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Las primeras dos exposiciones de pintura en Argentina, una realizada en 1817 por la Sociedad del Buen Gusto, y la otra en 1829 por José Mauroner en el Colegio de San Ignacio, fueron un fracaso. Esta última, contaba con un catálogo amplio de piezas (368), artistas renombrados, otros desconocidos se ubicaban allí; aunque no se vendió ningún cuadro.

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Del grupo Nexus formaban parte: Fernando Fader, Pío Collivadino, Cesáreo B. Quirós, Carlos Ripamonte, Alberto Rossi, Justo Lynch, Arturo Dresco Y Arturo Méndez.

Dicho grupo hacía naturalismo "vivificado" por el impresionismo, dándose una adaptación interesante. Incorporaban ciertos elementos del impresionismo al naturalismo academicista.

Cesáreo Bernaldo de Quirós (1879-1968): previo al grupo, pintaba naturalezas muertas y paisajes. Se desarrolló estéticamente a partir de 1916, pintando una serie de gauchos y montoneros que expone en 1927.

Pío Collivadino (1869-1945): se dedicó a las escenas urbanas.

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Elizabeth Jane Gardner Bouguereau

1837 a 1922

Bouguereau llegó a París en 1864 y comenzó a estudiar pintura contemporánea y de grandes maestros. Si bien París atraía a todos los artistas, las mujeres aún tenían prohibido estudiar en la prestigiosa École des Beaux-Arts. Sin dejarse intimidar por estas prácticas discriminatorias, Bouguereau se matriculó en clases particulares.

En 1868, fue una de las primeras mujeres estadounidenses en exponer en el Salón de París, junto con Mary Cassatt. Las pinturas de Bouguereau fueron aceptadas en 25 Salones de París; también ganó una medalla de bronce en la Exposición Universal de 1889. A finales de la década de 1870, estudiaba con William-Adolphe Bouguereau, cuyo uso de colores intensos y sus representaciones de niños y escenas domésticas fueron ampliamente aclamados.

Los temas religiosos, históricos y mitológicos dominaron la producción artística temprana de Bouguereau. Reconoció una fuerte influencia de William-Adolphe (con quien se comprometió en 1879, pero no se casó hasta 1896). Se abrió camino produciendo obras de estilo monumental, generalmente asociadas con artistas masculinos.

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El surrealismo es un movimiento vanguardista que surge en la década de 1920, consecuente a la primera guerra mundial.

Su precursor y, creador del manifiesto surrealista es André Bretón, quien había formado parte, previamente del movimiento dadaísta. Es constituido con influencias de los avances de la psicología y el psicoanálisis de Sigmund Freud (el inconsciente, los sueños, lo onírico) y de la ideología marxista.

Cita al manifiesto surrealista: "Tanta fe se tiene en la vida que esta fe acaba por desaparecer. El hombre, soñador sin remedio, al someterse al trabajo se vuelve modesto: sabe, y se rige por ese saber (racional, objetivo). Durante la poca lucidez conservada, vuelve a su infancia, y el camino de la vida se diluye, transformándose, concediéndole al hombre múltiples perspectivas sucesivas. Pero no se llega muy lejos a lo largo de este camino, se suele renunciar a una parte del terreno que se debía conquistar. Es allí, donde la imaginación es encarcelada dentro de los límites de un utilitarismo convencional".

Es una vanguardia que se vuelve revalorizadora de la imaginación (en la infancia es la instancia en que más potencia tiene por la no objetividad de la mente), la locura (marginalizada por la razón burguesa) y destruye la norma y razón impuesta para crear desde realidades, consideradas por el autor, superiores a la conocida.

Objetivo como vanguardia.

El surrealismo nos permite generar un puente de acceso a lo onírico, al inconsciente como fuente de creación.

Características formales.

Predominio de la mancha y texturas.

Uso de la línea para formas precisas.

Características procedimentales.

Automatismo psíquico: proviene de la traslación de la "asociación libre", la cual es un método psicoanalítico de acceso al inconsciente, a lo que denominamos "automatismo psíquico", técnica surrealista. Este término se refiere a una técnica de dibujo o escritura espontánea, fugaz, y busca registrar todo aquello que pasa por nuestra mente en un momento determinado, evitando filtros de lógica, sentido. Su objetivo

Otras técnicas que se presentan en la vanguardia son: collage, decalcomanía, frottage, composicion de formas a partir de la mancha.

Artistas surrealistas: Frida Kahlo, Giorgio de Chrico, Okamoto Taro, René Magritte, Alejandro Obregón, Francis Bacon.

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Lía Correa Morales: nacida en Buenos Aires en 1893, fue una artista que rompió los moldes de su época a través de su obra pictórica. Hija de figuras como Lucio Correa Morales y Elina González Acha, desde su infancia estuvo rodeada de la influencia del feminismo porteño y del arte, lo que moldeó su interés por la creatividad desde una edad temprana.

Después de casarse y enviudar, retomó su carrera artística y se casó con el escultor Rogelio Yrurtia. Viajó a Europa en 1922, donde vivió durante varios años, exponiendo su trabajo y recibiendo reconocimientos por su talento.

