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빈센트 반고흐의 별이 빛나는 밤에

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빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 <별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 <밤의 카페 테라스>나 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다. 반 고흐는 동생 테오에게 쓴 편지에서 "오늘 아침 나는 해가 뜨기 한참 전에 창문을 통해 아무것도 없고 아주 커 보이는 샛별밖에 없는 시골을 보았다."고 했다. 이 샛별은 그림 가운데 왼쪽에 있는 커다란 흰 별일 것이다. 그가 그린 밤하늘에서는 구름과 대기, 별빛과 달빛이 폭발하고 있다. 황량하고 짙은 파란색 하늘은 세상의 종말을 연상케 하고, 그 위로는 구름이 소용돌이치며 떠있다. 달과 별의 둘레에는 뿌옇게 무리가 져있다.

비연속적이고 동적인 터치로 그려진 하늘은 굽이치는 두꺼운 붓놀림으로 불꽃같은 사이프러스와 연결되고, 그 아래의 마을은 대조적으로 평온하고 고요하다. 마을은 있는 그대로 그린 것이 아니라 부분적으로는 고안되었는데, 교회 첨탑은 반 고흐의 고향 네덜란드를 연상시킨다. 그는 병실 밖으로 내다보이는 밤 풍경을 기억과 상상을 결합시켜 그렸는데, 이는 자연에 대한 반 고흐의 내적이고 주관적인 표현을 구현하고 있다. 수직으로 높이 뻗어 땅과 하늘을 연결하는 사이프러스는 전통적으로 무덤이나 애도와 연관된 나무이지만, 반 고흐는 죽음을 불길하게 보지 않았다.

그는 "별을 보는 것은 언제나 나를 꿈꾸게 한다."면서 "왜 하늘의 빛나는 점들에는 프랑스 지도의 검은 점처럼 닿을 수 없을까? 타라스콩이나 루앙에 가려면 기차를 타듯이, 우리는 별에 다다르기 위해 죽는다."고 했다. 이 시기에 그의 필치는 더욱 두꺼워지고 더욱 열정적으로 변했으며, 꿈틀거리는 듯한 선은 별의 광채를 한층 두드러지게 한다. 이 시기의 특징인 회오리치는 듯 꿈틀거리는 필치는 강렬한 색과 결합되어 감정을 더욱 격렬하게 표현한다. 이 곡선의 화필은 굽이치는 운동감을 표현하면서, 그림 전체를 율동적인 흐름으로 통합한다.

글

황주영/서울대 환경계획연구소 연구원/서양 미술사
이화여대에서 불문학과 영문학을 공부하고, 동대학 대학원 미술사학과에서 서양미술사를 공부했다. 풍경화와 정원에 대한 공부를 더 하러 간 파리에서는 어학원보다는 거리와 미술관, 공원과 정원을 더 열심히 다녔다. 서울대학교 협동과정 조경학 과정을 수료하고 번역과 원고 기고, 강의 등으로 생계를 꾸리고 있다.

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빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 <별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 <밤의 카페 테라스>나 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다.

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양복재단사인 레오폴 마그리트와 모자 상인인 아들린 사이에서 장남으로 태어난 르네 마그리트의 어린 시절은 어머니의 비극적인 죽음이 큰 부분을 차지하고 있었다. 1912년에 아들린은 샹르브 강에 몸을 던져 자살했는데, 어린 마그리트는 어머니의 시체를 강에서 건져내는 과정을 모두 지켜보았다. 드레스 자락으로 얼굴이 덮인 채 강물 위에 떠 있었던 어머니의 이미지는 마그리트의 머릿속에 각인이 되어, 그가 나중에 작품들을 제작하는 데 많은 영향을 끼쳤다. 대표적인 예로 <연인들>(1928)에서 두 남녀는 천으로 얼굴을 가린 채 묘사되어 있다. 그러나 마그리트는 이를 터무니없는 추측이라며 일축해버렸다.

1916년, 마그리트는 브뤼셀에 있는 왕립 미술아카데미에서 공부를 시작했다. 1922년에는 1913년에 처음 알게 되었던 조르제트 베르제와 결혼식을 올렸다. 그는 포스터 및 광고 디자이너를 비롯해 여러 직업들을 전전하다가, 1926년에 브뤼셀의 라상토르 화랑과 계약을 맺으면서 마침내 회화 작업에만 전념할 수 있게 되었다. 같은 해 마그리트는 자신의 첫 초현실주의적 작품인 <길 잃은 기수>(1926)를 완성했다. 그는 이 작품을 필두로 많은 수의 작품들을 그리기 시작했다. 당시는 미술가가 날마다 한 점씩의 그림을 그리는 것이 별로 특이한 일은 아니었다.

마그리트는 1927년 브뤼셀에서 첫 개인전을 열었다. 그러나 이 전시회는 비평가들로부터 혹평을 받았다. 이에 의기소침해진 마그리트는 브뤼셀을 떠나 파리로 갔다. 그곳에서 그는 앙드레 브르통과 친구가 되었고, 또 그를 통해 초현실주의 예술가들과 교류하게 되었다. 1930년, 라상토르 화랑과의 계약 만료로 더 이상 파리에서의 생활비를 충당할 수 없게 된 마그리트는 브뤼셀로 돌아와야만 했다. 제2차 세계대전 당시 나치 군이 벨기에를 점령했을 때도 그는 브뤼셀에 남아 있었다. 이로써 브르통과의 교류도 끊어지게 되었다. 브르통은 1941년에 미국으로 떠났다.

대중 속으로 들어온 초현실주의
1940년대 중후반에 들어 마그리트의 작품은 좀 더 밝고 가벼워지고 또 더욱 실험적이 되었다. 그는 야수주의의 그림들을 우스꽝스럽게 모방해 그렸다. 그의 친구들은 이 그림들의 표현이 너무 거칠고 서툴다고 '바슈'(vache)라는 이름을 붙였다. '암소'라는 뜻의 이 프랑스어 단어는 미숙하고 무디며 조야함을 의미하기도 한다. 이는 아마도 전쟁이라는 어두운 시대를 견뎌내고, 초기 작품들의 특징이었던 염세주의와 폭력성으로부터 벗어나기 위한 마그리트의 시도였을 것으로 생각된다. 마그리트는 관람자들이 의문을 갖고 도전하도록 만드는 작품들의 제작에 열중했다.

그의 그림들은 겉으로 보기에는 일상적인 오브제들을 그린 듯하지만, 마그리트는 종종 이런 오브제들을 예기치 않은 문맥으로 제시함으로써, 친숙한 것들에 새로운 의미를 부여하곤 했다. 예를 들어 <이미지의 배반>(1929)을 살펴보자. 이 작품에는 사람들이 익히 알고 있는 파이프가 그려져 있다. 그런데 그 아래에는 마그리트가 쓴 'Ceci n'est pas une pipe'라는 문구가 적혀 있다. 이 프랑스어는 '이것은 파이프가 아니라'라는 뜻이다. 이 말은 모순어법처럼 보이지만, 사실 이것은 맞는 말이다. 이 그림은 파이프가 아니다. 이것은 파이프의 이미지에 불과할 뿐이다. 이를 통해 마그리트가 말하고자 한 것은, 미술가가 대상을 매우 사실적으로 묘사한다 하더라도 그것은 그 대상의 재현일 뿐이지, 그 대상 자체일 수는 없다는 것이다.

마그리트는 생전에도 미술가로서 유명했지만, 사후에 그의 명성은 작품들과 그것들이 끼친 영향으로 더욱 높아졌다. 몇 세대에 걸쳐 미술가들과 영화제작자들이 그의 그림들에서 영감을 얻었다. 두 번이나 제작된 영화 '토마스 크라운 어페어'(1968, 1999)는 마그리트의 <남자의 아들>(1964)을 직접적으로 언급하고 있다. <남자의 아들>은 커다랗게 확대된 사과에 의해 얼굴이 가려진 중산모를 쓴 남자를 그린 작품이다.

