# data[].attributes.body
A performance da artista traz a vivência que tivemos em casa durante toda a pandemia e essa interferência do Zoom remete justamente às diversas reuniões e encontros com amigos e familiares feitos através da tela.  Aborda a relação de um tempo desconectado de um lugar. A obra
consistiu em criar um espaço seguro, de proteção e de diálogo entre as pessoas através do uso de capas de emergência que foram criadas como cobertores térmicos laminados. As capas seriam usadas pelo público com o objetivo de dar segurança neste momento no qual o distanciamento social ainda é uma forma de se proteger. A performance aconteceu diferentemente de sua idealização, pois não foi possível ter a participação presencial do público. "Vivida em tempo real, online e presencial, a performance consiste na construção de uma casa de acrílico com LED sequenciado com sensores de presença, desenvolvidos em parceria com a Modular Interactive Lighting, que serão ativados quando as pessoas ultrapassarem 1,5 metro de distância, a medida de distanciamento seguro entre as pessoas durante a pandemia. O digital será justamente essa interferência do comprador do NFT que entrará ao vivo na performance via Zoom para um papo com a artista. Serão criados quatro NFTs, sendo dois dedicados a duas pessoas que passarão a integrar a performance. Individualmente, elas participarão de uma conversa com a artista, por cerca de 10 minutos, via Zoom, remetendo aos inúmeros encontros feitos online durante a pandemia. A participação do comprador do NFT na performance será registrado em vídeo e este momento será transformado em um NFT como registro oficial da performance. Serão criados também 4 NFTs de fotos de registro da performance."

Referência: https://culturaenegocios.com.br/artista-visual-e-performer-andressa-cantergiani-apresenta-a-primeira-performance-artistica-com-interferencia-feita-via-nft-do-mundo/

# data[].attributes.headline
Constelação – Somos Todos Feitos de Luz (2020) - Maja Petric

# data[].attributes.subject
Constelação – Somos Todos Feitos de Luz (2020) - Maja Petric

# data[].attributes.body
A obra mostra uma visão nova de arte digital e simula uma constelação formada com a silhueta de cada pessoa que a visita. Ao sair da instalação, o rastro luminoso de cada visitante permanece como parte do ambiente, sendo adicionada à coleção de trilhas que outras pessoas deixaram na constelação. A cada nova visita ao espaço, o público fica imerso em uma paisagem em constante mutação, repleta de luzes que conectam a presença de todos que passaram pelo  local.

Referência: https://siterg.uol.com.br/cultura/2020/02/08/sp-maja-petric-cria-constelacao-para-o-farol-santander-primeira-mostra-de-2020/

# data[].attributes.body
A performance é realizada através da sombra capturada de um espectador que assume uma vida animada, independente, interagindo com o espectador, cuja posição é seguida à medida que ela se move. O projetor funciona apenas como uma fonte de luz lançando verdadeira sombra do espectador; às vezes uma cópia sem corpo da sombra do telespectador vem imediatamente para ele do outro lado; às vezes, a sombra se aproxima do espectador (como uma imagem de espelho), às vezes a segue. A sombra pode adotar uma ação anterior ou pode mesmo pertencer a um visualizador anterior. Ocasionalmente quando um espectador toca uma dessas sombras sem corpo, ele entra em colapso como um cadáver. Snibbe, explicou que “o título do trabalho refere-se à noção junguiana (Carl Jung) da sombra do corpo como um ‘saco’ que mantém todos os nossos detritos psíquicos”.

Referência:  http://ecoarte.info/ecoarte/2016/06/shadowbag-scott-snibbe-2005/

# data[].attributes.headline
Room of one’s own (1990-1993) – Lynn Hershman 

# data[].attributes.subject
Room of one’s own (1990-1993) – Lynn Hershman 

# data[].attributes.body
A obra faz uma clara referência ao livro de Virginia Woolf. O espectador olha para dentro de uma caixa através de um dispositivo periscópio móvel pequeno e vê uma cama, cadeira, telefone, roupas no chão, e televisão. Uma vez que ele ou ela pisou em um tapete na frente do pedestal, o trabalho é ativado, o próprio ato de procura inicia a ação. Uma mulher aparece em uma tela na parte de trás da pequena sala e pergunta: “O que você está fazendo aqui? Por favor, procure em outro lugar!”. Em seguida, dependendo do local onde o espectador se concentra, diferentes segmentos de videodisco aparecem na parede traseira (existem 17 segmentos ao todo). À medida que o espectador/voyeur concentra-se em qualquer um dos objetos na sala, as imagens aparecem em um espelho/parede unidirecional via videodisco, projeção e sinais baseados em computador, que também incorporam vídeo-imagens dos olhos do espectador da peça. Dentro do quarto em miniatura, um pequeno monitor exibe os olhos do espectador/voyeur, de modo que quem está assistindo torna-se um participante virtual na cena que está sendo visto.

Referência: http://ecoarte.info/ecoarte/2016/05/room-of-ones-own-lynn-hershman-1990-1993/

# data[].attributes.headline
A Transmutação da Carne (2000) - Ayson Heráclito

# data[].attributes.subject
A Transmutação da Carne (2000) - Ayson Heráclito

# data[].attributes.body
Essa performance, traz os atores performers vestidos com coletes de carne de charque, caminhando em filas em silêncio e conduzidos vagarosamente pelo artista. Parados um adiante do outro, sempre em silêncio e com fortes expressões no olhar, esses atores tem o colete de carne marcado por ferro em brasa pelo artista num espetáculo que chega a todos os presentes pelos sentidos. Pelo odor apetitoso da carne queimada, pelo som da brasa em contato com a carne, pela coloração avermelhada da brasa, pelo choro inevitável diante daquela memória coletiva.