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Jennie Augusta Brownscombe

1850 a 1936

La artista nació en una cabaña de troncos en la zona rural del noreste de Pensilvania, hija de William Brownscombe, un granjero de origen inglés, y Elvira Kennedy, descendiente directa de un pasajero del Mayflower. Por ello, la juventud de Brownscombe evocaba una de sus propias pinturas. Tras la muerte de su padre en 1868, Brownscombe comenzó a ganarse la vida enseñando y creando ilustraciones para libros y revistas.

Brownscombe también vendió los derechos para reproducir sus acuarelas y óleos como impresiones económicas, tarjetas navideñas y calendarios. Distribuyó más de 100 obras de arte de esta manera, difundiendo sus imágenes en hogares de todo el país. Los espectadores admiraron su estilo altamente naturalista, que incluía detalles pintorescos que les ayudaban a reconocer las historias y emociones retratadas.

Estudiante galardonada de la Escuela de Diseño para Mujeres del Instituto Cooper y de la Academia Nacional de Diseño, Brownscombe se convirtió en miembro fundador de la Liga de Estudiantes de Arte y posteriormente fue profesora. En las décadas de 1880 y 1890, Brownscombe estudió arte en Francia, pasó los inviernos en Roma y expuso en Londres, Nueva York, Chicago y Filadelfia. Completó su último óleo de gran formato a los 81 años, tras recuperarse de un derrame cerebral.

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fue una artista plástica argentina. Fue bisnieta de un héroe gaucho de la Quebrada de Humahuaca en la lucha por la Independencia argentina.Sus esculturas presentan características donde el realismo psicológico se hace presente, entre ellas destacan Cabeza de niña, San Francisco de Asís, La Niña de las Trenzas, y el friso Viltipoco. Artista impresionista, en sus pinturas plasmó los paisajes y la gente del noroeste argentino, especialmente escenas costumbristas de su provincia natal. Los críticos de arte coinciden en resaltar su técnica y cuidadosa elaboración. Retratos de Jujuy. Anuario Plástica Argentina de 1947, Ediciones Plástica, Buenos Aires 1948.

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Raquel Forner: buscaba que su arte reflejara dramáticamente su época. Nacida en Buenos Aires en 1902, su vocación se despertó durante un viaje a España, donde se formó en la Academia Nacional de Bellas Artes y se involucró con el arte moderno y las vanguardias europeas.

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Hija de Cecilia Kent Leavitt y Jean-Adolphe Beaux, la infancia de la artista estuvo marcada por la muerte de su madre, tan solo 12 días después de su nacimiento. Su padre regresó a Francia, dejando a Beaux y a su hermana mayor, Aimée, al cuidado de sus familiares. Su temprano interés por el arte fue fomentado en casa y en la escuela.

A los 18 años, Beaux se ganaba la vida con el arte comercial, haciendo litografías y pintando sobre porcelana mientras estudiaba en Filadelfia. Completó su primer retrato, que le valió una medalla, en 1884. En 1888, tras rechazar varias propuestas de matrimonio, Beaux decidió dedicarse al retrato y estudió en Europa durante 19 meses.

De regreso a Filadelfia, Beaux pintó a destacados escritores, políticos y otros artistas. Durante muchos años, impartió clases en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania. Sus cuadros se exhibieron ampliamente en Estados Unidos, así como en París y Londres. Se mudó a Nueva York en 1898 y también construyó una casa de verano en Gloucester, Massachusetts, que se convirtió en un lugar de paso popular para su distinguida clientela.

Su reputación alcanzó su máximo esplendor durante la década de 1930, cuando recibió varios premios importantes, entre ellos la Medalla de Oro en la Exposición Universal de París de 1900; realizó dos exposiciones retrospectivas; y publicó su autobiografía. En 1933, la primera dama Eleanor Roosevelt le entregó a Beaux la medalla de oro de la fraternidad Chi Omega, como  « la mujer estadounidense que más contribuyó a la cultura mundial » .

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1919 – Constructivismo (Rusia) Vladímir Tatlin, Aleksandr Ródchenko, Varvara Stepánova.

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1919 – Constructivismo (Rusia) Vladímir Tatlin, Aleksandr Ródchenko, Varvara Stepánova.

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arte al servicio de la revolución, uso de materiales industriales, diseño, arquitectura.

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1924 – Surrealismo (Francia)André Breton (manifiesto), Salvador Dalí, Max Ernst, René Magritte, Joan Miró.

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1924 – Surrealismo (Francia)André Breton (manifiesto), Salvador Dalí, Max Ernst, René Magritte, Joan Miró.

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influencia del psicoanálisis, automatismo, mundo onírico, inconsciente.

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1915 – Suprematismo (Rusia)Kazimir Malévich.

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1915 – Suprematismo (Rusia)Kazimir Malévich.

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Arte abstracto radical, formas geométricas puras, búsqueda de lo espiritual.

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1911 – Expresionismo (Alemania) Die Brücke (Kirchner, Heckel) y Der Blaue Reiter (Kandinsky, Marc).

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1911 – Expresionismo (Alemania) Die Brücke (Kirchner, Heckel) y Der Blaue Reiter (Kandinsky, Marc).

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Deformación subjetiva, intensidad emocional, crítica social.

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Antiarte, provocación, absurdo, azar, negación de toda lógica tradicional.

