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El conocimiento y el arte

Primero definimos lo que es el conocimiento artístico, el cual se conceptualiza como un tipo de conocimiento basado en la creatividad y la habilidad natural de cada individuo, el cual se profundiza con la experiencia, el estudio y la observación. A través de éste, el hombre se puede comunicar con sus semejantes y puede expresar sus pensamientos, emociones y sentimientos.

Este tipo de conocimiento permite recrear el mundo y descubrir la belleza y sencillez del mismo desde un punto de vista lúdico y emocional; a diferencia del conocimiento científico o empírico, este no se puede transmitir dado que es producto de la creatividad. Su naturaleza individual solo le permite ser usado o desarrollado por la propia persona creadora del mismo.

Características del conocimiento artístico

Dentro de lo que es el conocimiento artístico, encontramos algunas características que definen y diferencia este tipo de conocimiento de los demás, estas son:

No se puede transmitir: Ya que el arte es una forma de expresión individual, presenta el problema de la transferencia, aunque las técnicas sí pueden ser transferidas. Esto permite que otra persona desarrolle su propio conocimiento artístico.

La subjetividad: Este tipo de conocimiento presenta un alto grado de subjetividad, debido al carácter personal que el artista imprima en su obra. En esta se encuentran contenidos elementos muy personales del autor, como ideologías, sentimientos, experiencias, etc.

Maleabilidad: No es un conocimiento estandarizado o inalterable, ya que la percepción del arte cambia, al contrario del conocimiento filosófico que se mantiene y evoluciona a través de conceptos y pensamientos anteriores.

Enfocado a la belleza: El conocimiento artístico es una manifestación de la sensibilidad estética enfocada a la belleza, es decir, que es de naturaleza práctica y tiene su utilidad.

Tipos de conocimientos artísticos

Para descifrar la relación entre el conocimiento y el arte, es necesario conceptualizar el significado del arte. El arte es una expresión de la creatividad humana orientada a la creación de objetos y manifestaciones estéticas de valor y aporte cultural, a través del arte se crean obras visuales o auditivas que expresan la habilidad imaginativa, el estilo, la intuición y la técnica artística de su autor.

En lo que es el conocimiento artístico se distinguen tres tipos o dimensiones basadas en la relación que existe entre el arte y el conocimiento:

1. La primera noción hace referencia al aprendizaje de técnicas artísticas, a través de las cuales se muestran y ejercitan las habilidades humanas.

2. La segunda opera en el campo del análisis de los fenómenos estéticos, apoyándose fundamentalmente en las ciencias sociales y humanas.

3. La tercera noción del conocimiento artístico hace referencia al posible conocimiento adquirido a través del arte.

Existen una infinidad de ejemplos de los casos de conocimiento artístico como en la pintura, danza, música, literatura, escultura, entre otros. Pero la calidad de la educación artística depende del lugar donde se estudien esos conocimientos, por lo que a continuación te presentamos una opción que te puede resultar muy interesante.

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El arte como forma de conocimiento Filosofía VS Arte Origen: asombro Origen: asombro Provoca: sorpresa y admiración toda la filosofía que reflexiona sobre el arte y la belleza Reflexión filosófica Lo bello es lo que resulta atractivo por su dignidad Lo bellos es hermoso por orden

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Artículo escrito por José Velasco Toro, en el cual se aborda la forma de conocimiento en el arte, partiendo de la propuesta de que el arte va más allá de la percepción, porque es emoción creativa de la libertad espiritual y de la expresión cognitiva, toda vez que el arte es conocimiento y comunicabilidad, complejidad y lenguaje del ser humano.

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Artículo escrito por José Velasco Toro, en el cual se aborda la forma de conocimiento en el arte, partiendo de la propuesta de que el arte va más allá de la percepción, porque es emoción creativa de la libertad espiritual y de la expresión cognitiva, toda vez que el arte es conocimiento y comunicabilidad, complejidad y lenguaje del ser humano.

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El arte y su contribución al conocimiento

1  Iglesias, Enrique (1999), en el “Prólogo” de Fundamentos culturales de la integración latinoameric (...)

1Uno de los fundamentos culturales de la integración latinoamericana y de la presencia regional en el mundo, es la contribución de las Artes y la Literatura a través de las imágenes visuales y de las narrativas. Sin ellas, no sería posible reconocer la importancia de la fuerza simbólica en el imaginario histórico y político de los latinoamericanos; este patrimonio simbólico “es parte del perfil de nuestras sociedades y de todos sus miembros como individuos”

1.

2La producción y creación estética de la cultura mestiza aporta valiosos insumos para que el pueblo se reconozca en su identidad, consolide su memoria y aporte su inteligencia sensible para no perderse en medio de las permanentes y acuciantes preguntas sobre quiénes somos los latinoamericanos en esta transición milenaria, cuál es nuestro lugar en el mundo y cómo seguiremos enfrentando la vertiginosa globalización, cada día más acelerada por la telemática, la cibernética y la informática.