“Quando comecei a me dedicar à temática do colonialismo e da escravização, iniciei minha pesquisa utilizando materiais orgânicos para trabalhar o conceito de um corpo histórico nacional. Esse corpo afro-brasileiro tinha que ser concebido, justamente, da carne de charque: uma carne de refugo, resistente e que sobreviveu a todas as mazelas, torturas e barbáries da escravidão. Essa carne se tornou, assim, uma metáfora para esse corpo cultural do afro-brasileiro que eu busco retratar. A marcação com ferro em brasa é necessária para termos presente essa ferida de nosso passado: assim eram marcados os corpos de africanos no Brasil com os monogramas dos senhores de escravos”, observa o artista. Para Heráclito, "temos de evocar e tornar essa memória presente, mas não com o objetivo de ficarmos tristes, impotentes ou de simplesmente apontarmos vítimas ou responsáveis. Pelo contrário, esse exorcismo serve para transpor essa etapa, para refletir o que cada um pode fazer hoje para que essa barbaridade não volte a ocorrer. A marca da ferida provocada nessa carne simbólica evoca traumas de nossa memória histórica coletiva que nunca desaparecerá". O artista entende que todos precisamos conviver com as feridas do passado, no caso do Brasil, os traumas da colonização e da escravidão são muito violentos e há coisas que não podem ser corrigidas e temos que conviver com essa marca em nossa carne.

Referência:  https://www.leporelloweb.com/copia-cristiano-lenhardt

# data[].attributes.attachment_link.title
Transmutação da Carne | Ayrson Heráclito | 8 Performances | Terra Comunal - Marina Abramovic + MAI

# data[].attributes.body
A obra CAOS é um corredor composto por dois blocos de andaimes cobertos por 6 mil carrinhos de plástico onde os espctadores passam. O artista quis gerar uma reflexão sobre a mobilidade urbana. As paredes criam uma passagem estreita para que o público experimente a sensação que o aprisionamento causado pelo trânsito da cidade causa.  Ao final da exposição, os carrinhos foram doados.

Referência: https://jornal.usp.br/cultura/instalacao-caos-questiona-os-problemas-da-mobilidade-urbana/

# data[].attributes.headline
Transarquitetônica (2014) - Henrique Oliveira

# data[].attributes.subject
Transarquitetônica (2014) - Henrique Oliveira

# data[].attributes.body
A instalação se baseia num percurso que abrange tanto materiais industrializados – tais como blocos de concreto e telhas de pvc – quanto materiais e técnicas construtivas derivadas de processos artesanais – como, por exemplo, tijolos de barro, estruturas de madeira, paredes de pau-a-pique e taipa de pilão. Há três formas de ver e apreciar a Transarquitetônica: por dentro, por fora e por cima (do mezanino). A obra não é só mais um espaço projetado para passagem, travessia de pessoas, mas como um trabalho de arquitetura que engloba pintura e escultura onde vivenciamos diversos ambientes, ao mesmo tempo em que recebemos vários estímulos que envolvem praticamente todos os sentidos. O público é instigado a refletir sobre as diversas transformações passadas pela arquitetura desde o racionalismo modernista, até as cavernas que serviam de abrigo ao homem e à mulher há milênios.

Referência: https://medium.com/neworder/a-transarquitetonica-e-uma-reflexao-e-arte-ou-entretenimento-ff2b01d589f3

# data[].attributes.body
Bárbara cobriu as paredes, teto e chão da Mary Boone Gallery em Nova Iorque, com imagens e textos sobre violência contra as mulheres e as minorias. A ideia de Kruger é que ao entrar no espaço, o público seja impactados, rodeados e desafiados pelos discursos feministas.

Referência: ESTILOS, escolas & movimentos: guia enciclopédico da arte moderna. 2. ed. São paulo: Cosac naify, 2010. 312 p. v. 2. ISBN 978-85-7503-784-3.

# data[].attributes.headline
Um corpo nas suas impossibilidades (1985) - Martha Araújo

# data[].attributes.subject
Um corpo nas suas impossibilidades (1985) - Martha Araújo

# data[].attributes.body
A obra foi documentada através de fotos em preto e branco, onde os participantes vestiam um macacão com velcro, um material que facilita a adesão e a separação de tensões, permitindo que eles grudem e se desprendam das paredes e dos demais participantes. Tal performance representava os limites do corpo, o jogo entre repressão e liberdade e a relação entre o eu e o outro. A artista explicou que a motivação por trás desse trabalho era: "sempre quis me amarrar para depois me desamarrar e me sentir mais livre".

Referência: https://hammer.ucla.edu/radical-women/art/art/para-um-corpo-nas-suas-impossibilidades-for-a-body-in-its-impossibilities

# data[].attributes.headline
Rest Energy (1980) - Marina Abramovic e Ulay

# data[].attributes.subject
Rest Energy (1980) - Marina Abramovic e Ulay

# data[].attributes.body
A obra Rest Energy foi documentada através de uma gravação em um estúdio que durou cerca de 4 minutos onde, ambos artistas despojados, seguram um arco e uma flecha, dispondo de dois microfones discretos gravando as batidas do coração de cada um. A performance foi criada junto de seu companheiro Ulay, em 1980. Nela, ambos seguravam um arco tensionado somente pelo peso de seus corpos, com uma flecha apontada para o coração de Marina.
Rest Energy representa a confiança total entre um casal, é doar-se e colocar sua vida na mão dos outros.

Referência: https://www.caissa-me.com/2017/10/02/rest-energy/

# data[].attributes.attachment_link.title
Marina Abramović Ulay - The Other Rest Energy (1980)