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Socialista militante, el arte es una cuestión política.
Tenía como referencia a Ruskin y a Marx.

"Morris no solo es un hito en la historia particular del diseño y de las artes, sino que, con su trabajo y sus ideas, reorganizó y refiguró auténticas constelaciones de principios ideológicos y usos culturales que habían dominado de forma casi inalterada el mundo de las artes al menos desde el final del Renacimiento."

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Diseño de Morris, figuras de Burne-Jones y fondos de Dearle, La Visión del Santo Grial o El Logro, (1890)

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En las artes debía haber un acercamiento entre el trabajo y el espíritu. Las cosas debían volverse tanto útiles como bellas a través del arte del trabajo.
“el obrero se convertía en artista y devolviendo un valor estético a su trabajo descalificado por la industria, convierta la tarea cotidiana en un trabajo artístico” (Argán, p. 172)
Creación de Morris, Marshall, Faulkner & C. una empresa para competir en el mercado de las industrias monopólicas, especializada en mobiliario y decoración.

Funcionalidad social del arte.
Eliminación de la especificidad del arte, inserción de la experiencia estética en la praxis de la producción económica y de la vida social.

Estilo artístico susceptible a convertirse en estilo de vida.

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El mundo como voluntad, como energía ciega en una ronda incesante de nacimiento, amor y muerte carentes de significado

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Gracias al escándalo y cierre de su muestra los artistas de Berlín se organizan y configuran la Secesión en contra de la institución pública de arte.

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Hace manifiesta la distancia entre la clase dominante y la trabajadora; esconde el trabajo obrero y exhibe el trabajo del artista, siempre en el marco de la economía capitalista

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Expresión del espíritu modernista, moda.
Se genera una homogeneización de la cultura, el gusto y las costumbres que acompaña el avance de la burguesía y las clases medias.
Es una exaltación a la civilización de las máquinas, donde los ciudadanos, ahora con más libertad y ocio se acercan más al mundo poético. Sin embargo, el Art Nouveau parece desconocer los problemas sociales del desarrollo industrial como la servidumbre, la alienación, los ghettos.

“Se trata de buscar una justificación aparente al escandaloso beneficio excedente, que sigue aumentando el capital, añadiendo y luego integrando en el producto un valor suplementario, representado precisamente por el ornamento: un valor, además, que no es valorado en términos de fuerza de trabajo, sino de genio creativo”. (Argán, p. 194)

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El arte se vuelve producto de una sociedad en vías de extinción por el avance de la sociedad industrial.
Como lo sucedido previamente con el Rococó, el modernismo de Klimt propone brillos dorados, flores y decoración como forma de evasión de un arte que se vuelve obsoleto frente a la sociedad de la tecnología y los negocios

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Arte decorativista, sensible.
-Arte como síntoma de la decadencia de la sociedad luego de la caída del imperio austro-húngaro: tendencias bizantinas.
-Arte simbolista, pero de un símbolo cuyo significado se ha perdido.

El arte de Klimt tiene tres etapas:
-Su etapa temprana tras su graduación en la universidad de Ringstrasse como decorador arquitectónico. En esta etapa registró su pintura en relación a la cultura a la cual servía como pintor.
Mientras esta etapa lo llevó a la fama, esa misma sociedad se estaba resquebrajando, llevando una rebelión contra la tradición que se extendió al arte y la arquitectura.
-Su segunda etapa va a favor de esta rebelión: la secesión vienesa, la vanguardia y el modernismo vienés marcarán el rumbo no sólo de su arte, sino de su forma de ver y comprender el mundo. Su arte se convierte en una cuestión ideológica que poco después se tornaría política.
Se lo acusó a Klimt de presentar ideas confusas a través de formas confusas.
-La tercera etapa está marcada por un ego herido y debilitado, la ira y el aislamiento son el punto en común de sus obras. Pintor de la aristocracia vienesa

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Encabezada por Gustav Klimt, edita una revista llamada Ver Sacrum.
Actitud abierta y experimental en la pintura.
La inspiración vino de los impresionistas franceses, los naturalistas, prerrafaelistas, y los modernistas alemanes.

RECHAZO DE LA TRADICIÓN REALISTA CLÁSICA EN BÚSQUEDA DEL ROSTRO AUTÉNTICO DEL HOMBRE MODERNO:
1. Ruptura con los padres: matar al padre como acto de compromiso para salvar a la cultura de sus mayores.
2. Decir la verdad sobre el hombre moderno: quitar las máscaras de la historicidad para demostrar el origen y la identidad de la burguesía.
3. Dar refugio al hombre moderno de las presiones de la vida moderna: Santuario del arte; espacio de exhibición mutable como la vida moderna.

RECHAZO COMÚN DE LAS CERTEZAS DEL SIGLO XIX

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Dirigida por Max Liebermann

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Encabezada por Fran von Stuck
Pintura alegórica; combinación de las tradiciones clásica y bíblica, que simbolizaba dilemas de la sociedad moderna en el plano de las emociones y las experiencias vitales

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Movimientos artísticos que se caracterizan por la radical separación con la tradición académica. Se buscaba fundar y difundir un arte nuevo, moderno y libre, contra el dogma tradicional que se volvía repetitivo y opresivo.
Dentro de estos movimientos no sólo se encontraba la pintura y la escultura, sino también las artes aplicadas y las artes gráficas.

No se trata de un salón de los rechazados. Hace alegoría a la Secessio Plebis romana, una forma de protesta contra la administración de los patricios.

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El artista-personaje tiene una razón de ser: encarna la vocación artística que la rica burguesía industrial está segura de poseer, pero también de tener que sacrificar, a su pesar, al imperativo categórico de los negocios. (...) La propia burguesía quiere que sean antiburgueses: en parte, porque tiene complejo de culpabilidad; en parte, porque le es cómodo delegar en los artistas las cosas del espíritu, de las que realmente no tiene tiempo para ocuparse.

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Tras su rechazo en la academia y los salones, su carrera se encaminó por fuera trabajando a partir de la idea de belleza singular, de la identidad personal, lo psicológico, todo desplazado por fuera del canon. El cuerpo, la condición humana, fue desarrollado a partir del estudio de la anatomía, los caracteres, las articulaciones y el movimiento.

Las características fundamentales de la obra de Rodin están en vinculación con la obra y el espacio: la valoración del volumen a partir de herramientas externas, las luces y sombras y la textura de la superficie; el espacio del negativo se vuelve parte de la obra; el modelado abocetado, la huída de la línea genera un acabado por medio de la luz; la expresión por sobre el naturalismo, es decir, un naturalismo que se llena de sentimiento, dejando de lado la proporción y utilizando el cuerpo como puente a la expresión, el sentimiento y la psicología.
Además, sus obras están finalizadas en yeso como forma de crítica al circuito que en principio lo rechazó.