2  Gullar, Ferreira, en “Indagaciones de hoy”, 1989, en revista Novamérica Nº 116.

3El pintor brasileño Ferreira Gullar, en 1989, nos recordó con claridad y precisión, que no hay ninguna novedad en decir que el modo de conocimiento estético difiere del modo del conocimiento científico e igualmente del filosófico. El Arte, la poesía son expresiones cuestionadoras de todo el conocimiento establecido e incluso del propio conocimiento estético. El artista es un cuestionador permanente de la cultura porque es crítico, porque privilegia la experiencia existencial y afectiva de cara al mundo conceptualizado. La conceptualización es la búsqueda de la estabilidad y del equilibrio, pero implica un distanciamiento respecto a la realidad objetiva y subjetiva. El científico, el filósofo, el sociólogo también cuestionan las culturas, pero de manera diferente al artista y al poeta. Aquellos quieren sustituir un concepto por otro, en cambio el artista y el poeta cuestionan la propia conceptualización de la realidad; se niegan a las generalizaciones que disuelven la experiencia vivida en el concepto abstracto. Su modo de conocer es un incesante recomenzar como la vida misma”

2.

3  Castedo, Leopoldo (1999), Fundamentos culturales de la integración latinoamericana, página 21.

4La

América Andante como la definía Alfonso Reyes, une sus pasos en la palabra poética, en la música popular, en el carnaval, en la danza, en sus dramas y ensayos histórico-políticos, en sus grandes novelas del realismo maravilloso, social y espantoso y se transcultura, apropiándose de las vertientes universales en el lenguaje de las vanguardias que consolidan, a partir de la década 20 del siglo pasado, una conciencia de liberación y de autonomía. La ciudad de São Paulo ha sido uno de los espacios que ha contribuido, en 1922, con la histórica “Semana de Arte Modernista del 22” y en 1990 con el “Memorial de América Latina”. Historia, lengua, imágenes, poemas, etc., canalizan hibridaciones dentro del proceso de consolidación del mestizaje cultural. “La fusión, no pocas veces con mucho de confusión, de indios aborígenes, íberos, africanos y gentes de variadas latitudes, van moldeando la identidad de sociedades nuevas, generadoras de valores literarios, plásticos, arquitectónicos, musicales, coreográficos, filosóficos, ni mejores ni peores que otros, sino diferentes”3. La identidad latinoamericana ha sido definida en gran parte por sus novelas y se ha ido gravando en la memoria de la emancipación a través de la pintura y del muralismo mexicano. Leopoldo Zea, en su introducción a las Fuentes de la cultura latinoamericana, insiste en la integración por la educación y la cultura; reclama una mayor difusión del pensamiento, de la literatura y demás manifestaciones estéticas.

Breve recuento latinoamericano

5De cara al Bicentenario aún estamos en deuda para ofrecer un panorama completo al alcance de las mayorías de los doscientos años de Arte Latinoamericano. Un intento loable ha sido la investigación orientada por Dawn Ades de la Universidad de Yale en 1989, recopilando y ordenando las tendencias de la plástica desde 1820 hasta 1980. Su intención fue presentarle una exposición al público europeo a partir del período de los movimientos de la Independencia. El investigador reconoce que a través de la plástica, América Latina es claramente una designación de sentido político y cultural, que se opone al carácter neutro de la geografía.

6La Academia Real de San Carlos en la ciudad de México, fundada en 1795, fue la primera Academia de Arte en América y la única establecida durante el régimen colonial. En este contexto, se destaca la pintura y, en particular, el óleo sobre tela

Paraguay, imagen de su patria desolada (1880) de Juan Manuel Blanes, expuesto actualmente en el Museo Nacional de Artes Plásticas de Montevideo. En adelante, se va apreciando el aporte de los artistas-cronistas viajantes y la tradición empírica (ciencia y naturaleza) en América Latina posindependencia (Alexander von Humbolt, Daniel Thomas Egerton, Edward Walhouse Mark, Jean-Baptiste Debret, Johann Moritz Rugendas, Prilidiano Pueyrredón, Ferdinand Bellermann, Camille Pissarro, Carmelo Fernández, Ramón de la Sagra, Claudio Gay, Benito Panunzi, José Grijalva, José Agustín Arrieta,etc.). Luego, en México se destacará la paisajística de José María Velasco; la gráfica popular de Gabriel Vicente Gahona, José Guadalupe Posada, Manuel Manilla. Durante las primeras décadas del siglo XX, en las artes visuales, se produce una transformación radical con el modernismo vanguardista en busca y consolidación de la raíces, en pintores como Rafael Barradas, Gerardo Murillo, Diego Rivera (su famoso Paisaje zapatista), Tarsilia do Amaral, Anita Malfatti, Vicente do Rego, René Portocarrero, Emiliano di Cavalcanti, Emilia Peláez, Pedro Figari, Xul Solar, Joaquín Torres-García y aparecen las revistas Amauta (1926) (que significa en quichua hombre sabio) dirigida por José Carlos Mariátegui y la revista El Machete mexicana fundada por el Sindicato de Escultores, Pintores y Trabajadores Técnicos, órgano oficial del Partido Comunista.

