rendre leur distinction moins évidente.

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Le théâtre se veut une imitation d'une action de la vie réelle: c'est l'art dramatique (drama=action). On parle souvent d'une "dramatique" pour une pièce de théâtre à la radio ou à la télévision.

Définition des genres théâtraux:

La Comédie est associée aux XVIIe et XVIIIe siécles. Les personnages sont de condition sociale plus modestes que dans la tragédie, souvent des bourgeois qui ont un métier. L'époque est contemporaine à celle de l'auteur. Le lieu est un interieur bourgeois. Le comique provoque le rire en donnant au spectateur une supériorité sur un personnage comique de situation (quiproquo) de gestes (jeux de scène) de paroles (répetitions) de caractères. (l'excés moral) L'intrige soulève des problèmes sociaux ou culturels et le dénouement est satirique. Souvent, il ya a une intervention en "in extramis" d'un deus ex machina . Ex: Le Bourgeois Gentihomme de Molière

Le Drame est un concept dévelopé par Victor Hugo en 1827 dans la préface de sa peiece, Cromwell. L'effet dramatique, ou le moment dramatique, vise à émouvoir, et à toucher le spectateur en faisant appel à sa sensibilité. L'expression est souvent de perspective bourgeoise. Les personnages sont historiques (rois, nobles souvent déclassés et de simples roturiers). L'époque est antérieure à celle de l'auteur mais limitée aux temps modernes. Les lieux sont multiples et mélangent les décors interieurs ou intimes et contrastent avec la nature, les jardins et les espaces publiques. Le drame romantique est théorique et vise à atteindre plus de vérité par le mélange des genres (tragique et comique) et par le mélange des tons (sublime et grotesque). Ex: Hernani de Hugo.

La Règle des Trois Unités

Elle a eté codifiée en 1636 par l'Academie Française apres les premiéres representations du Cid par Corneille. Cette convention s'appuie sur le principe de vraisemblance ou une pièce de théâtre doit, au maximum, imiter l'action rélle. L' unité de temps - idéalement une journée- l'unité d'action - une seule action est possible si elle se passe pendant le cours d'une journée, l'unité d'espace - le lieu où toutes les personnes doivent pouvoir se rencontrer dans une journée est souvent une "antichambre,"ou un vestibule.

This page was updated on October 22, 1999

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Le théâtre se veut une imitation d'une action de la vie réelle: c'est l'art dramatique (drama=action). On parle souvent d'une "dramatique" pour une pièce de théâtre à la radio ou à la télévision. Définition des genres théâtraux: La Comédie est associée aux XVIIe et XVIIIe siécles.

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Genre théâtral : une grande variété de la comédie à la tragédie

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Genre littéraire majeur, surtout pendant les siècles précédents, il n'existe pas un mais une multitude de types de théâtres. Comédie, farce ou tragédie, il s'agit de genre théâtral bien différent, avec des histoires variées... En fait, des variétés théâtrales il y en a eu beaucoup, chaque époque ayant eu ces genres phares. Découvrons-les sur cette page, comme cela vous comprendrez mieux ce qu'est la littérature de théâtre.

Les genres classiques et connus

Lorsque l'on parle de genre de théâtre classique, on pense avant tout aux types les plus importants et les populaires pendant l'âge d'or du théâtre, entre 1500 et 1800. Art du spectacle réservé avant tout au noble, il existe aussi pourtant de type plus spécialement dédié à la bourgeoisie et même au petit peuple.

La comédie

Sans doute l'un des genres théâtraux les plus connus, la comédie est d'origine grecque et elle a connu ses heures de gloire en France grâce à un certain Jean-Baptiste Poquelin, dit Molière. Il existe de nombreuses formes de comédies comme la comédie de mœurs, la comédie héroïque et bien d'autres.

La tragédie

Elle aussi d'origine grecque, la Tragédie est l'un des genres les plus populaires pendants l'époque classique, surtout auprès de la noblesse. Elle va mettre en scène des personnages de haut rang et comme son nom l'indique, elle se finit souvent de manière tragique, par la mort d'un personnage.

La tragi-comédie

Savant mélange de comédie et de tragédie, la tragicomédie va mettre en scène des personnages de hautes naissances, qui vont être prises dans une action romanesque ou héroïque. L'autre particularité de ce genre théâtrale est la fin normalement heureuse en complète opposition à la tragédie

La farce

D'origine antique, mais qui né véritablement au moyen-âge, la farce est va évoluer au fil des siècles, mais il aura toujours un but, faire rire grâce à sa grossièreté. Les farces vont cibler essentiellement le peuple ou la petite bourgeoisie.

La satire

Véritable genre populaire du théâtre, la satire fut très populaire auprès du peuple, mais pas que. Son but est de se moquer en attaquant quelqu'un ou quelque chose. Tout va être fait pour ridiculiser et faire rire le public.

Les autres genres

Dans la partie ci-dessus, on a vu les principaux genres du théâtre de sa période d'or, c'est-à-dire à l'époque classique. Pourtant, il a existé et il existe aujourd'hui une plus grande variété, car le théâtre ne cesse d'évoluer à travers les époques.

Parmi ceux que l'on peut citer, il y a bien sûr les drames, la commedia dell'arte, la féerie, le mélodrame, les mystères médiévaux, le théâtre de marionnette ou le vaudeville. Plus récemment, on découvre le théâtre d'improvisation ou encore le théâtre de rue.

Il y a donc une grande variété de genres théâtraux, alors si vous n'en trouvez pas à un votre goût, ce n'est vraiment pas de chance...

Allez plus loin :

Vous souhaitez allez plus loin dans la connaissance de l'art théâtral, alors YouScribe vous propose plusieurs pages qui parlent de plusieurs sujets :

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Genre théâtral : une grande variété de la comédie à la tragédie

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Genre littéraire majeur, surtout pendant les siècles précédents, il n'existe pas un mais une multitude de types de théâtres. Comédie, farce ou tragédie, il s'agit de genre théâtral bien différent, avec des histoires variées... En fait, des variétés théâtrales il y en a eu beaucoup, chaque époque ayant eu ces genres phares.

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A quoi ça sert le théâtre ? (EP. 707) - 1 jour, 1 question

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A quoi ça sert le théâtre ? (EP. 707) - 1 jour, 1 question

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LE THÉÂTRE : ce qu'il faut savoir pour le BAC de français 2022 💪

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LE THÉÂTRE : ce qu'il faut connaître pour le commentaire du BAC de français !

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Les fonctions du théâtre - Français Première - Les Bons Profs

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Les fonctions du théâtre - Français Première - Les Bons Profs

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#AVIGNON Le théâtre, c'est quoi ? pour Camus, Mnouchkine, Rambert, Makeïeff... - #CulturePrime

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#AVIGNON Le théâtre, c'est quoi ? pour Camus, Mnouchkine, Rambert, Makeïeff... - #CulturePrime

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Bac fiche français : le théâtre classique - Bac 2018 - Toutpourlebac.com

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Les trois unités - Vraisemblance et bienséance - Critiques

INTRO

Au XVIIe siècle, les doctes entreprennent de "codifier" le théâtre et tout particulièrement la tragédie. C'est principalement après la "querelle" du Cid (1636), qui opposa partisans d'un théâtre réglementé et tenants d'une création de liberté, que s'est constitué un ensemble de règles inspirées, pour la plupart, de La Poétique d'Aristote (IVe siècle av. J.-C.).

LA REGLE DES TROIS UNITES

Le développement de la pièce classique doit obéir au principe d'unité défini par Boileau ( Art poétique, 1674) :
"Qu'en un lieu, en un jour, un seul fait accompli tienne jusqu'à la fin le théâtre rempli". La règle des trois unités vise à renforcer l'illusion théâtrale en réduisant l'écart entre action et représentation.

L'UNITE D'ACTION
Elle vise à supprimer les intrigues secondaires et à concentrer l'intérêt dramatique autour d'une action unique.

L'UNITE DE TEMPS
Elle resserre les faits et les limite à vingt-quatre heures.
Cette règle cherche à entretenir l'illusion d'une coïncidence entre la durée de la fiction et le temps de la représentation.

L'UNITE DE LIEU
Elle résulte des deux premières.
L'action se déroule dans un espace unique (ex. : la salle d'un palais).
Ajoutons l'unité de ton qui découle de la volonté de séparation des genres chez les classiques (tragédie d'un côté, comédie de l'autre) et impose à chacun sa spécificité en matière de sujet, de héros et de niveau de langue et de ton.

LES REGLES DE BIENSEANCE

LA VRAISEMBLANCE
Elle veut que s'impose l'impression de vérité. L'action dramatique doit être crédible : "L'esprit n'est point ému de ce qu'il ne croit pas" (Boileau).

LA BIENSEANCE
Elle conduit au respect des usages et des conventions. Il s'agit, d'une part, de ne pas choquer le public. D'autre part, les agissements et les sentiments du héros doivent, naturellement, être conformes à son rang.

LA REMISE EN CAUSE DE CES REGLES

Les règles du théâtre classique visent à distinguer clairement comédie et tragédie. Les ro-mantiques (Hugo, Vigny, Musset), au XIXe siècle, rejettent la séparation des genres et veulent faire du drame la synthèse de la comédie et de la tragédie.
Hugo, dans la préface de Cromwell (1827), théorise le drame romantique. Il se caractérise par : le mélange des genres; une utilisation de tous les registres, du "grotesque" au "sublime"; une multitude des personnages de conditions variées; une grande liberté de langage des personnages, en accord avec leur rang social; une action foisonnante.
Les romantiques refusent les conventions classiques et, notamment, les règles d'unité de lieu et de temps : l'action peut s'étendre sur plusieurs mois voire plusieurs années pour offrir une vision plus complète de l'histoire représentée.
Au XXe siècle, les codes qui déterminent les genres sont contestés, ainsi que les notions de personnages et d'action théâtrale. Après Alfred Jarry et Antonin Artaud, Beckett, Ionesco et Genet bouleversent le jeu dramatique traditionnel.
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Bac fiche français : le théâtre classique - Bac 2018 - Toutpourlebac.com

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Le jour du Bac, pas question de sécher sur un sujet. Vous avez ici tous les outils pour compléter votre cours et comprendre ce qui a pu vous échapper durant l'année. Consultez nos fiches de cours : Bac ES 2018, Bac L 2018, Bac S 2018, Bac STMG 2018 - Toutpourlebac.

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Quelles sont les règles du théâtre classique ?

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Révisez vos connaissances sur les règles du théâtre classique : règle des trois unités, vraisemblance et bienséance.

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Le théâtre classique a tenté de faire coïncider au maximum le temps de la représentation et le temps de l'histoire, l'espace scénique et l'espace dramatique. Il appliquait la règle des trois unités – unité de temps (vingt-quatre heures au maximum), unité de lieu (un seul endroit pour l'action) et unité d'action (une seule intrigue) – afin que l'illusion théâtrale soit la plus grande.

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L'action dramatique donne à voir au public le déroulement d'une intrigue. Traditionnellement, cette crise qu'est l'intrigue se déroule en trois temps.
– L'exposition : dans le premier acte, les personnages, en même temps qu'ils informent leurs interlocuteurs, éclairent le public sur tout ce qui est nécessaire à la compréhension de l'intrigue.

– Le nœud de l'action : c'est le moment où les personnages se trouvent confrontés au conflit exposé dans le premier acte, et où se déroulent péripéties et coups de théâtre.

– Le dénouement : heureux ou malheureux, le dénouement donne les renseignements nécessaires pour résoudre toutes les intrigues présentées dans la scène d'exposition.

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La comédie-ballet mêle le théâtre avec de la danse et de la musique. Ce sous-genre est d'ailleurs l'ancêtre de l'opéra.
C’est l’art du chant, du théâtre et du ballet.
Elle est inventée par Molière.

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Le théâtre au XVIIIe siècle - Libre Théâtre

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Le théâtre au XVIIIe siècle

Le renouvellement de la tragédie

Le début du XVIIIème siècle marque le déclin de la tragédie classique. Prosper Jolyot de Crébillon (dit Crébillon père, 1674-1762) développe le " tragique de situation " : de nombreuses scènes d'horreur sont représentées sur la scène, rompant ainsi avec les principes de bienséance ; des intrigues comportant de nombreux coups de théâtre annoncent le mélodrame du XIXème siècle. (oeuvres de Crébillon Père sur Libre Théâtre)

Des renouvellements plus profonds apparaissent avec les tragédies de Voltaire (1694-1778) qui introduit des sujets modernes en gardant la structure classique et l'alexandrin. 30 pièces de Voltaire entrent au répertoire de la Comédie-Française et sont très souvent représentées au cours du XVIIIème siècle. Sémiramis (1748) et L'Orphelin de la Chine (1755) révolutionnent l'illusion théâtrale avec la suppression définitive des banquettes occupées par les gentilshommes sur scène. Voltaire, assisté de son principal interprète, Lekain, définit scrupuleusement les effets théâtraux et scéniques : les décors et les costumes correspondent désormais au cadre historique des pièces. Après 1789,trois pièces, Nanine, Brutus et Mahomet,sont fréquemment jouées faisant respectivement écho à la moralisation des mœurs, au républicanisme et au refus du fanatisme religieux. (oeuvres de Voltaire sur Libre Théâtre)

Le renouvellement de la comédie

Jean-François Regnard, dans la lignée de Molière,écrit des arlequinades, des comédies de caractères(Le Joueur, Le Distrait) et des comédies d'intrigues (Le Légataire universel), dont la fantaisie et la verve sont saluées. Ses comédies sont très souvent représentées au début du XVIIIème siècle sur la scène de la Comédie-Française. (oeuvres de Regnard sur Libre Théâtre)

Lesage (1668-1747) marque la comédie de mœurs avec Turcaret (1709), une dénonciation des milieux financiers. Après sa brouille avec les Comédiens Français, il se tourne vers le théâtre de la Foire, qui rencontre un immense succès populaire à cette époque, et écrit, en collaboration avec d'autres auteurs, plus d'une centaine de pièces. (oeuvres de Lesage sur Libre Théâtre)

Dancourt (1661-1725) entre en 1685, dans la troupe de la Comédie-Française, dont il devint sociétaire, et fait jouer la même année sa première comédie, Le Notaire obligeant ou les Fonds perdus. Il rencontre le succès et écrit plus de 80 comédies e mœurs dépourvues de moralité et très réalistes, caricaturant les bourgeois vaniteux et les magistrats véreux. Il est considéré par certains comme le père du vaudeville moderne. (Oeuvres de Dancourt sur Libre Théâtre)

La Régence de Philippe d'Orléans permet le retour, dès 1716, des Comédiens Italiens chassés par Louis XIVen 1697.Les spectacles sont d'abord joués en italien puis rapidement des auteurs écrivent en français pour mettre en scène les personnages issus de la commedia dell'arte comme Arlequin, Colombine ou Pantalon. Marivaux, notamment, écrit pour la troupe Arlequin poli par l'amour qui connaît un grand succès en 1720. 18 comédies (sur 27) seront destinées à la Comédie Italienne. Marivaux fait évoluer le genre de la comédie : il explore le sentiment amoureux, en développant l'art de la conversation galante, devenue marivaudage ( La Double Inconstance, les Fausses Confidences, l e Jeu de l'amour et du hasard...) mais aussi les problèmes de société, autour des relations entre maître et valet, de la liberté et l'égalité(l'Île des esclaves), la situation des femmes ( La Nouvelle Colonie).(Oeuvres de Marivaux sur Libre Théâtre)

Les comédies de Beaumarchais (1732-1799) renouvellent le genre : tout en élaborant des intrigues joyeuses avec de multiples rebondissements,Beaumarchaisdéveloppe une satire sociale et politique à travers le personnage de Figaro, un valet débrouillard qui conteste le pouvoir de son maître, avec le Barbier de Séville (1775) et le Mariage de Figaro (1784).Cette pièce, représentée après plusieurs années de censure fut un vrai triomphe. Dénonçant les privilèges archaïques de l'aristocratie, elle est considéréecomme l'un des signes avant-coureurs de la Révolution française.
Les oeuvres de Beaumarchais sur Libre Théâtre

Apparition d'un nouveau genre : le drame bourgeois

Diderot évoque pour la première fois le " drame bourgeois ", qu'il nomme " genre sérieux ", entre comédie et tragédie, dans les Entretiens sur le Fils naturel. Le principe de l'unité de temps et de lieu est abandonné, ainsi que le principe de vraisemblance du théâtre classique.

Ces pièces se veulent moralisatrices et exaltent les vertus de l'amitié, de la solidarité et de l'altruisme. Le spectateur doit être ému par les situations pathétiques auxquelles sont confrontées des familles bourgeoises.Une autre caractéristique du drame bourgeois est le développement de la pantomime qui permet d'exprimer passions et sentiments au travers des gestes et des attitudes des acteurs. Les drames bourgeois les plus célèbres sont : le Fils naturel (Diderot, 1757), le Père de famille (Diderot, 1758), le Philosophe sans le savoir (Sedaine, 1765), la Brouette du vinaigrier (Mercier, 1775) ou encore la Mère coupable (Beaumarchais, 1792).

Les oeuvres de Diderot sur Libre Théâtre
Les oeuvres de Sedaine sur Libre Théâtre Les oeuvres de Mercier sur Libre Théâtre
Les oeuvres de Beaumarchais sur Libre Théâtre

Le théâtre politique

À la fin des années 1770, Olympe de Gouges monte sa propre troupe de comédiens, qui se produit à Paris et dans ses environs. Elle publie de nombreuses pièces, dont Zamore et Mirza ou l'heureux naufrage (1785), qui prend parti contre l'esclavage, pièce acceptée puis retirée du répertoire du Théâtre-français. Elle participe activement à la Révolution et continue à publier des pièces portant sur des sujets de société ou d'actualité politique, abolitionnistes et féministes. Elle périt sur l'échafaud le 3 novembre 1793.
Les œuvres d'Olympe de Gouges sur Libre Théâtre

Evolution du vaudeville et apparition de l'opéra-comique

Dans la première moitié du XVIIIe siècle, la comédie " à vaudevilles " se développe : les scènes sont entrecoupée de ballets et de couplets chantés sur un air connu dont les paroles sont modifiées. Des personnages, inspirés de la comédie italienne, sont mêlés à des situations cocasses à rebondissement, avec souvent des allusions à l'actualité. Voir les oeuvres de Lesage sur Libre Théâtre.

L' Opéra-Comique, fondé en 1714, est issud'une des troupes de la foire Saint-Germain : un décret autorise la troupe à avoir son propre théâtre avec une contrainte : intercaler des dialogues parlés dans les œuvres chantées.Les débuts de l'Opéra-Comique sont difficiles et connaissent plusieurs périodes de fermeture. En 1743, Jean Monnet prend la direction de l'Opéra-Comique. Avec notamment Charles-Simon Favart, le genre évolue : le texte est désormais associé à une musique originale c'est la naissance du véritable opéra-comique. Voir les oeuvres de Favart sur Libre Théâtre.

Mais la simple comédie à vaudevilles subsiste, en donnant une part plus importante au dialogue parlé au détriment de la partie musicale, réduite à quelques couplets.

En 1792, la proclamation de la liberté du théâtre permet l'éclosion de scènes spécialement consacrées au genre : ce fut d'abord le théâtre du Vaudeville qui contribua au transfert de sens du terme vaudeville, désormais appliqué à la pièce elle-même.

Beaumarchais et la société des auteurs dramatiques

Le 3 juillet 1777, lors d'un repas auquel il convie une trentaine d'auteurs, Beaumarchais propose la fondation de la première société des auteurs dramatiques. Après le succès du Barbier de Séville, Beaumarchais souhaite défendre le droit des auteurs face au monopole des Comédiens français et redéfinir les conditions de rétribution des auteurs. Le combat qu'il mène aboutit à la reconnaissance légale du droit d'auteur par l'Assemblée Constituante le 13 janvier 1791.

C'est la première loi édictée dans le monde pour protéger les auteurs et leurs droits. Le droit de représentation sera reconnu par les décrets de janvier 1791, le droit de reproduction en 1793. La loi Le Chapelier confère aux auteurs un monopole d'exploitation sur la reproduction et la représentation de leurs œuvres : les auteurs ont désormais le droit de vivre du fruit de leur travail.

Le Théâtre de la Révolution

La Loi relative aux spectacles du 13 janvier 1791 permet à chacun d'ouvrir une salle de spectacle sur simple déclaration et les ouvrages dont les auteurs sont morts depuis 5 ans au moins peuvent être représentés librement.Les salles se multiplient pendant cette période. 1637 pièces sont imprimées.

Le théâtre devient un lieu d'enjeux politiques où se passe les affrontements politiques et idéologiques. Le théâtre devient un lieu de célébration des héros républicains et de commémorations des exploits républicains.

La Comédie-Française devient en 1789 le théâtre de la Nation et perd ses privilèges notammentle monopole exclusif des œuvres du répertoire classique. La tragédie Charles IX ou la Saint-Barthelemy de Chénier, censurée en 1788, est représentée en novembre 1789 : le jeune et ambitieux Talma est propulsé sur le devant de la scène théâtrale et politique.

Sous la Terreur, la censure est rétablie en août 1793.Après Thermidor, les pièces " patriotiques " sont remplacées par des opéras-comiques ou des satires sociales.

Le coup d'Etat de Napoléon Bonaparte le 18 Brumaire (1799) va entraîner un rétablissement officielde la censure. Le gouvernement concède à la société des Comédiens-Français le Théâtre Français de la République, rue de Richelieu. Napoléon se fait le protecteur de la Comédie-Française. Le nombre de théâtre est réduit : 8 salles à Paris en 1807.

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Le théâtre au XVIIIe siècle - Libre Théâtre

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Le renouvellement de la tragédie, le renouvellement de la comédie, le drame bourgeois, évolution du vaudeville, Beaumarchais

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Le Manuel numérique max - Belin Education

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Le Manuel numérique max - Belin Education

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Le XVIIème Siècle en Littérature Française | Superprof

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La littérature française est l'une des plus réputées au monde du fait du foisonnement d'artistes et de courants littéraires qui la constitue. En effet, de la littérature courtoise au surréalisme en passant par le romantisme, les auteurs français n'ont eu de cesse de créer des chef d'œuvres au cours des siècles de notre histoire. Le XVIIème siècle est une période qui marque un véritable tournant littéraire en France car il suit le tournant politique : celui de Louis XIV, le Roi Soleil. D'un désordre laissé par la Renaissance, on se dirige vers un ordre rigoureux qui caractérise les auteurs modernes de cette période comme Molière ou La Fontaine. Superprof vous propose de découvrir le XVIIème siècle en littérature, une période marquée par le classicisme ainsi que d'autres courants littéraires majeurs, mais aussi par des auteurs que l'on retrouve souvent au programme du collège ou du lycée. Après cette escapade dans la bibliothèque moderne, vous serez sûrement prêts à lire tout Racine !

Un contexte politique, religieux et artistique précis

Le XVIIème siècle est globalement marqué par l'évolution d'un foisonnant désordre vers un ordre rigoureux, dans tous les domaines. En politique, on passe de l'autorité royale, encore contestée par la Fronde, à la monarchie de Louis XIV. En religion, les guerres et les troubles cèdent la place à la toute-puissance de l'Église catholique. En art, l'esthétique baroque conduit à la réaction de classicisme. Le mécénat royal se manifeste sous la forme de pensions attribuées aux artistes. Louis XIV encourage les talents. Il sait que le développement des arts contribue à sa gloire. Au début de son règne, il accorde même sa protection à certains novateurs (Molière). Les excès de l'absolutisme et la progression de la misère provoquent, à la fin du siècle, des réactions d'opposition : critique sociale de La Bruyère dans Les Caractères, mises en garde de Fénelon. Par réaction contre les abus que les guerres ont contribué à étaler au grand jour, la mise en cause de la religion est une des tendances du siècle. Elle s'exprime surtout dans le mouvement du libertinage. Le libertin est un homme qui refuse d'accepter les dogmes, il veut penser par lui-même, loin de toute superstition. Cela peut faire de lui un athée, qui doit alors se protéger soigneusement des foudres de l'Église. Beaucoup d'écrivains ont fréquenté ces cercles libertins (La Fontaine, Molière). Cependant le siècle connaît aussi une certaine ardeur religieuse. Elle peut-être très conformiste et rigide : c'est ainsi que la compagnie du Saint-Sacrement orchestre des cabales contre ceux qui lui semblent ne pas respecter les dogmes et les mœurs chrétiennes (Molière). Elle peut être d'une authentique exigence spirituelle qui pousse le croyant à renoncer au monde pour vivre en accord avec les exigences chrétiennes : c'est le jansénisme (Pascal, Racine). Ce terme a été donné par la critique à la période qui va environ de 1560 à 1760, qui englobe donc la fin du XVIème siècle. Le terme de "baroque" désigne à l'origine, en joaillerie, une perle irrégulière. Le baroque, c'est le goût pour le changement et la métamorphose, parce que le mouvement et l'instabilité sont l'essence même de l'être. Il faut donc savoir saisir le monde des apparences et des illusions, parfois plus vraies que la réalité elle-même. Le baroque aime des déguisements, les jeux de miroir. L'imagination n'est pas bridée, d'où les débordements d'action, de passion. Vous cherchez un cour de francais ?

