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Cosima Daum, Robin Wienhold, Avery Gia Sophie Schramm (Abk Stuttgart)

Ruben Brückel, Boris Berber (ADBK Karlsruhe)

Jannis Besen, Mercedes Corvinus, Anna Schaumberger, Dr. Kathrin Kinseher (AdBK München)

Kim Gündel, Seungyeon Jo, Lucia Müller, Kirill Nikulin, Annett Stenzel (AdBK Nürnberg)

The Sketchbook Collective, Bettina Scholz (Alanus Hochschule, Mannheim)

Fey Bradt, Karolin Kirchhof, Paul Robin Mader, Susanne Wurlitzer (Burg Giebichenstein, Halle)

Claudia Bartholomäus, Jakob Dirkes, Uwe Siemens (HBK Braunschweig)

Virginia Lorenzetti, Katrina Pennington, Dorothea Schmelzer, Maja Drachsel (HfBK Dresden)

Eva Wochner, Carolin Kühn, Kurt Röll, Lisa Afken (HfBK Hamburg)

Valerie Buchholz, Kaito Morita, Julian Nieschalk, Barbara Rosengarth (HFK Bremen)

Ellen Klüser, Louis Wuttke, Reni Mothes (HGB Leipzig)

Nina Lubonski, Jakob Nielson, Aleyna Palaz, Gesine Kikol (Universität Duisburg-Essen)

Jacintha Nolte, Satu Soininen, Julia Rüther (Universität der Künste Berlin)

Melanie Ramborger, Vanessa Zaggilés, Caroline Streck (Universität Siegen)

Ruben Brückel, Boris Berber (Staatliche Akademie der bildenden Künste Karlsruhe)

Michaela Vega Hannson, Vinicius Dos Santos, Kristina Janni Stahl (Royal Institute of Art, Stockholm, Schweden)

Hiyoshi Ito, Aya Maeda, Prof. Mika Hoshi (University of Tsukuba, Japan)

Flor Delgadillo, Olivia Ann Carye-Hallstein (ehemals Tufts University, Boston, USA)

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Based in Dresden, Germany.

Email: draxel@gmx.net

Instagram: @maja_drachsel

Homepage: www.majadrachsel.de

Homepage Hochschule: https://www.hfbk-dresden.de/hochschule/personen-a-z/person/drachsel-maja

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Das Netzwerk von Maltechnik-Lehrenden, darunter sind auch einigen Leiter*innen von Restaurierungswerkstätten, an Kunsthochschulen etablierte sich in Deutschland bereits im Jahr 2017 als ein anfänglich kleiner Kreis.

Seither hat es sich sukzessive erweitert und inter-nationalisiert, indem renommierte Hochschulen aus dem nahen und fernen Ausland hinzugekommen sind – von Wien, Kopenhagen, Stockholm und Helsinki bis hin zu Tsukuba (Japan) und Boston (USA).

Diese transnationale Vernetzung wird durch regelmäßige Treffen, Symposien und Workshops sowie durch gegenseitige Besuche in den Werkstätten intensiviert.

Durch den Einsatz digitaler Formate wie Video-Meetings gelingt es, die internationale Kooperation über große Distanzen hinweg zu gewährleisten und das Netzwerk dadurch optimal zu nutzen.

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Instagram-Kanäle der Werkstatt-Leiter*innen und der Studierenden

@annettstenzel_music.film.art

@adbk_nuernberg

@werkstatt_fuer_malerei_adbk

@ccarolinestreck

@gesine.kikol

@geiwi_ude

@bettischolz

@alanushochschule_mannheim

@alanushochschule

@kristina.janni.stahl

@maja_drachsel

@julia.ruether

@uwe.siemens

@barbararosengarth

@susannewurlitzer

@giaschramm

@hoshi__mika

@tsukuba_youga

@edible_nest_studio

@borisberber

Studierende:

@carooxly

@evawochnerart

@ninaaa_lu

@aleynapaz

@katrinalpennington

@virginia__lorenzetti

@dorobaru

@jacinthanolte

@satu.soininen

@musszumbus

@mercedescorvinus

@schau.mi

@fey.bradt

@paulrobinmader

@karolinkirchhof

@cosimadaum

@robinwienhold

@_lln.k

@raw.mugen

@soerenfritzsch

@kimguendel

@valerie_buchholz

@kaito_m.rita

@nie_julian

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Flyer der Akademie Galerie der ADBK Nürnberg

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Flyer der Akademie Galerie der ADBK Nürnberg

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Link zur Webseite der ADBK Nürnberg:

https://adbk-nuernberg.de/news/das-ausstellungsprogramm-fur-den-winter-2025-2026

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PNG Bild, 1,9 MB

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Edible Nest Studio- Founder, Head Designer