현대의 대량 생산 기술과 대중문화에 힘입어 마그리트의 이미지들은 더 많은 대중들에게 친숙해졌다. 여러 뮤지션이 자신들의 음반 재킷 표지로 마그리트의 이미지들을 사용했으며, 마그리트의 <백지>(1965)는 밴드 '스틱스'의 앨범 '더 그랜드 일루전'(1977)의 표지로 사용되었다. 1965년 뉴욕 근대 미술관에서 마그리트의 회고전이 열렸다. 그가 죽은 지 20년도 더 지난 후인 1992년에 메트로폴리탄 미술관에서 마그리트의 회고전이 또 한 번 열렸다.

대중문화의 영향력
변화무쌍했던 1960년대는 대중문화가 출현하고 확립된 시대였다. 대량 생산, 과학 기술, 소비주의는 베이비 붐 세대에게 새로운 원동력이었다. 마그리트 같은 미술가들은, 과거에는 고상한 엘리트층에게만 알려져 있었으나, 이제 그의 이미지들은 대량 생산되는 록 음반 표지에 실림으로써 수많은 대중들에게 알려지게 되었다. 마그리트의 작품을 사용한 최초의 밴드들 중 하나인 '제프 벡 그룹'은 그들의 1969년 앨범 '벡 올라'에 마그리트의 <청취실>(1952)을 인용했다. 5년 뒤, 잭슨 브라운은 앨범 '레이트 포 더 스카이'의 표지에 마그리트의 <빛의 제국>을 참고했다.

마그리트의 지속적인 인기가 음반 사업에만 국한된 것은 아니다. 미국의 유명한 컬트 만화인 '심슨 가족'의 '공포의 나무 위의 집 4'는 마그리트의 <사람의 아들>(1964)을 참고했고, 온라인 비디오 게임 '혐오의 왕국'은 <사람의 아들>과 <이미지의 배반>(1929)에서 영감을 얻었다. 마그리트의 작품이 낳은 흥미롭고 인상적인 파급 효과는 영화에서도 찾아볼 수 있다. 영화 '토이즈'(1992), '토머스 크라운 어페어', '아이 하트 헉커비스'는 모두 마그리트의 <사람의 아들>을 참고했다.

"나는 실제로 테이블을 그리는 것이 아니라 그것이 내게 불러일으키는 감정을 그린다."

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양복재단사인 레오폴 마그리트와 모자 상인인 아들린 사이에서 장남으로 태어난 르네 마그리트의 어린 시절은 어머니의 비극적인 죽음이 큰 부분을 차지하고 있었다. 1912년에 아들린은 샹르브 강에 몸을 던져 자살했는데, 어린 마그리트는 어머니의 시체를 강에서 건져내는 과정을 모두 지켜보았다. 드레스 자락으로 얼굴이 덮인 채 강물 위에 떠 있었던 어머니의 이미지는 마그리트의 머릿속에 각인이 되어, 그가 나중에 작품들을 제작하는 데 많은 영향을 끼쳤다.

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오벨리스크가 있는 베니스의 전경 (아스날의 입구)

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오벨리스크가 있는 베니스의 전경 (아스날의 입구)

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나비 잡는 고양이

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이안^*^- 빨간 치마를 장미꽃으로 표현해서 아름답고 멋있다. (에바알머슨의 For you)

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개요 에바 알머슨은 스페인 출신의 화가로 둥그스름한 얼굴에 파마머리를 한 여성 캐릭터를 주인공의 일상의 순간을 묘사함으로써 삶의 즐거움과 소중함을 일깨우는 작품을 그리는 예술가이다. 그녀는 회화, 판화, 조각, 설치, 디자인 용품 등으로 작품을 제작하고 많은 아트 콜라보레이션을 진행하여, 그녀의 작품은 사람들의 삶 깊숙이 자리잡고 사랑 받고 있다. • 본명 : Eva Armisen • 국적 : 스페인 • 활동분야 : 유화, 판화, 도서/채색기록물 • 사조 : 서양 현대 • 주요작품   - For You(2012년)   - Walking(2007년) 생애 및 작품 활동 에바 알머슨(Eva Armisen)은 1969년 스페인 사라고사(Zaragoza)에서 태어났다. 어린 시절부터 그림 그리는 것에 흥미를 느낀 알머슨은 바르셀로나 대학교(University of Barcelona)에서 미술을 전공했다. 그리고 네덜란드 암스테르담(Amsterdam)의 리트벨트 아카데미(Rietveld Akademie)에서 회화 훈련을 이어나간 뒤, 스페인의 팔마데마요르카(Palma de Mallorca)에 있는 필라르 호안 미로 재단(Joan and Pilar Miró Foundation)으로부터 지원금을 받았다. 그녀는 1994년 첫 개인전을 열었고 스페인 코카콜라 CF광고를 통해 대중들에게 이름을 알렸다. 이후 그녀는 서울, 로스엔젤레스, 홍콩, 싱가포르, 리스본, 대만, 상해, 멜버른과 같은 세계 주요 도시의 단체전, 미술 박람회, 아트 페어에 참여하거나 개인전을 열면서 국제적인 화가로 성장했다. 알머슨은 현재 바르셀로나의 상트 퀴르제(Sant Quirze)에서 남편 마크 패롯(Marc Parrot)과 함께 살며 활동하고 있다. 그녀는 작품 제작 및 전시, 도서 삽화, 세계 각국의 브랜드와 아트 콜라보레이션 등 다양한 활동을 하고 있다. 알머슨은 일상에서 찾을 수 있는 지극히 평범한 순간들을 포착하여 동화 속 한 장면처럼 그린다. 이를 통해 그녀는 삶의 작고 소박한 순간을 소중히 간직하는 즐거움을 우리에게 상기시키고, 활력 있고 낙천적인 삶을 살 것을 제안한다. 그녀는 둥근 얼굴에 파마머리를 한 여성을 주인공으로 삼아 그녀의 일상, 가족의 모습 등을 그린다. 그녀의 작품 속에 등장하는 인물은 모두 얼굴에 달콤한 미소를 띠고 있고, 화면 전체는 따뜻한 색감으로 이루어져 있다. 알머슨은 복잡한 이야기나 상징적인 도상을 활용하기보다 일상의 모습을 보여줄 수 있는 아주 간단한 도상만을 활용하여 담백한 화면을 구성한다. 이러한 그녀의 작품은 삶의 이야기를 무겁지 않게 전달하여 사랑, 애정, 신뢰, 믿음, 휴식 등 살면서 필요한 태도를 돌아보게 하는 힘을 가지고 있다. 또한 간결한 화면 속에 자신의 일상을 대입해봄으로써 상상의 나래를 펼칠 수 있는 힘을 내포하고 있다. 이러한 그녀의 작품은 남녀노소 나이를 불문하고 많은 이들에게 애호되고 있으며, 삶의 행복과 사랑, 동심을 일깨우는 회화 등의 수식어로 설명되곤 한다. 그녀는 유화와 판화를 가장 많이 사용하여 작품을 제작한다. 아트 콜라보레이션을 하는 경우 실행목적에 따라 조각, 공공 설치, 광고, 영화와 텔레비전 등의 매체를 사용하기도 하며, 그녀의 작품을 프린팅한 디자인 용품을 제작하기도 한다. 알머슨은 국내에선 롯데갤러리, 세종문화회관, 소울 아트 스페이스(Soul Art Space) 등에서 전시를 개최했고, 스킨푸드, 여성 의류브랜드 오즈세컨, 하나은행 등과 콜라보레이션을 했다. 2016년 5월에는 제주도 우도를 방문하고 해녀를 주제로 한 그림을 제작함으로써 해녀가 인류무형 문화유산에 등재되는데 기여했다. 그녀의 해녀 그림은 2016년 고희영 감독의 해녀 다큐멘터리 영화 ‘몰숨’에서 선보여졌고, 2017년 ‘엄마는 해녀입니다’ 책 삽화로도 출간되었다. 그녀의 작품은 서울의 코오롱 그룹, 가나아트파크(Gana Art Park)를 비롯한 전 세계의 미술관, 박물관, 개인 컬렉터에게 소장되어있다. 평가 에바 알머슨은 순수미술과 산업미술을 넘나들며 미술품 애호가부터 일반 대중에게까지 두루 사랑 받는 화가이다. 그녀는 수수하고 담백한 여성 캐릭터를 통해 삶의 이유와 살에 대한 즐거움을 깨닫게끔 하며, 삶에서 사람간의 관계성이 얼마나 중요한 요소인지 인식하게끔 만든다. 그녀의 작품은 사람들에게 이러한 지점들을 느끼게 강요하지 않으며, 그림을 보고 이해하면서 자연스레 떠오르도록 만든다. 이와 같은 알머슨의 작품은 삶에 지치고 힘든 현대인들에게 쉽고도 친절한 작품으로 받아들여지고 있는데, 이는 각종 아트페어에 지속적으로 알머슨의 작품이 출품되고 판매되는 현상으로 나타나고 있다. 단순하고 컬러풀한 알머슨의 작품은 다양한 매체로 제작하는데 유리함에 국내외 다양한 회사들과 아트 콜라보레이션을 통해 생활용품, 문구용품, 포스터 등으로 만들어져 대중들에게 한층 가까이 다가갈 수 있는 장점을 지니고 있다. 알머슨은 비록 우리가 흔히 말하는 예술계의 거장, 대가는 아니다. 그러나 남녀노소, 세대불문 편차 없이 사랑 받는 대중성 높고 따뜻한 작가이며, 자신의 작품을 브랜드화하고 시대의 흐름을 읽을 줄 아는 예술가로 평가할 수 있을 것이다. 참고문헌 • 에바 알머슨 공식 홈페이지 • 세종문화회관 • 변현진, 「에바 알머슨 작품 연구 - 보편성의 미, 미술과 디자인의 탈경계를 중심으로 -」, 한국콘텐츠학회 논문지 16, 한국콘텐츠학회, 2016, PP. 435-447.