Les grands mouvements littéraires du XVIIème siècle

Le Classicisme

Le terme de classicisme a été crée par la critique, au XIXème siècle. Il se fonde en réaction à l'esthétique baroque. En effet, le classicisme est d'abord un art de la maîtrise : maîtrise des passions, maîtrise de l'imagination et également de l'écriture. Car le style classique est très sobre. On cherche le mot juste, la phrase claire et bien rythmée : "ce qui se conçoit bien s'énonce clairement", dit Boileau. Cette maîtrise est soutenue par la présence de règles (par exemple, les règles du théâtre classique) et l'imitation des grands écrivains de la culture antique. On ne cultive pas le fuyant et l'éphémère, tout au contraire : on pense qu'il existe un être humain universel présent à travers toutes les époques, et l'art est chargé d'exprimer ce caractère universel de l'être et de la pensée.

La Préciosité

La préciosité est d'abord un phénomène de société. Le mouvement à été impulsé par des femmes de la haute société qui tenaient salon et qui avaient pour double objectif de favoriser un raffinement distingué et d'aider à la diffusion des sciences et des arts, surtout de la littérature. Même si Molière se moque de leurs travers dans Les Femmes Savantes, il n'en reste pas moins vrai que les précieuses ont contribué à l'émergence d'une esthétique qui n'est pas toujours dénuée d'intérêt.

Le Moralisme

Le Moralisme est une doctrine philosophique qui consiste à mettre en avant les valeurs morales. En littérature, il consiste à remettre en cause les normes de la société considérées peu morales. Jean de la Fontaine est l'un des représentants de ce mouvement avec ses Fables.

Le Baroque

Le baroque est un mouvement artistique dont le nom était à l'origine synonyme de bizarrerie et d'étrangeté (péjoratif). En littérature, le mouvement baroque utilise de nombreuses allégories et métaphores pour parler de thèmes comme la religion, la mort et les illusions. Voici un tableau récapitulatif des grands mouvements de la littérature en France au XVIIème siècle :

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Les grands auteurs modernes du XVIIème siècle

Molière

Jean-Baptiste Poquelin (1622-1673) est un dramaturge et comédien ayant été l'artiste favori du roi Louis XIV. Il écrivit de nombreuses pièces de théâtres comiques et satyriques et joua très souvent le rôle principal de ses pièces. Au total, on compte près de 30 pièces en vers ou en prose qui font partie des références de la littérature dans le monde. Parmi ces pièces, nous pouvons citer :

Les Précieuses Ridicules,

L'Ecole des Femmes,

Dom Juan,

Le Misanthrope,

Amphitryon,

L'Avare,

Le Tartuffe,

Les Fourberies de Scapin,

Le Bourgeois Gentilhomme,

Les Femmes Savantes,

Le Malade Imaginaire.

Même si son art tenait du classicisme, Molière n'hésitait pas à remettre en cause les normes sociétales. Il mourut quelques heures après avoir joué le rôle du Malade Imaginaire pour la 4ème fois.

Jean de La Fontaine

Jean de La Fontaine est un poète qui s'est beaucoup inspiré des fabulistes comme Ésope pour écrire ses Fables, des textes courts en vers comportant une morale. Il s'est toujours tenu à l'écart de la cour mais fréquentait ardemment les salons ainsi que le marquis Nicolas Fouquet. Ses Fables sont célèbres dans le monde entier. Elles dépeignent les caractères humains en prenant généralement pour acteurs des animaux. Les recueils de ses fables sont des chefs d'œuvres de la littérature française. Qui plus est, elles sont assez agréables à lire !

Charles Perrault

Charles Perrault est un écrivain de contes très connu pour son recueil, Les Contes de la Mère l'Oye. Il est à l'origine de nombreux contes aujourd'hui popularisés par la franchise Disney comme La Belle au Bois Dormant ou encore Cendrillon. Son travail consistait donc à capter ces histoires orales pour les retranscrire. Il était aussi le chef de file des Modernes dans la querelle des anciens et des modernes. Il est aussi l'auteur de nombreux textes religieux. On considère généralement qu'il est l'un de ceux qui ont mis en forme le Conte de Fées.

Jean Racine

Jean Racine est un dramaturge à qui l'on doit de nombreuses pièces de théâtres du genre tragique et reprenant les personnages de la mythologie grecque comme protagonistes. Ainsi, il est l'auteur d' Andromaque, d' Iphigénie ou encore de Phèdre. Il était souvent opposé à Corneille qui écrivait des pièces plus optimistes.

Madame de Lafayette

Madame de Lafayette (ou La Fayette) est une femme de lettres ayant versé dans le classicisme ainsi que dans la préciosité. Elle est l'auteur de plusieurs romans et nouvelles dont les plus célèbres sont La Princesse de Clèves et Zaïde. Plus tard, Voltaire dira d'elle :

"Sa Princesse de Clèves et sa Zaïde furent les premiers romans où l'on vit les mœurs des honnêtes gens, et des aventures naturelles décrites avec grâce. Avant elle, on écrivait d'un style ampoulé des choses peu vraisemblables".

Voici un tableau récapitulatif des auteurs français du XVIIème siècle les plus célèbres :

Les thèmes littéraires à l'aube du XVIIIème siècle

L'idéal de l'honnête homme

C'est un idéal de l'âge classique. L'honnête homme est d'abord un homme de la bonne société. La qualité première est la mesure : s'il est cultivé, il ne le montre pas trop ; s'il est passionné, il doit se maîtriser ; son goût doit s'écarter des extrêmes et cultiver la nuance. Dans les comédies de Molière, les hommes de bon sens qui s'opposent aux esclaves de leurs vices et de leurs obsessions représentent bien cet idéal ; c'est par exemple Chrysalde quand il s'efforce de raisonner Arnolphe dans l'École des femmes. Voici un extrait de La Bruyère dans lequel il décrit le portrait d'une personne allant à l'encontre de l'idéal de l'honnête homme :

"J'entends Théodecte de l'antichambre; il grossit sa voix à mesure qu'il s'approche; le voilà entré : il rit, il crie, il éclate, on bouche ses oreilles, c'est un tonnerre. Il n'est pas moins redoutable par les choses qu'il dit que par le ton dont il parle. Il ne s'apaise, et il ne revient de ce grand fracas que pour bredouiller des vanités et des sottises. Il a si peu d'égard au temps, aux personnes, aux bienséances, que chacun a son fait sans qu'il ait eu l'intention de le lui donner; il n'est pas encore assis qu'il a, à son insu, désobligé toute l'assemblée. A-t-on servi, il se met le premier à table et dans la première place; les femmes sont à sa droite et à sa gauche. Il mange, il boit, il conte, il plaisante, il interrompt tout à la fois. Il n'a nul discernement des personnes, ni du maître, ni des conviés; il abuse de la folle déférence qu'on a pour lui. Est-ce lui, est-ce Euthydème qui donne le repas ? Il rappelle à soi toute l'autorité de la table; et il y a un moindre inconvénient à la lui laisser entière qu'à la lui disputer. Le vin et les viandes n'ajoutent rien à son caractère; Si on joue, il gagne au jeu; il veut railler celui qui perd, et il l'offense; les rieurs sont pour lui : il n'y a sorte de fatuités qu'on ne lui passe".

La querelle des anciens et des modernes

Le culte classique de l'Antiquité provoque dans le dernier tiers du siècle une polémique très vive entre les partisans résolus de l'Antiquité, et les modernes, pour lesquels l'évolution du monde, des mentalités et de la pensée exige la création de chefs-d'œuvre nouveaux qui se libèrent de l'admiration inconditionnelle des modèles anciens. Dans cet extrait d' Art Poétique de Boileau, l'auteur met en avant le talent de Malherbe qui a renouvelé les doctes poétiques face aux anciens du XVIème siècle :

"Enfin Malherbe vint, et, le premier en France, Fit sentir dans les vers une juste cadence, D'un mot mis en sa place enseigna le pouvoir, Et réduisit la muse aux règles du devoir. Par ce sage écrivain la langue réparée N'offrit plus rien de rude à l'oreille épurée. Les stances avec grâce apprirent à tomber, Et le vers sur le vers n'osa plus enjamber. Tout reconnut ses lois; et ce guide fidèle Aux auteurs de ce temps sert encor de modèle. Marchez donc sur ses pas; aimez sa pureté, Et de son tour heureux imitez la clarté".

Plaire et instruire

Voici un extrait de Critique de l'Ecole des Femmes qui illustre bien la volonté de Molière de faire rire tout en instruisant :

"URANIE : Mais, de grâce, Monsieur Lysidas, faites-nous voir ces défauts, dont je ne me suis point aperçue. LYSIDAS : Ceux qui possèdent Aristote et Horace voient d'abord, Madame, que cette comédie pèche contre toutes les règles de l'art. URANIE : Je vous avoue que je n'ai aucune habitude avec ces messieurs-là, et que je ne sais point les règles de l'art. DORANTE : Vous êtes de plaisantes gens avec vos règles, dont vous embarrassez les ignorants et nous étourdissez tous les jours. Il semble, à vous ouïr parler, que ces règles de l'art soient les plus grands mystères du monde; et cependant ce ne sont que quelques observations aisées, que le bon sens a faites sur ce qui peut ôter le plaisir que l'on prend à ces sortes de poèmes; et le même bon sens qui a fait autrefois ces observations les fait aisément tous les jours, sans le secours d'Horace et d'Aristote. Je voudrais bien savoir si la grande règle de toutes les règles n'est pas de plaire, et si une pièce de théâtre qui a attrapé son but n'a pas suivi un bon chemin. Veut-on que tout un public s'abuse sur ces sortes de choses, et que chacun ne soit pas juge du plaisir qu'il y prend ? URANIE : J'ai remarqué une chose de ces messieurs-là : c'est que ceux qui parlent le plus des règles, et qui les savent mieux que les autres, font des comédies que personne ne trouve belles"

Vous savez désormais tout ce qu'il faut savoir concernant la littérature au XVIIème siècle et les auteurs qui l'ont fait vivre. Pour en savoir plus sur la littérature française ou les courants littéraires, Superprof vous invite à consulter ses autres articles ou même à prendre des cours particuliers avec un professeur de français pour vous améliorer !

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Le XVIIème Siècle en Littérature Française | Superprof

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La littérature française est l'une des plus réputées au monde du fait du foisonnement d'artistes et de courants littéraires qui la constitue. En effet, de la littérature courtoise au surréalisme en passant par le romantisme, les auteurs français n'ont eu de cesse de créer des chef d'œuvres au cours des siècles de notre histoire.

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Le Grand Siècle (XVIIe siècle) - Un peu d'histoire

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Le Grand Siècle (XVIIe siècle) - Un peu d'histoire

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Coincé entre le siècle des Grandes Découvertes et celui des Lumières, le XVIIe siècle est souvent oublié lorsqu'on évoque les Sciences. Le Grand Siècle reste celui de Louis XIV et de Versailles.

Mais où sont les scientifiques ?

Oubliés, relégués derrière la confrérie poétique de Molière. Pourtant cette époque fut aussi celle d'un exceptionnel remue-ménage dans le domaine scientifique, au point que l'on parle aujourd'hui d'une véritable Révolution.

Voici une petite piqûre de rappel sous forme de voyage à travers les plus grandes avancées de ce temps. Attention aux découvertes !

Au Moyen Âge comme à la Renaissance, les clercs et les humanistes s'en tenaient à la description des phénomènes. Désormais, c'est l'expérience qui doit soutenir chaque nouvelle théorie. Pour connaître, on ne contemple plus, on agit, on fabrique, on reproduit. Apparaît alors la figure nouvelle du savant de laboratoire, entouré d'un matériel de plus en plus perfectionné.

C'est aussi la rupture entre science et religion, marquée en 1633 par le procès de Galilée qui a eu l'audace d'affirmer urbi et orbi que la Terre n'est pas le centre du monde. Sacrilège... Ce n'est pas tant cette affirmation qui est un cataclysme, mais le fait que ce soit l'observation, le calcul et l'expérience qui le prouvent.

Au siècle précédent, la navigation hauturière (en pleine mer) et l'astrologie, avec Nostradamus et consorts, ont développé d'une part le besoin de mesurer les longitudes - et donc le temps -, d'autre part le goût pour l'observation des étoiles, toutes choses qui requièrent la maîtrise des mathématiques. Grâce à l'astronomie et à l'horlogerie, celles-ci vont donc sortir de l'enfance et entraîner par ricochet des progrès dans tous les domaines scientifiques.

Les savants, à la suite de Johannes Kepler, vont pouvoir séparer science, religion et philosophie, et se lancer dans toutes sortes de recherches en pleine autonomie.

Ce nouvel état d'esprit s'accompagne d'une volonté d'aller vers l'avant et non plus de " marcher à reculons, les yeux tournés vers les Grecs et les Latins " (Robert Halleux). Il ne faut plus chercher à rattraper les Anciens, mais à les dépasser. L'idée toute simple de progrès scientifique libère enfin les esprits les plus curieux : en avant !

Pas d'avancée dans les sciences sans progrès en mathématiques : parce que, selon Galilée (1564-1642), " l'univers est écrit en langue mathématique ", c'est ce langage dont il faut en priorité maîtriser pour répondre à la question " comment ".

C'est toutes les sciences qui sont mises en chiffres ! L'astronome allemand Johannes Kepler (1571-1630), bien décidé à aménager une cave à vin pour faire plaisir à sa deuxième femme, se plongea dans les chiffres pour savoir comment organiser ses barriques en calculant leur volume...

Les mathématiques se font donc pratiques. On cherche des mesures précises. C'est ainsi que se développe le calcul infinitésimal (de l'infiniment petit) sous l'impulsion notamment d' Isaac Newton (1643-1727) et son alter ego Gottfried Leibniz (1646-1716). Dans le même temps, les recherches de leur confrère René Descartes (1596-1650) amènent les figures géométriques à être désormais traduites en expressions algébriques.

Pour la première fois depuis l'Antiquité, l'algèbre prend son envol ! Elle n'est pas seule : l'arithmétique (étude des nombres entiers) sort de l'ombre grâce au " prince des amateurs ", Pierre de Fermat (1601-1665). Parmi ses correspondants, relevons les noms illustres de l'astronome et mathématicien Pierre Gassendi (1592-1655) et du moine Marin Mersenne (1588-1648)

Et parce que les mathématiciens sont soucieux de ne pas gaspiller leur temps en calculs inutiles, l'Écossais John Napier ou Neper (1550-1617) invente au début du siècle les logarithmes (tables numériques mettant en correspondance les nombres) - d'où les logarithmes népériens - tandis que Blaise Pascal (1623-1662) met au point sa pascaline (machine à calculer) et s'emploie à calculer l'espérance d'un tirage de dés par l'analyse des probabilités. Il faut faire pratique !

" L'univers est une machine où il n'y a rien du tout à considérer que les figures et les mouvements de ses parties " (René Descartes, Les Principes de la philosophie, 1644). Voici une belle métaphore ! Avec la philosophie mécaniste, c'est le monde entier qui fait tic-tac, assimilé à une gigantesque horloge.

À l'intérieur, les phénomènes physiques s'expliquent d'après les lois de mouvements de la matière. Cette nouvelle approche, dans laquelle les mathématiques jouent un rôle capital, rejette toute explication reposant sur le simple merveilleux. Rien de magique dans la nature !

Pour Descartes, ce sont les mêmes principes qui règlent la vie du corps, organisé comme une machine autour d'un coeur-bouilloire : " Je suppose que le corps n'est autre qu'une statue ou machine de terre [...]. Dieu met au-dedans toutes les pièces requises pour faire qu'elle marche, qu'elle mange, qu'elle respire... " ( Traité de L'homme,1633). Plus besoin de l'âme comme superviseur, tout est automatique !

Dieu n'est cependant pas abandonné : ne faut-il pas un horloger pour assembler une horloge et créer le mouvement initial ? Il n'y a plus qu'à étudier rouages et engrenages...

Au XVIIe siècle, les scientifiques ne cessent de communiquer. Tirant parti des progrès de l'imprimerie et des échanges, nos savants de toute l'Europe partagent leurs découvertes et leurs doutes en publiant dans des journaux (dont l'incontournable Journal des savants, depuis 1665) et en s'adressant des courriers.

Ils n'hésitent pas également à prendre la route et à se déplacer de pays en pays pour rencontrer leurs homologues. Ils se querellent aussi. Pierre de Fermat pâtit gravement des médisances de René Descartes à son encontre.

Ces savants sont aussi, généralement, des touche-à-tout. Rien à voir avec les hyper-spécialistes contemporains. Le philosophe Spinoza (1632-1677) est aussi polisseur de lentilles optiques ! Blaise Pascal a multiplié les inventions de tous ordres... avec de se consacrer à la théologie et au mysticisme. Tout aussi éclectique, Isaac Newton préférait, lui, se distraire avec l'astrologie (comme quoi nul n'est parfait !).

Dans le même temps, les premiers groupes de savants se forment sous l'impulsion de grands seigneurs comme Mazarin, héritier de l'exemple italien de la Renaissance. Des collections particulières, les fameux " cabinets de curiosité ", deviennent des lieux de rendez-vous, tout comme ces académies privées qui commencent à essaimer un peu partout pour promouvoir l'enseignement.

Il est temps que les États reprennent les choses en main : c'est chose faite en 1660 en Angleterre avec la fondation de la Royal Society qui lance la recherche en laboratoire, puis en 1666 en France avec l'Académie royale des sciences voulue par Louis XIV.

Autour des chercheurs, qui ne craignent plus de faire leurs expériences en public, c'est toute une communauté européenne composée de spécialistes comme de simples curieux qui se met en place. Il faut maintenant répondre à cette soif de découverte !

Du plus lointain au plus petit : avec le développement des techniques, les savants ont enfin à disposition de quoi porter leurs observations vers les étoiles tout comme vers le minuscule. Plus besoin de s'user les yeux ou, comme Néron, d'utiliser une lentille d'émeraude pour mieux voir les gladiateurs !

À la suite de Galilée, les lunettes ne cessent de se perfectionner tandis que la vieille loupe est remisée au fond des tiroirs grâce au hollandais Van Leeuwenhoek (1632-1723) et à son microscope.

Les mathématiques profitent de la machine à calculer de Blaise Pascal. De même que les sciences physiques de la pompe à air de Robert Boyle (1627-1691), du baromètre à mercure d'Evangelista Torricelli (1608-1647) et de la machine à vapeur (le " digesteur ") de Denis Papin (1647-1712).

L'art de la navigation et l'horlogerie accomplissent des bonds décisifs avec l'horloge à balancier de Christian Huygens (1629-1695) et l'échappement à ancre de Robert Hooke (1635-1703), un mécanisme qui entretient et compte les oscillations du pendule ou du balancier. Christian Huygens est aussi à l'origine de la théorie ondulatoire de la lumière.

L'artisanat participe à l'aventure grâce notamment en France au soutien de Louis XIV, qui va jusqu'à donner le titre d' " ingénieur du Roi " aux fabricants fournissant le matériel nécessaire à la construction de Versailles : fondeurs, verriers et autres horlogers permettent alors à leur façon d'ouvrir le champ des recherches.

Observa-t-il longtemps les oscillations du lustre de la cathédrale de Pise ? En tous cas, on dit que c'est de ce jour que le destin de Galileo Galilei fut tracé. Après s'être construit une lunette astronomique, il invite en 1609 quelques privilégiés vénitiens, entassés au sommet du campanile de la place Saint-Marc, pour détailler les rues de la ville voisine de Murano comme s'ils y étaient !

Il peut alors se tourner vers les étoiles et explorer le système solaire : rapidement la Lune, Vénus ou encore Jupiter se dévoilent, entrainant dans leur sillage la reconnaissance de la théorie de l'héliocentrisme.

Les conséquences furent considérables : en quelques coups d'oeil, Copernic puis Galilée avaient transformé le centre de l'univers en une planète comme une autre. Un cataclysme dans l'histoire des sciences, mais aussi de la religion et de la pensée !

Soixante-dix ans plus tard, c'est l'Anglais Newton qui, s'appuyant sur les théories de Kepler et la chute d'une pomme, établit la théorie de l'attraction universelle, expliquant du même coup les flâneries des étoiles et des marées. Lucide, il reconnut l'apport de ses prédécesseurs par une formule restée célèbre : " Si j'ai pu voir un peu au-delà, c'est que j'étais porté par des épaules de géants ".

On le sait, Louis XIV adorait les plantes au point de passer très régulièrement admirer l'orangerie et le potager qui faisaient sa fierté à Versailles. Placés sous la responsabilité de Jean-Baptiste de La Quintinie, près de neuf hectares de terre fournissent alors à la table du roi toutes sortes de fruits et légumes. Et l'agronomie est à la fête ! Des progrès sont faits en acclimatation des espèces, on donne aux arbres fruitiers la forme d'espaliers, les tailles et greffes améliorent les variétés...

De l'autre côté de la Manche, c'est la pomme de terre qui a toutes les faveurs tandis que John Ray (1627-1705) se laisse séduire lui aussi par les plantes lors de ses longues promenades dans la campagne. Il finit par les connaître si bien qu'il publie une Historia plantarum generalis pour en dresser un inventaire complet, projet repris plus modestement à la fin du siècle en France par Joseph Pitton de Tournefort pendant son voyage au Levant.

Mais Ray ne s'intéressait pas qu'aux petites plantes : notre " Pline anglais " s'attacha également à trier les animaux, non plus suivant leur comportement mais d'après leur anatomie, ouvrant la voie aux grandes classifications des XVIIIe et XIXe siècles.

Pendant ce temps, d'autres préfèrent aller creuser un peu la terre. Ils y trouvent divers fossiles qui permettent au danois Sténon (Niels Stensen), le père de la paléontologie, de mettre en évidence la notion de sédimentation.

C'est au contraire avec la tête dans les nuages, au sommet du puy de Dôme, que le beau-frère de Blaise Pascal réalise l'expérience prouvant l'existence de la pression atmosphérique, déjà soupçonnée par Evangelista Torricelli.

Décidément, on en voit de toutes les couleurs ! Ce n'est pas Newton qui dira le contraire : il découvre que la lumière se faufilant dans le trou d'un de ses volets est composée d'une juxtaposition de teintes. C'en est fini du mystère de l'arc-en-ciel !

Sacré Galien ! Depuis qu'il a affirmé au IIe siècle que le sang stagnait plus ou moins dans les veines, personne n'avait osé revenir sur cette idée.

En 1622, Gaspare Aselli a bien observé sur des cadavres de chiens la présence de " vaisseaux de lait " qui seront ensuite qualifiés de lymphatiques. Mais il fallut qu'en 1618 William Harvey (1578-1647) réussisse enfin à se détacher de cette tradition et à ne croire que ce que voyaient ses yeux pour que soit révélée la circulation sanguine quasi in circulo ( " comme dans un cercle "), c'est-à-dire dans un unique système.

Ce ne fut pas sans mal : considéré comme un fou, il vit fuir sa clientèle et dut pendant neuf ans répéter ses démonstrations pour convaincre ses collègues " anticirculateurs ". La saignée peut commencer à compter ses jours ! Comment en effet savoir où et quand ouvrir la veine ?

Dans la deuxième moitié du siècle, c'est le microscope qui vient secouer la vieille médecine : en observant en 1677 sous sa lentille les pérégrinations des " animalcules vivants ", Antoni Van Leeuwenhoek (1632-1723) met un terme à la théorie de la génération spontanée et à l'ovisme.

Avec l'arrivée des spermatozoïdes sur la scène médicale, c'en est fini de l'idée que l'œuf est simplement stimulé et non fécondé par le sperme. Drapier de métier, installé à Delft, notre savant autodidacte avait bien fait d'utiliser son microscope pour observer autre chose que la qualité de ses tissus...

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Coincé entre le siècle des Grandes Découvertes et celui des Lumières, le XVIIe siècle est souvent oublié lorsqu'on évoque les Sciences. Le Grand Siècle reste celui de Louis XIV et de Versailles. Mais où sont les scientifiques ? Oubliés, relégués derrière la confrérie poétique de Molière.

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Qu'est-ce que le théatre ? - Cours de Français avec Maxicours

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connaître et comprendre les principaux genres littéraires.