4  Ades, Dawn (1989), Arte na América Latina, página 152.

7Por su parte, el movimiento muralista mexicano produce el más importante arte revolucionario de carácter urbano; los muros de las ciudades y los recintos de los edificios, hablan desde las artes visuales y de las expresiones de identidad de la arquitectura colonial y poscolonial. José Vasconcelos, como filósofo y político revolucionario, “deja a los artistas libres para escoger sus temas; su horizonte artístico se inspira simultáneamente en los conceptos pitagóricos y en el positivismo de Comte, convencido de que la evolución de una sociedad se da a través de tres estadios, siendo el estético el más importante”

4. Destacan los cuadros de Diego Rivera (El hombre, controlador del universo, 1934), de Fernando Leal (La epopeya de Bolívar, 1930), de José Clemente Orozco (Cristo destruyendo su cruz, 1943) de Juan O’Gorman (Ciudad de México, 1942), de David Alfaro Siqueiros (Etnografía, 1939), etc. Después del desarrollo de los Talleres de la Gráfica y del Grabado Popular, se reconoce el movimiento del nativismo y del realismo social, volcado al reconocimiento y promoción de los valores indígenas. Destácanse los cuadros de Siquieros Madre campesina (1929) y Madre proletaria (1939). En la tendencia de los llamados “Universos particulares y mitos manifiestos”, se constata la influencia del surrealismo de André Breton, libertad de imaginación ligada a la realidad y distante de la fantasía. El proyecto estético es “cambiar la vida, cambiar el mundo”. La vida cotidiana en América Latina prueba que la realidad está repleta de cosas extraordinarias y desconcertantes. Se estacan los pintores Roberto Matta, Leonora Carrington, Tilsa Tsuchiya, Frida Kahlo, etc. De la década del 40 en adelante, se produce un salto hacia la inventiva del Arte Concreto; la pintura comienza a historiar la identidad e irrumpe La escuela del Sur, con la sobresaliente participación de Joaquín Torres-García, El Norte es el Sur, desde el cual se simboliza la corrección de la verdadera posición de América Latina en el concierto mundial Se destacan los cuadros de Antonio Berni (El mundo prometido a Juanito Laguna, 1962); de Alberto Gironella (La reina negra, 1961); de Fernando Botero (La familia presidencial, 1967) y de José Gamarra (Cinco siglos después, 1986).

8Entre los países andinos se destaca Oswaldo Guayasamín, quien hacia 1952 se comienza a difundir por la exposición de más de 100 obras en el Museo de Bellas Artes de Caracas. Su obra es una transculturación de elementos formales, cubistas y temas característicos de la cultura indigenista. Su dibujo está ligado a lo popular, influido por las ideas de la “cuestión social” de la escuela mexicana. Su pintura releva la pobreza y alienación de los indios ecuatorianos, destacándose su trabajo

La edad de la ira. En la composición América, mi hermano mi sangre (2006), se establece una convergencia histórica, social y política con la obra poética Canto General (1950) de Pablo Neruda. Diálogo entre pintura y poema, síntesis de la historia de la conquista, del imperio, la sobrevivencia y la revolución en América Latina. Los poemas potencian el sentido de las pinturas, y las pinturas hablan desde el carácter del pintor con el patetismo que consiguen comunicar los genios del espacio, del color y del movimiento. Las imágenes amarillas, rojizas, anaranjadas, blanquecinas y negras, cristalizan en las manchas y trazos el estado de violencia y exclusión, el empeño desigual y sin tregua de los imperios que han sometido al pueblo latinoamericano. Neruda complementa con su voz en el poema América Insurrecta:

“Patria, naciste de los leñadores,
De hijos sin bautizar, de carpinteros,
De los que dieron como un ave extraña
Una gota de sangre voladora,
Y hoy nacerás de nuevo duramente
Desde donde el traidor y el carcelero
Te creen para siempre sumergida.
Hoy nacerás del pueblo como entonces”.

9Desde el reconocimiento al desarrollo de las ideas, podemos afirmar que la Vanguardia no sólo fue coherente con la función del artista de Ferreira Gullar, sino que además sistematizó una estética a través de los

Manifiestos, como por ejemplo, Hoja de vanguardia sobre el estridentismo (1921) de Manuel Maples Arce; Manifiesto da Poesía Pau-Brasil (1924) de Oswald de Andrade; Manifiesto antropófago (1928) de Oswald de Andrade; Manifiesto Martín Fierro (1924); Manifiesto de la creación pura, ensayo de estética (1925) de Vicente Huidobro; Manifiesto Arte, revolución y decadencia (1926) de José Carlos Mariátegui; La Escuela del Sur (1935) de Joaquín Torres-García; La moldura, un problema de arte contemporáneo (1944) de Rhod Rothfuss; Interiorismo, neo-humanismo, neo-expresionismo (1961) de Arnold Belkin, etc.