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Cubismo ( Francia ) Picasso ,Braque y Juan Gris

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Cubismo ( Francia ) Picasso ,Braque y Juan Gris

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Descomposicion de la forma , múltiples perspectivas reducción a volúmenes básicos.

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Exalatacion de la maquina , velocidad, la guerra, el movimiento y lo urbano.

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Escultora de estilo clásico, trabajó la figura humana en especial la de mujeres y niños. Concurrió al Salón Nacional a partir del año 1937 en varias ocasiones; al Salón de Mar del Plata en 1942 y 1948; al Salón de Tandil en 1943, 1945, 1948 y 1949; al Salón de Entre Ríos; al Salón de Córdoba; al Salón de Bahía Blanca en 1945; al Salón de Santa Fe en 1948, 1949, 1951 y 1952; al Salón de Rosario en 1944, al Salón de Otoño de Rosario en 1938 y al Salón Anual de Artes Plásticas de Rosario en 1952. Participó en muestras colectivas en la Escuela República de México, Salón Tout Petit, Salón para Becarios y Artistas Premiados por la Comisión Nacional de Cultura, Galería Peuser, Amigos de las Artes, Letras y Ciencias y en el Salón del Poema Ilustrado de Galería Peuser, entre otros. Realizó exposiciones individuales en galerías Witcomb en 1936, Palace Hotel por la Asociación de Artistas Plásticos Brasileños de Río de Janeiro en 1937, Museo Provincial de Corrientes en 1942, en el Museo Colonial e Histórico de Buenos Aires, y en Galería Van Riel en 1942, entre otras. Obtuvo Premio Estímulo en el Salón Nacional de 1941. Tercer Premio en el Salón de Tandil en 1943 y Primer Premio en el mismo salón en 1948, Tercer Premio Comisión Nacional de Cultura en el Salón Nacional en 1946. Premio Adquisición Ministerio de Industria y Comercio en el Salón Nacional en 1953. Premio Gobierno de Buenos Aires en el Salón de Bahía Blanca en 1945. Segundo Premio en el Salón de Mar del Plata en 1947. Premio Worms en el Salón de Santa Fe en 1948.

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Auguste Raymond Quinsac de Monvoisin: Soldado de Rosas (1842) -Óleo sobre cuero, 155 x 134 cm.

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Introdujeron estilos, enfoques y temas que luego se desarrollarían en la pintura argentina, como el paisaje y la representación de la sociedad, e influyeron en la formacion de los primeros pintores.

Emeric Essex Vidal: Documentó el paisaje y la vida de la región a través de sus obras.

Johann Moritz Rugendas: Pintor y grabador alemán, conocido por sus registros de la naturaleza y las costumbres de América.

Carlos E. Pellegrini: Pintor y grabador francés.

Juan Pedro León Pallière: Artista francés que retrató diversas escenas de la época.

Auguste Raymond Quinsac de Monvoisin: pintor frances, pinto retratos pero tambien paissajes en Argentina, Chile, Perú y Brasil.

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Desarrollado en Francia, 1907-1914. El término por el cual se conoce a la vanguardia fue creado por un crítico de arte.

Características: distorsión, producen cortes en la forma y enlazan en un conjunto varios puntos de vista sobre un mismo objeto, rompiendo con el estatismo propio de los bodegones.

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Emilia Bertolé: artista santafesina, destacó por su obra pictórica y literaria. Nacida en El Trébol a fines del siglo XIX, mostró talento desde joven, ganando premios y becas para su formación en artes visuales. En Buenos Aires, durante la década de 1920, se destacó por sus retratos, incluyendo al expresidente Hipólito Irigoyen.

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El fauvismo llega con influencia indirecta 

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El fauvismo llega con influencia indirecta 

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Visible en Fader y Forner

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Andrea Bacle, Retrato del General Manuel Belgrano, 1830, Grabado, 40 x 48 cm.

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Su nombre fue Adrienne Pauline Macaire. Se estableció junto con su marido y fundaron la primer empresa de litografia en Argentina. Esta técnica fue un medio ideal para la construcción de la nacionalidad, ya que permitía generar imágenes en abundante cantidad y posteriormente ser divulgadas. De esta forma, hacia 1829, el gobierno porteño declaró a Bacle & Cía. como “Impresores litográficos del Estado de Buenos Aires”, constituyendo una de las primeras gacetillas de publicidad del país.

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Lola Frexas: expresó que el arte era vital para su existencia, encontró en la pintura una forma de vida y felicidad. Especializada en acuarelas, plasmó la esencia de los paisajes urbanos y arquitectónicos de Buenos Aires, así como también diques y embalses del país, demostrando su versatilidad.

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Carlos E. Pellegrini (1846-1906). El retrato.

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Carlos E. Pellegrini (1846-1906). El retrato.

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Género que contó con la mayor producción del siglo XIX. Cuando se creó el daguerrotipo, se sustituyó la pintura por la fotografía. Durante el gobierno de Rivadavia había sido contratado para realizar obras en la ciudad, aunque tras su caída se quedó sin trabajo. Fue de aquellos que hizo uso del retrato como sustento económico. Luego de su muerte, descubrieron su perspicacia, ya que, trabajaba el retrato por serie. Tenía preparados distintos tipos de moldes corporales, donde ubicaba al cliente y, ahorraba tiempo en la concreción de las pinturas. Sus retratos nos recuerdan a los de la burguesía francesa de Ingres y sus discípulos.