Le théâtre est une forme littéraire bien précise : il est ce que l'on appelle un genre et se distingue des deux autres grands genres, le roman et la poésie.
Le terme " théâtre " vient du grec theôria qui signifie " action d'examiner ".
Philosophe grec du 4 e siècle av. J.-C., Aristote affirme, dans sa Poétique, que le théâtre est, pour les spectateurs, " l'imitation d'une action [...] faite par des personnages en action et non par le moyen de la narration ".

2. Les genres et l'histoire

a. Un peu d'histoire littéraire

Si le siècle du classicisme préfère la tragédie, le 18e siècle a une prédilection pour la comédie, propre à exprimer, sous couvert du rire, les idées révolutionnaires du siècle des Lumières. Apparaît aussi, vers la fin du 18 e siècle, un nouveau sous-genre - le drame bourgeois - dont l'instigateur est Denis Diderot (1713-1784), qui modifie les frontières, jusqu'alors rigides, entre la comédie et la tragédie.

Le drame romantique du 19 e siècle vient encore briser les règles classiques en mêlant tous les genres et tous les tons. Au 20 e siècle, la différence s'estompe peu à peu entre les genres traditionnels : le théâtre d'idées et le théâtre de l'absurde renouvellent les formes théâtrales.

b. Les trois grands sous-genres

Le théâtre comme forme littéraire est un genre très vaste. On distingue traditionnellement des sous-genres théâtraux, tels que la tragédie, la comédie et le drame qui obéissent chacun à des règles particulières.

La tragédie classique

La comédie classique

Le drame romantique

Les grands auteurs

Corneille, Racine.

Molière, Marivaux, Beaumarchais.

Vigny, Hugo, Musset, Rostand.

L'action dramatique donne à voir au public le déroulement d'une intrigue. Traditionnellement, cette crise qu'est l'intrigue se déroule en trois temps.

- L' exposition : dans le premier acte, les personnages, en même temps qu'ils informent leurs interlocuteurs, éclairent le public sur tout ce qui est nécessaire à la compréhension de l'intrigue.

- Le n œ ud de l'action : c'est le moment où les personnages se trouvent confrontés au conflit exposé dans le premier acte, et où se déroulent péripéties et coups de théâtre.

- Le dénouement : heureux ou malheureux, le dénouement donne les renseignements nécessaires pour résoudre toutes les intrigues présentées dans la scène d'exposition.

4. L'espace et le temps au théâtre

Il faut bien distinguer temps de la représentation et temps de l'histoire, c'est-à-dire la durée des actions qui se déroulent sur la scène et qui correspondent au texte des répliques et le temps de l'histoire vécue par les personnages. De même, il ne faut pas confondre espace dramatique et espace scénique. Le premier renvoie à la scène du théâtre, alors que le second renvoie aux lieux mentionnés par les personnages dans leurs répliques.

Le théâtre classique a tenté de faire coïncider au maximum le temps de la représentation et le temps de l'histoire, l'espace scénique et l'espace dramatique. Il appliquait la règle des trois unités - unité de temps (vingt-quatre heures au maximum), unité de lieu (un seul endroit pour l'action) et unité d'action (une seule intrigue) - afin que l'illusion théâtrale soit la plus grande.

5. Les personnages dramatiques

a. Les types de personnages

Traditionnellement, les personnages de théâtre correspondent à des caractères prédéterminés, stéréotypés : il existe des types psychologiques (l'amoureux, l'ingénue), des types sociaux (le maître, le valet, la servante). Ces différents types de personnages ont soit un rôle tragique (rois ou reines confrontés à leur destin), soit un rôle comique (le bourgeois ridicule, le valet rusé).

Pour définir les personnages dramatiques et leurs relations, on parle de schéma actantiel. On distingue le sujet de l'action (le personnage principal, le héros), l' objet que le héros veut conquérir (une personne, une position sociale), ainsi que les opposants et les adjuvants, qui résistent au héros ou l'assistent dans ses actions. Le destinateur est une force qui pousse le sujet à agir et le destinataire est le bénéficiaire de l'action du sujet (destinataire et sujet sont souvent un seul et même personnage).

Le théâtre est un genre littéraire qui s'oppose au roman et à la poésie. Tragédie, comédie ou drame, il met en scène une action représentée par des personnages qui parlent sur scène et a longtemps été régi par des règles définies au XVII e siècle.

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Qu'est-ce que le théatre ? - myMaxicours

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Objectifs connaître et comprendre les principaux genres littéraires. 1. Définition Le théâtre est une forme littéraire bien précise : il est ce que l'on appelle un genre et se distingue des deux autres grands genres, le roman e

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Le théâtre, c'est quoi ? Pour Camus, Makeïeff, Rambert, Casarès...

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Le théâtre, c’est quoi ? Pour Camus, Makeïeff, Rambert, Casarès...

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Archives | En plein Festival d’Avignon, on s’interroge : qu’est-ce que c’est que le théâtre, au fond ? “Le rendez-vous des hommes seuls” pour Jean-Louis Barrault, “une lumière dans l’obscurité” pour Mnouchkine, un endroit où “on s’ennuie” pour Michel Simon... Et pour vous, c’est quoi le théâtre ?

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Théâtre et développement personnel - Mieux-Etre.org

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Le point commun entre la psychologie et le théâtre est qu'ils partagent tous les deux le même sujet d'étude : le drame humain et la vie en société. Une définition du théâtre que je trouve intéressante et que je voudrais développer ci-dessous est la suivante :
" Le théâtre est la réunion de trois ingrédients : l'acteur, le public et la convention de jeu "

L'acteur
L'acteur est son propre instrument : il utilise son corps, sa voix, ses émotions et son histoire comme matériau de travail. Dans le passé, cette profession se transmettait de père en fils. La formation de l'acteur telle qu'on la connaît aujourd'hui, est inventée par le metteur en scène et acteur russe Constantin Stanislavski au début du XXe siècle. Ce que l'on retient de sa célèbre méthode, est son travail sur l'intériorité de l'acteur :

" Nous croyons fermement, et par expérience, que seule notre méthode, en faisant appel à un art qui se réfère entièrement à une expérience humaine vécue, est capable de reproduire les nuances subtiles et les profondeurs de la vie "

Il cherche un jeu " vrai " celui où l'acteur vit pleinement son rôle. Pour préparer son interprétation, l'acteur puise à la fois dans son vécu et dans une étude approfondie de la psychologie de son personnage. L'erreur commise souvent par les débutants est de vouloir aller directement au résultat, c'est à dire de fabriquer des émotions dans le but de toucher le public et tombent dans le faux. Les émotions vraies découlent d'une bonne compréhension du personnage et de ses motivations. De même que l'acteur doit avoir un but, il ne peut être sur scène sans une motivation profonde et le besoin de transmettre quelque chose d'important à son public.

Le public
Le public est la condition intrinsèque pour qu'il y ait théâtre. Par ailleurs, l'origine du mot théâtre vient du grec theatron qui désigne les gradins sur lesquels sont installés les spectateurs. Dans ce rapport scène-salle, il y a un effet miroir qu'Aristote a nommé la Catharsis : " En représentant la pitié et la frayeur, elle réalise une épuration de ce genre d'émotions ". Il considère le théâtre comme une sorte de purgation de nos émotions négatives. Par le processus d'une identification aux passions tumultueuses des personnages, le spectateur s'en délivre. Les passions qui nous agitent sont sublimées. Au 20e siècle, le concept de catharsis est réappropriée par la psychiatrie dans les Études sur l'hystérie (1895) de Josef Breuer et Sigmund Freud. Jacob Levy Moreno, psychiatre, invente le psychodrame en 1930 qui est une thérapie de groupe par le jeu : les participants rejouent des scènes quotidiennes traumatiques dans le but de révéler et transformer.

La convention de jeu
Le jeu est le contrat qui lie acteur et spectateur. Pour reformuler ça à la Magritte, on dirait : Ceci n'est pas la réalité mais une représentation de celle-ci.

Au Commencement était le JE/JEU : Le JEU qui définit le JE.
C'est par ce biais que l'enfant appréhende et construit le monde et lui-même. Nous avons tous été enfants et avons tous joué. C'est cet état connu de créativité que nous tentons de retrouver en jouant sur scène. C'est un lâcher-prise des barrières du mental et d'autres conventions sociales pour revenir à notre singularité et retrouver le plaisir et la liberté de la création.

Le jeu est aussi une façon d'appréhender les hommes et les sociétés (ref. L'Homo Ludens de Johan Huizinga). Il est indissociable du lien social. L'homme introduit des règles au jeu pour le plaisir de surmonter la difficulté. Le jeu met à l'épreuve les aptitudes physiques et mentales. Faire du théâtre est un défi que l'on se lance à soi-même parce que le jeu nous met face à nos difficultés mais la dimension ludique donne la force de la surmonter. On y entre et on y sort dans le cadre des limites convenues.

Le jeu est action et création. C'est l'action de recréer un monde. L'homme sait qu'il joue et cette conscience donne une permissivité, un pouvoir d'exploration des choses et de soi-même

Théâtre et développement personnel

Le théâtre est un indéniable outil de développement de l'individu. Il aide à lever certaines inhibitions, il optimise la créativité, il permet d'oublier le stress de la vie quotidienne, il apprend à vivre ensemble puisqu'il est toujours une aventure collective. Il aide aussi la personne qui le pratique à s'installer dans une connaissance de soi féconde et évolutive.

Suivre des ateliers théâtre en amateur est une expérience ludique, enrichissante et créative pleine de rencontres inattendues. Les participants apprennent à mieux se connaître, à découvrir des zones de soi qu'ils ne soupçonnaient pas, à développer leur créativité et surtout c'est une invitation au dépassement de soi. Le théâtre est une discipline très complète qui implique le corps, la voix, la créativité, la capacité d'improviser et de s'adapter, le rythme, la création d'histoire, l'ouverture aux autres, etc.

Le travail en groupe est une confrontation intéressante. Elle nous permet de voir d'autres façons de faire, d'être en contact avec d'autres sensibilités, d'autres univers créatifs et de s'ouvrir aux propositions des autres, d'explorer des pistes qu'on n'aurait pas forcément suivies.
Les 5 piliers du théâtre sont :
4/ L'expression des émotions
* Exprimer ses émotions
* Découvrir les différents états émotionnels du corps
* Enrichir notre palette émotionnelle par l'interprétation de différentes situations dramatiques

L'objectif ultime pour ceux qui s'engagent dans cette voie est de présenter une forme construite, lisible et captivante au public. C'est-à-dire de pouvoir exprimer quelque chose qui nous est propre dans un langage théâtral devant une audience. Cet exercice permet de structurer notre créativité, de développer notre maîtrise scénique et de vivre un moment d'échange intense.

Pour clôturer cet article, j'ai envie de reprendre les mots de certains participants débutants à mes ateliers :
" Plaisir, découverte, étonnement, joie, partage des émotions avec les autres ", " je ne pensais pas que j'en étais capable ", " ça a libéré des choses en moi et ça m'a fait réfléchir "
" Au début de la séance, il n'y avait pas grand chose qui se passait pour moi. J'ai commencé à sentir le groupe et son énergie une fois que nous avons formé un cercle en nous tenant les mains. Exercices en duo : je ne pouvais pas fixer mon regard sur mon partenaire au début. Un sentiment de frustration de ne pas voir ce que l'autre faisait. Au fur et à mesure qu'on avançait dans les exercices je me sentais plus à l'aise, et plus connectée. Lors de la présentation individuelle, j'étais surprise de pouvoir facilement rentrer dans une émotion et d'en sortir. J'étais moi même et un autre personnage en même temps. A la fin de la séance j'étais là avec tous les composants de mon être en harmonie avec ce qui m'entourait ".

Patricia Barakat
Patricia est comédienne et metteure en scène diplômée du centre d'études théatrales de l'Université Catholique de Louvain La Neuve.Retour ligne manuel

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Théâtre et développement personnel - Mieux-Etre.org

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Le point commun entre la psychologie et le théâtre est qu'ils partagent tous les deux le même sujet d'étude : le drame humain et la vie en société.

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5 bienfaits que le théâtre apporte : - Zigotastiques

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5 bienfaits que le théâtre apporte : - Zigotastiques

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Le Théâtre est plus qu'un art, c'est un véritable outil que chacun devrait avoir au moins tester une fois dans sa vie par tous les bienfaits qu'il apporte ! C'est comme une boîte à outils essentiels à avoir dans sa vie quotidienne et professionnelle. En voici 5 essentiels !

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Notions Générales sur le Théâtre | Superprof

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Ressources Superprof - Cours théoriques, leçons et exercices

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NB : le théâtre a fait l'objet du BAC 2009. Le commentaire portait sur Dom Juan, de Molière.

1/ La tragédie et la comédie sont nées dans la Grèce antique

Des représentations théâtrales se déroulaient notamment à Athènes lors des fêtes de Dionysos.

* La tragédie met en scène des personnages nobles et héroïques confrontés à leur destin. Son dénouement est malheureux. L'action se déroule dans l'Antiquité ou à des temps mythologiques.

La tragédie classique (XVIIe avec Racine et Corneille) prend la forme d'une pièce en vers de cinc actes au lanagage soutenu.

* La comédie met en scène des personnages ordianires, souvent stéréotypés (le bourgeois avare, le valet débrouillard) et son dénouement est heureux. L'action est contemporaine de l'auteur.

La comédie classique (voir Molière) prend la forme d'une pièce en trois ou cinq actes, en vers ou en prose, et le langage est courant au familier.

* Le drame romantique apparaît au XIXe siècle sous l'impulsion des auteurs romantiques, souciaux de renouveler le genre théâtral (Hugo, Musset). Il met en scène des personnages hirstoriques ou fictifs appartenant à tous les milieux. Son dénouement est malheureux. L'action se déroule dans des époques allant de la Renaissance au XIXe siècle. Voir la fameuse "bataille d'Hernanie" lors de la sortie du drame éponyme, et le gilet rouge que portait T. Gautier, qui fit scandale. En fait, il était plutôt rose, le gilet ! 🙂

* Il existe encore bien d'autres genres théâtraux considérés comme mineurs : le vaudeville (théâtre de bouleverd, XIXe siècle), la farce (Molière en ses débuts), le drame (voir Diderot au XVIIIe, Marivaux), le mélodrame, etc.

2/ Le théâtre classique

C'est une genre majeur au XVIIe, période pendant laquelle se mettent en place les principes théoriques de la dramaturgie classique. Les règles de composition deviennent plus strictes : le dramaturge doit respecter la règle des trois unités (de lieu, de temps, d'action à laquelle s'ajoute celles de la bienséance (pas de sang sur scène) et de la vraisemblance. Il ne doit pas y avoir non plus mélange de registres.

3/ Les éléments du théâtre

Le texte théâtral n'est qu'un ingrédient parmi d'autres. En effet, le théâtre est un art vivant, il a besoin d'être incarné par le biais de la représentation pour prendre toute sa dimension (visuelle et auditive). Cette représentation se fait grâce aux acteurs ( au théâtre on parle de comédiens) et au metteur en scène. Ce dernier a pris une importance croissante au cours du XXe siècle : il joue parfois un rôle plus important que celui de l'auteur et se permet de prendre des libertés par rapport au texte.

4/ L'action théâtrale

Elle se déroule en trois temps : tout d'abord la scène d'exposition présente les personnages et l'intrigue, ensuite le noeud dramatique fait se succéder les péripéties et les obstacles, enfin le dénoument offre une issue "satisfaisante et vraisemblable".

5/ Les fonctions du théâtre

1. divertir : la comédie offre une distraction, un moyen d'échapper au quotidien, notamment par le rire

2. critiquer : la comédie représente et critique les moeurs de son temps. Molière, par exemple, explore l'âme humaine, critique la société comme dans Dom Juan ou Tartuffe.

3. enseigner : cad. repréenter des idées dans des pièces à thèse, comme chez Sartre (XXe, Les séquestrés d'Altona par exemple).

4. élever moralement : le spectateur qui assiste à une tragédie s'identifie au personnage, éprouve à travers lui des passions excessives et s'en débarrasse : c'est la catharsis chère à Aristote, ou purgation des passions.

6/ Vocabulaire à retenir

monologue : propos d'un personnage se trouvant seul en scène ; il présente souvent un dilemme

aparté : réplique entendue par le public mais non par les personnages présents sur scène

tirade : longue réplique prononcée sans interruption par un personnage (celles du Cid, de Corneille, est célèbre).

quiproquo : malentendu souvent comique qui porte sur un personnage, un objet ou un lieu (issu de l'italien, "qui pour quoi")

la double énonciation : caractéristique essentielle du théâtre. Un personnage s'adresse à la fois au public et aux autres personnages sur scène.

didascalie : indications scéniques, mises entre parenthèses, concernant le décor, le ton des répliques, etc.

réplique : ce qu'un comédien répond à l'autre.

NB : ces qq. définitions basiques ne doivent pas vous empêcher d'approfondir la notion.

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Notions Générales sur le Théâtre | Superprof

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NB : le théâtre a fait l'objet du BAC 2009. Le commentaire portait sur Dom Juan, de Molière. Des représentations théâtrales se déroulaient notamment à Athènes lors des fêtes de Dionysos. * La tragédie met en scène des personnages nobles et héroïques confrontés à leur destin. Son dénouement est malheureux.

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Le théâtre au Moyen-Âge

Plusieurs genres théâtraux se sont développés au cours du Moyen-Âge.

Le drame liturgique

Le drame liturgique apparaît dans les églises vers l'an mille. Ce sont d'abord des interpolations dans la liturgie, faites de courtes questions, en latin, suivies de courtes réponses, également en latin, puis on y intercale de courtes pièces dont les sujets sont empruntés à l'Ancien et au Nouveau Testament ou à la vie des saints. Ces courtes scènes se déroulent dans le chœur ou la nef de l'église. Les acteurs sont des prêtres ou des clercs, peu costumés. Les textes en latin sont progressivement entrecoupés de passages en langue populaire.

Évoluant peu à peu, le drame liturgique se joue, au milieu du XIIe siècle, sur le parvis de l'église. Le Jeu d'Adam, composé entre 1150 et 1170 par un auteur anonyme, est le premier exemple de texte dramatique écrit en français : environ la moitié de la représentation est occupée par des chants liturgiques en latin mais l'intégralité des dialogues est en français. De très nombreuses didascalies, en latin, donnent des indications très détaillées qui concernent aussi bien l'espace scénique que la gestuelle, les déplacements, le ton de voix, le débit des personnages ou leurs vêtements. Chacune des parties se déroule au sein d'un décor différent.

Le Jeu et le Jeu profane

Au XIIIe siècle apparaît le Jeu, sorte de drame liturgique beaucoup plus long (on passe de 100 à 1000 vers). Le Jeu se caractérise par l'introduction dans le thème religieux d'anecdotes ou de légendes populaires. Le Jeu de saint Nicolas de Jean Bodel, écrite autour des années 1200 est la première pièce non liturgique en français, plus proche d'une épopée que du récit religieux. (lien le texte sur Gallica)

Adam de la Halle sera un des premiers à écrire des jeux profanes avec le Jeu de la Feuillée (1276) et le Jeu de Robin et Marion : les actions vont être exprimées par des chanson et des danses.

Le Miracle

Joué sur le parvis de l'église, le Miracle, qui raconte la vie d'un saint ou une légende historique où l'élément divin apparaît dans le dénouement, une intervention de la Vierge ou d'un Saint. On citera Les Miracles de Notre Dame de Gauthier de Coincy, moine bénédictin et trouvère français (1177-1236) et Le Miracle de Théophile de Rutebeuf (1230-1285) - Lien vers le texte sur Gallica.

Le Mystère

Apparu au XVe siècle, le mystère se joue sur le parvis, mais aussi sur la place publique. Il se composait d'une succession de tableaux animés et dialogués écrits pour un public très large, mettant en œuvre des histoires et des légendes dont l'imagination et la croyance populaire s'étaient nourries.

Le Mystère se joue devant la ville entière, pendant plusieurs jours, aux grandes fêtes religieuses comme Noël, Pâques et la Pentecôte. Il met en scène deux cents personnages, parfois cinq cents, et une centaine d'acteurs est nécessaire pour le jouer, sans compter les figurants. Les décors y prennent une place de plus en plus importante.

La Farce

La farce apparaît au XIIIème siècle : c'est une pièce comique qui présente des situations et des personnages ridicules où règnent tromperie, équivoques, ruses, mystifications. La langue est très familière voire grossière. La Farce de Maître Pathelin a fait l'objet de nombreuses éditions dès la fin du XVème siècle (lien vers le texte sur Gallica).

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Plusieurs genres théâtraux se sont développés au cours du Moyen-Âge. Le drame liturgique apparaît dans les églises vers l'an mille. Ce sont d'abord des interpolations dans la liturgie, faites de courtes questions, en latin, suivies de courtes réponses, également en latin, puis on y intercale de courtes pièces dont les sujets sont empruntés à l'Ancien et au Nouveau Testament ou à la vie des saints.

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Le théâtre au XVIe siècle - Libre Théâtre

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Le théâtre au XVIe siècle - Libre Théâtre

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La Renaissance voit naître la volonté des souverains de mieux contrôler les divertissements populaires subversifs, notamment les sotties qui ridiculisaient régulièrement les membres de la famille royale et de l'Église, avec parfois un contenu politique particulièrement partisan. Parallèlement, l'Église promulgue l'interdiction des mystères en 1548. Plusieurs représentations royales installent la tragédie comme divertissement de cour.

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Le théâtre au XVIIe siècle - Libre Théâtre

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Le théâtre au XVIIe siècle

La Tragédie

Reprenant les théories de la Poétique d'Aristote, très commentée pendant la Renaissance, et à la formulation de la règle des trois unités, la tragédie classique respecte la règle des trois unités. Cette règle a pour but de ne pas éparpiller l'attention du spectateur pour qu'il se concentre sur l'intrigue pour mieux le toucher et l'édifier :

Unité d'action : la pièce ne met en scène qu'une seule action principale. Il peut y avoir des intrigues secondaires mais ces dernières doivent trouver leur résolution au plus tard en même temps que l'action principale.

Unité de temps : toute l'action représentée est censée avoir lieu dans un seul jour.

Unité de lieu : toute l'action représentée se déroule dans un seul endroit.

La tragédie classique française est inspirée des tragédies antiques grecques. Elle met en scène que de très hauts personnages, appartenant à l' histoire ou aux mythes de l'Antiquité.

Les faits doivent paraître vraisemblables aux spectateurs : il faut qu'ils aient l'illusion d'assister au déroulement d'une histoire réelle. La tragédie doit aussi respecter la vraisemblance et la bienséance.

La tragédie doit également respecter la bienséance. Le comportement des personnages doit être conforme à leur âge et à leur condition sociale. Rien ne doit choquer la sensibilité ou les principes moraux du spectateur : violence et intimité physique sont exclues de la scène.

Le dénouement est souvent tragique. La tragédie classique prétend remplir une fonction morale, conforme ainsi au principe de catharsis définie par Aristote. En s'identifiant à des personnages dont les passions coupables sont punies par le destin, le spectateur de la tragédie se voit délivré, " purgé " des sentiments inavouables qu'il peut éprouver secrètement.

Les principaux auteurs de tragédies au XVIIe siècle :

Jean Racine (1639-1699) - Chroniques de

Pierre Corneille (1606-1684): liste des œuvres sur Libre Théâtre

Jean de Rotrou (1609-1650) - sur Libre Théâtre, Agésilan de Cochos sur Théâtre Classique, L'Innocente Fidélité sur Gallica, Le Véritable Saint Genest sur Wikisource, Venceslas sur Wikisource

Georges de Scudéry (1601-1667) : Eudoxe sur wikisource, L'Amour tyrannique sur Théâtre classique, Le Prince déguisé sur wikisource, Le Vassal généreux sur wikisource

Thomas Corneille (1625-1709) : La Mort d'Achille sur Wikisource, Le Comte d'Essex sur Wikisource, Le Festin de pierre sur Wikisource, Médée sur Wikisource, Persée et Démétrius sur Wikisource, Stilicon sur Wikisource, Ariane sur Wikisource, Timocrate sur Théâtre Classique

François Hédelin Aubignac (abbé d', 1604-1676) : La Pucelle d'Orléans sur Gallica

Balthasar Baro (1600?-1650) : Célinde sur Gallica

Catherine Bernard (1662-1712) - Chronique de Brutus sur Libre Théâtre,

François Le Métel de Boisrobert (1592-1662) : La Vraie Didon ou la Didon chaste sur Gallica

Claude Boyer (1618-1698) : Oropaste ou le Faux Tonaxare sur Théâtre Classique

Jean Galbert de Campistron (1656-1713) : Arminius sur Théâtre classique

Nicolas Chrétien des Croix (15..-16..) : Les Portugais infortunés sur Gallica

Prosper Jolyot de Crébillon (1674-1762) : La Nuit et le moment sur wikisource, Atrée et Thyeste sur wikisource, Catilina sur Théâtre Classique, Rhadamisthe et Zénobie sur Théâtre classique

Savinien de Cyrano de Bergerac (1619-1655) : La Mort d'Agrippine sur wikisource, Le Pédant joué sur Gallica

Antoinette Des Houlières (1638-1694) : Genseric sur Gallica, La mort de Cochon sur Gallica

Pierre Du Ryer (1605-1658) : Alcimédon sur wikisource, Saül sur Théâtre classique

François de Fénelon (1651-1715) : Dialogues des Morts sur Gallica

Alexandre Hardy (1570?-1632?) : Elmire ou l'Heureuse Bigamie sur Gallica, Scedase ou l'hospitalité violée sur Gallica

Gautier de Coste La Calprenède (sieur de, 1609?-1663) : Le Comte d'Essex sur Théâtre Classique

Pierre Mainfray (1580-1630) : La Rhodienne ou la Cruauté de Soliman sur Gallica

Nicolas Soret (15..-16..) : La Céciliade ou Martyre sanglant de saincte Cécile, patrone des musiciens sur Gallica

Tristan L'Hermite (1601-1655) : la Mariane sur Théâtre Classique, La Mort de Sénèque sur Théâtre Classique

Théophile de Viau (1590-1626) : Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé sur Théâtre Classique

La Comédie

La comédie cherche à divertir le spectateur, à le faire rire. Contrairement à la tragédie, dans la comédie, les personnages sont de condition moyenne ou modeste et le dénouement est heureux.