Www.edibleneststudio.com

@edible_nest_studio

Formerly associated with School of the Museum of Fine Arts @ TUFTS UNIVERSITY, Boston, USA

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University: Institute of Art & Design, University of Tsukuba, Japan

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University: Institute of Art & Design, University of Tsukuba, Japan

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Assistant professor at Western-Style Painting Course

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Based in Tsukuba, Japan

Email:

hoshi.mika.kb@u.tsukuba.ac.jp

Instagram: @hoshi__mika

Course HP: https://www.geijutsu.tsukuba.ac.jp/youga/

Course Instagram: @tsukuba_youga

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Deutscher Tele Markt GmbH - Internetagentur

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Die HfBK ist eine der ältesten Ausbildungsstätten für Bildende Kunst in Europa. An der Akademie studieren derzeit ca. 550 Studierende in fünf Studiengängen

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Maja Drachsel, Foto: Michael  Lüder, 2024

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PNG Bild, 1,4 MB

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Hochschule: Royal Institute of Art, Stockholm, Sweden

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Hochschule: Royal Institute of Art, Stockholm, Sweden

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Zum ersten Mal werden Arbeiten der am Netzwerk beteiligten Lehrenden aus den Malerei-Werkstätten gezeigt, ergänzt durch Arbeiten ihrer Studierenden aus den jeweiligen Seminaren, Klassen oder Workshops.

Dieser Dialog eröffnet einen vielschichtigen Einblick in die künstlerische Praxis sowie die unterschiedlichen Lehransätze der Maltechnik an verschiedenen Hochschulen.

Im Fokus stehen die verschiedenen Herangehensweisen maltechnischer Anliegen. Diese erweitern sich aktuell um Fragen der Nachhaltigkeit von Materialien, Ökonomie und Professionalisierung, des Wissensaustausches sowie nach dem Verhältnis von Malerei und Digitalität ebenso wie KI als auch thematisch um genderspezifische Aspekte.

Leiter*innen aus dem Bereich der Restaurierung sind ebenfalls im Netzwerk und an der Ausstellung beteiligt. Sie zeigen ein Werk aus dem Bereich der Restaurierung oder Konservierung, wodurch die Schnittstelle zwischen zeitgenössischer Malerei und der Bewahrung von Kunstwerken thematisiert wird.

An der Ausstellung beteiligt sind neben der AdBK Nürnberg u.a. die AdBK München, die AdBK Stuttgart, HfG Offenbach, die Alanus Hochschule für Kunst und Gesellschaft, Mannheim, die HBK Braunschweig, die HfK Bremen, die HfBK Dresden, die Universität Duisburg-Essen, das Royal Institute of Art, Stockholm, Schweden, die Universität Siegen, die University of Tsukuba, Japan.

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University of Tsukuba & Institute of Art and Design

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University of Tsukuba & Institute of Art and Design

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The University of Tsukuba is a comprehensive research university in Japan. Within it, the Institute of Art and Design functions as an independent unit dedicated to the arts, rather than a field within teacher training.

It offers 14 specialized fields, including Fine Art, Design, Craft, and Art Studies. Combining studio practice and theory in an international and interdisciplinary environment, the Institute aims to foster both researchers and professional practitioners, with a distinct approach compared to typical fine art academies.

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Annett Stenzel: stenzel@adbk-nuernberg.de,

Akademie der Bildenden Künste Nürnberg

Caroline Streck: info@carolinestreck.de,

Universität Siegen

Gesine Kikol: gesine.kikol@uni-duisburg-essen.de ,

Universität Duisbug-Essen

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1. Station der Ausstellungen: Akademie der Bildenden Künste Nürnberg

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1. Station der Ausstellungen: Akademie der Bildenden Künste Nürnberg

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Titel:

Surface Matter

Adresse:

Akademie Galerie Nürnberg

Hauptmarkt 29, 90403 Nürnberg

Ausstellungseröffnung:

Freitag, 16. Januar 2026

19 Uhr

Ausstellungsdauer:

17. Januar bis 1. Februar 2026

Öffnungszeiten:

Mittwoch - Sonntag, 14:00 - 19:00 Uhr

An Feiertagen geschlossen.