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El hombre de la flor amarilla, óleo sobre tela, 81 x 65cm.

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Retrato de Manuel J. de Guerrico, pastel sobre papel.

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Los artistas extranjeros y argentinos hicieron pintura histórica. Cándido López y Adolfo Methfesel pintaban escenas de guerra con el Paraguay.

Cándido López (1840-1902): Nacido en Buenos Aires, el 29 de agosto de 1840. Participó y, a su vez, pintó, la guerra del Paraguay (1865-1870), donde perdió el brazo derecho y tuvo que aprender a pintar con la mano izquierda. Representó batallas, campamentos y escenas con una mirada realista y humana.

Adolfo Methfesel (1823-1909): Pintor alemán. Fue uno de los primeros artistas extranjeros en representar episodios patrios argentinos. Realizó retratos y escenas de la Guerra del Paraguay y sobre la Independencia.

Carlos Morel (1813-1894): Fue cronológicamente el primer pintor argentino. Pintó retratos, batallas e hizo grabados, Utilizaba en su obra sombra y reflejos de recurso impresionista.

Prillidiano Pueyrredón (1823-1870): Se conocen 223 obras suyas. Hizo escenas y paisajes de nuestro suelo, desnudos y, también exploró temas patrios vinculados a la Nación.

Juan Manuel Blanes (1830-1901) Aunque es un pintor uruguayo, su influencia se extendió en la Argentina. Blanes había pintado 8 batallas en la residencia de Urquiza. A su vuelta de Florencia (becado por el gobierno uruguayo), pinta en 1871 "La fiebre amarilla", su obra más conocida.

Ángel Della Valle (1852-1903): Pintor argentino. Concluía en 1892 la pintura más importante de su vida, La vuelta del malón. La crítica lo celebró como la primer gran obra de arte argentino. Sin embargo, nunca logró venderla. Desde el género histórico, representa a un malón de indios llevando cautiva a una mujer blanca (tema utilizado frente a la guerra del hombre blanco contra el indio).

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Morel, Carlos. Óleo sobre tela. Medidas:46 x 55 cm. - Naturalismo costumbrista

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Es considerado uno de los primeros pintores argentinos.

Realió obras en óleo y tambien litografias que daban cuenta del paisaje y las costumbres de la época.

Junto con García del Molino, retrataban a Juan Manuel de Rosas y a Encarnacion Ezcurra, a su mujer.

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El Puente, color y deformación.

El Puente, (Die Brücke en el original), es el nombre al que se asigna una tendencia artística de un grupo de pintores alemanes expresionistas reunidos en Dresde entre 1905 y 1913.

El Expresionismo es el desarrollo de un sistema de representación basado en la alteración de figuras y objetos en función de la expresión, es una constante que se ha producido sistemáticamente a lo largo de la historia del arte.

El grupo de los expresionistas alemanes buscó a través del color la deformación y representación de una escenografía atormentada e inquietante, provocando un estado de ánimo desasosegado, inseguro e incierto.

El nombre “El Puente” lo adoptan con la intención de diferenciarse de la pintura académica, un sistema de representación basado en la libertad.

Fuente: https://www.tasararte.com/el-puente-die-brucke-expresionismo-aleman/

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El sifón (1915), collage sobre papel y cartón, 45 x 35cm.

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Cuando Braque presentó algunos de sus cuadros en el Salón de Otoño de 1908, el comité de selección los rechazó y después se burló de semejantes monstruosidades. Matisse, miembro del jurado dijo que “Braque había presentado arte hecho de cubitos”.

Había nacido el cubismo, nombre que quizás complica más la comprensión de un movimiento ya de por sí complicado.

En realidad no hay cubos. Más bien lo contrario. El cubismo consiste reconocer la naturaleza bidimensional del lienzo y no recrear la tridimensionalidad (cosa que precisamente pretende el cubo).

Para mirar un cubo, hace falta un sólo punto de vista, y lo que querían artistas como Braque o Picasso, inspirados por Cezanne, es mirar un objeto desde todos los puntos de vista posibles. Para entendernos, es como desmontar una caja de cartón y dejarla completamente abierta en una superficie plana, mostrando todo a la vez, y entrelazado.

Por eso el cubismo (sobre todo en su modalidad analítica, como es el caso) tiene unos colores tan sobrios: si llega a ser de varios colores brillantes (lo que después se llamó orfismo) la cosa no se unificaría y daría como resultado un caos indescifrable.

En “Violín y paleta” Braque utiliza ocres y verdes, y el violín, por ejemplo, se ve por tanto desde varios puntos diferentes: desde arriba, desde abajo, y todo a la vez y las transiciones entre planos se hacen mediante variaciones subtonales hacia el oscuro.

Fuente: https://historia-arte.com/artistas/georges-braque

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Retrato de Donña Librada de Albarracin. Óleo sobre tela.

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Procesa del Carmen Sarmiento (1818-1899)

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Procesa del Carmen Sarmiento (1818-1899)

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Es considerada actualmente una de las primeras pintoras mujeres. Hermana de Sarmiento, estudió en Chile.