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빈센트 반 고흐

아를르의 포룸 광장의 카페 테라스

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아를르의 포룸 광장의 카페 테라스

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제작배경 및 주제 산업 사회로 이행해 가던 19세기 말, 정신적 가치에 대한 열망은 예술가들이 좀 더 적극적으로 인간의 내면 세계를 표현하도록 이끌었다. 특히 네덜란드 화가 빈센트 반 고흐는 자신이 감정적으로 강하게 애착을 느꼈던 풍경이나 자신과 관계 있는 인물과 대상들을 작품의 소재로 삼곤 하였다. <아를르의 포룸 광장의 카페 테라스>가 제작되던 1888년부터 이듬해까지 지속된 이른바 ‘아를르(Alres) 시기’는 15개월 동안 약 200여 점이라는 방대한 작품을 남길 정도로 반 고흐가 활발하게 작품을 창작했던 시기이다. 또한 개인의 주관적인 감정을 강렬한 색채와 임파스토(impasto) 기법으로 표현한 그의 독자적 양식이 확고하게 자리잡은 때로 평가되기도 한다. 반 고흐는 아를르의 포룸 광장(Place du Forum)에 자리한 야외 카페의 밤 풍경을 담은 이 작품을 그리던 무렵부터 밤 중에 작업하기를 즐겼다고 전해진다. <아를르의 포룸 광장의 카페 테라스>를 그리기 얼마 전에는 3일 밤에 걸쳐 자신이 즐겨 찾던 카페 드 라 가르(Café de la Gare)의 실내 정경을 표현한 <아를르의 밤의 카페(The Night Café in Arles)>를 완성했다. 현재 파리 오르세 미술관이 소장하고 있는 <론 강의 별이 빛나는 밤(Starry Night Over the Rhone)>(1888) 역시 이 작품과 같은 달에 그린 것이다. 이와 같은 일련의 밤 풍경화는 9개월 후, 생 레미(Saint-Rémy)의 요양소에서 그린 <별이 빛나는 밤(Starry Night)>(1889)에서 절정을 이루게 된다. 동생에게 쓴 편지에서 반 고흐는 이 그림을 다음과 같이 묘사하고 있다. “푸른 밤, 카페 테라스의 커다란 가스등이 불을 밝히고 있어. 그 위로는 별이 빛나는 파란 하늘이 보여. 바로 이 곳에서 밤을 그리는 것은 나를 매우 놀라게 하지. 창백하리만치 옅은 하얀 빛은 그저 그런 밤 풍경을 제거해 버리는 유일한 방법이지. … 검은색을 전혀 사용하지 않고 아름다운 파란색과 보라색, 초록색만을 사용했어. 그리고 밤을 배경으로 빛나는 광장은 밝은 노란색으로 그렸단다. 특히 이 밤하늘에 별을 찍어 넣는 순간이 정말 즐거웠어.” 이어서 그는 “기 드 모파상(Guy de Moupassant, 1850-1893)의 소설 『벨 아미(Bel Ami)』(1885)는 대로의 밝게 빛나는 카페들과 함께 파리의 별이 빛나는 밤에 대한 묘사로 시작되는데, 이 장면은 내가 방금 그린 것과 거의 같은 거야”라고 덧붙이기도 했다. 표현기법 반 고흐의 회화의 여러 특징들 가운데 하나는 색채가 형태나 구성에 종속되지 않고 개인의 감정이나 대상의 아름다움을 직접적으로 전달한다는 점이다. 그는 눈 앞에 있는 것을 똑같이 재현하기 보다는 자신의 감정을 강하게 표현하기 위해서 주관에 따라 색채를 사용하였다. 이 작품의 경우에도 검은색을 전혀 사용하지 않고 밤 풍경을 표현하고 있으며, 레몬 빛깔에 가까운 노란색으로 카페의 차양을 채색하고 있다. 또한 테라스의 가스등에서 퍼져 나오는 황금색의 불빛은 마치 보호벽처럼 사람과 주변을 노랗게 물들이고 있고, 벽돌 바닥을 따라 늘어진 카페의 파사드는 푸른빛으로 가스등의 빛을 반사한다. 이처럼 짙은 파란색과 밝은 노란색의 강렬한 색채대비는 물리적 세계에서 느껴지는 주관적인 감정을 가장 중요하게 여겼던 그의 철학을 엿보게 해준다. 나아가 거리의 집들을 묘사할 때에 원근의 법칙에 얽매이지 않는다든지 실제보다 형태를 과장되게 묘사하는 점, 그리고 두꺼운 물감으로 서둘러 그린 듯한 인물의 표현법 또한 눈에 띈다. 이를 통해 반 고흐가 독자적인 색채 사용과 개성적인 형태를 통해 자신이 사랑했던 것들과 그의 격정적인 내면 세계를 가장 적절하게 드러낼 수 있는 새로운 회화의 법칙을 찾고자 했음을 짐작할 수 있다. 무엇보다 그가 색채나 선 같은 여러 조형 요소를 표현하는 방식에는 회화의 2차원적 특징이 고스란히 드러난다. 이는 그가 앞선 화가들이 중요하게 여겼던 환영적인 공간 묘사에 대한 압박에서 벗어나 회화가 개인의 생각이나 심리적 상태를 보다 자유롭게 표현해주는 수단이 될 수 있다는 것을 인식하고 있었음을 알려준다.

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15세기경, 패널에 유채로, 크기는 77x53cm이며 프랑스 파리의 루브르 박물관(musée du Louvre)에 있다.