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2. Station der Ausstellungen: Institute of Art & Design, University of Tsukuba, Japan

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2. Station der Ausstellungen: Institute of Art & Design, University of Tsukuba, Japan

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Titel:

Materials x Crossing Borders

Adresse:

University of Tsukuba

Institute of Art & Design

University Hall & 30th Anniversary Hall

Amakubo 3-chome, Tsukuba, Ibaraki 305-0005, Japan

Ausstellungseröffnung:

1. Oktober 2026

Ausstellungsdauer:

1. bis 10. Oktober 2026

Öffnungszeiten:

Montag - Freitag, 9:00-19:00 Uhr

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3. Station der Ausstellungen: Royal Institute of Art, Stockholm, Schweden

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3. Station der Ausstellungen: Royal Institute of Art, Stockholm, Schweden

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Titel:

Surface Matter

Adresse:

Royal Institute of Art, Stockholm, Schweden

Ausstellungseröffnung:

2026 oder 2027

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Hochschule: Akademie der Bildenden Künste Nürnberg

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Hochschule: Akademie der Bildenden Künste Nürnberg

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Hochschule: Universität Duisburg-Essen   Institut für Kunst und Kunstwissenschaft

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Hochschule: Universität Duisburg-Essen   Institut für Kunst und Kunstwissenschaft

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LfbA und Leiterin der Malerei-Werkstatt

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Based in Düsseldorf.

Email: gesine.kikol@uni-duisburg-essen.de

Instagram: gesine.kikol

Homepage: www.gesinekikol.de

Homepage Hochschule: https://www.uni-due.de/kunst-kuwiss/kuk_home.shtml

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Universität Duisburg-Essen, Campus Essen

Foto: Gesine Kikol, 2025

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Das Institut für Kunst und Kunstwissenschaft

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Das Institut für Kunst und Kunstwissenschaft

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Das Institut für Kunst und Kunstwissenschaft der Universität Duisburg-Essen ist durch das enge Zusammenspiel von Bildender Kunst, Kunstwissenschaft und Didaktik der Kunst geprägt. Diese besondere Konstellation zeigt sich ebenso in den spezifischen Profilen der Lehrenden wie auch im Lehrprofil bzw. in den Studieninhalten. So begegnen sich Theorie und Praxis in den künstlerischen Werkstätten (Malerei, Grafik, Fotografie, neue Medien), in kuratierten Jahresausstellungen, in Werkstattgesprächen, gemeinsamen Exkursionen, Workshops und Studierendenkonferenzen. Ebenfalls auf dieser Grundlage sind aus den disziplin- übergreifenden Schwerpunkten des Instituts – „Künstlerische Forschung“, „Transkulturalität“ und „Medienbezogene Bildwissenschaft“ – bereits eine Reihe von Forschungs- und Ausstellungsprojekten hervorgegangen. (Uni Duisburg-Essen)

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Gesine Kikol hat Freie Kunst / Malerei an der Kunstakademie Düsseldorf studiert. Sie war für je zwei Semester Gasthörerin bei A.R. Penck und Daniel Richter und Studentin von Jörg Immendorff, bei dem sie 2006 den Meisterschülerbrief bekommen hat.

Gesine Kikol arbeitete an bisher vier verschiedenen Hochschulen als Dozentin für Malerei.

Von 2008 bis 2015 als Künstlerische Mitarbeiterin an der Alanus Hochschule für Kunst und Gesellschaft, von 2013 bis 2015 als Lehrbeauftragte im Orientierungsbereich der Kunstakademie Düsseldorf, von 2014 bis 2022 als LfbA an der Universität zu Köln am Institut für Kunst und Kunsttheorie und seit 2022 als LfbA an der Universität Duisburg-Essen am Institut für Kunst und Kunstwissenschaft als Gründerin und Leiterin der Malerei-Werkstatt.

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Gesine Kikol

"Malerei-Werkstatt - Die Lust zu malen"

Acryl auf Leinwand

100 x 140 cm

2025

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Wenn es Nacht wird, öffnet die Malerei-Werkstatt der Uni ihre verborgene Welt. Leise übernehmen die Ratten das Atelier. Sie malen, mischen, grundieren, stehen auf Hockern vor der Staffelei, hängen von der Decke, erproben Material und Werkzeuge, experimentieren neugierig, ringen mit dem Bildausdruck.

Die Luft in der Werkstatt knistert vor Anspannung, Hoffnung, Enttäuschung, Scheitern und Begeisterung – vor allem aber spürt man die ungebändigte Lust am Schaffen.

In feiner schwarzer Tusche festgehalten und mit einer reduzierten Palette aus gebrannter Grüner Erde, lachsrosa Zirkonrot und Sand koloriert, zeigt das Bild eine präzise Beobachtung des realen Ortes der Malerei-Werkstatt und zugleich eine liebevolle Übersetzung seiner Atmosphäre.

Die Ratten werden zu Gefährt*innen, die sich durch die Arbeit und die Nacht tragen; sie denken in Farben und Bildern – im Vertrauen darauf, dass aus Farbe immer wieder Welt entsteht und dass das Glück, wie so oft, im Tun selbst liegt.