Molière (1622-1673) est le plus illustre représentant du genre. Après s'être inspiré de la farce et de la Commedia dell'arte dans ses premières pièces, Molière développe différents genres de comédie : comédies de mœurs, comédie de caractère, comédie-ballet qui inclut des ballets. Jean-François Regnard (1655-1709), l'autre grand auteur de comédies écrit tout d'abord des farces pour le Théâtre-Italien, puis des comédies d'intrigues, jouées au Théâtre-Français. Dancourt (1661-1725) est également un auteur prolifique de comédies, dans des genres différents : intermèdes, parodies d'opéras, divertissements de cour, fantaisies mythologiques, des comédies en cinq actes et surtout de courtes pièces en prose, les " dancourades ", écrites en langage parlé.
Les autres auteurs de comédies du XVIIème siècle :
Baron (1653-1729) : L'Homme à bonne fortune sur Gallica

Isaac de Benserade (1613-1691) : Iphis et Iante sur Gallica

Charles de Beys (1610-1659) : Les Illustres Fous sur Gallica

Edme Boursault (1638-1701) - Chronique Le Mercure galant ou la Comédie sans titre

Brosse ( 15..?-1651) : Les Songes des hommes éveillés sur Gallica

David-Augustin de Brueys (1640-1723) : L'Avocat Patelin sur Théâtre Classique, Le Grondeur sur Gallica

Pierre Corneille (1606-1684) - Chronique sur L'illusion comique, liste des œuvres sur Libre Théâtre

Thomas Corneille (1625-1709) : L'Amour à la mode sur Wikisource, L'Inconnu sur Wikisource, Le Galant doublé sur Wikisource, Les Illustres Ennemis sur Wikisource,

Jean Desmarets de Saint-Sorlin (1595-1676) : Chronique sur Les Visionnaires sur Libre Théâtre

Jean Donneau de Vizé (1638-1710) : La Devineresse ou les Faux Enchantements sur Gallica

Pierre Du Ryer (1605-1658) : Alcimédon sur wikisource, Les Vendanges de Suresnes sur Théâtre classique

Guyon Guérin de Bouscal (16..-1657) : Don Quichotte de La Manche sur Gallica

Jean de La Fontaine (1621-1695) : Astrée sur wikisource, l'Eunuque sur wikisource

Lambert ( 16..-16..) : La Magie sans magie, sur Gallica

Noël Lebreton Hauteroche (sieur de, 1617-1707) - Chronique Le Souper mal apprêté

Jean Mairet (1604-1686) : La Salvanire ou la Morte vive sur Gallica, Les Galanteries du Duc d'Ossone, vice-roi de Naples sur Gallica

Montfleury (1639-1685) : La Femme juge et partie sur Gallica

Charles Perrault (1628-1703): L'Oublieux sur Gallica

Paul Scarron (1610-1660) : Jodelet ou le Maître valet sur Théâtre Classique, La Fausse Apparence sur wikisource

Les lieux de représentation à Paris au XVIIème siècle

Le Théâtre de la foire se développe au début du XVIIème siècle à Paris à l'occasion des foires annuelles de Saint-Germain et de Saint-Laurent et, plus tard, de Saint-Ovide. Tabarin est le plus célèbre des comédiens du théâtre de la foire du début du XVIIème. Habillé d'un manteau s'attachant à la hauteur des manches (un " tabar ") et d'un pantalon de toile blanche, toujours coiffé d'un grand feutre, il improvisait des monologues, interpellait les passants, dialoguait avec la foule ou encore avec un comparse (Mondor, son maître qui était en réalité son frère). Ses harangues lui donnaient également l'occasion de vendre des baumes et remèdes. Les tabarinades étaient souvent de style pamphlétaire et incisif.

En province, les comédiens allaient de ville en ville jouer sur des scènes improvisées ou dans certains Jeux de Paume. Les deux plus célèbres troupes ambulantes furent celle de Floridor (rentrée en 1638 au Théâtre du Marais) et celle de Molière.

Au milieu du XVIIème siècle, quatre troupes de théâtre rivales coexistent à Paris, associées à 3 salles de spectacle : celle du Marais, celle de l'Hôtel de Bourgogne et celle du Palais-Royal, dirigée par Molière .
Hôtel de Bourgogne
En 1548, la société des Confrères de la Passion construit dans l'Hôtel de Bourgogne une salle de spectacle pour présenter des mystères. Après un arrêt du Parlement leur défendant de jouer des pièces religieuses, les Confrères obtiennent le monopole des représentations théâtrales profanes sur Paris, et louent leur théâtre aux troupes itinérantes. L'Hôtel de Bourgogne est alors la seule salle de théâtre permanente. En 1598, les " Comédiens ordinaires du Roy " créés par Valleran Le Conte occupent la salle, qu'ils partagent à partir de 1600 avec les Gelosi, première troupe italienne en résidence.
Hôtel du Marais
Pour concurrencer l'Hôtel de Bourgogne, l'acteur Montdory décide de monter son propre théâtre à Paris et s'installe en 1634 dans le quartier très à la mode du Marais, rue Vieille-du-Temple. Dans les années 1660, elle se spécialise dans les pièces à machines, mais reste moins fréquentée que l'Hôtel de Bourgogne et le Palais-Royal de Molière. De nombreux acteurs l'Hôtel de Bourgogne et du Palais Royal viennent du théâtre du Marais.
Théâtre du Palais-Royal
Afin de casser le monopole de l'Hôtel de Bourgogne, le cardinal de Richelieu fait élever en 1637 un théâtre sur l'aile est du bâtiment du Palais-Royal (à l'emplacement de l'actuelle Comédie-Française). L'inauguration a lieu en 1641. Le Théâtre-Italien et la troupe de Molière se partagent la scène entre 1662 et 1673. À la mort de Molière, Lully récupère les lieux pour y fonder l'Académie royale de musique.
Hôtel de Guénégaud
Après la mort de Molière en 1673, les comédiens du Marais rejoignent sur ordre royal la troupe des comédiens de Molière, et cette nouvelle troupe s'installe à l'Hôtel Guénégaud, rue Mazarine. Le 18 août 1680, Louis XIV signe à Charleville l'acte fondateur de la Comédie Française qui réunit au théâtre Guénégaud, les comédiens de l'Hôtel de Bourgogne à ceux qui s'y produisaient déjà.

Le 21 octobre 1680, une lettre de cachet, signée à Versailles, consacre la fondation d'une troupe unique, composée de vingt-sept comédiens et comédiennes choisis par le roi pour leur excellence, dans le but de " rendre les représentations des comédies plus parfaites ". La troupe unique jouit du monopole des représentations en français à Paris et dans les faubourgs.
Chassés de l'Hôtel Guénégaud quelques années plus tard par les Clercs du Collège des Nations - actuelle Académie Française - les Comédiens Français investissent, dès 1689, leur nouvelle salle, située rue des Fossés Saint-Germain, aujourd'hui, rue de l'Ancienne Comédie, à la hauteur du N° 14, face au Café Procope qui rassemblait alors les célébrités littéraires.

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Le théâtre au XVIIe siècle - Libre Théâtre

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Reprenant les théories de la Poétique d'Aristote, très commentée pendant la Renaissance, et à la formulation de la règle des trois unités, la tragédie classique respecte la règle des trois unités. Cette règle a pour but de ne pas éparpiller l'attention du spectateur pour qu'il se concentre sur l'intrigue pour mieux le toucher et l'édifier : Unité d'action : la pièce ne met en scène qu'une seule action principale.

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Le théâtre au XVIIIe siècle - Libre Théâtre

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Le théâtre au XVIIIe siècle

Le renouvellement de la tragédie

Le début du XVIIIème siècle marque le déclin de la tragédie classique. Prosper Jolyot de Crébillon (dit Crébillon père, 1674-1762) développe le " tragique de situation " : de nombreuses scènes d'horreur sont représentées sur la scène, rompant ainsi avec les principes de bienséance ; des intrigues comportant de nombreux coups de théâtre annoncent le mélodrame du XIXème siècle. (oeuvres de Crébillon Père sur Libre Théâtre)

Des renouvellements plus profonds apparaissent avec les tragédies de Voltaire (1694-1778) qui introduit des sujets modernes en gardant la structure classique et l'alexandrin. 30 pièces de Voltaire entrent au répertoire de la Comédie-Française et sont très souvent représentées au cours du XVIIIème siècle. Sémiramis (1748) et L'Orphelin de la Chine (1755) révolutionnent l'illusion théâtrale avec la suppression définitive des banquettes occupées par les gentilshommes sur scène. Voltaire, assisté de son principal interprète, Lekain, définit scrupuleusement les effets théâtraux et scéniques : les décors et les costumes correspondent désormais au cadre historique des pièces. Après 1789,trois pièces, Nanine, Brutus et Mahomet,sont fréquemment jouées faisant respectivement écho à la moralisation des mœurs, au républicanisme et au refus du fanatisme religieux. (oeuvres de Voltaire sur Libre Théâtre)

Le renouvellement de la comédie

Jean-François Regnard, dans la lignée de Molière,écrit des arlequinades, des comédies de caractères(Le Joueur, Le Distrait) et des comédies d'intrigues (Le Légataire universel), dont la fantaisie et la verve sont saluées. Ses comédies sont très souvent représentées au début du XVIIIème siècle sur la scène de la Comédie-Française. (oeuvres de Regnard sur Libre Théâtre)

Lesage (1668-1747) marque la comédie de mœurs avec Turcaret (1709), une dénonciation des milieux financiers. Après sa brouille avec les Comédiens Français, il se tourne vers le théâtre de la Foire, qui rencontre un immense succès populaire à cette époque, et écrit, en collaboration avec d'autres auteurs, plus d'une centaine de pièces. (oeuvres de Lesage sur Libre Théâtre)

Dancourt (1661-1725) entre en 1685, dans la troupe de la Comédie-Française, dont il devint sociétaire, et fait jouer la même année sa première comédie, Le Notaire obligeant ou les Fonds perdus. Il rencontre le succès et écrit plus de 80 comédies e mœurs dépourvues de moralité et très réalistes, caricaturant les bourgeois vaniteux et les magistrats véreux. Il est considéré par certains comme le père du vaudeville moderne. (Oeuvres de Dancourt sur Libre Théâtre)

La Régence de Philippe d'Orléans permet le retour, dès 1716, des Comédiens Italiens chassés par Louis XIVen 1697.Les spectacles sont d'abord joués en italien puis rapidement des auteurs écrivent en français pour mettre en scène les personnages issus de la commedia dell'arte comme Arlequin, Colombine ou Pantalon. Marivaux, notamment, écrit pour la troupe Arlequin poli par l'amour qui connaît un grand succès en 1720. 18 comédies (sur 27) seront destinées à la Comédie Italienne. Marivaux fait évoluer le genre de la comédie : il explore le sentiment amoureux, en développant l'art de la conversation galante, devenue marivaudage ( La Double Inconstance, les Fausses Confidences, l e Jeu de l'amour et du hasard...) mais aussi les problèmes de société, autour des relations entre maître et valet, de la liberté et l'égalité(l'Île des esclaves), la situation des femmes ( La Nouvelle Colonie).(Oeuvres de Marivaux sur Libre Théâtre)

Les comédies de Beaumarchais (1732-1799) renouvellent le genre : tout en élaborant des intrigues joyeuses avec de multiples rebondissements,Beaumarchaisdéveloppe une satire sociale et politique à travers le personnage de Figaro, un valet débrouillard qui conteste le pouvoir de son maître, avec le Barbier de Séville (1775) et le Mariage de Figaro (1784).Cette pièce, représentée après plusieurs années de censure fut un vrai triomphe. Dénonçant les privilèges archaïques de l'aristocratie, elle est considéréecomme l'un des signes avant-coureurs de la Révolution française.
Les oeuvres de Beaumarchais sur Libre Théâtre

Apparition d'un nouveau genre : le drame bourgeois

Diderot évoque pour la première fois le " drame bourgeois ", qu'il nomme " genre sérieux ", entre comédie et tragédie, dans les Entretiens sur le Fils naturel. Le principe de l'unité de temps et de lieu est abandonné, ainsi que le principe de vraisemblance du théâtre classique.

Ces pièces se veulent moralisatrices et exaltent les vertus de l'amitié, de la solidarité et de l'altruisme. Le spectateur doit être ému par les situations pathétiques auxquelles sont confrontées des familles bourgeoises.Une autre caractéristique du drame bourgeois est le développement de la pantomime qui permet d'exprimer passions et sentiments au travers des gestes et des attitudes des acteurs. Les drames bourgeois les plus célèbres sont : le Fils naturel (Diderot, 1757), le Père de famille (Diderot, 1758), le Philosophe sans le savoir (Sedaine, 1765), la Brouette du vinaigrier (Mercier, 1775) ou encore la Mère coupable (Beaumarchais, 1792).

Les oeuvres de Diderot sur Libre Théâtre
Les oeuvres de Sedaine sur Libre Théâtre Les oeuvres de Mercier sur Libre Théâtre
Les oeuvres de Beaumarchais sur Libre Théâtre

Le théâtre politique

À la fin des années 1770, Olympe de Gouges monte sa propre troupe de comédiens, qui se produit à Paris et dans ses environs. Elle publie de nombreuses pièces, dont Zamore et Mirza ou l'heureux naufrage (1785), qui prend parti contre l'esclavage, pièce acceptée puis retirée du répertoire du Théâtre-français. Elle participe activement à la Révolution et continue à publier des pièces portant sur des sujets de société ou d'actualité politique, abolitionnistes et féministes. Elle périt sur l'échafaud le 3 novembre 1793.
Les œuvres d'Olympe de Gouges sur Libre Théâtre

Evolution du vaudeville et apparition de l'opéra-comique

Dans la première moitié du XVIIIe siècle, la comédie " à vaudevilles " se développe : les scènes sont entrecoupée de ballets et de couplets chantés sur un air connu dont les paroles sont modifiées. Des personnages, inspirés de la comédie italienne, sont mêlés à des situations cocasses à rebondissement, avec souvent des allusions à l'actualité. Voir les oeuvres de Lesage sur Libre Théâtre.

L' Opéra-Comique, fondé en 1714, est issud'une des troupes de la foire Saint-Germain : un décret autorise la troupe à avoir son propre théâtre avec une contrainte : intercaler des dialogues parlés dans les œuvres chantées.Les débuts de l'Opéra-Comique sont difficiles et connaissent plusieurs périodes de fermeture. En 1743, Jean Monnet prend la direction de l'Opéra-Comique. Avec notamment Charles-Simon Favart, le genre évolue : le texte est désormais associé à une musique originale c'est la naissance du véritable opéra-comique. Voir les oeuvres de Favart sur Libre Théâtre.

Mais la simple comédie à vaudevilles subsiste, en donnant une part plus importante au dialogue parlé au détriment de la partie musicale, réduite à quelques couplets.

En 1792, la proclamation de la liberté du théâtre permet l'éclosion de scènes spécialement consacrées au genre : ce fut d'abord le théâtre du Vaudeville qui contribua au transfert de sens du terme vaudeville, désormais appliqué à la pièce elle-même.

Beaumarchais et la société des auteurs dramatiques

Le 3 juillet 1777, lors d'un repas auquel il convie une trentaine d'auteurs, Beaumarchais propose la fondation de la première société des auteurs dramatiques. Après le succès du Barbier de Séville, Beaumarchais souhaite défendre le droit des auteurs face au monopole des Comédiens français et redéfinir les conditions de rétribution des auteurs. Le combat qu'il mène aboutit à la reconnaissance légale du droit d'auteur par l'Assemblée Constituante le 13 janvier 1791.

C'est la première loi édictée dans le monde pour protéger les auteurs et leurs droits. Le droit de représentation sera reconnu par les décrets de janvier 1791, le droit de reproduction en 1793. La loi Le Chapelier confère aux auteurs un monopole d'exploitation sur la reproduction et la représentation de leurs œuvres : les auteurs ont désormais le droit de vivre du fruit de leur travail.

Le Théâtre de la Révolution

La Loi relative aux spectacles du 13 janvier 1791 permet à chacun d'ouvrir une salle de spectacle sur simple déclaration et les ouvrages dont les auteurs sont morts depuis 5 ans au moins peuvent être représentés librement.Les salles se multiplient pendant cette période. 1637 pièces sont imprimées.

Le théâtre devient un lieu d'enjeux politiques où se passe les affrontements politiques et idéologiques. Le théâtre devient un lieu de célébration des héros républicains et de commémorations des exploits républicains.

La Comédie-Française devient en 1789 le théâtre de la Nation et perd ses privilèges notammentle monopole exclusif des œuvres du répertoire classique. La tragédie Charles IX ou la Saint-Barthelemy de Chénier, censurée en 1788, est représentée en novembre 1789 : le jeune et ambitieux Talma est propulsé sur le devant de la scène théâtrale et politique.

Sous la Terreur, la censure est rétablie en août 1793.Après Thermidor, les pièces " patriotiques " sont remplacées par des opéras-comiques ou des satires sociales.

Le coup d'Etat de Napoléon Bonaparte le 18 Brumaire (1799) va entraîner un rétablissement officielde la censure. Le gouvernement concède à la société des Comédiens-Français le Théâtre Français de la République, rue de Richelieu. Napoléon se fait le protecteur de la Comédie-Française. Le nombre de théâtre est réduit : 8 salles à Paris en 1807.

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Le théâtre au XVIIIe siècle - Libre Théâtre

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Le renouvellement de la tragédie, le renouvellement de la comédie, le drame bourgeois, évolution du vaudeville, Beaumarchais

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Le théâtre au XIXe siècle - Libre Théâtre

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Le théâtre au XIXe siècle - Libre Théâtre

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Le drame romantique apparaît au début du XIXème siècle, influencé par le théâtre de Shakespeare, redécouvert à cette époque, ainsi que par les romantiques allemands. Il est théorisé par Victor Hugo dans la Préface de (1827) qui proclame la liberté totale de l'invention et de la forme théâtrale.

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Le théâtre du XXe siècle - Libre Théâtre

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Le théâtre du XXe siècle

Théâtre de boulevard et théâtre satirique

L'engouement populaire pour le vaudeville et le théâtre de boulevard continue au début du XXème siècle. De nouveaux dramaturges renouvellent le genre : Sacha Guitry développe un humour caustique et misogyne dans des satires de la bourgeoisie, multipliant les bons mots ; Marcel Pagnol connaît le succès, en premier lieu au théâtre, avec ses pièces provençales, interprétées par Raimu, transposant vaudeville et mélodrame dans une société pittoresque et poétique.

La verve satirique de Jules Romains trouve sa meilleure expression dans Knock (1923) jouée plus de mille fois par Louis Jouvet.

Côté drame, Henri Bernstein propose des pièces psychologiques et cruelles.

Nouvelles écritures

Le théâtre est également le lieu de nouvelles expériences surréalistes ou dadaïstes avec Guillaume Apollinaire ( Les Mamelles de Tirésias, 1917) ou avec Roger Vitrac ( Victor ou les Enfants au pouvoir, 1928).

Réécriture des mythes

Après ses premiers drames symbolistes ( Tête d'Or, 1894), Paul Claudel développe des œuvres lyriques, marquées par l'empreinte profonde du christianisme et une écriture comparable à des versets bibliques ( Le Soulier de satin, 1929).

Dans des styles très différents, , Jean Anouilh et Jean Cocteau, réécrivent les grands mythes antiques, interrogeant les notions de destinée et de responsabilité humaine à l'aune des enjeux contemporains : Giraudoux avec La Guerre de Troie n'aura pas lieu (1935) et Électre (1937) ; Cocteau avec Œdipe-Roi (1927) ; Anouilh avec Antigone (1944). Ils modernisent les mythes, en les désacralisant, en jouant avec les anachronismes et en mêlant le comique au tragique.

Henry de Montherlant renoue avec le drame classique dans La Reine Morte en 1942.

Le théâtre engagé

Après la Seconde Guerre mondiale, dans un monde désorienté, Albert Camus ( L'État de siège, 1948, Les Justes, 1949) et Jean-Paul Sartre ( Les Mains sales, 1948, Huis clos, 1945) défendent un théâtre plus engagé politiquement, illustrant leurs réflexions philosophiques sur l'action, la révolution ou la responsabilité individuelle et sociale.

Dans les années 50 et 60, Jean Genet, avec Les Bonnes (1947), Le Balcon (1956) ou Les Nègres (1958),développe un théâtre de la transgression, de nature toujours plus politique. La représentation des Paravents en 1966 qui fait allusion à la guerre d'Algérie et condamne le colonialisme et le racisme, entraîne de violentes manifestations.

Aimé Césaire fonde une poétique engagée dans La Tragédie du roi Christophe (1963) et Une saison au Congo (1966).

Le théâtre de la cruauté, le théâtre de l'absurde et le nouveau théâtre

Antonin Artaud, dans Le Théâtre et son double en 1938, condamne les causes de la décadence du langage théâtral et l'assujettissement du théâtre à la parole. S'inspirant du théâtre oriental, il propose de revenir à un spectacle intégral, engageant le corps de l'acteur et utilisant sur scène toutes les formes artistiques.

Samuel Beckett, En attendant Godot (1952), Oh les beaux jours (1963) et Eugène Ionesco ( La Cantatrice chauve (1950), Les Chaises (1952) le théâtre de l'absurde reflète la perte des repères et la défiance vis-à-vis du langage manipulateur. Ces auteurs renouvellent l'art dramatique, tout en mélangeant tragique, métaphysique et humour : les personnages sont réduits à des pantins, rendant impossible toute communication, l'intrigue n'a plus de cohérence, et le langage est totalement déstructuré.

Le " Nouveau Théâtre " des années 1960 met en pratique les théories d'Artaud, avec les créations collectives des acteurs duThéâtre de la Cruauté de Peter Brook ou du Théâtre du Soleil d' Ariane Mnouchkine.

Le metteur de scène et le nouveau rapport au public

La " décentralisation théâtrale " après la guerre crée de nouveaux lieux sur le territoire français, et tente de démocratiser le théâtre en cherchant à toucher tous les publics. En 1947, autour de Jean Vilar, naît l'aventure du Festival d'Avignon. Au Théâtre National Populaire à Paris, Jean Vilar crée des spectacles de qualité, accessibles au plus grand nombre, avec des comédiens de renom comme Gérard Philipe. Le rôle du metteur en scène dans la création théâtrale est désormais reconnu, avec notamment Roger Planchon, Georges Lavaudant, Patrice Chéreau... (voir sur le sujet le très beau film de Daniel Cling, Une aventure théâtrale, 30 ans de décentralisation)

Nouvelles formes du langage théâtral

Bernard-Marie Koltès ( Combat de nègre et de chiens, 1983 et Dans la solitude des champs de coton, 1987) propose dans son théâtre une réflexion métaphysique sur le langage et les rapports humains. Cette réflexion se retrouve sous des formes variées dans le théâtre de Valère Novarina ( L'Atelier volant, 1974), Jean-Luc Lagarce ( Les règles du savoir-vivre dans la société moderne, 1993) et Michel Vivaver ( La Demande d'emploi, 1972).