레오나르도 다 빈치(Leonardo da Vinci, 1452-1519)의 걸작, <모나 리자(La Joconde, portrait de Monna Lisa)>(15세기경)는 세계에서 가장 유명한 초상화 중 하나이지만, 언제, 누구를 모델로 하여 그려진 것인지에 대해서는 정확하게 알려진 바가 없다. 이는 레오나르도가 작품에 서명을 하지 않았고, 기록들, 예를 들어 주문서와 같은 것도 전해지고 있지 않기 때문이다. 따라서 미술사가들은 이 작품에 대해 서술하고 있는 가장 이른 기록인 바자리(Giorgio Vasari, 1511- 1574)의 저작, 『미술가 열전 (Le Vite de Piu Eccelenti Pittori. Scultori et Architeili Italiani)』(1550)에 근거하여 작품 속 여인의 신원을 추정했다.

이 책에서 바자리는 시터(sitter), 즉 초상화의 모델이 피렌체의 부유한 상인인 조콘도(Francesco del Giocondo, 1465-1538)의 부인 리자(Lisa del Giocondo, 1479-1551 또는 1552년경)라고 기록하고 있다. 이에 근거하여 이 작품은 '리자 부인'이라는 뜻의 <모나 리자(Monna Lisa, 여기서 '모나'는 '마돈나(Madonna)'의 준말로, '부인'을 뜻함)>라 불리게 되었다. 그러나 이 초상화가 왜 주문자에게 인도되지 않고 작가의 소장품으로 남아 있다가 후일 프랑스 왕실 소장품이 되었는지는 여전히 수수께끼로 남아 있다.

신원이 명확히 밝혀지지 않은 작품 속 여인의 신비로움은 그의 미소에 의해 더욱 고조된다. 여인의 미소를 묘사하기 위해 레오나르도는 '스푸마토(sfumato)'라는 기법을 사용했다. '스푸마토'란 이탈리아어로 '흐릿한' 또는 '자욱한'을 뜻하는 말로, 인물의 윤곽선을 일부러 흐릿하게 처리해 경계를 없애는 방법이다. 레오나르도는 특히 여인의 입 가장자리와 눈 꼬리를 스푸마토 기법으로 묘사함으로써 여인의 미소를 모호하지만 부드럽게 보이도록 만들었다.

이러한 모호함과 신비로움은 여인의 미소뿐만 아니라 배경에서도 드러난다. 레오나르도는 인물 뒤 풍경을 묘사하면서 대기원근법(aerial perspective)을 사용하고 있는데, 대기원근법이란 사물들 간의 관계를 기하학적으로 계산해 배치하는 선원근법(linear perspective)과 달리, 색채의 조정을 통해 대기의 효과를 묘사함으로써 공간감을 표현하는 방식이다. 이 작품에서 레오나르도는 가까운 곳의 풍경은 붉은 색조를 사용해 비교적 명확하게 묘사한 반면, 먼 곳의 풍경은 청색조를 사용하고 윤곽선을 흐릿하게 묘사함으로써 작품 속에서 공간이 뒤로 물러나는 듯 보이게 하는 효과를 거두고 있다.

두 손을 앞으로 모으고 화면 밖을 주시하고 있는 여인의 상체는 화면에서 안정적인 삼각형 구도를 이루고 있다. 그러나 여인의 몸은 약간 오른쪽으로 틀어져 있어서 관람자가 보는 위치에 따라 조금씩 달라 보이는 듯한 느낌을 준다. 이러한 느낌은 배경에 묘사된 풍경에 의해 더욱 강화되는데, 이는 인물 좌우의 풍경 속 지평선이 서로 다른 것처럼 보이도록 그려졌기 때문이다. 레오나르도는 강이 흘러나가는 물길을 표현하면서 마치 인물 오른쪽의 지평선이 더 높은 것과 같은 착각을 불러 일으키도록 묘사함으로써 그림의 왼편에서 인물을 관찰할 때와 오른편에서 인물을 관찰할 때의 느낌이 다르도록 만들었다.

이러한 풍경은 이상화된 관념적인 자연의 모습이 아니라, 실제 자연에서 관찰되는 지리학적인 특징들을 충실히 반영한 것이다. 그러나 레오나르도는 풍경을 구성하는 요소들과 머리카락과 의복의 선과 같은 인물을 묘사하는 요소들을 서로 조화되도록 배치함으로써 배경과 인물을 통합하고 있다.

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15세기경, 패널에 유채로, 크기는 77x53cm이며 프랑스 파리의 루브르 박물관(musée du Louvre)에 있다. 주제 레오나르도 다 빈치(Leonardo da Vinci, 1452-1519)의 걸작, <모나 리자(La Joconde, portrait de Monna Lisa)>(15세기경)는 세계에서 가장 유명한 초상화 중 하나이지만, 언제, 누구를 모델로 하여 그려진 것인지에 대해서는 정확하게 알려진 바가 없다.

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클로즈업된 한쪽 눈과 각막 위로 구름 뜬 하늘 이미지가 투사된 <잘못된 거울>은 르네 마그리트가 연작으로 제작할 만큼 애착을 보였다(세간에 널리 알려진 작품은 왼쪽 눈을 그린 1928년 그림이다). 눈 그 자체에 집중한 이 작품은 그림이 보는 행위와 직결된다는 점에 착안한 듯하다. 3차원 대상물을 2차원 화면 위로 옮겨놓는 그림의 1차 책무는 보는 이의 육안을 속이는 것을 전제로 한다. <잘못된 거울>에서 눈은 사물을 보는 적극적 기능보다 사물을 수동적으로 반사하는 거울의 기능으로 축소되어 나타난다. 수동적으로 반응하는 눈의 지위를 부각시킨 까닭은, 착시를 통해 그림이 온전히 감상될 수 있는 우리의 지각 메커니즘을 폭로하려던 것은 아닐까. 한편 이 작품의 제작에 초현실주의자인 사진가 만 레이와 마그리트 사이의 교분이 영감을 주었으리라는 설도 있다. 둘이 교류하던 당시 만 레이의 작업실에 거대한 눈 사진이 걸려있었다는 것이다. 그래서인지 <유리 눈물>(1930-1933)이란 사진 작업으로 유명한 만 레이는 <잘못된 거울>의 1928년 버전을 1933년부터 1936년 사이에 소장하고 있었던 것으로 알려진다.

<잘못된 거울>과 관련한 흥미로운 또 다른 일화도 전해진다. 미국의 대표적인 방송사 CBS의 로고를 이 작품에서 따왔다는 사실이다. 눈 모양을 형상화한 CBS의 회사 로고는 그 때문에 시청자들에게 종종 '눈 네트워크'라는 애칭으로 불린다. 그런데 1951년 윌리엄 골든이 디자인한 이 회사의 로고는 마그리트의 그림처럼 구름이 떠다니는 하늘을 배경으로 눈을 약호화했다. 더구나 그 당시 <잘못된 거울>은 뉴욕 현대미술관에서 전시 중이었는데, CBS 뉴욕 사옥이 현대미술관으로부터 고작 한 블록 떨어진 곳에 있었다. 이 사실을 알고 대로한 마그리트는 자신의 변호사 해리 토치너와 이미지 무단 사용에 대한 법적 대응을 논의했다. CBS는 결국 회사 로고의 배경에 있는 구름 뜬 하늘 이미지를 제거하면서 논란을 잠재워야 했다.

글

반이정/미술 평론가
미술평론가. 등에 미술평론과 시평을 고정 연재한다. 의 미술 고정 패널 출연했다. 중앙미술대전 심사위원 동아미술제 심사위원 에르메스 재단 미술상 추천위원 등을 역임했고, 서울대 홍익대 중앙대 산업대 등에 출강한다. 자전거 마니아로도 널리 알려졌다. 많은 매스컴이 우수도서로 선정한 (월간미술 2006년)외에 여러 공저를 집필했다. 네이버 파워블로거에도 선정된 반이정의 거처는 dogstylist.com

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클로즈업된 한쪽 눈과 각막 위로 구름 뜬 하늘 이미지가 투사된 <잘못된 거울>은 르네 마그리트가 연작으로 제작할 만큼 애착을 보였다(세간에 널리 알려진 작품은 왼쪽 눈을 그린 1928년 그림이다). 눈 그 자체에 집중한 이 작품은 그림이 보는 행위와 직결된다는 점에 착안한 듯하다. 3차원 대상물을 2차원 화면 위로 옮겨놓는 그림의 1차 책무는 보는 이의 육안을 속이는 것을 전제로 한다.