Gesine Kikol, 2025

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TSUKUBA / JAPAN _ Teilnehmende Studierende mit Kontaktdaten

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TSUKUBA / JAPAN _ Teilnehmende Studierende mit Kontaktdaten

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1_ Miriam Thomahsen

Instagram: @mito__art__

Email: miriam.thomahsen@stud.uni-duisburg-essen.de

2_ Julia Paton

Instagram: @art.with.jp

Email: julia.paton@stud.uni-duisburg-essen.de

3_ Tim Schmiedel

Instagram: @hellbornchild

Email: tim.schmiedel@stud.uni-duisburg-essen.de

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Based in Cologne.

Email: info@carolinestreck.de

Instagram: @ccarolinestreck

Homepage: www.carolinestreck.de

Homepage Hochschule: www.kunst-uni-siegen.de

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Based in Nürnberg.

Email: stenzel@adbk-nuernberg.de

Instagram: @annettstenzel_music.film.art

Homepage: www.annettstenzel.net

Homepage Hochschule: https://adbk-nuernberg.de/akademie/lehrpersonal/annett-stenzel

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Hochschule: Alanus Hochschule Alfter/bei Bonn und Mannheim

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Hochschule: Alanus Hochschule Alfter/bei Bonn und Mannheim

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Professorin für Malerei

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Based in Berlin.

Email: bettina.scholz@alanus.edu

Instagram: instagram.com/bettischolz

Homepage: https://bettinascholz.de

Homepage Hochschule: https://www.alanus.edu/de/hochschule/menschen/detail/bettina-scholz

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Der Mensch im Mittelpunkt

Der Fachbereich Bildungswissenschaft der Alanus Hochschule hat die Aufgabe der wissenschaftlichen und künstlerischen Bildung und Forschung, insbesondere der beruflichen Qualifikation in den Bereichen Lehrerbildung, Pädagogische Praxisforschung, Heilpädagogik und Kindheitspädagogik. Dazu werden Studiengänge im pädagogischen und künstlerischen Feld angeboten, die auf eine berufliche Tätigkeit in Schulen, Kindergärten, heilpädagogischen Einrichtungen und weiteren pädagogischen Feldern vorbereiten. Zentrales Anliegen der pädagogischen Studiengänge ist die dialogische Verbindung von Reform- und Waldorfpädagogik und allgemeiner Erziehungswissenschaft.

Seit August 2014 hat die Alanus Hochschule für Kunst und Gesellschaft mit dem Institut für Waldorfpädagogik, Inklusion und Interkulturalität auch einen Standort in Mannheim.

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Bettina Scholz, Foto: Liam Riecken, 2024

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Bettina Scholz, teilweise Betti Scholz, geboren 1979 in Neuruppin/Brandenburg, lebt und arbeitet in Berlin und Mannheim. Sie hat bis 2012 Malerei/Freie Kunst an der Kunsthochschule Berlin Weissensee und am Chelsea College of Art in London studiert. Ihre Arbeiten wurden u.a. in der Kunsthalle Rotterdam, den Deichtorhallen Hamburg, der Kunsthalle Exnergasse Wien, dem Künstlerhaus Bethanien Berlin und dem Kunstverein Heilbronn gezeigt.

Seit 2021 hat sie im Fachbereich Bildungswissenschaften der Alanus Hochschule für Kunst und Gesellschaft (Alfter/Mannheim) eine Professur für Malerei und Zeichnung inne, in der sie interdisziplinär und studiengangsübergreifend maltechnische, freikünstlerische und kunstdidaktische Lectures und Workshops realisiert.

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Miriam Thomahsen

Titel: Medusa

Acryl und Öl auf Leinwand

50 x 40 cm, 2026

geboren 1998 in Duisburg

wohnt in Duisburg

Studium an der Universität Duisburg Essen:

Kunst und Philosophie auf Lehramt für Gymnasium und Gesamtschule

Seminar bei Gesine Kikol:

"Grundlagen der Malerei"

Artist Statement:

„Ich denke, für mich ist Malen wie Denken – und Fühlen. In meiner Malerei bewege ich mich gern zwischen figurativen, naturalistischen Darstellungen und deren Verfremdung, Erweiterung und Hinterfragung. Die naturalistische Darstellung von Figuren und Emotionen ist für mich seit jeher ein wichtiger Zugang zum Ausdruck echter Erfahrung, Verbindung und einer Art visuellen Fragen-Stellens – ganz nach dem Motto: Die Regeln lernen, um sie brechen zu können.

Am Beispiel meiner Medusa möchte ich eine neue Lesart für den mythologischen Stoff vorschlagen, in der die Medusa als Ausdruck weiblicher Stärke und Selbstermächtigung interpretiert werden kann, statt als geschlagenes Monster. Durch die Verschmelzung naturalistischer Malerei mit surrealen, symbolischen Elementen stehen für mich auch hier Geschichten und philosophische Fragen rund um Erkenntnis, Wahrnehmung und die intensive Erfahrung, die wir das Leben nennen, im Zentrum. Dabei inspiriert mich immer wieder die rätselhafte Schwelle zum Fantastischen, Mythologischen und Surrealen.