Se dedicó a loss retratos, aunque también realizó miniaturas y algunos cuadros de paisajes, flores y motivos religiosos.

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Color autónomo , expresión emocional

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Mas naturalista

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En 1896, llega Kandinsky a Múnich, dejando atrás una vida acomodada en Rusia como profesor y se instala en un estudio en Schwabing. Este barrio al norte de la ciudad era el centro de conglomeración de la vida bohemia y artística, siendo el Café Stefany el punto de reunión.

A los pocos años de llegar, en 1903, realiza una de las primeras obras de época alemana, El jinete azul, una pintura caracterizada por la fragmentación del color, reflejo de la influencia que los Almiares de Monet y la pintura impresionista ejercieron sobre él. Además, este tipo de pintura sería clave ya que la emplearía como vehículo para el desarrollo a posteriori de la abstracción. Estas pinceladas tan rápidas y cortas, son vitales para entender el recorrido artístico de Kandinsky ya que con ellas da comienzo al constante estudio del color y las formas. Dos elementos que se comprometió a desarrollar desde el inicio de su carrera artística y que llevó hasta sus últimas consecuencias.

Esta obra que representa a un hombre galopando a gran velocidad sobre un caballo, refleja el gusto del pintor por los temas medievales. Él veía al caballero como un ser valiente que se enfrentaba a numerosas batallas –-clara analogía a la lucha constante que tiene por querer desarrollar una pintura que en aquel momento era muy innovadora y complicada de entender–-. El jinete va a estar presente a lo largo de toda la vida pictórica de Kandinsky, incluso en las pinturas abstractas, representándose como un mensajero enigmático, un héroe o como una figura romántica.

Aunque pueda parecer lo contrario, Kandinsky con esta obra inaugura su credo artístico: la renuncia a la imitación de la naturaleza y rechazo absoluto a la representación de la realidad, abogando por una deformidad de la misma y apostando por las emociones y sentimientos. El jinete azul, no solo es la obra con la que Kandinsky se estrena en Alemania sino que también será el nombre de uno de los grupos más innovadores de comienzos de 1910, Der Blaue Reiter, co-fundado por Franz Marc y ejemplificadores de este credo.

Fuente: https://historia-arte.com/obras/el-jinete-azul

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Un alto en el campo -Pueyrredón, Prilidiano. 1861

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Esta pintura esta localizada en Los altos de Morón, camino a San Isidro.

El formato apaisado y la linea baja de horizonte da la sensacion de la inmensidad de la llanura con arboles esparcidos entre si. Los personajes estan descansando antes de seguir viaje, una mujer toma mate al pie del ombu, un niño juega e imagina que monta un caballo.

Las obras del autor son del genero paisajista y retratos, los cuales vendia mientras estudiaba arquitectura.

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Mayor resoncia en literatura ( Florida ) poco impacto en la pintura 

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Mayor resoncia en literatura ( Florida ) poco impacto en la pintura 

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Influyen en Xul Solar y mas tarde Berni

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Episodio de la segunda división de Buenos Aires en la batalla de Tuyutí, 24 de mayo, 1986, República del Paraguay (pintada en 1889).

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Un episodio de la fiebre amarilla (1871), óleo sobre tela.

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Es la primera mujer de Santa Fe que se dedica a la pintura, en segundo término, es la primera pintora costumbrista, y por último, es la primera acreedora al inaugural homenaje oficial acordado a una artista plástica. Es decir, que en ella se dan todos los principales antecedentes posibles en la vida de un artista pintor.Es la primera artista santafesina que pinta motivos costumbristas y esos mismos temas son los que envía a la primera exposición nacional, representando a Santa Fe. En esta muestra no pasó inadvertida ante nadie y menos para las autoridades de la provincia. A consecuencia de esto, la asamblea de representantes de Santa Fe (La Legislatura), por ley del 22 de agosto de 1871, acordó otorgar a la "retratista al pincel", una medalla de oro como premio "al talento, gloria y estimulo". Contaba solamente diecinueve años de edad

La obra de Josefa Díaz pertenece a la escuela clásica. Su pintura no es robusta, sino más bien demasiado trabajada, pulida, propia de un estilo femenino. Utilizaba la naturaleza sin copiarla, como auxiliar del modelo y por ello no es desmerecida su obra; ya lo ha dicho Hegel " escoger no es imitar".

Pepa Díaz, como se la llamaba cariñosamente, utilizó lo auténticamente santafesino, los típicos exponentes de nuestra raza, para introducirlos en el arte pictórico, sin imitar, creando siempre.

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Pintora Argentina, María abordo diversidad de géneros artísticos en su trayectoria. Realizó paisajes,retratos, desnudos, escena de género,pintura  de tematica histórica, cuadros de animales y naturalezas muertas

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fue una pintora argentina nacida en Buenos Aires. Se formó como artista con Reinaldo Guidici y José Agujari, y complementó sus estudios en Europa, como muchos de sus contemporáneos (Malosetti Costa, 2010). Perteneció al grupo de artistas del Salón del Ateneo, donde expuso sus obras desde 1891 hasta 1895 y recibió una Mención Honrosa de Primera Clase. Unos años más tarde, en la exposición de La Colmena Artística de 1898, obtuvo la medalla de bronce.