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르네마그리트의 심금

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르네 마그리트의 작품 앞에 선 관람객이 당혹감을 느끼는 이유는 캔버스에 등장하는 사물이 일상에서 쉽게 볼 수 있는 것이기 때문이다. 이 캔버스에 등장하는 대상은 유리잔과 구름, 그리고 산과 강이 있는 풍경이다. 이 모든 요소는 누구나 쉽게 접하고, 느끼며, 볼 수 있다. 그러나 그것들이 이와 같이 조합되는 순간, 각 사물이 어떻게 관계하고 있는지에 대한 의문이 일어 당혹감을 느끼는 것이다. 게다가 구름이 얹혀진 유리잔은 현실에서 쉽게 발견할 수 없는 것으로 일종의 신비감을 느끼게 한다. 소인국 풍경에 등장한 거인국 사물을 보는 것처럼 말이다.

이러한 작품 앞에서 당혹감을 느끼는 이유는 유리잔의 크기와는 상관없다. 구름만한 유리잔을 만드는 것은 물리적으로 아예 불가능하지 않기 때문이다. 다만 유리잔이 있어야 할 그 장소가 구름의 밑이기 때문에 당혹감이 느껴진다. 그러기에 익숙했던 유리잔이 정말 유리잔일까 하는 의문마저 든다. 낯설다.

이처럼 어떤 사물을 본래의 위치에서 떼어내 다른 맥락이나 상황에 놓아 충격 효과를 내는 것을 데페이즈망(dépaysement) 기법이라고 한다. 초현실주의의 선구자인 시인 로트레아몽이 "재봉틀과 우산이 병원 해부대 위에서 뜻하지 않게 만나는 아름다움"이란 표현을 썼는데 이는 '낯설게 하기'가 가지는 심리적 요동상태를 가장 적절하게 보여준다. 즉 낯익은 재봉틀이나 우산이 병원 해부대에 놓여있는 상황도 실제 가능하긴 하지만 막상 그것이 그 위에 놓여 있을 때 얼마나 황당함을 느끼겠는가? 마찬가지로 <심금>의 유리잔이 부엌이나 식당의 테이블 혹은 식기를 모아두는 장소가 아닌 평온한 전원의 구름 밑에서 발견되었을 때 누구나 정상적인(?) 상황은 아닐 것이라 생각하게 된다. 바로 이때 초현실을 경험하게 된다. 꿈속에서나 볼 수 있을 것 같다. 그러면서 관람객의 무의식이 자극 받는 것이다.

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르네 마그리트의 작품 앞에 선 관람객이 당혹감을 느끼는 이유는 캔버스에 등장하는 사물이 일상에서 쉽게 볼 수 있는 것이기 때문이다. 이 캔버스에 등장하는 대상은 유리잔과 구름, 그리고 산과 강이 있는 풍경이다. 이 모든 요소는 누구나 쉽게 접하고, 느끼며, 볼 수 있다. 그러나 그것들이 이와 같이 조합되는 순간, 각 사물이 어떻게 관계하고 있는지에 대한 의문이 일어 당혹감을 느끼는 것이다.

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아를의 별이 빛나는 밤빈센트 반 고흐가 주고 받았던 서신들을 살펴보면, 그가 얼마나 ‘밤의 효과’에 매료되어 있었는지를 잘 알 수 있다. 그는 프랑스 남부 지방의 아름다운 밤 풍경과 별이 무수히 빛나는 하늘을 무척 좋아했다. 1888년 9월, 아를에서 작성한 편지 속에서 그는 ‘별을 그리기 위해 밖으로 나갈 것’이라고 적기도 했다. ‘캄캄한 어둠이지만 그조차도 색을 가지고 있는’ 밤의 풍경을 화폭에 담기 위하여 반 고흐는 일종의 예술적인 도전을 시도하게 되었다. 그는 론 강가에서 밤의 빛, 그리고 빛이 투영된 물그림자를 통해 단순하면서도 복잡한 구성을 발견하게 되었고, 하늘과 땅, 물과 같은 요소들에 자신의 미적 확신을 부여했다.

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별

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아를의 별이 빛나는 밤

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빈센트 반 고흐가 주고 받았던 서신들을 살펴보면, 그가 얼마나 ‘밤의 효과’에 매료되어 있었는지를 잘 알 수 있다. 그는 프랑스 남부 지방의 아름다운 밤 풍경과 별이 무수히 빛나는 하늘을 무척 좋아했다. 1888년 9월, 아를에서 작성한 편지 속에서 그는 ‘별을 그리기 위해 밖으로 나갈 것’이라고 적기도 했다. ‘캄캄한 어둠이지만 그조차도 색을 가지고 있는’ 밤의 풍경을 화폭에 담기 위하여 반 고흐는 일종의 예술적인 도전을 시도하게 되었다. 그는 론 강가에서 밤의 빛, 그리고 빛이 투영된 물그림자를 통해 단순하면서도 복잡한 구성을 발견하게 되었고, 하늘과 땅, 물과 같은 요소들에 자신의 미적 확신을 부여했다. 이 작품 속에서 밤하늘은 많은 부분을 차지하고 있다. 코발트 블루로 채색된 하늘은 다소 즉흥적인 방식으로 넓은 붓에 의해 강렬하게 칠해졌다. 수평 방향으로 넓게 칠해진 붓 터치는 왼쪽에서 오른쪽으로, 그리고 약간 위쪽으로 향해 있는데, 이를 통해 반 고흐의 작업 과정을 알아볼 수 있다. 북두칠성을 포함하고 있는 큰곰자리 모티프는 밤하늘에 넓게 자리잡고 있는데, 방사형으로 칠한 별의 가운데 부분에 흰색 물감을 튜브에서 직접 짜내어 바름으로써 하이라이트 효과를 주었다. 이렇게 운집되어 있는 밤하늘의 별무리들 중에서 몇 개는 마치 꽃과 같은 모양으로 생생하게 그려져 있음을 알 수 있다. 작품의 밑그림은 지금 보는 모습과는 달랐다. 전경에 위치한 강의 둑은 거의 수평에 가까웠는데, 프랑스 미술관 연구소에서 조사한 결과에 따르면, 반 고흐는 다양한 단계를 거쳐 풍경을 구상하고 변형시키는 작업을 했다고 한다. 특히 이 작품의 X선 촬영 사진을 보면, 이 최종 작품의 표면에 그려진 모티프들이 최초 상태에서는 조금 다른 양상을 띠고 있음을 알 수 있다. 또한 작품을 수정하기 위해 일정 질감의 두께로 물감을 칠한 붓 터치의 변화된 방향도 확인할 수 있다. 왼쪽에 그려진 두 척의 배는 작업 첫 번째 단계의 마지막에 그려졌는데, 이 사실은 돛대를 이루고 있는 수직의 긴 선이 아래쪽 물감이 채 마르기 전에 그려졌다는 흔적을 통해 확인되었다. 또한 물에 비친 빛을 표현한 가로 방향의 붓 터치들을 흩어 놓는 살짝 긁힌 흔적들도 발견되고 있는데, 이 효과는 반 고흐가 가지고 있었던 값비싼 도구였을 붓의 자루, 혹은 갈대에 의해 구현되었을 것으로 추측할 수 있다. 연인처럼 보이는 채색된 두 인물의 실루엣은 마치 부조처럼 표현되었다. X선 촬영 사진을 통해 이를 좀 더 쉽게 확인할 수 있는데, 이 인물들은 가는 붓을 이용하여 촘촘하고 수직적인 떨리는 붓 터치로 칠해졌다. 그 아래 감춰져 있는 다른 모티프가 없다는 사실을 통해, 반 고흐가 처음부터 이 인물들을 작품 속에 그려 넣기로 계획했었음을 알 수 있다. 작품 위에 비스듬하게 빛을 비추어 보면, 이 인물들은 가벼운 물감의 층을 형성하여 부조처럼 도드라져 있다. 그의 밤 풍경 속에서, 여인이 들고 있는 가스등에서 새어 나오는 불빛을 받고 있는 여인의 치마 부분만이 붉은색의 가벼운 터치로 생생하게 채색되었는데, 이 붉은색은 전체적으로 제한된 색들 속에서 배경 전체의 분위기를 고조시키는 역할을 하고 있다. 한편 반 고흐는 1888년 9월에 그렸던 작품의 원래의 배치를 변형하게 되었다. 첫 번째 완성 버전에서는 앞서 언급했듯이 론 강 연안의 모습이 보다 곧게 그려져 있었다. 단단하고 두꺼운 물감의 질감 밑에 가려져 있는 흔적은 물결의 아랫부분에서 더욱 선명하게 드러나고 있는데, 이는 첫 번째로 칠했던 물감이 완전히 마른 후에 반 고흐가 수정을 했음을 알려주고 있다. 따라서 첫 번째 완성 버전을 그렸던 시기와 이후 수정을 하여 최종 버전이 완성된 시기 사이에는 어느 정도 시간적인 간격이 존재하고 있음을 확인할 수 있다. 이렇듯, 지금 전시된 최종 완성 버전은 몇 달 후인 1889년 봄에 완성되었을 것으로 추측된다. 5월 초에 반 고흐는 이 작품을 《앙데팡당전》에 출품해 줄 동생 테오에게 보내면서, 편지 속에 “최근에 이 작품을 수정했다.”라는 내용을 적어 보내기도 했다. 애초에 반 고흐가 잡았던 이 작품의 초점은 화폭의 강둑의 입구 쪽으로 둑과 지평선이 한 점으로 모이는 지점이었다. 이 최종 완성 작품 속에서는 그가 원했던 것처럼 구성의 균형을 유지하고 주의를 빛과 하늘 쪽으로 이동시켜 초점이 재조정되었다. 자연의 빛과 인공의 빛을 결합하고자 했던 그는 강가가 이루는 곡선 위로 노란색 붓 터치를 이용하여 일정 간격으로 작은 불빛들을 찍어 표현함으로써, 아를이라는 도시를 떠올리게 하는 빛나는 요소를 작품 속에 투영했다. 비평가 루이 반 틸보르그의 정확한 표현을 빌자면, 반 고흐는 하늘에 비현실적이고 환상적인 분위기를 창조하기 위하여 전경의 땅을 축소시킴으로써 이 작품 속에서 ‘무한의 공간(하늘)에 대한 은유’를 창조했다고 할 수 있다.