Mich befremdet sehr, dass es seit vielen Jahren immer wieder heißt, die Malerei sei nicht mehr besonders relevant. Für mich persönlich ist das Gegenteil der Fall. Zwischen medialer Überflutung und zunehmenden Fragen rund um Authentizität begleitet von sich exponentiell entwickelnder Digitalität und KI, scheint mir die Malerei ein besonders wahrhaftiger und lebendiger Zugang zur Welt zu sein."

Artist Statement in English:

I think, for me, painting is like thinking – and feeling.
In my paintings, I like to move between figurative, naturalistic depictions and their distortion, expansion and questioning. For me, the naturalistic depiction of figures and emotions has always been an important way of expressing genuine experience, connection and a kind of visual questioning – true to the motto: Learn the rules so you can break them.

Using my Medusa as an example, I would like to propose a new interpretation of the mythological material subject matter in which Medusa can be seen as an expression of female strength and self-empowerment, rather than a defeated monster. Through the fusion of naturalistic painting with surreal, symbolic elements, stories and philosophical questions surrounding knowledge, perception and the intense experience we call life remain central to my work. I am continually inspired by the enigmatic threshold between the fantastical, the mythological and the surreal.

I find it very disconcerting that for many years now it has been repeatedly claimed that painting is no longer particularly relevant. For me personally, the opposite is true. Amidst media overload and growing questions surrounding authenticity, accompanied by the exponential development of digital technology and AI, painting strikes me as a particularly truthful and vital way of engaging with the world.

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Statement (English version below)

Das Arbeiten mit Skizzenbüchern regt eine prozessuale Form künstlerischen Denkens an. In der künstlerischen Lehre dient das Skizzenbuch als Labor des Sehens, als Speicher von Prozessen und als Werkzeug der Selbstbeobachtung. Durch die Verwendung von Materialien wie Aquarellstiften, Pastell- und Ölkreiden, Zeichenkohle oder verschieden starken Bleistiften kann die Materialintuition spielerisch geschult und der Zugriff auf mögliche größere Malerei- und Kunstprojekte radikaler und mutiger werden. Im Zentrum steht nicht das fertige Werk, sondern die Erforschung des eigenen Sehens und Handelns. Die Skizzenbuchpraxis eröffnet einen Raum für das Unfertige und Vorläufige, kann aber zugleich auch neue Ideen aus der Taufe heben und vorbereitende Entwürfe konkretisieren. Das besonders kleine Format der verwendeten Bücher ist bewusst gewählt: es zeichnet sich durch eine beiläufige Selbstverständlichkeit und Mobilität aus und findet deshalb weitaus häufiger Anwendung im alltäglichen Praktizieren als größere Formate.

Teilnehmende:

The Sketchbook Collective ist ein offener und sich ständig wandelnder Zusammenschluss von Studierenden der künstlerischen Grundlagen-Lehre, initiiert von Prof. Bettina Scholz (Alanus Hochschule). In jahrgangs-und fächerübergreifenden Workshops wird das Skizzenbuch in Hinblick auf Bildung für nachhaltige Entwicklung und Kreativitätsforschung kontextualisiert und untersucht. Hierarchielos und gleichberechtigt stehen dabei Skizzenbücher aus dem Bereich der Bildenden Kunst neben solchen aus pädagogischen Studiengängen, wie der Kunst-,Musik-,Waldorf- oder Heilpädagogik. Angedacht ist, das Kollektiv um weitere Studierende anderer Fachrichtungen wie z.B. Architektur, zu erweitern. The Sketchbook-Collective sieht künstlerisches Arbeiten nicht als exklusiven Raum Einzelner, sondern als lernende Bewegung, als Freiraum und Ort der Ideenentwicklung für alle, die Ideen suchen und haben. Für die Ausstellung Surface Matter der Akademie der Bildenden Künste Nürnberg setzt sich die Gruppe aus Prof. Bettina Scholz und den Studierenden Sami-Mohammed Ayed, Paul Höfer, Valentin Kittel, Paulin Schlageter, Michaela Sattler, Kayra Sirin zusammen. Performance zur Eröffnung (New Style HipHop meets Drawing): Sami-Mohammed Ayed. Fotos/Videos/Reels: Sören Fritzsch

Statement (English)

Working with sketchbooks stimulates a processual form of artistic thinking. In artistic teaching, the sketchbook serves as a laboratory for seeing, as a repository for processes, and as a tool for self-observation.