De nouvelles formes du langage théâtral apparaissent avec Marguerite Duras ( Le Square, 1955), Roland Dubillard ( Les Diablogues, 1975), Nathalie Sarraute ( Pour un oui ou pour un non, 1982), Yasmina Reza ( Art, 1994), Agnès Jaoui et Jean-Pierre Bacri ( Cuisine et dépendances, 1989).
Note : les oeuvres de la plupart des auteurs du XXème siècle ne sont pas encore entrées dans le domaine public (en général, en France, cela intervient 70 ans après la mort de l'auteur). Libre Théâtre alimente chaque année le Répertoire des oeuvres libres de droit avec les nouvelles pièces entrées dans le domaine public.
Internet et les nouvelles formes de diffusion de la création

Comme pour la musique, Internet modifie au début des années 2000 le circuit de diffusion des oeuvres de théâtre. L'auto-édition peut ainsi être une option dans le domaine de l'édition théâtrale. En effet, en ce qui concerne le théâtre, l'auteur ne perçoit pas seulement des revenus sur la vente de ses livres, mais aussi et surtout sur les droits de représentation de ses œuvres, collectés par la SACD. Parce que le théâtre est d'abord fait pour être joué et qu'une diffusion plus large permet de multiplier les montages, certains auteurs choisissent de proposer le téléchargement gratuit de leurs textes sur Internet. Jean-Pierre Martinez, co-fondateur du site Libre Théâtre, propose ainsi dès 2001 tous les textes de ses comédies en téléchargement gratuit sur son site La Comédiathèque.

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Le théâtre du XXe siècle - Libre Théâtre

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Exploration subjective du théâtre au XXe siècle : le théâtre de boulevard, nouvelles écritures, le théâtre engagé, le théâtre de la cruauté, l'absurde

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Molière était un célèbre auteur de pièces de théâtre. Il est mort un 17 février, il y a... 350 ans. Pourquoi parle-t-on encore de lui, des siècles plus tard ? Et comment se fait-il que ses pièces continuent d'avoir du succès ? Regarde cette vidéo pour le savoir.

C'est qui, Molière ?

C'est un comédien et un auteur de pièces de théâtre. Jean Baptiste Poquelin, de son vrai nom, est né en 1622 à Paris. Son père est un riche tapissier qui a l'honneur de s'occuper de la chambre du roi. Jean Baptiste, lui, est attiré par le théâtre. Il crée sa compagnie, L'Illustre Théâtre, où il prend le pseudonyme de Molière.

Malheureusement, c'est la faillite. Sa compagnie a des dettes et Molière passe même quelques heures en prison. Il parcourt alors la France avec une troupe itinérante pendant douze ans et écrit des comédies. Quand il retourne à Paris, il obtient enfin le succès auprès du public et du roi Louis XIV.

Pourquoi est-il devenu célèbre ?

Molière critique avec humour les luttes de pouvoir et les rapports hommes-femmes. Certaines de ses pièces font scandale, comme Tartuffe, qui dénonce les mensonges de certains religieux. Dans Le Misanthrope, Molière ridiculise les gens riches et leurs manières précieuses.

À 51 ans, pendant qu'il joue Le Malade imaginaire, où il se moque des médecins, Molière fait un malaise. Il meurt quelques jours plus tard. Le roi crée par la suite la Comédie-Française en réunissant différentes compagnies de théâtre, dont celle de Molière. Quatre cent ans après sa naissance, ses pièces sont encore enseignées à l'école et sa critique de la société est toujours d'actualité.

Envie d'en savoir plus ? Si tu es abonné à l'hebdo 1jour1actu, retrouve un dossier complet sur Molière dans le n° 338 du 13 janvier 2022.
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Florence Blanquart

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Molière était un célèbre auteur de pièces de théâtre. Il est mort un 17 février, il y a... 350 ans. Pourquoi parle-t-on encore de lui, des siècles plus tard ? Et comment se fait-il que ses pièces continuent d'avoir du succès ? Regarde cette vidéo pour le savoir.

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Qui est Molière ?Petit-fils et fils de maîtres tapissiers du roi, Jean-Baptiste Poquelin naît à Paris le 15 janvier 1622. Apr&egr…

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Qui était Jean Racine ?

Jean Racine est un dramaturge français du XVIIe siècle. Destiné à une carrière dans l'Église, il préfère s'en écarter pour composer des pièces. Il est remarqué par Louis XIV dès 1665, à 26 ans, avec la pièce Alexandre le Grand. Et lorsque Louis XIV le fait concourir contre Pierre Corneille en leur demandant d'écrire une tragédie sur l'Histoire antique de Titus, empereur romain et Bérénice, reine de Palestine, c'est Racine qui l'emporte avec sa pièce seulement intitulée Bérénice. Les faveurs du roi et de sa Cour lui permettent de faire représenter dans les palais royaux des tragédies inspirées de l'Histoire ou de la mythologie antiques. Mais la découverte de son implication dans l'affaire des poisons en 1679, un scandale d'État ayant révélé que bon nombre de personnes de la cour commandaient des poisons et des messes noires pour assassiner leurs ennemis, met temporairement entre parenthèses sa carrière théâtrale. Il y revient à la demande de Mme de Maintenon, dernière épouse de Louis XIV, lorsqu'elle fonde en 1686 l'école pour jeunes filles nobles de Saint-Cyr. Elle commande alors à Racine deux pièces religieuses pour ses élèves, Esther et Athalie. Ses principales œuvres sont Britannicus, Iphigénie, Mithridate ou encore .

Dans quel contexte est écrit Phèdre ?

La pièce Phèdre est représentée en 1677. Le règne de Louis XIV est alors à son apogée : le roi a 39 ans, est l'époux de Marie-Thérèse d'Autriche et a un nombre incalculable de maîtresses, dont la favorite est Madame de Montespan, avec laquelle il aura quatre enfants. Ayant eu à affronter une révolte des nobles, la Fronde, alors qu'il était encore enfant, Louis XIV a gardé une méfiance vis-à-vis de la Cour, raison pour laquelle il fait construire sa résidence principale à Versailles, loin de Paris, pour isoler les courtisans et mieux les contrôler. En 1677, pourtant, le château de Versailles n'est pas encore achevé et le roi gouverne depuis le château de Saint-Germain-en-Laye, où il s'était réfugié pendant la Fronde, et depuis le palais du Louvre et celui des Tuileries. Ayant révoqué tous ses ministres en accédant au trône, Louis XIV exerce unpouvoir absolu. Racine assiste à la vie de la Cour ; il y participe même, puisqu'il connaît intimement tant les maîtresses du roi que son épouse la reine. Sa pièce Phèdre est dans le goût des courtisans, hommes et femmes, de son époque.

Qu'a changé Jean Racine à la littérature ?

Jean Racine est un des plus grands représentants du théâtre classique. S'il a écrit une comédie, Les Plaideurs, il est surtout connu pour son art de la tragédie. Ce genre théâtral, inventé à l'Antiquité, a été remis au goût de jour à la Renaissance par des auteurs humanistes comme Étienne Jodelle. Cent ans après ces dramaturges qui se tournent vers la mythologie pour écrire des tirades sous forme de vers, Jean Racine s'inspire à son tour de l'Antiquité pour y trouver des histoires de meurtres, d'adultères, d'incestes et d'amours impossibles. Le théâtre de Racine est violent mais il montre des personnages qui luttent contre leurs pulsions et leurs désirs au nom de la bienséance et de l'ordre. Tous, toutefois, n'y parviennent pas : c'est là la définition de la tragédie, à savoir la loi d'une fatalité à laquelle rien ni personne ne peut échapper.

Œuvres principales

La Nymphe de la Seine (1660), Andromaque (1667), Britannicus (1669), Mithridate (1673), Iphigénie (1674), Phèdre (1677).

Parcours littéraire

Maître de la tragédie classique, Jean Racine met en scène des histoires violentes (meurtres, adultères, incestes, amours impossibles) dans lesquelles les personnages luttent, en vain, contre leurs pulsions et leurs désirs au nom de la bienséance et de l'ordre.

► Découvrez la vidéo de la série Félix déLIRE consacrée à Phèdre deJean Racine.

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Jean Racine, poète et dramaturge classique

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"Toupinoscope"
Les biographies de la Toupie

Auteur dramatique et poète français
1606 - 1684

Biographie de Pierre Corneille

Pierre Corneille est né à Rouen dans une famille de magistrats. Après des études de droit, il devient avocat à Rouen tout en s'adonnant à la littérature en écrivant des comédies ( Mélite, sa première, en 1629), puis des tragédies avec Médée en 1636 et Le Cid qui est un triomphe en 1637. Ses rivaux, jaloux de son succès, déclenchent une polémique ("la querelle du Cid") en lui reprochant d'avoir copié Guillen de Castro, un auteur espagnol et de ne pas avoir respecté les règles d'or du théâtre classique.

A partir de 1640, Pierre Corneille s'oriente vers la tragédie historique et réalise ses chefs-d'oeuvre : Horace, Cinna, Polyeucte, Nicomède, etc. Les troubles de la Fronde (1648-1653) et le succès de sa traduction de L'imitation de Jésus-Christ l'amenèrent à renoncer un temps au théâtre. Mais, en concurrence avec Jean Racine (1639-1699), il recommençe à écrire des tragédies à partir de 1656 avec Oedipe (1659) et la Toison d'or (1660). Il enchaîne alors les succès, puis renonce à l'écriture en 1674 après Suréna Il meurt à Paris en 1684.

"Son oeuvre, 32 pièces au total, est variée : à côté de comédies proches de l'esthétique baroque, pleines d'invention théâtrale comme L'Illusion comique, Pierre Corneille a su donner une puissance émotionnelle et réflexive toute nouvelle à la tragédie moderne, apparue en France au milieu du XVIIe siècle. Aux prises avec la mise en place des règles classiques, il a marqué de son empreinte le genre par les hautes figures qu'il a créées : des âmes fortes confrontées à des choix moraux fondamentaux (le fameux "dilemme cornélien") [...]
Le théâtre de Pierre Corneille fait ainsi écho aux tournures du Grand Siècle dont il reflète aussi les valeurs comme l'honneur et les grandes interrogations, sur le pouvoir par exemple (contexte de la mort de Richelieu et de Louis XIII), la question de la guerre civile dansLa Mort de Pompée (1643), ou la lutte pour le trône dans Nicomède (1651, dans le contexte de la Fronde). (Wikipédia)

Quelques oeuvres :

Mélite (1629),

Clitandre ou l'Innocence persécutée (1631),

La Place royale (1634),

Médée (1635),

L'Illusion comique (1636),

Le Cid (1637),

Horace (1640),

Cinna ou la Clémence d'Auguste (1641),

Polyeucte (1642),

Rodogune (1644),

Héraclius (1647),

Andromède (1650),

Nicomède (1651),

Pertharite (1651),

Odipe (1659),

La Toison d'or (1660),

Tite et Bérénice (1670),

Suréna (1674).

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"Toupinoscope" Les biographies de la Toupie Auteur dramatique et poète français 1606 - 1684 Biographie de Pierre Corneille Pierre Corneille est né à Rouen dans une famille de magistrats. Après des études de droit, il devient avocat à Rouen tout en s'adonnant à la littérature en écrivant des comédies ( Mélite, sa première, en 1629), puis des tragédies avec Médée en 1636 et Le Cid qui est un triomphe en 1637.

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Pierre de Marivaux : biographie courte de l'auteur de pièces de théâtre

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BIOGRAPHIE DE PIERRE DE MARIVAUX - Auteur de nombreuses pièces de théâtre, Pierre de Marivaux est aussi journaliste et écrivain de romans. La vie de Marianne et la Dispute sont deux de ses œuvres principales.

Biographie courte de Pierre de Marivaux - Né dans une famille noble d'origine normande, Pierre Carlet de Chamblain de Marivaux a vu le jour le 4 février 1688 à Paris. Parallèlement à sa carrière de dramaturge, il travaille dans la banque puis comme journaliste au Spectateur français, journal qu'il fonde en 1721. Marivaux écrit en 1731 la première partie de sa célèbre œuvre La vie de Marianne, ou les aventures de Madame la Comtesse de ***, mais ne la finira jamais. Depuis, plusieurs suites ont été écrites mais sans que les mystères de l'orpheline (Marianne) ne soient révélés. Pierre de Marivaux meurt le 12 février 1763 d'une pleurésie.

Auteur principalement de pièces de théâtre, inspiré par la commedia dell'arte, Pierre de Marivaux écrit surtout pour la Comédie-Française et la Comédie-Italienne. Ses pièces de théâtres remportent pour certaines un grand succès populaire : La Surprise de l'amour en 1722, La Double inconstance en 1723, Le jeu de l'amour et du hasard (1730) et Les Fausses confidences (1737) en sont quelques exemples. Il y est le plus souvent question d'amours légères, ce que l'on appellera plus tard le "marivaudage". Cependant, à cette apparente légèreté s'ajoute dans ses pièces une subtile critique des inégalités sociales, comme L'île des esclaves (1725) ou La Colonie (1750), Marivaux étant un écrivain des Lumières.

Cette dernière pièce de théâtre est jouée pour la première fois à la Comédie-Française le 19 octobre 1744. Marivaux donne ici une dernière œuvre sur le sujet de l'inconstance de l'amour dans cette pièce en un acte, écrite en prose. L'intrigue est simple, des enfants ont été isolés dès le berceau dans un château perdu en forêt pour mener l'expérience suivante : qui de l'homme ou de la femme est responsable de l'inconstance en amour ? Le rideau se lève après de longues années d'isolation et au moment où enfin les jeunes hommes et femmes se rencontrent. Trois couples se forment très rapidement, deux se désunissent tout aussi rapidement, sans raison autre que l'égo des deux sexes. Mais le troisième reste uni. Ainsi l'expérience se conclue sur un nul : on ne peut réussir à déterminer qui de l'homme ou de la femme est le premier fautif dans l'inconstance des sentiments.

Pierre de Marivaux : dates clés

4 février 1688 : Naissance de Pierre Carlet de Chamblain de Marivaux

Pierre Carlet de Chamblain de Marivaux, couramment appelé Marivaux, est un homme de lettres né le 4 Février 1688 à Paris. En 1710, il se lance dans des études de droit afin de devenir avocat et de remplacer son père, fonctionnaire royal. Il est en relation avec de nombreux artistes et intellectuels qu'il rencontre notamment au salon de Mme de Lambert. Avec l'appui de Fontenelle, il publie sa première pièce de théâtre "Le Père prudent et équitable", mais également son premier roman, "Les Effets surprenants de la sympathie" (1713). Par la suite il publie de nombreuses autres pièces dont les plus célèbres sont "Le Jeu de l'amour et du hasard" (1730) ou encore "L'Amour et la Vérité" (1720).

12 février 1763 : Mort de Pierre Carlet de Chamblain de Marivaux

Marivaux décède le 12 février 1763 des suites d'une pleurésie, maladie de la plèvre. Il est âgé de 75 ans. Ces oeuvres sont parmi les plus jouées de la Comédie Française.

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Pierre de Marivaux : biographie courte de l'auteur de pièces de théâtre

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BIOGRAPHIE DE PIERRE DE MARIVAUX - Auteur de nombreuses pièces de théâtre, Pierre de Marivaux est aussi journaliste et écrivain de romans. La vie de Marianne et la Dispute sont deux de ses œuvres principales. Biographie courte de Pierre de Marivaux - Né dans une famille noble d'origine normande, Pierre Carlet de Chamblain de Marivaux a vu le jour le 4 février 1688 à Paris.

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William Shakespeare : biographie de l'auteur de pièces de théâtre

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BIOGRAPHIE WILLIAM SHAKESPEARE - Shakespeare est le Molière anglais. Représentatif de sa langue et de son temps, son histoire nourrit la controverse. Ses pièces de théâtre sont reconnues, comme Othello, Roméo et Juliette ou Hamlet.

Qui est William Shakespeare ? - Si son œuvre a traversé les siècles pour devenir un monument de la littérature universelle, l'histoire de Shakespeare semble condamnée à être écrite au conditionnel tant elle est sujette à controverse. Que de thèses échafaudées sur la véritable identité du dramaturge anglais, sur les pièces qu'il aurait écrites ou sur la vie qu'il a menée. Son existence même a été parfois remise en cause. Si la France a attendu le XXème siècle pour entendre une controverse sur la paternité des textes de Molière, Shakespeare voit sa légitimité remise en question dès le milieu du XIXème siècle au profit de Bacon, Marlowe, voire de la reine Elisabeth en personne. Tel Homère, père mythique de la littérature grecque, les auteurs devenus le symbole de leur langue - ne dit-on pas la " langue de Shakespeare" ou la "langue de Molière" - souffrent aujourd'hui de fortes suspicions. Il est vrai que Shakespeare, avec un parcours parfois obscur et des textes retouchés par la postérité, est particulièrement mal logé. Cependant, la biographie "orthodoxe" reste la plus reconnue, dût-elle s'accommoder de bizarreries "mythologiques" telle qu'une date et un lieu de naissance s'accordant parfaitement avec la date et le lieu de mort.

William Shakespeare naît le 23 avril 1564 à Stratford-sur-Avon dans le comté de Warwick en Angleterre au sein d'une famille catholique. Son père John est unancien paysan enrichi devenu gantier et Mary Arden, sa mère, est issue de la bourgeoisie. De la jeunesse de William, on ne connaît que peu de choses, sinon qu'il fut certainement l'élève de l'école de Stratford et que son père eut apparemment des difficultés financières. En novembre 1582, William épouse Anne Hathaway, femme de huit ans son aînée et qui lui donne un enfant dès le mois de mai. Suivent des jumeaux en février 1585. Puis, on perd la trace de Shakespeare pour longtemps. On ne sait quasiment rien de ses années de formations. L'hypothèse traditionnelle est que Shakespeare aurait quitté Stratford pour éviter les représailles d'un certain sir Thomas Lucy sur les terres duquel il aurait braconné. Il aurait alors rejoint Londres. Mais cette supposition repose surtout sur l'anecdote du délit de chasse de Falstaff dans Henry IV. Aucun élément matériel ni témoignage n'est en mesure de la confirmer.

Toujours est-il qu'en 1592, la plume assassine du dramaturge Robert Greene rend compte de la présence de Shakespeare à Londres dans le milieu théâtral. Greene stigmatise en effet le jeu et la plume du Stratfordien dans un pamphlet nommé "Un liard de malice". Pendant les dix années entre son mariage et ce fameux article, on ne sait rien de l'auteur : d'époux précoce à Stratford, il est devenu dramaturge et acteur reconnu sur la scène effervescente du théâtre élisabéthain. Mais la route qu'il a empruntée nous reste inconnue. C'est d'ailleurs un point qui alimente les thèses critiques sur l'identité de Shakespeare. Alors que le théâtre élisabéthain culmine à Londres, Shakespeare gagne le goût des autorités, ce qui lui assure succès et situation financière confortable. Il s'établit au Théâtre du Globe avec la compagnie des "Lord Chamberlain's Men", dont il est l'un des sociétaires. La troupe prend le nom de leur protecteur Lord Chamberlain, alors censeur officiel des représentations théâtrales.

A défaut de connaître véritablement Shakespeare, on distingue quatre périodes dans ces œuvres. De 1590 à 1594, celles-ci répondent aux attentes des autorités : elles mettent en scène des drames historiques et politiques tels que et Richard III. La sagesse, l'harmonie des pouvoirs sont opposées aux désordres et injustices nés de l'ambition personnelle. Shakespeare écrit dans la même période de nombreuses comédies comme La Mégère apprivoisée et des œuvres poétiques tel que Vénus et Adonis. Les œuvres de la période suivante, de 1594 à 1600, appartiennent à des registres proches. Ainsi le dramaturge écrit , mais aussi du Songe d'une nuit d'été, un exemple caractéristique des comédies au ton fantaisiste de l'époque. Mais Shakespeare y écrit aussi l'une de ses tragédies les plus connues : Roméo et Juliette.

A partir de 1600, les œuvres prennent un ton plus grave et sont empreintes de pessimisme. Ainsi, dans , le jeune prince du Danemark, confronté à la nécessité de la vengeance, peine à trouver les forces pour accomplir son destin tragique et entretient un rapport ambigu avec la mort. Mort, démesure, pour ne pas dire folie, sont en effet des thèmes récurrents de ces tragédies. Ainsi, dans le personnage d'Ophélie, amour, folie et suicide s'enchaînent dans un inéluctable crescendo. Quant au tyran , il règne dans le sang et la déraison. Même les comédies n'en sont plus vraiment, tant le pessimisme pointe derrière l'humour. Ainsi Tout est bien qui finit bien ou encore Mesure pour mesure sont désormais classées comme des "pièces à problèmes". Malheureusement, on ne connaît aucun élément biographique qui permette de comprendre ce changement dans l'écriture de Shakespeare. Au cours de cette période, qui court jusqu'à 1608, la troupe, bien installée au Globe puis au Blackfriars, change de nom après la mort de la reine Elisabeth en 1603. Elle prend alors de nom de "King's Men" (troupe du roi). Après 1608, les tragédies laissent place à des tragi-comédies moins noires mais qui n'en demeurent pas moins graves, par exemple le Conte d'hiver ou encore la .

En 1611, Shakespeare décide de se retirer du théâtre et de prendre sa retraite sur ses terres natales. Sur ses cinq dernières années, on sait juste que Shakespeare a eu quelques démêlés judiciaires quant à la possession de terrains. Il s'éteint le 23 avril 1616 à l'âge de 52 ans. Enterré dans le chœur de l'église de la Trinité à Stratford, il laisse derrière lui une œuvre impressionnante et un épitaphe explicite maudissant quiconque ouvrirait ou déplacerait sa tombe. Bien qu'il ait bénéficié de la reconnaissance du public et de la cour de son vivant, le destin de William Shakespeare reste mal connu, sinon dans les grands traits. Pourtant ses œuvres complètes sont éditées dès 1623 dans le fameux Folio. En fait, elles ne sombrent jamais dans l'oubli en Angleterre. En France, il faut attendre les romantiques pour que Hamlet ou encore le Songe d'une nuit d'été soient reconnus et appréciés. Mais depuis, Shakespeare est pensé comme un auteur essentiel au même titre que les écrivains nationaux. C'est d'ailleurs le cas dans de nombreux pays où les pièces sont encore représentées régulièrement. Les mises en scène, souvent très dépouillées ou transposées dans le monde actuel, témoignent de la modernité de Shakespeare. Avec de multiples adaptations de Hamlet, Macbeth ou encore Roméo et Juliette, le cinéma rend aussi régulièrement hommage au dramaturge anglais.

William Shakespeare : dates clés

23 avril 1564 : Naissance de Shakespeare

Si l'on en croit la tradition, Shakespeare naît à Stratford-sur-Avon d'un père enrichi et d'une mère de la bourgeoisie. Le dramaturge passera sa jeunesse à Stratford avant de partir à Londres pour des raisons inconnues. Il sera alors l'un des plus grands dramaturges du théâtre élisabéthain, oeuvrant avec succès au Globe Theatre. Il reviendra sur ses terres natales en 1611 pour s'y éteindre cinq ans plus tard, un 23 avril.

1582 : Mariage avec Anne Hathaway

Shakespeare se marie dès l'âge de 18 ans à une femme de huit ans son aînée. Anne Hathaway est une fille de fermier et elle est déjà enceinte de trois mois. Leur fille Suzanne naîtra au moi de mai suivant.

26 mai 1583 : Naissance de sa première fille, Suzanne

2 février 1585 : Naissance de jumeaux : Judith et Hamnet

29 janvier 1595 : Première présentation de "Roméo et Juliette"

Shakespeare fait représenter pour la première fois la tragédie amoureuse "Roméo et Juliette". L'histoire, devenue aussi universelle que Tristan et Iseult, est inspirée d'une nouvelle de Matteo Bandello, écrivain italien de la première moitié du XVIème siècle. Comme dans les tragédies grecques, deux familles sont soumises à un destin de haine, sans que chacun en connaisse les raisons et ne cherche à les comprendre. Ainsi, l'inimitié entre Capulet et Montaigu apparaît comme une fatalité qui aboutit à la mort des deux amants. Mais ce dénouement dramatique permet aussi la réconciliation des deux familles. L'histoire inspirera de nombreux compositeurs, comme Berlioz ou Bellini, mais aussi des cinéastes.

1601 : Shakespeare présente "Hamlet"

Shakespeare fait représenter pour la première fois son célèbre drame "Hamlet", connu de tous pour son vers "être ou ne pas être, là est la question". Elle y met en scène le destin tragique d'un jeune prince Danois, Hamlet, qui doit venger son père. Le héros est marqué par son irrésolution face au destin qui doit pourtant s'accomplir. Le pourrissement de la morale féodale et l'ironie face à la mort font d'Hamlet une des tragédies les plus universelles de la littérature.