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스페인 태생의 예술가 파블로 피카소는 근대적 미술의 토대를 세운 입체주의의 창시자, 그리고 회화, 조각, 공예 등을 다룬 팔방미인 창작자이며, 다작의 예술가로 알려져 있다. 거기에 더해 그에게 늘 따라붙는 또 다른 작위는 분방한 여성 편력이다. 〈꿈〉은 피카소가 프랑스 여인 마리 테레즈의 22세 때 모습을 화폭에 담은 것이다. 마리 테레즈와 피카소가 처음 만난 시점은 피카소가 첫 부인 올가와 여전히 결혼 생활을 하던 1927년으로 그 당시 테레즈의 나이는 고작 17세였고 피카소는 45세였다.

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스페인 태생의 예술가 파블로 피카소는 근대적 미술의 토대를 세운 입체주의의 창시자, 그리고 회화, 조각, 공예 등을 다룬 팔방미인 창작자이며, 다작의 예술가로 알려져 있다. 거기에 더해 그에게 늘 따라붙는 또 다른 작위는 분방한 여성 편력이다. 〈꿈〉은 피카소가 프랑스 여인 마리 테레즈의 22세 때 모습을 화폭에 담은 것이다. 마리 테레즈와 피카소가 처음 만난 시점은 피카소가 첫 부인 올가와 여전히 결혼 생활을 하던 1927년으로 그 당시 테레즈의 나이는 고작 17세였고 피카소는 45세였다.

〈꿈〉은 피카소가 입체주의 시기를 벗어나 고전주의 시기에 들어서서 제작한 것이다. 다소 이국적인 벽지 무늬와 온통 원색으로 범벅이 된 여인의 인체는 프랑스 야수주의 회화를 연상하게 한다. 그렇지만 이 그림은 여인 좌상이라는 고전적 주제를 고수하면서도 여인의 얼굴, 팔, 가슴을 평면으로 분할하고 재구성하여 입체주의의 건재함을 과시하고 있다. 이 그림을 제작할 당시 기혼자 신분이던 피카소는 이 어린 소녀를 향한 성적 욕망으로 충만한 상태였을 것으로 추측할 수 있다. 그래서 혹자는 얼굴이 기울어진 여인의 기다란 콧대를 경계로 왼편 뺨과 눈 부위의 연보랏빛 채색면에서 발기한 남성기의 형체를 찾아내기도 한다(자세히 보면 정말 닮기는 했다). 그림이 완성되고 2년이 지난 1935년 테레즈는 피카소의 아이를 임신한다.

이 작품은 피카소 사후에도 몇 차례 구설에 오르며 유명세를 이어갔다. 그 첫째는 1997년 크리스티 경매에서다. 당시 4,840만 달러(한화 약 500억 원)에 낙찰되어 당시로써는 6위로 비싸게 거래된 작품으로 기록된 것이다. 둘째 논란은 2006년 이 그림의 소유주인 카지노 재벌 스티브 윈이 그만 '실수로'(?) 자신의 발꿈치로 그림을 세게 치는 바람에 그림 속 테레즈의 왼쪽 팔뚝 부위가 무려 6인치 가량이 찢기는 사고가 발생한 것이다. 미국의 시사지 『뉴요커』는 이 사건을 두고 「4,000만 달러의 발꿈치」라는 기사를 내보내기도 했다. 작품에 구멍을 낸 당사자인 스티브 윈이 운영하는 '윈 라스베이거스' 카지노에서 제공하는 쇼의 제목은 피카소의 작품명을 그대로 딴 〈꿈〉이다.

글

반이정/미술 평론가
미술평론가. 등에 미술평론과 시평을 고정 연재한다. 의 미술 고정 패널 출연했다. 중앙미술대전 심사위원 동아미술제 심사위원 에르메스 재단 미술상 추천위원 등을 역임했고, 서울대 홍익대 중앙대 산업대 등에 출강한다. 자전거 마니아로도 널리 알려졌다. 많은 매스컴이 우수도서로 선정한 (월간미술 2006년)외에 여러 공저를 집필했다. 네이버 파워블로거에도 선정된 반이정의 거처는 dogstylist.com

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스페인 태생의 예술가 파블로 피카소는 근대적 미술의 토대를 세운 입체주의의 창시자, 그리고 회화, 조각, 공예 등을 다룬 팔방미인 창작자이며, 다작의 예술가로 알려져 있다. 거기에 더해 그에게 늘 따라붙는 또 다른 작위는 분방한 여성 편력이다. 〈꿈〉은 피카소가 프랑스 여인 마리 테레즈의 22세 때 모습을 화폭에 담은 것이다.