By using materials such as watercolor pencils, pastel and oil pastels, charcoal, or pencils of varying thicknesses, material intuition can be trained in a playful way and access to potentially larger painting and art projects can become more radical and courageous. The focus is not on the finished work, but on exploring one's own vision and actions in the medium of drawing and painting. Sketchbook practice opens up a space for the unfinished and provisional, but at the same time can also give birth to new ideas and concretize preparatory drafts. The particularly small format of the books used is a conscious choice: it is characterized by a casual naturalness and mobility and is therefore used much more frequently in everyday practice than larger formats.

Participants:

The Sketchbook Collective is an open and constantly evolving association of students of basic art education, initiated by Prof. Bettina Scholz (Alanus University). In interdisciplinary workshops spanning different age groups, the sketchbook is contextualized and examined with regard to education for sustainable development and creativity research. In a non-hierarchical and egalitarian manner, sketchbooks from the field of fine arts are placed alongside those from educational courses such as art, music, Waldorf, or curative education. There are plans to expand the collective to include students from other disciplines such as architecture. The Sketchbook Collective does not see artistic work as an exclusive space for individuals, but as a learning movement, a free space and a place for the development of ideas for all those who seek and have ideas. For the exhibition Surface Matter at the Academy of Fine Arts in Nuremberg, the group consists of Prof. Bettina Scholz and students Sami-Mohammed Ayed, Paul Höfer, Valentin Kittel, Paulin Schlageter, Michaela Sattler, and Kayra Sirin. Performance at the opening (New Style HipHop meets Drawing): Sami-Mohammed Ayed. Photos/videos/reels: Sören Fritzsch

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The Sketchbook Collective (Bettina Scholz, Sami-Mohammed Ayed, Paul Höfer, Valentin Kittel, Paulin Schlageter, Michaela Sattler, Kayra Sirin, Sören Fritzsch) Performance zur Eröffnung (New Style HipHop meets Drawing): Sami-Mohammed Ayed. Video: Sören Fritzsch, Alanus Hochschule Alfter/Mannheim

E-mail: Sami-Mohammed.Ayed@student.alanus.edu

valentin.kittel@student.alanus.edu

s-fritzsch@web.de

Kayra.Sirin@student.alanus.edu Michaela.Sattler@student.alanus.edu

Paulin.Schlageter@student.alanus.edu Paul.Hoefer@student.alanus.edu

bettina.scholz@alanus.edu

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Installation view, Sketchbook-Series, Bettina Scholz, mixed media, 2020 - ongoing, Foto: Marcus Schneider, Berlin

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(english below)

Wir zeigen kleine Skizzenbücher von fünf meiner Studierenden + eins von mir. Die Bücher sind nur 20x15 cm und werden eventuell in einer Vitrine ausgestellt. Ein Monitor auf dem Boden zeigt die einzelnen Zeichnungen im Loop.

We are exhibiting small sketchbooks by five of my students + one by me. The books are only 20x15 cm and may be displayed in a showcase. A monitor on the floor shows the individual drawings in a loop.

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Based in Stockholm, Sweden.

Email: kristina.janni.stahl@kkh.se

Instagram: kristina.janni.stahl

Homepage Hochschule: https://kkh.se/en/about/staff/kristina-janni-stahl/

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Julia Paton

Titel: Saturday Night

Öl auf Leinwand

50 x 40 cm, 2026

geboren 2007 in Duisburg

wohnt in Duisburg

Studium an der Universität Duisburg Essen:

Kunst, Deutsch und Mathematik auf Lehramt für Grundschule

Seminar bei Gesine Kikol:

"Grundlagen der Malerei"

Artist Statement:

Mit „Saturday Night" wollte ich dieses besondere Gefühl und die ambivalente Atmosphäre einer modernen Großstadt bei Nacht festhalten. Die weibliche Figur strahlt Selbstbewusstsein und Stärke aus. Gleichzeitig entsteht durch die Dunkelheit und die Ratten, die sie begleiten und sich auf ihrem Körper niederlassen, etwas Ungewisses und Unheimliches.

Die Ratten werden zu eigenständigen Protagonisten der Szene. Sie kümmern sich um die passende Partyausstattung, lackieren rote Fingernägel, flechten Haare und polieren Ohrringe mit kleinen Tüchern. Dadurch wirkt es wie ein Moment kurz vor dem Aufbrechen, zwischen Vorfreude, Spannung, Selbstinszenierung und der Ungewissheit dessen, was die Nacht bringen wird.