1606 : "Macbeth" sur les planches

Shakespeare achève sa dernière grande tragédie : "Macbeth". Après les révélations de trois sorcières qui ne sont pas sans rappeler les oracles de la tragédie grecque, Macbeth devient rongé par l'ambition. Il monte sur le trône après une série de meurtres et devient un tyran sanguinaire. Cette dernière tragédie du crime et de l'ironie de l'existence influencera beaucoup les romantiques.

1611 : Shakespeare prend sa retraite à Stratford

29 juin 1613 : Incendie du Globe Theatre

Le Globe Theatre, sur les bords de la Tamise à Londres, prend feu accidentellement lors d'une représentation d'"Henry VIII" de William Shakespeare. Ouvert en 1599, le théâtre en forme de cercle sera immédiatement reconstruit, puis fermé par les puritains en 1642. Enfin, rebâti à l'identique, il sera rouvert en 1997.

23 avril 1616 : Shakespeare s'éteint à Stratford à l'âge de 52 ans

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William Shakespeare : biographie de l'auteur de pièces de théâtre

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BIOGRAPHIE WILLIAM SHAKESPEARE - Shakespeare est le Molière anglais. Représentatif de sa langue et de son temps, son histoire nourrit la controverse. Ses pièces de théâtre sont reconnues, comme Othello, Roméo et Juliette ou Hamlet. Qui est William Shakespeare ?

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Le Malade Imaginaire, de Molière | Théâtre

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Le Malade Imaginaire, de Molière | Théâtre

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Le Malade imaginaire audio et texte français Molière

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Le Malade imaginaire audio et texte français Molière

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Le Malade imaginaire, Molière : analyse pour le bac de français

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Voici un résumé et une analyse du Malade imaginaire de Molière pour le bac de français.

Le Malade imaginaire s'inscrit dans une thématique fréquente chez Molière : celle de la satire de la médecine, qui symbolise la prétention scientifique à maîtriser la nature.

Le Malade imaginaire est également un spectacle total car la comédie-ballet intègre la musique, le chant et la danse, offrant un divertissement des plus plaisants.

Enfin, cette pièce a contribué à la légende de Molière car le dramaturge qui souffrait de tuberculose fait un malaise lors de la quatrième représentation le 17 février 1673 dont il meurt quelques heures plus tard.

Le Malade imaginaire : analyse en vidéo

Lectures linéaires sur Le Malade imaginaire :

Le Malade imaginaire, acte I scène 1

Le Malade imaginaire, acte I scène 5

Le Malade imaginaire, acte I scène 6

Le Malade imaginaire, acte I scène 7

Le Malade imaginaire, acte II scène 2

Le Malade imaginaire, acte II scène 5

Le Malade imaginaire, acte II scène 8

Le Malade imaginaire, acte III scène 3

Le malade imaginaire, acte III scène 5

Le Malade imaginaire, acte III scène 10

Le Malade imaginaire, acte III scène 12

Le Malade imaginaire, acte III scène 14

Qui est Molière ?

Jean-Baptiste Poquelin, dit Molière, est un des plus célèbres dramaturges du XVIIème siècle, qui se rattache au mouvement du classicisme.

Également acteur et directeur de troupe, cet homme de théâtre complet est la figure de proue de la comédie classique qu'il hausse au rang de la tragédie.

S'il excelle dans un premier temps avec la farce, c'est dans la comédie, plus profonde, où la peinture satirique des vices humains se colore d'une visée morale, qu'il se distinguera.

Protégé par Louis XIV, Molière est pourtant de nombreuses fois attaqué, notamment par les religieux pour ses critiques des faux-dévots dans Tartuffe. Il meurt en 1673, lors d'une représentation du Malade Imaginaire.

Comment résumer Le Malade imaginaire ?

Dans le prologue, des personnages antiques chantent le retour victorieux de Louis XIV de sa campagne guerrière contre la Hollande.

Dans l'acte I, Argan, hypocondriaque invétéré, compte ses traitements et s'affronte avec sa servante Toinette qui le met en garde contre l'apothicaire M. Fleurant et le médecin M. Purgon qui ne font que tirer profit de lui, sans le soigner.

Angélique, la fille d'Argan, confie à Toinette son amour pour Cléante. Mais pour réduire ses frais médicaux, Argan veut marier sa fille à un médecin, Thomas Diafoirus.

Toinette s'oppose à ce mariage tandis que Béline, la seconde femme d'Argan et belle-mère d'Angélique, défend le projet de son mari et pousse ce dernier à rédiger son testament en sa faveur.

Lors du premier intermède musical, Polichinelle chante sa douleur face à l'inflexibilité de son amante Toinette et se fait rouer de coups de bâton dans une scène de commedia dell'arte.

À l'acte II, Cléante s'introduit dans la maison familiale en se faisant passer pour le remplaçant du professeur de musique d'Angélique. Le père Diafoirus et son fils arrivent, mais la scène de compliments est cocasse : Thomas Diafoirus confond Angélique avec sa belle-mère.

Sur la demande d'Argan, Cléante donne une leçon de chant à Angélique. Les deux jeunes amants profitent de cet opéra improvisé pour mettre en abyme leur situation et se déclarer leur amour indirectement.

Angélique fait savoir son peu d'empressement pour son mariage avec Thomas Diafoirus et critique le mariage d'intérêt en visant Béline.

Argan apprend par sa cadette, Louison, la présence d'un jeune homme à la porte de la chambre d'Angélique. Furieux, il déclare qu' Angélique ira au couvent si elle ne veut pas épouser Thomas Diafoirus.

Béralde, le frère d'Argan, intervient et propose, pour calmer son frère, un intermède de danses d'Égyptiennes (le deuxième intermède).

Dans l'acte III, Béralde tente en vain de raisonner son frère. Il renvoie M. Fleurant, l'apothicaire venu donner un lavement à Argan, ce qui provoque la colère du médecin M. Purgon qui menace Argan de terribles maladies.

Toinette se déguise en médecin pour tromper Argan et ridiculiser la profession de ces faux sachants.

Puis, Toinette décide d'utiliser un subterfuge pour faire émerger la vérité. Elle propose à Argan de contrefaire le mort pour voir la réaction de sa femme. Cette dernière tombe dans le piège : elle se réjouit de décès de son époux tandis qu'Angélique est accablée par cette annonce. Les masques tombent donc.

Argan s'éveille et accepte qu'Angélique épouse Cléante si ce dernier devient médecin. Béralde propose une meilleure solution : pourquoi Argan ne se ferait-il pas médecin lui-même ? La pièce se clôt sur la cérémonie d'intronisation d'Argan au troisième intermède.

Tu peux lire ici mon résumé en vidéo du Malade imaginaire détaillé scène par scène.

Quels sont les thèmes importants dans Le Malade imaginaire ?

La médecine

Molière dresse dans Le Malade imaginaire une satire féroce de la médecine.

Au XVIIème siècle, l'Europe connaît des avancées majeures en médecine car, sous l'impulsion de René Descartes, elle se dote de méthodes scientifiques.

Mais les médecins que nous voyons dans le Malade imaginaire sont des personnages prétentieux, dissimulant leur ignorance derrière des mots savants et un latin de cuisine.

Ce sont des pédants et des rhétoriqueurs plutôt que des scientifiques. Leurs pratiques qui remontent à l'Antiquité, comme le lavement et la saignée, sont non seulement incapables de guérir, mais précipitent la mort des patients.

Le médecin n'impressionne que par son habit et ses discours savants. Ainsi, à la fin de la pièce, il suffit à Argan de revêtir la tunique pour être intronisé médecin :

- Quoi ! L'on sait discourir sur les maladies quand on a cet habit-là ?
Béralde - Oui. L'on n'a qu'à parler ; avec une robe et un bonnet, tout galimatias devient savant, et toute sottise devient raison.

Le mariage

Le Malade imaginaire confronte quatre types de mariages possibles :

Le mariage avec Dieu : c'est la menace du couvent.

Le mariage d'intérêt : celui que Béline a contracté avec Argan.

Le mariage arrangé (ou mariage de raison) : celui d'Angélique et Thomas Diafoirus

Le mariage fondé sur les sentiments (ou mariage d'amour) : celui d'Angélique et Cléante.

Avec le quiproquo de Thomas Diafoirus qui confond au départ sa future femme Angélique avec sa belle-mère, Molière critique ironiquement le mariage de raison fondé sur des personnes interchangeables.

Le mariage d'intérêt est également blâmé à travers le subterfuge utilisé par Toinette pour révéler les intentions vénales de Béline.

Le mariage d'amour est mis à rude épreuve à travers la figure paternelle qui utilise ses enfants pour servir ses propres intérêts, mais c'est ce mariage qui finira par triompher.

Conscient de l'injustice de la condition des femmes, Molière défend une conception du mariage dans lequel l'avis des femmes devrait être pris en compte.

La vérité

Au début de la pièce, Argan vit dans l'illusion. Il croit en la médecine, en l'amour de Béline, au mariage arrangé entre sa fille et Thomas Diafoirus.

La maladie qui l'affecte est bien plus l'erreur et le manque de lucidité que la pneumonie.

Toinette, par son subterfuge, fait émerger la vérité : Argan comprend que Béline est intéressée et qu'Angélique est raisonnable et aimante.

Néanmoins, Argan persiste dans ses illusions sur la médecine. Ni les discours de Béralde ni la colère de M. Purgon ne parviennent à lui ouvrir les yeux sur les médecins. Prisonnier de sa peur de mourir, il demande à Cléante de se faire médecin avant de le devenir lui-même.

Le divertissement

Le divertissement est une thématique fondamentale du Malade imaginaire.

En effet, cette comédie-ballet est un spectacle total qui intègre la musique, le chant et la danse. Les intermèdes occupent une part importante de la pièce, en termes de temps et d'investissements dramaturgiques (musique réalisée par le compositeur Marc-Antoine Charpentier, costumes, décors, chorégraphie).

Par ces intermèdes qui chantent le triomphe de l'amour ou de la joie, Molière cherche avant tout à plaire aux goûts du public de son temps.

Ces intermèdes font également partie d'un décorum de cour qui montre la puissance du règne de Louis XIV et visent à s'attirer les bonnes grâces du roi.

Quelles sont les caractéristiques de l'écriture de Molière ?

Le Malade Imaginaire est avant tout une comédie qui utilise tous les ressorts comiques traditionnels :

Le comique de mots, notamment avec le latin de cuisine lors du 3ème intermède qui n'a rien à voir avec le latin spécialisé du vocabulaire médical.

Le comique de répétition dans l'affrontement entre Toinette et Argan à propos du mariage d'Angélique et de la menace de la faire entrer dans un couvent : " ". Ou lorsque Toinette se déguise en médecin et répète le diagnostic " " quel que soit le symptôme énoncé par Argan.

Le comique de caractère, avec des personnages types et caricaturaux : Argan le barbon hypocondriaque, Toinette, la servante insolente.

Le comique de situation, notamment dans le troisième intermède lorsque Argan est fait médecin dans " Une cérémonie burlesque " où alternent récits, latin improvisé, chants et danse qui n'ont pas grand-chose à voir avec une soutenance de thèse de médecine.

Le trait est également satirique : les médecins sont caricaturaux et l'ironie de Toinette bouscule la hiérarchie sociale entre maîtres et servants (" Quand un maître ne songe pas à ce qu'il fait, une servante bien sensée est en droit de le redresser. " I,5)

Que signifie le parcours " Spectacle et comédie " ?

Spectacle et comédie sont intimement imbriqués dans Le Malade imaginaire.

Cette comédie-ballet offre en effet un spectacle total qui mêle chants, danses et musique. Mais les intermèdes ne sont pas des ajouts superflus pour divertir le spectateur : ils sont intimement liés à l'intrigue et accentuent son effet comique.

Par ailleurs, cette comédie s'appuie sur le procédé de théâtre dans le théâtre : tout au long de la pièce, les personnages organisent des spectacles dans le spectacle, multipliant là aussi le plaisir comique.

La comédie-ballet : un spectacle total

Le Malade Imaginaire est fondé sur le spectacle et la comédie.

La comédie-ballet est le creuset de trois arts très prisés à la cour de Louis XIV : l'art dramatique, le chant et la danse.

La pièce alterne donc entre une intrigue de théâtre et des pièces chantées ou dansées.

Mais les moments chantés et dansés sont rigoureusement liés à l'intrigue :

Le prologue évoque la gloire de Louis XIV et annonce le thème de la pièce en chantant les amours de bergers et bergères.

Le premier intermède reprend le motif de l'amour malheureux avec Polichinelle qui chante son amour pour Toinette dans une scène de Commedia dell'Arte.

Le deuxième intermède, avec les Égyptiens déguisés en Mores, place la question du mariage au cœur de l'intrigue : " Quel parti faut-il prendre / Pour nos jeunes cœurs ?"

Le troisième intermède revient sur la satire de la médecine. Argan est intronisé médecin dans une atmosphère de danse et de chant avec des docteurs qui parlent un latin de cuisine comique.

Le Malade imaginaire est de ce point de vue un véritable spectacle qui stimule les sens auditif et visuel et convoque plusieurs arts pour la satisfaction de la cour et du spectateur contemporain.

Le théâtre dans le théâtre : des spectacles dans le spectacle

Dans cette pièce, le spectacle est aussi celui qu'organisent les personnages eux-mêmes.

Toinette est, de ce point de vue, le metteur en scène de nombreuses scènes de théâtre dans le théâtre. La plus frappante est la mise en scène de la fausse mort d'Argan qui permet de démasquer la vénalité de Béline et de révéler la loyauté d'Angélique.

Béralde joue le rôle d' organisateur de spectacles car c'est souvent lui qui introduit les intermèdes, comme lorsqu'il annonce les danseurs mores pour calmer la colère d'Argan : " Je vous amène ici un divertissement que j'ai rencontré, qui dissipera votre chagrin ".

Plus généralement, le procédé de théâtre dans le théâtre est abondamment utilisé dans la pièce, par exemple lorsque Louison fait semblant d'être morte, quand Cléante et Angélique se déclarent leur amour à travers un opéra improvisé, quand Toinette se déguise en médecin ou lorsque Molière se met lui-même en abyme dans l'échange polémique entre Argan et Béralde : " ARGAN - C'est un bon impertinent que votre Molière avec ses comédies " (III, 3).

Ces procédés de mise en abyme accentuent l'effet comique car ils donnent une légèreté à la pièce et dédramatisent l'intrigue.

Spectacle et comédie se répondent donc dans le Malade Imaginaire. La comédie-ballet crée un système cohérent qui correspond parfaitement à l'esprit de cour de l'époque et à l'idéal classique de plaire et instruire.

Tu étudies Le Malade imaginaire de Molière ? Regarde aussi :

♦ Le Misanthrope : résumé
♦ Tartuffe [Fiche de lecture]
♦ L'école des femmes [Fiche de lecture]
♦ Dom Juan : résumé
♦ Les Fausses confidences, Marivaux [Fiche de lecture]
♦ Cyrano de Bergerac, Rostand [Fiche de lecture]
♦ Juste la fin du monde, Lagarce [Fiche de lecture]
♦ L'illusion comique, Corneille [Fiche de lecture]
♦ Knock, Jules Romains [Fiche de lecture]

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Le Malade imaginaire, Molière : analyse pour le bac de français

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Cette fiche de lecture propose un résumé-analyse du Malade Imaginaire, une étude des thèmes principaux (la médecine, le mariage) et du parcours spectacle et comédie.

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Le Malade imaginaire, de Molière - Français - 5e

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1. Une comédie

* Le Malade imaginaire est une comédie. Au xvii e siècle, on donne ce nom à toute pièce de théâtre qui comporte une action et se termine bien. Mais la comédie est aussi une pièce qui fait rire par des exagérations, des situations comiques, des moqueries...

* La particularité de cette pièce est d'être une comédie ballet : Molière demanda au musicien Marc-Antoine Charpentier d'en composer la musique. Les deuxième et troisième actes sont suivis de pauses musicales où l'on danse des " divertissements ".

2. Le cadre spatio-temporel

* La pièce se déroule au temps de Molière, au xvii e siècle, à l'époque du règne de Louis xiv On sait que le roi avait soixante-dix-neuf médecins à son service. En assistant à la représentation du Malade imaginaire, Louis xiv aurait dit : " Les médecins font assez souvent pleurer pour qu'ils fassent quelque fois rire. "

* L'action se déroule sur quelques journées, à un moment clé de la vie de la maison puisqu'il s'agit pour Argan de marier sa fille aînée. Autour de cet événement vont s'en greffer d'autres, notamment la découverte de la noirceur de Béline, seconde femme d'Argan et la guérison du malade imaginaire.

3. Le résumé de la pièce

La pièce de Molière comporte trois actes.

* Acte 1 : Argan se croit malade. Riche bourgeois, il est entouré de médecins et s'invente toutes sortes de maladies. D'un premier mariage, il a eu deux filles, la petite Louison et Angélique, qu'il souhaite marier à Thomas Diafoirus, médecin et fils de médecin. Mais Angélique aime Cléante et l'avoue à la servante Toinette. Béline, la seconde femme d'Argan, fait venir un notaire pour rédiger le testament de son mari. Pour hériter de la fortune d'Argan, elle aimerait voir les filles entrer au couvent. Toinette surprend la manœuvre et décide d'aider Angélique.

* Acte 2 : Cléante s'introduit dans la maison d'Argan comme remplaçant du professeur de musique. En présence des Diafoirus père et fils, et puisqu'une leçon de musique était prévue, Argan demande à Cléante et à Angélique de chanter. Ils se déclarent leur amour en le déguisant sous un air d'opéra. Mais Argan découvre la ruse, chasse le jeune homme et menace sa fille du couvent si elle refuse d'épouser Diafoirus. Béline dénonce la présence d'un jeune homme chez Angélique : en interrogeant la petite Louison, Argan devine qu'il s'agit de Cléante et il se lamente sur sa situation. Son frère Béralde arrive et lui propose un divertissement sous forme de danse.

* Acte 3 : Béralde tente de parler à Argan de ses maladies imaginaires et lui conseille de se méfier des médecins. Il veut défendre les intérêts de sa nièce. Toinette se déguise en médecin pour essayer de dégoûter son maître de la médecine. Argan se fait passer pour mort et découvre la cupidité de sa femme (qu'il chasse) et la bonté de sa fille et de Cléante dont il accepte finalement le mariage. Enfin, sur le conseil de Béralde et de Toinette, il reçoit l'habit de docteur : c'est la cérémonie finale.

1. Argan

* Argan est le malade imaginaire, ce qu'en langage savant on appelle un hypocondre. En dehors de ce défaut, il est plutôt bon homme et bon père. Il est cependant sous la coupe d'une seconde femme hypocrite qu'il ne veut pas contrarier, ainsi que des médecins qui exploitent sa croyance en une maladie imaginaire. Comme il est aveuglé par cette obsession de la maladie, il ne voit pas qu'on en veut surtout à son argent. Son défaut le rend faible, négligent avec ses filles et insensé. Mais comme il est brave, au fond, il retrouve la raison lorsqu'on lui ouvre les yeux sur la vraie nature de son entourage.

2. Monsieur Diafoirus

* Monsieur Diafoirus forme un couple avec son fils Thomas, tant ils se ressemblent et paraissent inséparables. Ils sont tous deux présentés comme des imbéciles, fiers de leur art de médecin et de leur savoir universitaire. Monsieur Diafoirus, dans sa longue tirade de la scène 5 de l'acte ii, cherche à mettre en valeur toutes les qualités de son fils, comme s'il était en train de vanter une marchandise pour la vendre : " [...] et je puis dire sans vanité que depuis deux ans qu'il est sur les bancs, il n'y a point de candidat qui ait fait plus de bruit que lui dans toutes les disputes de notre école. " C'est la figure même du médecin savant mais insupportable et pédant.

3. Toinette

* Elle est le type même de la servante fidèle aux bons, les aidant dans leurs projets contre les méchants. Dès le premier acte, elle est la servante d'Angélique et promet de l'aider contre les vœux de son père et les manœuvres de Béline. Son bon sens lui permet de faire retrouver sa raison à son maître et de protéger la maison.

Elle est presque un personnage de farce, lorsqu'elle est poursuivie par son maître (la bataille d'oreiller, acte I, scène 6), ou déguisée en médecin (acte iii, scène 10). Elle introduit une humeur légère dans l'ensemble de la pièce.

4. Louison

* Louison, fille d'Argan et petite sœur d'Angélique, est " Je vous dirai, si vous voulez, pour vous désennuyer, le conte de l'un des rares personnages d'enfant dans les comédies de Molière. Elle apparaît dans une longue scène (acte ii, scène 8) où elle se montre maligne et rusée avec son père, essayant de détourner sa colère ( Peau d'âne ou bien la fable du Corbeau et du Renard, qu'on m'a appris depuis peu. "). Elle fait même semblant d'être morte pour échapper à la punition. Elle reste cependant une enfant, qui sait mal garder un secret, et finit par tout révéler à son père.

1. L'hypocondrie

* C'est le nom savant que l'on donne à la maladie imaginaire. L'hypocondrie correspond à un état d'anxiété particulier d'une personne toujours préoccupée par sa santé et craignant perpétuellement d'être malade. Argan représente le type même de l'hypocondriaque qui se sent menacé par la maladie ou même par la mort : " Je ne m'étonne pas si je ne me porte pas si bien ce mois-ci que l'autre " (acte I, scène 1) ou " Ah ! mon Dieu, ils me laisseront ici mourir " (même scène). Argan est un angoissé qui projette toutes ses angoisses dans la maladie.

2. La médecine

* Au temps de Molière, la médecine n'est pas très évoluée. On soigne toutes les maladies de la même façon, par des saignées, des purges et des clystères, procédés tous très présents dans le Malade imaginaire. Les médecins ont mauvaise réputation et, en se moquant d'eux, Molière sait qu'il va faire rire son public facilement. Il reprend le même thème dans le Médecin malgré lui et y fait allusion dans Dom Juan et dans Monsieur de Pourceaugnac.

* Les personnages de médecins (Monsieur Purgon et les deux Diafoirus), comme celui de l'apothicaire, sont ridiculisés par les faux médecins (Toinette déguisée ou même Argan à qui, à la fin de la pièce, on remet l'habit de docteur). Dans l'ensemble, la médecine semble pouvoir certes soulager mais non guérir.

3. L'amour filial

* La relation parents/enfants joue un rôle important dans la pièce, comme souvent dans les comédies de Molière. Plus que l'amour du père pour ses filles (un peu empêché par la maladie d'Argan et sa soumission à sa seconde femme), c'est l'amour des enfants pour leur père qui apparaît en pleine lumière. Bien que son père n'accepte pas son mariage avec Cléante, Angélique l'aime profondément. D'où son chagrin à l'annonce de sa mort : " Hélas ! je pleure tout ce que dans ma vie je pouvais perdre de plus cher et de plus précieux. Je pleure la mort de mon père. " Elle ne veut plus entendre parler de mariage et souhaite mourir tant son chagrin est grand.

1. Le comique

* Dans Le Malade imaginaire, Molière fait appel à toutes sortes de comique :

le comique de caractère prédomine. Il permet de dénoncer les ridicules d'un personnage type :, ici Argan, tenaillé par la peur de la maladie, jouet des médecins, aveugle sur ceux qui l'entourent ;

le comique de situation multiplie les scènes absurdes ou ridicules : les quiproquos (Argan prend Cléante pour le maître de musique, alors que les spectateurs savent qu'il est amant d'Angélique) ou les supercheries (Louison fait mine d'être morte, Argan de même) ;

le comique de mots, enfin, qui repose sur le texte : les répétitions (" ignorant, ignorant ", répète Toinette à l'acte iii, scène 10), le patois ou le jargon (le latin des Diafoirus, par exemple), etc.

2. La farce

* La farce est présente notamment dans la gestuelle : Argan poursuit Toinette dans la scène 5 de l'acte I, son bâton à la main, dans une course qui s'apparente à une bataille d'oreillers. La farce apparaît aussi dans le déguisement : lorsque Toinette se déguise en médecin, elle fait de la " cérémonie " du diagnostic une véritable mascarade.

3. La satire

* La satire est le discours qui s'attaque à quelque chose ou à quelqu'un en s'en moquant. Ce sont les médecins qui sont plus particulièrement visés par la satire dans le Malade imaginaire : ce sont des personnages intéressés (Monsieur Purgon) ou pédants et prétentieux (Monsieur Diafoirus et son fils). Molière se moque aussi de la médecine, art de l'incompétence qui se dissimule derrière de grands mots savants (" bradysepsie ", " dyspepsie ", etc.) : Toinette et même Argan se révèlent être de meilleurs médecins que les professionnels !