Posadas exploró una amplitud de géneros, como el desnudo, el retrato, la naturaleza muerta, la pintura de género y también pintura histórica.

En noviembre de 1891, la artista fue protagonista de un escándalo al presentar un pastel de un desnudo femenino de espaldas en la exposición de beneficencia organizada por la Sociedad de Damas de Nuestra Señora del Carmen. La obra se llamó Idilio.

Este hecho fue visto por la sociedad como un acto “polémico, escandaloso, ofensivo, e incluso inmoral”. Sin embargo, los desnudos artísticos de Feyen-Perrin y la escultura desnuda de Benlliure, ambos hombres, no despertaron enojo alguno. Las Damas del Carmen lograron que la obra se retirara de la exhibición, pero no sin resistencia. Malosetti Costa (2000) cuenta que artistas y críticos cerraron filas en defensa del desnudo de Sofía Posadas, “defendiendo la pertinencia de pintar desnudos, la excelencia y dignidad del género y contra la pacatería de las señoras católicas”

La autora narra:

“Dos años más tarde, en la primera exposición de artistas argentinos organizada por el Ateneo, Sofía volvió a exponer su desnudo de espaldas al pastel. Esta vez no hubo censuras”

No obstante, el paradero actual del Idilio de Sofía Posadas es desconocido.

Entre sus obras, se conoce el Retrato del General D. Emilio Mitre, del año 1894, expuesto actualmente en el hall principal del Museo Mitre en la Ciudad de Buenos Aires. Asimismo, las obras El sueño de San Martín y el Retrato del Doctor Manuel Augusto Montes de Oca, pertenecen al acervo del Museo Histórico Nacional. La primera representa al General José de San Martín en el ocaso de su vida, dormido sentado en un sillón. Está soñando con las grandes batallas y días gloriosos de la Independencia, representados en la parte superior izquierda de la pintura (catálogo interno del Museo Histórico Nacional, consultado en julio de 2020). La segunda, revela el retrato en blanco y negro de un hombre vestido de traje. Un corpus más extensivo de obras fue localizado en el Complejo Museográfico Provincial «Enrique Udaondo». Por último, se localizaron tres obras de la artista en el Museo Isaac Fernandez Blanco: las acuarelas La antigua estación Retiro y El antiguo correo de Buenos Aires,y el óleo En un rincón en la casa de la Virreyna (sic) Vieja.

Sofia Posadas es considerada una de las más talentosas artistas argentinas, pero poco se conoce de su vida y de su obra. Tal como afirma Malosetti Costa, “su memoria fue borrada de la historia del arte argentino” (2000, p. 8).

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Julia Federica Herminia Wernicke Beltz von Hagen (1860 – 1932), también conocida como Julia Wernicke, 

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Julia Federica Herminia Wernicke Beltz von Hagen (1860 – 1932), también conocida como Julia Wernicke, 

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fue una pintora y grabadora argentina. Desde temprana edad demostró tal interés por el dibujo,De vuelta en Buenos Aires, y contra el mandato de la época, que reservaba para pintoras mujeres temas como naturalezas muertas, retratos de niños, o animales domésticos, Wernicke pintó al óleo animales salvajes y por ello hoy es considerada la primera animalista argentina.

Años después, regresó a Alemania pero no se detuvo en Munich, sino que visitó Leipzig, Berlín y Dresden. Junto a la artista Catalina Mórtola de Bianchi, abarcaron los procedimientos técnicos más variados: el aguafuerte, la xilografía, el aguatinta, el barniz blando, la aguada, la punta seca, la monocopia, y la litografía.

Los temas elegidos por Wernicke –toros y caballos (que se vinculaban con la naciente iconografía nacional), leones y tigres– y su tratamiento –óleos y grabados al aguafuerte– no se ajustaban a la delicadeza que algunos esperaban en obras ejecutadas por mujeres”

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Artista argentina, su obra se caracteriza por un amplio rango temático, y un atento uso del color y la composición. Sus retratos, de carácter intimista, con pinceladas vigorosas y con abundante materia, la distinguieron del canon de su época para lo que sus contemporáneos —injustamente— clasificaban como “pintura femenina”. fue Profesora en la Escuela Nacional Manuel Belgrano y en la Prilidiano Pueyrredón, y participó activamente en salones y exhibiciones. Sus distinciones incluyen: Premio Doctor Pedro Lagleyze, 1916; Tercer Premio, 1926; Tercer Premio Municipal, 1927; Segundo Premio, 1932; Premio Jockey Club y Primer Premio Municipal, 1933; Primer Premio, 1935 (por su obra El sibarita); Gran Premio Adquisición, 1938 (primera vez que esta distinción máxima fue otorgada a una mujer); Gran Premio de Honor, 1939; Premio Ministerio de Justicia, 1949. A su vez, fue Medalla de Oro del Salón de París, 1937 y en la Exposición Internacional de San Francisco en California, EE.UU., 1939.

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"Legitimación" del artista a través del viaje a Europa. 

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"Legitimación" del artista a través del viaje a Europa. 