Gleichzeitig bleibt offen, wohin die Frau geht, die Szene entzieht sich einer eindeutigen Erzählung und gibt den Betrachtenden bewusst Rätsel auf.
Mich interessiert dabei genau diese Ambivalenz zwischen Inszenierung, Freiheit, urbaner Einsamkeit in der Unheimlichkeit der Nacht. Der Look sitzt, die Vorbereitungen sind abgeschlossen, und irgendwo in der Ferne scheint die Musik bereits zu beginnen.

Artist Statement in English:
With “Saturday Night”, I wanted to capture this special feeling and the ambivalent atmosphere of a modern city at night. The female figure radiates confidence and strength. At the same time, the darkness and the rats that accompany her and settle on her body create something uncertain and unsettling.

The rats become independent protagonists within the scene. They take care of the party preparations, paint red fingernails, braid hair and polish earrings with small cloths. This creates the impression of a moment shortly before leaving the house, somewhere between anticipation, tension, self-staging and uncertainty about what the night may bring.

At the same time, it remains unclear where the woman is going. The scene avoids a clear narrative and intentionally leaves the viewer with questions. I am especially interested in this ambivalence between staging, freedom and urban loneliness within the uncanniness of the night.
The look is complete, the preparations are finished, and somewhere in the distance the music already seems to be playing.

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Hochschule: Universität der Künste Berlin

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Hochschule: Universität der Künste Berlin

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Based in Berlin.

Email: juleruether@gmail.com

Instagram: julia.ruether

Homepage: https://juliaruether.de/juliaruether/

Homepage Hochschule:

https://www.udk-berlin.de/person/julia-ruether/

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Kristina Janni Ståhl. Photo Björn Larsson

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Kristina Janni Ståhl - Teaching practice 

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Kristina Janni Ståhl - Teaching practice 

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Kristina Janni Ståhl received her Master’s degree in Fine Arts in 2016 from the University of the Arts Helsinki, where she specialized in painting under the guidance of Senior Lecturer Malla Tallgren, with a focus on painting materials.

Ståhl currently serves as Head of the Material Institute at the Royal Institute of Art in Stockholm, Sweden’s oldest institution for higher education in fine arts. Her teaching is shaped by both the academy’s historical legacy and its ongoing exploration of new artistic techniques. The Material Institute, originally established in 1935 as the painting technique workshop, continues to be a central hub for material-based education. Here, Ståhl places particular emphasis on the basics of painting: the preparation of painting supports and the creation of paint from raw materials. She is learning the techniques of fresco painting under the guidance of Tallgren in an ongoing project about fresco. Ståhls pedagogy increasingly integrates experimentation and sustainability as critical components of artistic practice.

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Julia Rüther geb. 1974

Malereistudium an der Kunstakademie Düsseldorf bei Albert Oehlen und Peter Doig, Stipendiatin der Konrad-Adenauer-Stiftung, Vermittlungsarbeit an den Häusern der Nationalgalerie Berlin, Künstlerische Mitarbeiterin an der Hochschule für bildende Künste in Dresden, Mitglied des MalerinnenNetzWerks Berlin- Leipzig, seit 2019 Mitarbeiterin fbA an der Universität der Künste, Leiterin der Werkstatt für Maltechnik.

In zahlreichen Sammlungen und Ausstellungen national und international vertreten.

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Kristina Janni Ståhl, Nefertiti's crown, 2017, oil on canvas, 27x35cm.

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Kristina Janni Ståhl - Artist Statement

Kristina Janni Ståhl’s practice centers around oil painting on linen canvas, with a deep engagement in the material processes of the medium. She prepares her materials by hand, grinding oil paint, mixing oil mediums, and priming raw canvas. Grounded in perceptual observation, her paintings unfold through an intuitive process guided by light, color, and texture, often focusing on

fragments or subtle details that invite close contemplation.

“Nefertiti’s crown” was created in dialogue with the ancient collections of the Museum of Mediterranean and Near Eastern Antiquities in Stockholm. It forms part of a series painted within the museum, in which selected historical objects are reinterpreted through painting.

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Isomalt/ Methylcellulose auf Gaze (35 x 30 cm)

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Tim Schmiedel

Titel: Hydra

Acryl auf Leinwand

50 x 40 cm, 2026

geboren 1999 in Weinheim

wohnt in Essen

Studium an der Universität Duisburg Essen:

Kunst und Philosophie auf Lehramt für Gymnasium und Gesamtschule

Seminar bei Gesine Kikol:

"Grundlagen der Malereit"

Artist Statement:

"In meiner Malerei beschäftige ich mich mit den Spannungen und Widersprüchen unserer Gegenwart: mit gespaltenen Meinungen, gesellschaftlichen Konflikten und der Frage, wie Menschen auf eine Welt reagieren, die zunehmend von Unsicherheit, Überforderung und Gegensätzen geprägt ist. Mich interessiert dabei weniger die eindeutige Antwort, als der Zustand dazwischen. Reibung, Instinkt, Verdrängung, Angst und Verletzlichkeit sind alles Themen, mit denen ich mich auseinandersetze.