* Molière, de son vrai nom Jean-Baptiste Poquelin, vit au xvii e siècle, pendant une partie du règne de Louis xiv dont il est un temps le protégé.
C'est un homme de théâtre complet : auteur, acteur, metteur en scène et chef de troupe. Tout jeune, il se lie avec une comédienne, Madeleine Béjard, prend le nom de Molière et fonde l'Illustre Théâtre qui fait rapidement faillite. Il devient comédien ambulant. En 1659, les Précieuses ridicules connaît un gros succès. En 1672, il compose le Malade imaginaire, sa dernière pièce. Alors qu'il joue la pièce, il meurt, pris de convulsions sur scène, en 1673. Il est sans conteste le plus célèbre des dramaturges français.

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Le Malade imaginaire, de Molière - Français - 5e

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1. Une comédie * Le Malade imaginaire est une comédie. Au xvii e siècle, on donne ce nom à toute pièce de théâtre qui comporte une action et se termine bien. Mais la comédie est aussi une pièce qui fait rire par des exagérations, des situations comiques, des moqueries...

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Le Malade imaginaire, Molière : résumé et fiche de lecture

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Résumé de cours Exercices et corrigés
Cours en ligne de Français en Première
Ce cours en ligne sur Le malade imaginaire de Molière, constitue l'une des œuvres au programme pour la préparation du bac de français en première. Il est donc important pour les élèves de première de comprendre et d'analyser l'œuvre afin d'être prêt pour le bac de français. Des cours sur d'autres œuvres au programme sont aussi disponibles sur notre site : les Fleurs du Mal de Baudelaire, Lettres Persanes de Montesquieu, Les fables de La Fontaine, etc..

Le malade imaginaire, Molière : résumé et fiche de lecture

Le malade imaginaire : contexte

Le Malade imaginaire est la dernière pièce composée par Molière. C'est aussi la dernière pièce qu'il interprète, puisqu'il est pris d'un ultime malaise lors de la quatrième représentation, alors qu'il joue le rôle d'Argan. Pourtant, si on retrouve les thèmes de la maladie et de la mort dans la pièce, est une comédie-ballet joyeuse, qui exalte les plaisirs du théâtre. On y trouve du rire, de la danse et de la musique, mais aussi d'une certaine manière, tout le théâtre de Molière.

Le malade imaginaire de Molière : titre

Le titre du Malade imaginaire fait référence au personnage principal de la comédie, à savoir Argan, un vieil homme bilieux, égoïste et capricieux. Il place également d'emblée la pièce sous le thème de la médecine, dont Molière va faire la satire. L'adjectif "imaginaire" laisse entendre que la maladie d'Argan n'est qu'un pur délire, ressort comique de la pièce.

Le malade imaginaire : structure

La pièce Le malade imaginaire est composée de deux prologues, trois actes et trois intermèdes. Cette structure lui donne un air d'improvisation qui exprime la gaieté et la fantaisie.

Dans le premier prologue, Molière campe un décor champêtre qui rappelle le style pastoral. Des bergers et des bergères chantent la gloire et la victoire de Louis XIV pendant la guerre de Hollande, car le monarque est le protecteur du dramaturge.

Le deuxième prologue du Malade Imaginaire reste dans le style pastoral, mais cette fois-ci, la plainte de la bergère permet d'introduire le thème central de la pièce, à savoir la médecine et son inefficacité : "Votre plus haut savoir n'est que pure chimère / vains et peu sages médecins".

L'acte I du Malade Imaginaire de Molière introduit enfin les personnages de la pièce : il s'ouvre sur Argan, malade hypocondriaque qui fait le compte de ses nombreux traitements et médicaments prescrits par son médecin M. Purgon et son apothicaire M. Fleurant. C'est aussi dès la scène 5 de cet acte que se noue la problématique du mariage contrarié : Angélique, la fille d'Argan est amoureuse de Cléante et souhaite l'épouser, mais son père a prévu pour elle un autre mariage avec Thomas Diafoirus, le fils d'un médecin. Toinette, la servante, essaye de défendre sa cause en vain. Quant à Béline, la belle-mère d'Angélique, qui est vite montrée comme une femme hypocrite et vénale (scène 7), elle souhaite envoyer Angélique dans un couvent.

Le premier intermède dans le Malade imaginaire, arrive alors comme une pause divertissante entre l'acte I et l'acte II. Il met en scène le personnage de Polichinelle, présenté par Toinette comme son amant. On revient ici au pur style de la Commedia dell'Arte, puisqu'on retrouve ses personnages et son comique de farce. En effet, Polichinelle chante son amour pour son amante Toinette, et se fait interrompre par des violons, puis par la maréchaussée qui le roue de coups de bâton.

Biographie de l'auteur du Malade imaginaire : Molière

Jean-Baptiste Poquelin (dit Molière) naît le 15 janvier 1622 dans une famille aisée, son père étant tapissier du Roi. Il fait dès lors ses études dans un lycée jésuite fréquenté par les aristocrates et les bourgeois, puis se lance dans des études d'avocat.

Le jeune Jean-Baptiste s'intéresse pourtant très vite au théâtre, car son grand-père l'emmène régulièrement voir des représentations. C'est pourquoi, en 1643, il abandonne ses études de droit et décide, contre l'avis de son père, de devenir comédien. Il fonde alors avec sa maîtresse, Madeleine Béjart et quelques autres comédiens, la troupe de l'Illustre-Théâtre. Jean-Baptiste Poquelin devient Molière.

Les débuts sont toutefois difficiles : la concurrence est rude et la compagnie fait faillite en 1645. Molière est alors emprisonné pour dettes. Une fois libéré, il rejoint une troupe itinérante de province, pour laquelle il commence à écrire des comédies. Cette vie d'errance dure plus de dix ans.

En 1658, Molière revient alors à Paris, avec le soutien de Monsieur, le frère du Roi. Il présente avec sa troupe quelques comédies devant la Cour et trouve un certain succès. Il est dès lors autorisé à partager la salle du Palais-Royal avec les Comédiens-Italiens. Molière s'essaye un peu à la tragédie, mais c'est avec sa comédie Les Précieuses ridicules qu'il connaît un véritable triomphe.

Molière obtient la protection de Louis XIV, ce qui lui permet de créer à un rythme effréné, soit deux pièces comiques par an. En 1664, il devient le fournisseur des fêtes de la Cour, pendant lesquelles il associe comédie, musique et ballet.

S'il est apprécié de la Cour, ses pièces sont toutefois sujet de controverses. L'Ecole des femmes fait éclater une grande querelle littéraire en 1663 : on attaque la morale de l'œuvre et on calomnie l'auteur. Molière répond alors avec La Critique de l'Ecole des femmes et l'Impromptu de Versailles. En 1664, c'est sa pièce, Tartuffe, qui est interdite par l'archevêque de Paris pendant cinq ans à cause de sa critique des dévots hypocrites. Dom Juan est également abandonné à cause de son personnage principal trop libertin.

A partir de 1666, Molière commence à souffrir d'une maladie pulmonaire. Mais c'est en 1673, pendant une représentation du Malade imaginaire qu'il est pris d'un malaise. Il meurt un peu plus tard dans la soirée, chez lui. Mais la troupe du célèbre auteur lui survécut : en 1680, Louis XIV réunit les comédiens de Molière avec la troupe de l'Hôtel de Bourgogne et fonde la Comédie Française.

Résumé des grandes problématiques du Malade imaginaire

Le malade imaginaire : le comique

Le comique chez Molière, et plus particulièrement dans , est multiple. On trouve du comique de caractère, notamment chez Argan qui est présenté dès la première scène comme un hypocondriaque avare. Son hypocondrie et sa naïveté en font un personnage particulièrement comique. C'est d'ailleurs la naïveté d'Argan qui permet de créer du comique de situation, notamment dans la scène 5 de l'acte II où Cléante, l'amant d'Angélique, se fait passer pour son professeur de musique et déclare sa flamme à la jeune-fille par une chanson devant son père et son promis, sans que ces derniers ne soupçonnent rien.

De même dans les scènes 7 à 10 de l'acte III où Toinette se déguise en médecin pour tromper Argan avec la complicité de Béralde et du public : le vieil hypocondriaque n'y voit alors que du feu. La pièce se rapprochant parfois de la farce, on trouve également du comique de geste, comme dans la scène 5 de l'acte I où Argan court après Toinette un bâton à la main, finissant par s'essouffler sans pouvoir la rattraper. Enfin, la pièce est également parsemée par un comique de mots, tel que dans la scène 6 de l'acte II où Thomas Diafoirus utilise du latin à tort et à travers ("distinguo", "concedo", "nego").

Le malade imaginaire : la médecine

Si le Malade imaginaire se moque d'Argan et de son hypocondrie, c'est aussi avant tout une satire de la médecine. En effet, les médecins sont présentés comme ridicules, d'abord avec le père et le fils Diafoirus. Ainsi, le fils est lui-même présenté comme un "grand benêt " par la didascalie. Il est d'abord ridicule par ses compliments maladroits et figés dont il peine à se rappeler, mais aussi par l'usage du latin dont il ponctue toutes ses phrases pour faire plus savant. Le père quant à lui est présenté comme un escroc vénal, qui se préoccupe plus de son paiement que de la guérison de ses patients : "Vous n'y êtes que pour recevoir vos pensions, et leur ordonner des remèdes ; c'est à eux de guérir s'ils peuvent" / "Cela est vrai". M. Purgon, quant à lui, est présenté comme un médecin susceptible qui s'offusque du refus d'Argan de prendre son remède. Mais le ridicule des médecins est surtout porté au plus haut point par "l'imagination burlesque" de Toinette qui décide de se déguiser en médecin aux scènes 7 à 10 de l'acte III : en effet, celle-ci caricature les médecins, et en se rendant crédible auprès d'Argan malgré ses diagnostics et ses prescriptions farfelues, elle démontre bien l'ignorance des médecins et la crédulité des malades.

Autres thèmes : le mariage, la danse et la musique

Vous pouvez retrouver la suite de ce cours, les exercices et les dissertations corrigées sur sur l'application PrepApp téléchargeable gratuitement sur l'app store ou Google Play. Vous y retrouverez aussi d'autres fiches de lecture sur d'autres œuvres liées au théâtre comme : les Le malade imaginaire de Molière Fausses Confidences de Marivaux.

Vous pourrez également y trouver des , la ainsi que d'autres cours sur les œuvres au programme du bac de première : les conseils pour l'oral du bac de français, d'autres cours de français sur le romanles registres littéraires poésie mais également des cours sur , les mouvements littéraires ...etc. Alcools d'Apollinaire , etc... Contemplations de Victor Hugo,

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Le Malade imaginaire résumé et fiche de lecture bac - Molière

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Résumé de cours Exercices et corrigés Cours en ligne de Français en Première Ce cours en ligne sur Le malade imaginaire de Molière, constitue l'une des œuvres au programme pour la préparation du bac de français en première. Il est donc important pour les élèves de première de comprendre et d'analyser l'œuvre afin d'être prêt pour le bac de français.

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Le Malade imaginaire : analyse - fiche de lecture pour le bac de français

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Le Malade imaginaire : analyse - fiche de lecture pour le bac de français

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La particularité du Malade imaginaire est d'être une comédie-ballet. C'est Molière qui crée ce genre théâtral afin de divertir la cour de Louis XIV. La comédie-ballet mélange théâtre, musique et danse. Molière demande au musicien Marc-Antoine Charpentier de composer la musique de cette pièce. Le Malade imaginaire rentre dans la catégorie des comédies. Les situations comiques, les moqueries et l'exagération sont les caractéristiques de la comédie.

Dans Le Malade imaginaire, le registre comique est présent. Molière ne cesse d'utiliser des procédés comiques pour divertir au mieux le spectateur.

Le comique de geste est utilisé dans Le Malade imaginaire. Dans l'acte I, à la scène 5, Toinette et Argan se confrontent. Cette scène rappelle fortement celle qui oppose Dorine, la servante, à son maître Orgon dans Tartuffe. Comme Argan, Orgon veut lui aussi marier sa fille contre son gré. Les similitudes entre Toinette et Dorine sont notables. Les deux servantes ont la même impertinence et la même audace.

Dans Le Malade imaginaire, Argan est impuissant face à sa servante qui le fait tourner en bourrique, cela accentue la bouffonnerie de la scène. Il est excédé par Toinette qui se joue de lui en donnant des ordres à sa place. Il cherche à prendre le dessus, en s'armant d'un bâton et en la poursuivant autour d'une table. C'est une action vaine qui est finalement plus pénible pour lui que pour sa servante.

Le comique de mots est d'abord présent dans les noms des personnages : Purgon, Bonnefoi. Le rire est suscité par l'effet comique produit par des répétitions, des jeux de mots, des mélanges de registres de langue, etc. On le retrouve surtout dans les reparties de Toinette, notamment lorsqu'elle s'exprime par des jeux de mots ou lorsqu'elle utilise l'ironie pour ridiculiser les médecins.

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L'École des femmes de Molière, mise en scène Stéphane Braunschweig

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L'école des Femmes, de Molière | Théâtre

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L'école des Femmes, de Molière | Théâtre

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L'école des femmes de Molière : fiche de lecture pour le bac

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Voici une fiche de lecture de la pièce L'école des femmes (1662) de Molière.

L'Ecole des femmes est une comédie de mœurs qui tourne en ridicule la peur que les époux ont de se faire tromper.

Arnolphe est un gentilhomme colérique dont la peur du cocuage est allée jusqu'à enfermer une jeune fille, Agnès, pour s'assurer de sa fidélité.

Il n'en sera bien évidemment rien, dans cette comédie qui entend démontrer le caractère naturel des désirs amoureux.

Sans remettre en question l'édifice sociale, la pièce et son titre dénoncent l'infériorisation des femmes dans une société où le rang social ne correspond pas toujours à la dignité morale.

Cette comédie en cinq actes fait la synthèse de la farce et de la comédie des mœurs, marquant l'avènement de la grande comédie comme genre littéraire.

L'ambition morale de la pièce suscita à l'époque une querelle que Molière tourna à son avantage en répondant l'année suivante avec une nouvelle comédie intitulée La Critique de l'Ecole des femmes.

Qui est Molière ?

Jean-Baptiste Poquelin dit Molière (1622-1673) est l'un des plus grands dramaturges français. Il révolutionna la comédie.

Issu de la bourgeoisie marchande parisienne, il cofonde la troupe de l'Illustre Théâtre en 1643.

Leur répertoire varié remporte un vif succès, mais la pression des créanciers impose cependant un départ en tournée en 1644, année où Molière prend son nom.

Durant ses tournées (1645-1658), Molière s'impose comme un maître de la farce et de la comédie inspirées de la commedia dell'arte.

Le retour à Paris, en 1658, sous la protection de Louis XIV, marque l'accession à la gloire théâtrale.

Molière suscite l'admiration et la réprobation par ses grandes comédies satiriques : Tartuffe, Le Misanthrope, Don Juan ...

Comment résumer L'école des femmes ?

Tu peux trouver ici un résumé détaillé scène par scène de L'école des femmes.

La jeune fille, Agnès, a désormais 17 ans. Arnolphe l'a séquestrée chez des paysans et compte l'épouser le lendemain.

Mais Agnès est devenue une jeune femme naïve qui tombe sous le charme d'Horace, un jeune homme venu la courtiser sous sa fenêtre.

Or Horace révèle son aventure à Arnolphe, ignorant que le barbon est le tuteur d'Agnès qui se destine à l'épouser.

Arnolphe parvient à déjouer le stratagème mais se lamente sur sa souffrance amoureuse.

Arnolphe tend alors un piège à Horace qui doit rendre visite à Agnès en pleine nuit. Il lui fait des donner des coups de bâtons si bien qu'Horace confie Agnès à Arnolphe, ignorant toujours que ce dernier est le tuteur de la jeune fille.

Par un coup de théâtre final, la promise que le père d'Horace a prévu pour son fils se révèle être Agnès elle-même, qui a dû changer de nom du fait de ses origines miséreuses.

Ce coup de théâtre résout la pièce, qui s'achève par un mariage heureux. Arnolphe ne se marie pas pour ne pas souffrir du cocuage.

Quels sont les thèmes importants dans L'école des femmes ?

La misogynie

Arnolphe est le misogyne type du 17ème siècle, qui suscite la moquerie.

Sa hantise du cocuage l'obsède alors que son nom renvoie comiquement au " patron " des maris trompés, ce qui annonce le contenu de la pièce.

Arnolphe est d'autant plus amusant qu'il se moque des maris trompés, alors qu'il est lui-même trompé : " Enfin ce sont partout des sujets de satire ; / Et comme spectateur, ne puis-je pas en rire ? " (I, 1)

Son discours misogyne est si hyperbolique qu'il décrédibilise la prétendue supériorité masculine : " Votre sexe n'est là que pour la dépendance ; / Du côté de la barbe est la toute-puissance " (III, 2).

D'ailleurs, incapable d'exprimer des sentiments amoureux, il se contente de rudoyer sa pupille.

À Agnès, il ne promet qu'une promotion sociale, de " pauvre villageoise " à " honorable bourgeoise " (III, 2). Le mariage s'apparente donc à un achat.

Arnolphe est odieusement autoritaire : " Je suis maître, je parle : allez, obéissez. " (II, 4)

Mais il se fait déborder par les aspirations à l'amour et à la liberté de sa pupille.

L'amour met donc finalement en échec l'ordre social hiérarchisé et la domination masculine du personnage principal.

L'amour : une aspiration naturelle

Agnès a grandi enfermé au couvent dans une ignorance qui fait d'elle un " être de nature ". Elle croit même encore que les enfants se font par les oreilles.

En la maintenant dans l'ignorance la plus absolue, Arnolphe entend la confiner dans un rôle d' épouse soumise.

Or Agnès, pure et sincère, se laisse guider par son instinct sensuel.

C'est au départ par compassion qu'elle fait entrer Horace chez elle, de peur que ce dernier meurt de la maladie dont il se prétend atteint.

Puis le plaisir sensuel, celui des caresses d'Horace sur ses bras, la convainc de poursuivre son instinct amoureux.

Agnès est donc l'objet d'une sorte d' expérience sociologique qui démontre que le désir amoureux est naturel et ne doit pas être réprimé.

La pièce défend ainsi l'amour et le plaisir, contre le dogmatisme religieux.

Subtilement, Molière montre aussi que ce n'est pas le théâtre ou les Lettres qui corrompt les mœurs, le désir étant naturel.

La critique de la galanterie

Si Arnolphe est un personnage-repoussoir, son concurrent amoureux, Horace, n'est pas pour autant un modèle valorisé par la pièce.

En effet, Horace incarne le " galant ", jeune homme apprêté et charmeurs pour qui la séduction est une conquête qui flatte l' orgueil.

C'est Arnolphe lui-même qui critique les galants hypocrites : " Je sais qu'en vous flattant le galant ne désire / Que de vous abuser, et puis après s'en rire. " (II, 5)

Il souligne l'antithèse entre leur charme et leur cruauté manipulatrice : " Grands cheveux, belles dents et des propos fort doux ; / Mais, comme je vous dis, la griffe est là-dessous " (III, 1)

Et en effet, Horace réifie sans cesse Agnès, qu'il désigne par le terme d' " objet ", tandis qu'Agnès devine, malgré son inexpérience, qu'Horace l'aime moins qu'elle ne l'aime : " Non, vous ne m'aimez pas autant que je vous aime. " (V, 3).

L'éducation des femmes

Le titre de la pièce, L'école des femmes, souligne déjà la visée pédagogique de cette comédie qui s'interroge sur l'éducation à donner aux femmes.

Agnès est volontairement maintenue dans l 'ignorance la plus absolue, ce qui n'avait rien de choquant au XVIIème siècle.

Or Molière remet en cause ce modèle tyrannique.

C'est d'ailleurs l' ambition morale de cette pièce qui choque ses contemporains et suscite une vive querelle.

Quelles sont les caractéristiques de l'écriture dans cette pièce ?

L'élévation de la comédie

1662 est une date clé dans l'histoire du théâtre français : c'est en effet avec L'École des femmes que Molière donne à la comédie ses titres de noblesse.

Jusque là, la comédie était un genre bas.

On distinguait la farce populaire dont l'intrigue reposait sur un mauvais tour avec des personnages stéréotypées et des procédés comiques souvent grossiers, et la comédie de mœurs qui se caractérisait par des intrigues complexes et imbriquées.

Avec L'école des femmes, Molière opère la synthèse de ces genres comiques, donnant à la comédie une dignité et une profondeur qui la hausse au rang de la tragédie.

L'école des femmes emprunte à la farce légère son thème (l'infidélité féminine), ainsi que certains procédés comiques licencieux, comme à la scène 5 de l'acte II.

Les différents personnages représentés incarnent des stéréotypes sociaux qui tendent vers la caricature comique.

À la comédie de mœurs, Molière emprunte la satire sociale à l'encontre d'un vice.

L'École des femmes se distingue cependant par son comique plus profond et son ambition morale.

C'est en effet une pièce qui dénonce des défauts humains mais qui interroge également des sujets de société ambitieux comme l'éducation des femmes, la domination masculine...

Arnolphe se distingue également par sa complexité presque tragique.

Il correspond au personnage type du barbon, mais Molière lui donne une profondeur inégalée auparavant dans une comédie.

Ainsi, Arnolphe est odieux et ridicule, mais il prend conscience de son amour pour Agnès au fur et à mesure que la jeune fille lui résiste. Sa douleur sincère éclate dans la scène 1 de l'acte IV :

" J'étais aigri, fâché, désespéré contre elle;
Et cependant jamais je ne la vis si belle,
Jamais ses yeux aux miens n'ont paru si perçants,
Jamais je n'eus pour eux des désirs si pressants;
Et je sens là dedans qu'il faudra que je crève "

La parodie des registres élevés

La pièce est ponctuée de monologues et de tirades où Arnolphe s'afflige ou s'enflamme.

Ces passages constituent souvent des parodies de répliques tragiques.

Ce genre élevé triomphe à la même époque avec Racine.

Or cette incursion du tragique dans une comédie de mœurs crée un décalage comique et souligne la volonté de Molière de faire de la comédie la rivale de la tragédie.

La pièce parodie également les recueils de préceptes moraux d'inspiration chrétienne que les personnes bien nées se devaient de respecter (III, 2).

C'est ici le caractère hyperbolique et misogyne des préceptes qui crée un effet comique. Leur pesanteur cherche à amuser autant qu'à agacer.

Ces caricatures s'attaquent indirectement à l'Eglise, dont le dramaturge condamne le dogmatisme conservateur qui étouffe les aspirations naturelles à l'amour.

Enfin, Molière critique également la poésie galante à travers le personnage d'Horace. Il poursuit en effet un " objet " amoureux en la personne d'Agnès, et semble prendre un plaisir narcissique à dire l'amour, ce qui jette le doute sur la sincérité de ses sentiments.

Tu étudies L'École des femmes ? Regarde aussi :

♦ Femmes, soyez soumises à vos maris, Voltaire (analyse)
♦ Le Malade imaginaire, Molière [Fiche de lecture]
♦ Tartuffe, Molière [Fiche de lecture]
♦ Dom Juan, Molière : résumé
♦ Le Misanthrope, Molière : résumé

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L'école des femmes de Molière : fiche de lecture pour le bac

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Voici une fiche de lecture de la pièce L'école des femmes (1662) de Molière. L'Ecole des femmes est une comédie de mœurs qui tourne en ridicule la peur que les époux ont de se faire tromper. Arnolphe est un gentilhomme colérique dont la peur du cocuage est allée jusqu'à enfermer une jeune fille, Agnès, pour s'assurer de sa fidélité.

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Analyse : " L'École des femmes " de Molière - Lumni | Enseignement

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Créée en 1662 au théâtre du Palais-Royal, à Paris, L'École des femmes est la huitième comédie de Molière. Molière créée le personnage d'Arnolphe, Mademoiselle de Brie celui d'Agnès. La pièce rencontre un succès immédiat.

L'adaptation de la pièce

L'École des femmes est une comédie en cinq actes et en vers. Nous vous en proposons une adaptation télévisée de 1973, mise en scène par Raymond Rouleau, avec Bernard Blier (Arnolphe), Isabelle Adjani (Agnès), Robert Rimbaud (Chrysalde), Gérard Lartigau (Horace).

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Des pistes pédagogiques pour les Secondes

À la Comédie-Française, L'École des femmes a été représentée plus de 1 500 fois.

Pour accompagner le travail de préparation des enseignants à l'étude de cette œuvre, en classe de Seconde, nous vous proposons, en complément de la captation, trois pistes pédagogiques, réalisées par l'enseignant de Lettres modernes Lionel Garcia.

" L'École des femmes ", entre farce et comédie de mœurs

L'École des femmes réunit deux aspects de la comédie : si la pièce a bien des allures de farce, Molière souhaite aussi offrir une grande comédie de mœurs que l'on puisse admirer comme une tragédie.