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모든 것을 금으로 만들어서 멋있고 아름답다.(구스타프클림트의 바우어의 초상)

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빈센트 반 고흐의 해바라기

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어린이/학생백과, 동물/식물, 건강, 역사, 자연과학, 인문과학, 미술작품, 비주얼사전 등 전문가들이 정리한 지식을 제공하는 종합백과서비스

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르네 마그리트의 작품 앞에 선 관람객이 당혹감을 느끼는 이유는 캔버스에 등장하는 사물이 일상에서 쉽게 볼 수 있는 것이기 때문이다. 이 캔버스에 등장하는 대상은 유리잔과 구름, 그리고 산과 강이 있는 풍경이다. 이 모든 요소는 누구나 쉽게 접하고, 느끼며, 볼 수 있다. 그러나 그것들이 이와 같이 조합되는 순간, 각 사물이 어떻게 관계하고 있는지에 대한 의문이 일어 당혹감을 느끼는 것이다. 게다가 구름이 얹혀진 유리잔은 현실에서 쉽게 발견할 수 없는 것으로 일종의 신비감을 느끼게 한다. 소인국 풍경에 등장한 거인국 사물을 보는…

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신윤복(1758~?)은 조선시대를 대표하는 풍속화가이다. 그의 작품들이 널리 알려진 것에 비해 신윤복 본인에 관한 기록은 거의 남아 있지 않다. 당시 풍속화가들이 풍경이나 사회의 모습을 다루었다면 신윤복은 인물들의 인간적 모습에 주목해 파격적인 장면들을 담았다. 양반들의 유흥이나 곱게 화장했지만 어딘가 슬퍼 보이는 기생들, 연애하는 남녀 등을 마치 사진을 찍은 듯 자연스럽고 선명한 색채로 표현했다. 신윤복은 증조부와 아버지 신한평(申漢枰)에 이어 3대째 도화서 화원이 되었지만 어디에도 얽매이지 않고 자유롭게 그림을 그리기 위해 화원생활을 그만두었다고 전해진다. 조선의 선비들은 마음수양에 방해가 된다고 생각하여 화려한 색을 선호하지 않았기 때문이다. 그래서 당시에는 수묵으로 그리는 사군자나 산수화가 대세였다. 화려한 색채를 구사했던 신윤복으로서는 소재 선정부터 표현방법까지 맞지 않았던 것이다. 신윤복의 작품은 당시에는 인정받지 못하다가 20세기에 들어와서 각광받기 시작했다. 화면구성이나 다양한 색채 표현 등 현대적인 감각이 돋보이고 남성 중심의 사회에서 여인을 주요 소재로 삼아 아름답게 표현했다는 점 등에서 시대를 뛰어넘은 예술가의 기질을 찾을 수 있다. 대표작으로는 <미인도>와 『혜원풍속화첩(혜원전신첩)』이 꼽힌다. 간송미술관 소장품으로 국내뿐 아니라 해외 전시를 통해 외국에도 잘 알려진 그림이다. <미인도>는 한양의 풍류 생활을 주도하던 어떤 아리따운 기생의 초상화이다. 여인은 여체의 관능미를 유감없이 드러내는 자태로 조선시대 여인의 아름다움을 잘 표현한 작품으로 평가된다.

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1888년, 반 고흐(Vincent Van Gogh, 1853-1890)는 프랑스 남부에 위치한 아를(Arles)에서 화가 공동체를 실현시키고자 했다. 반 고흐가 꿈 꾸는 화가 공동체란 여러 명의 화가가 한 공간에 모여 작품 토론도 하고 작품활동도 하는 것이었다. 반 고흐는 아를에 도착한 뒤 한동안 호텔에 머물다 라마르틴 광장(Place Lamartine)에 있는 집을 빌렸다. '노란집(Yellow House)'이라 불리는 이 곳에서 반 고흐는 다른 화가들과 함께 생활하길 원했다.

반 고흐는 동료화가들 중 특히 평소에 존경하던 고갱(Eugène Henri Paul Gauguin, 1848-1903)과 함께 하고 싶었다. 그는 5월부터 무려 5달 동안 고갱에게 편지를 썼고, 그의 동생 테오도르 반 고흐(Theodore Van Gogh, 1857-1890) 또한 고갱을 아를로 부르기 위해 노력했다. 긴 설득 끝에 고갱은 아를의 '노란 집'에 올 것을 약속했고 반 고흐는 그와 함께 생활할 보금자리를 정성스럽게 꾸미기 시작했다. 평소 해바라기 꽃을 유달리 좋아했던 반 고흐는 그들의 화실을 노란색의 해바라기로 가득 채우고 싶었다. 그러나 화실 전체를 해바라기로 장식하고자 했던 첫 계획과는 달리 반 고흐는 연작 중 잘 된 작품 두 점만을 고갱이 쓸 방에 걸어두었다. 1888년 완성된 12송이의 해바라기가 그려진 <해바라기>는 8월에 고흐가 그린 <해바라기>연작 중 하나이다.

반 고흐는 선보다는 색채를 중시한 몽티셀리(Adolphe Joseph Thomas Monticelli, 1824-1886)를 들라크루아(Ferdinand Victor Eugène Delacroix, 1798-1863)의 정신을 계승한 색채의 대가로 생각했다. 반 고흐는 특히 몽티셀리의 정물화에 영향을 받았다. 그의 정물화는 강렬한 색채와 두꺼운 붓 터치로 인한 질감표현이 특징이다. 반 고흐는 몽티셀리의 화풍을 수용해 화병에 꽂힌 꽃들을 그리기 시작했다. 이 그림에서 우리는 화병에 꽂혀 있는 12송이의 해바라기를 볼 수 있다. 반 고흐는 동생 테오에게 보낸 편지에 '해바라기는 빨리 시들어버리기 때문에 나는 매일 아침 일찍부터 황혼이 올 무렵까지 해바라기를 그린다'라 적고 있다. 그래서일까? 그림 속 해바라기는 제각각 다른 모습이다. 어떤 해바라기는 활짝 피어있으나 또 다른 해바라기는 바닥을 향한 채 시들어가고 있다. 상상의 세계가 아닌 실제 보이는 것을 재빠르게 그려낼 때 포착 가능한 시간의 흐름을 이 작품에서 느낄 수 있다.

반 고흐는 고갱과 함께 머물 집을 "파란색과 노란색의 심포니" 구도를 가진 장식적인 해바라기들로 꾸미고 싶었다. 반 고흐는 평소 색채 효과에 지대한 관심을 가지고 있었고 이를 작품에 적용하고자 했다. 보색대비에 의한 색채효과를 선호한 반 고흐는 희미한 말라카이트 그린부터 로열 블루까지 다양한 푸른색을 배경으로 따뜻한 노란색의 해바라기를 그리고자 했다. 해바라기의 노란색은 반 고흐가 개인적으로 좋아한 색이기도 하다.

베르나르(Émile Bernard, 1868 -1941)는 태양의 색깔을 닮은 해바라기의 노란 빛을 "반 고흐가 회화에서뿐만 아니라 마음 속에서도 꿈꿔왔던 빛"이라 말했다. <해바라기>란 작품을 살펴보면, 한 화면에 노란색의 해바라기와 대비를 이루는 옅은 녹색을 배경을 배치함으로써 그가 원했던 장식적인 효과를 얻고 있음을 볼 수 있다. 또한 반 고흐 특유의 임파스토(impasto: 유화물감을 두껍게 칠하여 그림을 그리는 것을 이르는 말)기법은 화병의 꽃들을 실제 꽃들처럼 생생한 질감을 부여하고 있다.

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제작배경 1888년, 반 고흐(Vincent Van Gogh, 1853-1890)는 프랑스 남부에 위치한 아를(Arles)에서 화가 공동체를 실현시키고자 했다. 반 고흐가 꿈 꾸는 화가 공동체란 여러 명의 화가가 한 공간에 모여 작품 토론도 하고 작품활동도 하는 것이었다. 반 고흐는 아를에 도착한 뒤 한동안 호텔에 머물다 라마르틴 광장(Place Lamartine)에 있는 집을 빌렸다.