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Se podría estimar que es un fenómeno comenzado a partir de 1870 (en esta década, y posteriormente se consolida), durante el contexto de organización del Estado nacional y del modelo liberal. El país crecía (financieramente prosperaba), y comenzó a otorgar becas a jóvenes artistas para estudiar artes en Europa. Empezaban a surgir instituciones políticas, económicas, y se iban formando las instituciones de arte. En 1873 se funda la Sociedad Estímulo de Bellas Artes: integrada por los hermanos Sívori, Eduardo Schiaffino y José Aguyari. Dicha agrupación promovió la creación de una escuela de Bellas Artes y el Ateneo, que, a su vez, promovieron exposiciones artísticas de 1893 a 1896. Los artistas comienzan a viajar a Europa para continuar sus estudios académicos. No hay artista que no se respete si no hizo su perfeccionamiento allí. Era una imposición que se consideraba necesaria. A Europa viajan: Ernesto de la Cárcova, Eduardo Schiaffino, Eduardo Sívori, Claudio Lastra, Mariano Agudo, Roque Larguía y Martín Boneo. El viaje a Europa estaba ligado al fenómeno monetario. Una posibilidad a la que solo accedían quienes pertenecían a familias pudientes o con conexiones en los grupos dirigentes.

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Se trata de uno de los cuadros más famosos de Pablo Picasso, destacado por su estilo distintivo y la representación de una de sus musas más importantes, Dora Maar.

Pintada durante la Segunda Guerra Mundial, esta obra es un testimonio de la compleja relación entre Picasso y Maar, quien fue una fotógrafa y pintora surrealista.

El cuadro muestra a Dora Maar sentada en una silla, con un pequeño gato posado en su hombro. Maar está representada con una mezcla de colores vivos y formas angulares, características del estilo cubista de Picasso. Su rostro está descompuesto en varias facetas, reflejando tanto su belleza como su turbulenta personalidad. El uso de colores contrastantes y líneas audaces crea una imagen vibrante y dinámica, llena de energía y emoción.

Fuente: https://www.elledecor.com/es/arte/g40612829/pablo-picasso-cuadros-mas-famosos-importantes/

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Xul Solar: Pinta imágenes que corresponden a un mundo fantástico y lejano, aunque cerca, puesto que es nuestro mundo interior. Trabajó con procedimientos cubistas y surrealistas. En su obra se funden lo real y lo imaginario, tal como querían los surrealistas.

Antonio Berni: Nació en Rosario en 1905. Hacía pintura social, formó parte del grupo París y su obra se acerca a la pintura de vanguardia.

Su primera exposición data de 1918. Comprende de influencias pictóricas de Fader y Sorolla. En 1925 recibe la beca para su viaje a Europa: expone en el salón de Madrid, luego se traslada a París. Pudo conocer la producción de Picasso, Braque y Chirico. Se puede decir que su acercamiento a centros políticos de izquierda despiertan sus inquietudes sociales.

En 1928 Berni conoce a Luis Aragón, introduciéndose en el círculo surrealista; estilo que gestará su producción de dibujos, pinturas, collages y fotomontajes. En 1932 será parte de la vanguardia surrealista. En el mismo año expone en Amigos del arte sus obras surrealistas.

El pintor regresa a la Argentina en la década del 30, panorama de crisis mundial y del golpe militar de Uriburu. Crece la desocupación, el hambre y, por ende, las manifestaciones. Es allí cuando se vincula a una pintura de crítica social.

Sus telas están teñidas de expresionismo y, siempre conserva el clima surrealista.

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Expuso en París en 1887 su cuadro 'El despertar de la sirvienta'. Puesto que, en Europa, dicho cuadro, se podría considerar uno de los tantos. En Buenos Aires resultó tan disruptivo que no pudo ser exhibida de forma pública. Es considerado el padre del realismo argentino (con un atraso de tres decenios).

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El despertar de la criada, Eduardo sívori.

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El despertar de la criada, Eduardo sívori.

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Le lever de la bonne es un desnudo naturalista. No hay narratividad en la escena, se limita a presentar el cuerpo de una muchacha joven en el que se lee su pertenencia a la clase trabajadora.

loss críticos, tanto en París como en Buenos Aires, comentaron el cuadro en 1887.

Fue pintado en París por Eduardo Sívori quien, tras haber logrado su aceptación en el Salón anual, lo envió a Buenos Aires ese mismo año sabiendo de antemano que su exhibición despertaría polémicas. Fue el primer gesto vanguardista en la historia del arte argentino.

Fuente: bellasartes.gob.ar

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Captaciion de la luz , lo efimero ,pincelada suelta

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Martín A. Malharro (1865-1927): Estudió pintura en la escuela fundada por la Sociedad Estímulo de Bellas Artes. Tenía una experiencia del paisaje que traduce en una visión romántica.

En París aprende la técnica y la estética impresionista. Desde su cátedra en la academia preparaba a la juventud enseñando técnica y percepción, como debe de verse; de allí se señala el inicio de las vanguardias artísticas. Malharro toma del impresionismo la luz y el color, pero su forma no se difumina por completo.

Faustino Brughetti (1877-1956): otros señalan al mencionado como introductor del impresionismo, quien comprende de influencias de los 'macchiaioli'. Con Mal harto toma vigor la influencia francesa, y con Brughetti la italiana.