L'exposition engage le spectateur dans un rire ambigu, spontané, farcesque mais aussi subtil, au service de la dénonciation d'un projet immoral.

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Le paradoxe du monologue dans " L'École des femmes "

Le genre sérieux comporte les monologues ; d'où je conclus qu'il penche plutôt vers la tragédie que vers la comédie (Diderot).

Récurrent dans les tragédies, le monologue est plus rare dans le genre de la comédie : son rythme alerte s'accommode mal d'une forme dramaturgique qui opère une pause dans l'action. Or, Molière multiplie les monologues dans L'École des femmes : on en compte douze, qu'il place tous dans la bouche du personnage d'Arnolphe. Comment comprendre ce choix audacieux ?

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" L'École des femmes " : sous le vernis du comique, l'émancipation de la femme

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Dans L'École des femmes, Molière articule les usages féminins du savoir à la question du mariage. Il s'agira d'interroger la thématique centrale de la pièce, le statut de la femme au sein du mariage. La naïveté d'Agnès, son initiation à l'amour font s'effondrer toutes les certitudes d'Arnolphe. Le portrait de l'épouse idéale qu'Arnolphe brosse est éminemment caricatural et suscite une interrogation plus large sur la condition féminine au XVIIe siècle : cette union n'est donc pas un simple enjeu dramatique, elle est le symbole d'une soumission aux conventions sociales qu'il s'agit de remettre en cause.

Ressources associées

Des podcasts iconoclastes

Écoutez et faites écouter à vos élèves Réinventer Molière : des réécritures iconoclastes des pièces les plus célèbres du dramaturge, resituées à notre époque, réécrites dans la langue du XXIe siècle par différents auteurs et lues par des comédiens-français. Des adaptations diffusées dans De vive(s) voix sur RFI.

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Pour l'épisode intitulé L'Oiseau en cage, Emmelyne Octavie imagine qu'Arnolphe, devenu propriétaire d'une oisellerie, retient Agnès en cage. Agnès est en réalité un personnage double : il y a une Agnès obéissante, Agnès en rubans, qui ne veut pas d'histoire, et une Agnès révoltée, Agnès en jeans, qui rue dans les brancards.

Avec Françoise Gillard (Agnès en rubans), Camille Seitz (Agnès en jeans), Thierry Hancisse (Arnolphe), Eric Génovèse (Oronte et Chrysalde), Loïc Corbery (Horace), Pierre Louis-Calixte (Alain, le valet), Noam Morgensztern (Cocotte), Salomé Benchimol (Georgette), Nicolas Verdier.

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Une émission de France Culture

En mai 2018, dans l'émission Les Chemins de la philosophie sur France Culture, Adèle Van Reeth recevait Patrick Dandrey, professeur de littérature française du XVIIe siècle. Patrick Dandrey décryptait la manière dont Molière utilise les procédés comiques des personnages ou des situations pour révéler la nature humaine.

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10 œuvres de Molière

Enfin, retrouvez 9 autres pièces du dramaturge étudiées au collège et au lycée : des captations de spectacle et des adaptations télévisées. En noir et blanc ou en couleur, classiques ou plus originales, elles sont signées Marcel Bluwal, Jean-Marie Villégier, Jean-Paul Roussillon... et sont interprétées par des grands noms du théâtre et du cinéma : Michel Piccoli, Marie-Christine Barrault, Jean Dautremay, Catherine Hiegel, Michel Bouquet, Delphine Seyrig, Claude Brasseur, Christine Murillo, André Dussollier ou encore Francis Huster, Jean Rochefort, Jean-Pierre Darras...

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Pour aider au mieux enseignants et élèves à se repérer dans cette œuvre magistrale et à l'exploiter le plus facilement possible, Lumni Enseignement propose :

Un sommaire avec des liens interactifs renvoyant vers le prologue, les actes, les scènes et les trois intermèdes,

Une ligne de temps interactive placée sous la vidéo. Grâce à un curseur, vous pouvez avancer, de segment en segment et de sous-segment en sous-segment, dans chaque partie et sous-partie de la pièce et retrouver ainsi, sans difficulté, la scène que vous cherchez.

Grâce au bouton " Synchroniser le texte ", la transcription permet aussi d'écouter et de lire le texte original de Molière en temps réel.

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Analyse : " L'École des femmes " de Molière - Lumni | Enseignement

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Créée en 1662 au théâtre du Palais-Royal, à Paris, L'École des femmes est la huitième comédie de Molière. Molière créée le personnage d'Arnolphe, Mademoiselle de Brie celui d'Agnès. La pièce rencontre un succès immédiat.

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Analyse de L'école des femmes de Molière - Culture Livresque

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L'école des femmes est la huitième pièce de Molière. Comédie en vers de cinq actes, elle est jouée pour la première fois en 1662. C'est l'histoire d'un homme terrorisé par le cocuage qui décide donc d'épouser une sotte. Et comme toujours, l'histoire ne se déroule pas comme prévu...
PS : si vous avez l'option Book lover, vous avez accès au résumé détaillé de la pièce
L'intrigue au cœur de L'école des femmes

Cette huitième pièce de Molière met en scène l'histoire d'un homme dont la plus grande crainte est de devenir cocu. Il s'agit d'Arnolphe, un bourgeois quadragénaire qui a deux marottes dans la vie : railler les maris complaisants et cocus et s'élever au-dessus de son rang. En ce qui concerne son élévation sociale, cela se fait par son nouveau patronyme : M. de la Souche. Pour ce qui est de ne surtout pas devenir cocu, Arnolphe a mis au point une stratégie qui lui semble imparable.

Douze ans plus tôt, il a offert une forte somme d'argent à une paysanne pour qu'elle lui confie sa fille de quatre ans, Agnès. Sous le charme de cette petite fille, Arnolphe l'a confié à un couvent pour qu'elle ne soit surtout pas instruite. En effet, la stratégie de ce dernier pour ne point devenir cocu est la suivante : épouser une sotte, une imbécile sans éducation. Selon lui, une femme savante est dangereuse pour son mari car elle sera courtisée et courtisera de sa propre initiative.

Les sources littéraires de Molière : une nouvelle et un recueil de contes

Deux ouvrages contemporains ont alimenté l'écriture de Molière pour cette comédie. Tout d'abord, Les Facétieuses nuits de Straparole, un recueil de contes paru vers 1560 sur le modèle du Décaméron de Boccace. Le dramaturge français y emprunte l'idée des confidences du jeune amoureux transi au mari trompé.

Puis, La Précaution inutile de Scarron, une nouvelle publiée en 1655. Ce dernier tire lui-même cette histoire de Dona Maria de Zayas. L'histoire met en scène Dom Pedre qui prend pour épouse une jeune femme abandonnée le jour de sa naissance et qu'il a fait élever au couvent. Alors qu'il doit s'absenter, son épouse reçoit la visite d'un galant qui l'instruit des choses de l'Amour. La leçon de cette histoire est "qu'une spirituelle peut être une honnête femme d'elle-même, et qu'une sotte ne le peut être sans les secours d'autrui, et sans être bien conduite."

Les thèmes de la pièce L'école des Femmes

Parmi les différents thèmes abordés dans cette pièce, nous allons nous attarder un instant sur deux d'entre eux : l'amour et l'éducation des femmes.

L'amour : trois facettes, trois personnages

À travers cette pièce, Molière nous propose trois approches de l'Amour avec les trois personnages principaux.

Agnès est l'amour ingénu. Dans l'ignorance et l'innocence de l'amour charnel, elle tombe immédiatement sous le charme d'Horace. Naïve, elle raconte tout à Arnolphe sans prendre conscience de la portée de ses révélations... L'Amour ne la transforme pas en amoureuse transie mais lui donne la force de s'affranchir malgré la peur d'Arnolphe et la découverte de sa propre sottise. L'Amour est donc littéralement l'école des femmes. C'est lui qui enseigne à Agnès ce qu'elle doit savoir pour quitter l'emprise d'Arnolphe.

Horace est l'amour romanesque. Il pourrait complètement se jouer d'Agnès. Au début, il est présenté comme un galant qui s'est entiché d'une nouvelle amourette. Le lecteur peut craindre pour Agnès qui par sa naïveté croit toutes les belles paroles du premier "blondin" venu. Mais on découvre au fur et à mesure qu'Horace est réellement amoureux et prêt à tout pour elle. Ainsi, le mariage final est mérité et récompense sa bonne conduite amoureuse. Son histoire d'amour comporte toutes les étapes d'une bonne trame romanesque : enlèvement de sa belle à son bourreau, le père qui vient contrarier ses plans amoureux, la trahison de l'ami-confident et l'heureuse résolution de l'intrigue.

Arnolphe est le jaloux ridiculisé. On peut se demander au début s'il aime vraiment Agnès ou l'idée de ne pas être cocu. Mais la possibilité de perdre sa pupille lui faire prendre conscience qu'il l'aime réellement. Ce qui permet à sa jalousie de s'exprimer librement et avec éclat jusqu'à en être parfaitement ridicule. C'est pourquoi Arnolphe ne peut pas avoir de fin heureuse. Son amour trop excessif se mutant en jalousie possessive ne peut pas être récompensé par un mariage. Il attend d'Agnès qu'elle l'aime mais lui s'amuse de sa naïveté (dont il est responsable). Il ne s'inquiète pas de ce qu'elle peut ressentir sincèrement. Agnès est sa propriété qu'il doit protéger pour ne pas se la faire voler. Même en parlant de mariage, Arnolphe reste dans le rôle de tuteur : il n'est pas question d'amour mais de leçon, d'arrangement et d'honneur à être son épouse.

L'éducation des filles au XVIIe siècle

L'éducation des filles est quasiment inexistante d'un point de vue intellectuel (sauf pour les filles des classes nobles). Les jeunes filles ont une seule destinée : devenir des épouses et des mères. Toute leur éducation tourne autour de ce double devoir mère-épouse et ne permet pas la pensée critique, l'émancipation intellectuelle, la réflexion, etc. Tout est fait pour préserver la vertu de ces femmes : l'époque leur prête une faiblesse de nature qui les pousserait inévitablement vers le vice et le péché. Ce à quoi leur éducation, aidée par la religion, doit les en empêcher.

Cependant, dès les XVIe, quelques penseurs commencent à soulever l'idée d'une éducation plus poussée pour les filles. Castiglione, Érasme ou encore Montaigne proposent des disciplines comme la danse, la peinture, la poésie ou encore l'Histoire pour l'éducation des filles (toujours des classes nobles et éventuellement bourgeoises). Au XVIIe, des ordres religieux pour l'éducation des filles voient le jour. Le but n'est pas d'en faire des femmes savantes mais de leur prodiguer l'éducation nécessaire et de qualité à leur rôle d'épouse et de mères. On peut citer l'ordre des Ursulines ou encore la Maison roule de Saint-Louis à Saint-Cyr par Mme de Maintenon. Grâce à l'essor des salons, les femmes des classes supérieures acquièrent une solide réputation dans toute l'Europe. Malgré cela, les femmes savantes sont surtout un sujet phare des satires et peu d'intellectuels soutiennent l'égalité d'éducation des filles et des garçons.

La querelle autour de L'école des femmes

La huitième pièce de Molière qui est un succès dès le premier soir a déchaîné les passions. Gens de la noblesse que se sentent personnellement visés, écrivains de tragédies de l'Hôtel de Bourgogne ou encore dévots de la Compagnie du Saint-Sacrement... Beaucoup de personnes tombent sur Molière et sa nouvelle œuvre. Ces attaques sont aujourd'hui connues sous le nom de "la querelle de l'Ecole des femmes". Mais que reproche-t-on exactement à Molière ? La critique littéraire a regroupé toute cette agitation en quatre grands chefs d'accusation :

le manque d'originalité, voire le plagiat (cf. "Les sources littéraires de Molière") ;

les invraisemblances, avec en vrac : le lieu de l'action qui se situe sur une place publique et non dans un lieu secret, privé qui permettrait les confidences ; le fait qu'Horace se confie systématiquement à Arnolphe sans se rendre compte de son erreur ; le lancer de pavé d'Agnès ou encore la lettre trop bien rédigée pour une sotte ; l'évolution du caractère des personnages, etc. ;

l'offense aux "saints mystères" de la religion ;

les offenses et heurts que subit la morale avec toutes les allusions plus ou moins grivoises.

La querelle prend une telle ampleur que Louis XIV apporte publiquement son soutien à Molière mais sans que cela ne calme les adversaires. Ces derniers iront jusqu'à attaquer le comédien sur sa vie privée, notamment sur son mariage avec Armande Béjart de vingt ans sa cadette. En réponse à ces détracteurs, Molière présente en 1663 deux pièces : La Critique de l'Ecole des femmes et L'impromptu de Versailles où des gens de bonnes conditions débattent sur la pièce.

Surtout, la querelle de L'école des femmes marque le début des attaques répétées contre Molière qui va aller toujours plus loin dans la satire des mœurs et caractères de son temps. En effet, en 1664 Molière signe Le Tartuffe et Dom Juan l'année suivante, deux pièces qui lui vaudront des multiples et répétées attaques.

Le cocuage : clé du comique et de la satire

La grande inspiration en général de Molière pour ses sujets et ses ressorts comiques sont dans les contes et les farces. C'est ici aussi le cas et la critique a mis en avant trois thèmes classiques :la précaution inutile qui ne permet pas de se prémunir du cocuage ; le railleur qui soutient soi-disant les entreprises galantes du jeune séducteur qui finissent par se retourner contre lui ; l'étourdi trop bavard car emporté par sa passion amoureuse ou par vantardise se trouve à tout raconter au mari cocu.

Évidemment, le cœur du comique dans cette pièce est le thème du cocuage. La situation initiale au dénouement, tout tourne autour de cela :

le nom même d'Arnolphe, provenant de saint Arnolphe ou Arnoult ou encore Arnoul des Yvelines, le patron des maris complaisants (donc cocus) ;

le moqueur des cocus qui prend toutes les précautions du monde pour devenir cocu sans même être marié (!) ;

la naïveté d'Agnès, gage de la tranquillité d'esprit d'Arnolphe finit par le mener à sa perte et au ridicule ;

le retournement de situation du premier acte : on attend d'Horace une histoire croustillante pour finalement apprendre qu'il est l'incarnation de la plus grande peur d'Arnolphe ;

la vanité et l'aveuglement couplés à sa jalousie rendent Arnolphe ridicule aux yeux de tous ;

Alain et Georgette, les domestiques, qui malgré leur simplicité voient Arnolphe comme il l'est réellement et se moquent de lui sans qu'il ne le comprenne.

On retrouve ce thème du cocu dans La Jalousie du Barbouillé, une farce à la date inconnue, qui servira de base à George Dandin en 1668. On compte également Sganarelle ou le cocu imaginaire de 1660 et L'Ecole des maris de 1661. Dans Sganarelle, Gorgibus prône l'autoritarisme du père pour l'éducation des filles (comme Arnolphe) et Sganarelle encourage à accepter le cocuage (comme Chrysalde). Dans L'école des maris, deux frères sont chargés d'élever deux petites filles et de leur trouver un mari ou de les épouser. Le premier va élever sa pupille dans une liberté d'action totale alors que le cadet applique la méthode d'Arnolphe.

Citations

ARNOLPHE :
En femme, comme en tout, je veux suivre ma mode.
Je me vois riche assez pour pouvoir, que je crois,
Choisir une moitié qui tienne tout de moi,
Et de qui la soumise et pleine dépendance
N'ait à me reprocher aucun bien ni naissance.
Un air doux et posé, parmi d'autres enfants,
M'inspira de l'amour pour elle dès quatre ans ;
Sa mère se trouvant de pauvreté pressée,
De la lui demander il me vint la pensée ;
Et la bonne paysanne, apprenant mon désir,
A s'ôter cette charge eut beaucoup de plaisir.
Dans un petit couvent, loin de toute pratique,
Je la fis élever sous ma politique,
C'est-à-dire ordonnant quels soins on emploierait
Pour la rendre idiote autant qu'il se pourrait.
Dieu merci, le succès a suivi mon attente ;
Et grande, je l'ai vue à tel point innocente,
Que j'ai béni le Ciel d'avoir trouvé mon fait,
Pour me faire une femme au gré de mon souhait.

ARNOLPHE, (III, 2, v.699-712)
Votre sexe n'est là que là que pour la dépendance :
Du côté de la barbe est la toute-puissance.
Bien qu'on soit deux moitiés de la société,
L'une est moitié suprême et l'autre subalterne ;
L'une en tout est soumise à l'autre qui gouverne ;
Et ce que le soldat, dans son devoir instruit,
Montre d'obéissance au chef qui le conduit,
Le valet à son maître, un enfant à son père,
A son supérieur le moindre petit Frère,
N'approche point encor de la docilité,
Et de l'obéissance, et de l'humilité,
Et du profond respect, où la femme doit être
Pour son mari, son chef, son seigneur et son maître.
L'école des femmes, Molière, Acte I,1 v.123-142.

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Sinon...

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Analyse de L'école des femmes de Molière - Culture Livresque

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L'école des femmes est la huitième pièce de Molière. Comédie en vers de cinq actes, elle est jouée pour la première fois en 1662. C'est l'histoire d'un homme terrorisé par le cocuage qui décide donc d'épouser une sotte. Et comme toujours, l'histoire ne se déroule pas comme prévu...

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Liste des thèmes qui apparaissent dans L'École des femmes. Leur ordre et leur taille sont basés sur le votes des booknautes, les thèmes les moins populaires n'apparaissant qu'en cliquant en bas de la page.

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La comédie en cinq actes et en vers "L'école des femmes" de molière a remporté un vif succès dès sa première représentation, en 1662, au théâtre du Palais Royal. Les 1737 alexandrins de la pièces mettent en scène Arnolphe de La Souche, un homme d'un certain âge, qui a pour ambition de se marier. Le point noir est sa crainte maladive et envahissante de la tromperie féminine.

Il décide alors, d'épouser Agnès, sa protégée, qui est la représentation de l'ignorance et de l'innocence. Il se confit à son ami Chrysalde qui ne voit pas les deux destins vivre en harmonie dans l'avenir. Arnolphe rencontre Horace, le fils d'Oronte, un ami de longue date. Ce dernier est secrètement amoureux de Agnès. Il se laisse à des confidences et il apprend à Arnolphe que la jeune fille n'apprécie pas M. de La Souche.

Arnolphe

Ce personnage du cocu maladif est un rôle comique récurrent dans l'oeuvre de Molière. Il est personnage classique de la farce italienne et du comique à la française. Le vieil homme amoureux qui se fait rouler dans les farces d'une jeune femme amoureuse d'un homme de son âge. La nouveauté dans cet comédie est de constater que ce personnage porte en lui autant de comique que de tragique.

Il cherche en effet à élever sa condition sociale et il veut épouser une femme pour la dominer totalement. Une farce tragique où le seul rôle qu'il trouve est celui de pantin. Alors qu'il est le premier à vouloir épouser une femme innocente pour la modeler à sa manière. Il espère ainsi échapper aux néfastes conséquences de l'infidélité.

Agnès

Elle est le personnage féminin de la pièce qui désire l'amour mais qui refuse d'être manipuler. Elle met en place un stratagème pour déjouer les supercheries de Arnolphe. Elle a été élevée par Arnolphe au couvent.

Elle est déterminée à aimer Horace et elle refuse de se laisser prendre dans le filet de Arnolphe. Elle s'impose par son intelligence et sa capacité à gouverner les émotions de son vieux prétendant. Agnès représente la jeunesse et la hardiesse d'esprit dont doivent faire preuve les jeunes filles pour atteindre leur but.

Horace

Il est l'amant d'Agnès. Il veut se marier avec elle mais il choisit mal son confident en la personne de Arnolphe. Il n'est pas soutenu par son père qui désire le voir marié avec la fille d'Enrique de retour des Amériques.

Alain et Georgette

Ils sont respectivement le valet et la servante d'Arnolphe. Ils sont entièrement dévoués à leur maître. A la demande de leur seigneur, ils repousseront systématiquement les demandes d'Horace pour rencontrer Agnès. Il utiliseront le bâton si le jeune homme se montre trop insistant.

Chrysalde

Il est l'ami et le confident d'Arnolphe. Il représente la sagesse et la clarté d'esprit qu'un homme mûr est sensé posséder. Il raisonne sans détours les ambitions de Arnolphe croyant que son ami est entrain de se ridiculiser.

Enriqué

Il est le beau-frère de Chrysalde. Il est aussi l'ami d'Oronte. On apprendra à l'acte V qu'il est le père d'Agnès.

Oronte

Il est le père d'Horace et l'ami de Arnolphe. Il désire que son fils épouse la fille d'Enrique mais quand il apprend que Enrique est le père d'Agnès, il ne peut plus s'opposer au mariage d'Horace et de la jeune fille.

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Etude des personnages dans L'école des femmes de Molière - Le petit lecteur

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La comédie en cinq actes et en vers "L'école des femmes" de molière a remporté un vif succès dès sa première représentation, en 1662, au théâtre du Palais Royal. Les 1737 alexandrins de la pièces mettent en scène Arnolphe de La Souche, un homme d'un certain âge, qui a pour ambition de se marier.

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L'école des femmes - 1ère - Profil d'œuvre Français - Kartable

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Kartable : Cours, méthodes, exercices corrigés gratuit toutes matières

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Molière Malade imaginaire/parcours : spectacle et comédie

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Molière Malade imaginaire/parcours : spectacle et comédie

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Le théâtre du XVIIe siècle au XXIe siècle Molière, Le Malade imaginaire / parcours : spectacle et comédie. Comédie ballet, théâtre dans le théâtre-Bac général et bac technologique -Présentation et analyse du malade imaginaire. Etude, questionnaire et biographie de Molière- Résumé, thèmes, Bac de fr…

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La maladie, et plus précisément la maladie imaginaire, est au centre de la pièce. Argan est un hypocondriaque, c'est-à-dire une personne toujours préoccupée par sa santé qui craint perpétuellement d'être malade. Par le biais de ce personnage, Molière fait la satire de la médecine de l'époque.

Argan pense que la maladie et la mort le menacent de façon permanente. Le Malade imaginaire est une satire, c'est-à-dire un écrit dans lequel l'auteur fait la critique d'une époque, d'une politique, d'une morale. Ici, Molière s'attaque à la médecine. À l'instar d'autres pièces où il déguisait des valets en médecins (Le Médecin malgré lui), Molière représente des personnages de médecins qu'il tourne en dérision. Au temps de Molière, la médecine n'est pas évoluée. Les maladies sont toutes soignées de la même façon : par des saignées, des purges et des clystères(lavement ou injection). Les médecins ont une mauvaise réputation. Ils sont souvent moqués dans les pièces de théâtre de l'époque. À cause des pertes familiales qu'il a subies (son fils, sa compagne), l'hostilité qu'éprouve Molière envers la médecine est sincère. Il croit en la toute-puissance de la nature et considère qu'on ne doit pas la corriger.

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La pièce est marquée par la déraison dont fait preuve Argan avec son obsession de la maladie. Cette déraison semble dicter toutes ses réactions et ses décisions, y compris celle de marier sa fille à un médecin. Elle est dangereuse, étant donné qu'elle efface tout discernement.

Argan a avant tout une maladie de la raison. Son obsession de la maladie développe une passion pour la médecine. Il voue une confiance aveugle aux médecins, au détriment de tout bon sens. Au fur et à mesure de la pièce, les différents aspects de sa personnalité se révèlent. Il est tantôt capricieux, infantile, crédule, tantôt autoritaire ou homme d'affaires éclairé. Mais la déraison dont il fait preuve à des degrés différents reste dominante.

À cause de sa passion pour la médecine, Argan souhaite marier sa fille contre son gré à un médecin. Pour lui, il serait pratique de disposer d'un médecin à volonté. Le culte qu'il voue aux médecins le pousse à croire à tout et n'importe quoi. Il croit successivement aux diagnostics contradictoires de Purgon et des Diafoirus, puis aux balivernes que lui raconte Toinette lorsqu'elle est déguisée en médecin. Son respect de la science prévaut sur sa lucidité.

Sa déraison devient dangereuse et prend la forme de l'aveuglement lorsqu'il envisage de déshériter ses enfants au profit de son épouse hypocrite et vénale. Le seul antidote que Molière trouve à la déraison d'Argan est la raison de Toinette et de Béralde. Les interventions de ces deux personnages opposent toujours des arguments de bon sens au manque de lucidité et à l'extravagance d'Argan. Béralde et Toinette incarnent la sagesse et la raison. Ils sont attachés à la vérité, ils font preuve de clairvoyance. Le combat qu'ils mènent arrive finalement à rendre la déraison d'Argan inoffensive.