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르네 마그리트의 위대한 가족

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창공을 나는 새? 새 모양의 창공? 앙리 마쇼는 <위대한 가족>을 보고 "넓은 하늘 아래 하늘을 가로질러 나는 새"라고 말했다. 새와 하늘은 연관되어 있는 것처럼 보인다. 보통 새는 하늘을 나니까. 그러나 좀더 생각해보면 이 둘은 엄밀히 어떤 관계도 맺고 있지 않다. 새는 새일 뿐이고 하늘은 하늘일 뿐이니깐. 이 작품에서 새는 존재하는 듯, 존재하지 않는다. 그러나 관람객은 으레 새를 떠올린다.

이처럼 부재하는 것(새)이 실재한다(새 모양의 하늘)는 생각은 우리의 습관과도 같은 인식의 태도에서 연유한다. 르네 마그리트는 이 작품을 통해 하나의 사물이 두 개의 사물로 인식될 수 있다는 점을 보여줌으로써 우리의 인식 태도에 의문을 던진다. 이런 효과를 극대화하기 위해 마그리트는 교묘하게도 아주 일상적인 사물을 제시한다. 그렇기에 관람자는 감각기관을 이용해 얻은 정보를 바탕으로 인식하여 '참'이라고 믿었던 일련의 행위에 대해 돌아보게 되는 계기를 얻는다. 이처럼 마그리트는 어떤 존재든 고정된 것이 아니라고 생각했다. 그렇기에 모든 이미지는 역동성을 가진다고 보았고 그것을 캔버스에 표현하려 했다. 그래서 내부와 외부가 함께 존재하는 이중적 이미지를 보여주기도 했다. 하나의 사물에 잠재하는 또 다른 성질, 즉 이중성을 보여주는 것이다.

여기서 하나 더 생각할 수 있는 점은 하늘을 보는 행위와 새를 보는 행위가 동시에 캔버스에서 일어난다. 이렇게 되면 시간을 두고 순차적으로 일어나야 할 사건이 동시에 일어나게 되어 시간의 절대성이 희미해지는 효과도 낳는다. 이는 바다를 배로 표현한 작품(<유혹자>)이나 꽃다발 속의 풀밭을 그린 작품(<표절>)에서 느끼는 효과와 같은 맥락으로 이해된다.

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창공을 나는 새? 새 모양의 창공? 앙리 마쇼는 <위대한 가족>을 보고 "넓은 하늘 아래 하늘을 가로질러 나는 새"라고 말했다. 새와 하늘은 연관되어 있는 것처럼 보인다. 보통 새는 하늘을 나니까. 그러나 좀더 생각해보면 이 둘은 엄밀히 어떤 관계도 맺고 있지 않다. 새는 새일 뿐이고 하늘은 하늘일 뿐이니깐. 이 작품에서 새는 존재하는 듯, 존재하지 않는다.

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[ 1. 작품 설명] <절규>는 표현주의 그림으로, 핏빛의 하늘을 배경으로 괴로워하는 인물을 묘사했어요. [ 2. 명화 이야기] 화가의 절망적인 심리 상태를 역동적으로 움직이는 것처럼 보이는 붉은 구름으로 나타내었으며, 화면 하단에서 비명을 지르고 있는 인물은 마치 유령과 같은 모습을 하고 있는데, 뭉크는 깊은 좌절에 빠진 사람을 극적으로 표현하기 위해 이와 같은 형태의 왜곡을 하였다고 해요. [ 3. 화가 이야기] “친구 둘과 함께 길을 걸어가고 있었어요. 해질 녘이었고 나는 약간의 우울함을 느꼈어요. 그때 갑자기 하늘이 핏빛으로 물들기 시작했어요. 그 자리에 멈춰선 나는 죽을 것만 같은 피로감으로 난간에 기댔어요. 그리고 핏빛 하늘에 걸친 불타는 듯한 구름과 암청색 도시와 피오르에 걸린 칼을 보았어요. 내 친구들은 계속 걸어갔고, 나는 그 자리에 서서 두려움으로 떨고 있었어요. 그때 자연을 관통하는 그치지 않는 커다란 비명 소리를 들었어요.”뭉크가 1892년 1월에 남

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소녀가 예쁘고 우아하다.(요하네스의 진주 귀걸이를 한 소녀)

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바다

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휴식중인 호랑이 이미지

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멋있는 장소에서 피아노를 치는 것이 아름답다.

(가스통 드라 투슈의 음악가)

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고양이 숨어 있는 고양이

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신사임당(1504~1551)은 율곡 이이의 어머니로 ‘훌륭한 어머니’의 대표격으로 잘 알려져 있지만 그 자신 역시 조선의 예술가로서 뛰어난 업적을 남겼다. 사회적으로 여성의 사회생활 기회나 교육 혜택이 드물었던 시대에 놀랄 만한 작품들을 남겼다. 16세기 섬세한 화풍으로 처음에는 산수도와 포도를 그리다가 점차 난초나 초충, 매화 등으로 소재가 다양해진다. 특히 풀과 벌레를 그린 초충도(草蟲圖)로 후대에까지 영향을 미친다. 초충도는 사임당의 대표작으로 꼽히지만 그녀가 사망하고 나서 150년이 흐른 뒤에야 발견되었다.

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신사임당(1504~1551)은 율곡 이이의 어머니로 '훌륭한 어머니'의 대표격으로 잘 알려져 있지만 그 자신 역시 조선의 예술가로서 뛰어난 업적을 남겼다. 사회적으로 여성의 사회생활 기회나 교육 혜택이 드물었던 시대에 놀랄 만한 작품들을 남겼다. 16세기 섬세한 화풍으로 처음에는 산수도와 포도를 그리다가 점차 난초나 초충, 매화 등으로 소재가 다양해진다. 특히 풀과 벌레를 그린 초충도(草蟲圖)로 후대에까지 영향을 미친다. 초충도는 사임당의 대표작으로 꼽히지만 그녀가 사망하고 나서 150년이 흐른 뒤에야 발견되었다.

신사임당은 1504년 강릉에서 태어났다. 조용한 성격에 집중력이 강했고 유년기부터 경전을 익히고 문장을 지었다고 한다. 또한 그림을 그리거나 글씨 쓰는 것을 좋아했다. 신사임당은 시대가 요구하는 유교적 여성상에 만족하지 않고 자신의 완전한 예술세계를 구축해 나갔으며 예술가로서의 생활 속에서 어머니와 아내의 역할을 충실히 해낸다. 화가이자 문인으로 살았으나 세상을 떠나고 반세기가 지나자 아들 율곡과 결부되어 다루어지기 시작한다. 율곡 이이와 함께 사임당의 명성이 높아지면서 작품에 대한 관심도 높아졌다. 하지만 발문은 있으나 실물이 전해지는 경우는 드물다. 그나마도 사임당의 진작인지 확정되기 힘든 부분도 있다. 사임당의 작품으로 알려진 것으로는 <자리도(紫鯉圖)>, <산수도(山水圖)>, <초충도(草蟲圖)>, <노안도(蘆雁圖)>, <연로도(蓮鷺圖)>, <요안조압도(蓼岸鳥鴨圖)>와 <6폭초서병풍> 등이 있다.

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신사임당(1504~1551)은 율곡 이이의 어머니로 '훌륭한 어머니'의 대표격으로 잘 알려져 있지만 그 자신 역시 조선의 예술가로서 뛰어난 업적을 남겼다. 사회적으로 여성의 사회생활 기회나 교육 혜택이 드물었던 시대에 놀랄 만한 작품들을 남겼다. 16세기 섬세한 화풍으로 처음에는 산수도와 포도를 그리다가 점차 난초나 초충, 매화 등으로 소재가 다양해진다. 특히 풀과 벌레를 그린 초충도(草蟲圖)로 후대에까지 영향을 미친다.