Fernando Fader (francés, 1882-1935): considera un pintor impresionista. Regresa de Alemania en 1905 y, el mismo año expone en el Salón Costa de la calle Florida. Córdova Iturburu habla de su estilo con tendencia hacia los grises terrosos. Pintó paisajes y escenas de Córdoba.

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Las parvas (1911), óleo sobre tela, 65,5 x 82cm.

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Ha sido observada por diversos autores la notable proximidad de esta obra con la serie de Meules de Claude Monet. Demostraría así la identificación tradicional de Malharro como el primer pintor impresionista argentino, y con ello, en una interpretación lineal de su evolución, un “retraso” de al menos treinta años en la adopción de la modernidad a la europea.

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El concierto, óleo sobre tela, 94 x 134cm.

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Se distinguen tres etapas dentro de la pintura de Faustino Brughetti. La primera caracterizada por una fase simbólica con un aspecto expresionista, la segunda con una adhesión mayor al impresionismo y la tercera una pintura primitiva, surgida de una pintura de colores severos y semi-oscuros. En todos sus cuadros hay una atmósfera iluminada, una emotividad donde se imponen un silencio y una quietud que presentan una nitidez perfecta. Se lo considera como un poeta, su expresión revela ambientes de ensueño y de ilusión.

Fuente: buenos aires.gob.ar

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Las playas de Guasapampa, óleo sobre tela (1930), 81 x 100cm.

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Paisajesy pintura historica como generos principales 

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Paisajesy pintura historica como generos principales 

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Argentina

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Vuell Villa (1936), acuarela sobre papel, 34 x 40cm.

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Vuell Villa es una inverosímil máquina voladora que forma parte de toda la fantasía iconográfica de Xul Solar, una de las personalidades más originales del arte argentino. Su pintura, plena de magia y poesía, no tiene precedentes ni continuadores dentro de la pintura local.

Fuente: fundacionkonex.org

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Egon Schiele, discípulo de Klimt y admirador de Hodler, llevó las premisas de ambos a un expresionismo radical. Defensor ante todo de la individualidad del artista, pocos artistas han sido más individuales que Schiele.

Fue casi exclusivamente un dibujante de la figura humana (incluída una obsesión por el autorretrato). Schiele analiza el cuerpo humano arrasando con cualquier convención cultural e incluso moral de esa época. Así mismo, le interesa la sexualidad, a veces rozando la pornografía más que el erotismo.

Durante sus primeros años de carrera demostró talento artístico, y empezó a pintar sus dichosos autorretratos. En 1906 ingresa en Bellas Artes en Viena, donde se empieza a ahogar en ese ambiente demasiado conservador, todo lo contrario de lo que debería ser la creatividad, así que se «escapa» para formar su propio grupo: Neukunstgruppe (Grupo del nuevo arte).

Conoce así a Gustav Klimt y se introduce con él en la Secesión vienesa, cuyo lema es: «A cada época su arte y al arte su libertad». Abandona el rígido estilo de la Academia y se vuelve expresionista, comenzando a distorsionar agresivamente los desnudos. Le da absoluto protagonismo al dibujo y a la línea.

Fuente: https://historia-arte.com/artistas/egon-schiele

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Obra expuesta en Amigos del arte, junio de 1932. Se trata de la primera exhibición en la Argentina que reúne cuadros dentro de los términos del movimiento liderado por Bretón, incluyendo, además, marcas de la pintura metafísica italiana, gracias a las influencias por la obra de Giorgio de Chirico.

Es una pintura de sueños protagonizada por objetos, así como en "La torre Eiffel en La Pampa", donde se ubica una figura central, aislada. Los protagonistas de esta obra son el auto moderno y los fragmentos de máquina que surgen del mar.

Fuente: coleccion.malba.org.ar

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Para Payró, la abstracción era el esqueleto de lo visible y, por lo tanto, la base de su representación. La geometría era el lenguaje formal inherente al cuerpo humano, una catedral gótica, un muro inca o el viento. Partiendo de esa creencia, su impulso fue ir más allá: buscar en el encuentro entre un círculo y un triángulo, entre colores armoniosos y ritmos contrastantes, una estructura potencial que pudiera representar lo invisible, es decir, las emociones humanas. se apegaría al ámbito doméstico y personal para dedicarse a un estilo pictórico capaz de construir un vocabulario geométrico, liberado tanto de las viejas tradiciones como de los nuevos manifiestos, para representar estados emocionales íntimos.nunca abandonó la ambición de desarrollar un lenguaje capaz de explorar la relación entre las emociones humanas y la abstracción. Su obra construye espacios de proyección personal: una intuición política que crecería en las décadas posteriores, con la relevancia ideológica de la micropolítica feminista y la vanguardia LGBTQI+ en Argentina. Muchos artistas de esta nueva generación desenredaron y se apropiaron de las grandes narrativas del arte concreto rioplatense, contrarrestando sus pretensiones de universalismo mediante su enfoque en las esferas doméstica y afectiva. La relevancia de la obra de Payró continúa hoy, mientras buscamos diversos modelos de reconexión con la sensibilidad en un mundo cautivado por la abstracción virtual, económica y política.

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Mas naturalismo rupturista

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La torre Eiffel en La Pampa (1930), tempera y collage sobre papel, 64 x 49cm.