Wiederkehrend begenet mir dabei das Zusammenspiel der drei Affen - Mizaru, Kihazaru und Iwazaru (nichts sehen, nichts hören, nichts sagen). Bei all der Negativität, welche diese aktuelle Welt mit sich bringt, muss man, um inneren Frieden zu bewahren, auch einmal alle Sinne verschließen und in eine andere Welt abtauchen: die der Malerei. Eben dieses Zusammenspiel der drei Affen, habe ich in meinem Werk "Hydra" dargestellt, um von dem "Bösen" abzulenken, und einen (wenn auch nur kurzen) Ausweg zu präsentieren."

Artist Statement in English:

In my painting, I explore the tensions and contradictions of our modern world: divided opinions, social conflicts, and the question of how people respond to a world increasingly marked by uncertainty, overwhelming demands, and polarizing forces. I am less interested in a clear-cut answer than in the state in between. Friction, instinct, repression, fear, and vulnerability are all themes I grapple with.

I repeatedly encounter the interplay of the three monkeys—Mizaru, Kihazaru, and Iwazaru (see no evil, hear no evil, speak no evil). Amid all the negativity that the current world brings, in order to maintain inner peace, one must sometimes shut out all the senses and immerse oneself in another world: that of painting. It is precisely this interplay of the three monkeys that I have depicted in my work “Hydra” to distract from the “evil” and present a (if only brief) escape.

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In meiner Lehrtätigkeit an der Universität der Künste Berlin vermittle ich grundlegende materialkundliche Kenntnisse von der altmeisterlichen Malerei bis hin zu alternativen Techniken ohne den Einsatz synthetischer Acrylate. Im Zentrum steht das Verständnis der spezifischen Eigenschaften malerischer Materialien und Bindemittel als Grundlage für eine bewusste, eigenständige Bildsprache.

Fragen von Umweltschutz, Nachhaltigkeit und Gesundheit begleiten die Lehre und fließen in die Auseinandersetzung mit alternativen Bindemitteln und Malgründen mit ein. Ich möchte die Studierenden ermutigen, offen für Neues und Ungewöhnliches zu sein, neugierig und erfinderisch mit malerischen Verfahren zu experimentieren und Material als aktiven Träger künstlerischer Erkenntnis zu begreifen.

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Institut für Kunst der Universität Siegen, Brauhausgebäude in Siegen-Weidenau

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Mika Hoshi completed her doctoral degree at the University of Tsukuba and later studied modern Italian tempera grassa techniques in Florence as a fellow of the Japanese Agency for Cultural Affairs Overseas Study Program for Artists. She has been an Assistant Professor at the Institute of Art and Design, University of Tsukuba since 2014.

She supervises a small group of senior undergraduate and graduate students, focusing on the relationship between painting materials, techniques, and pictorial expression. Student projects range from research on historical tempera recipes to studies of contemporary and hybrid materials, developed alongside their graduation and master’s works.

In her own practice, Hoshi combines tempera grassa, oil, acrylic, washi paper, and metal leaf, creating a hybrid approach that links Western painting techniques with Japanese materials. Her research on tempera revival and historical and contemporary media aims to propose sustainable and innovative methods through an artistic-experimental approach.

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photo:

Title: The Subtle Wind

tempera, acrylic, silver and gold leaf, on Japanese paper, mounted on panel

size:27.3×27.3cm

2025

Artist Statement

In this work, I make use of the texture of washi (traditional Japanese paper) and the fluid yet extensible properties of tempera grassa to create soft, diffused transitions. I also incorporate traditional Japanese metal leaf techniques, such as chemically patinating silver leaf through sulfuration and sprinkling sunago.
Japan has a long tradition of painting based on water-based media, paper, and metal leaf, and I see a strong affinity between these practices and tempera techniques. Through this work, I explore this point of connection by combining washi and metal leaf with tempera grassa in a single pictorial process.

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von links nach rechts:

Tim Schmiedel, Miriam Thomahsen, Julia Paton

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1. Hiyoshi Ito

Email : s2521592@u.tsukuba.ac.jp

2. Aya Maeda

Email : s2521620@u.tsukuba.ac.jp

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1. Hiyoshi Ito

2001 Born in Japan
Lives in Tsukuba
Graduated from the University of Tsukuba, School of Art and Design, Oil Painting Course
Currently enrolled in the Master’s Degree Program (1st year), Institute of Art and Design, University of Tsukuba

2. Aya Maeda

2002 Born in Japan
Lives in Tsukuba
Graduated from Shinshu University, Faculty of Education, Art and Handicraft / Art Education Course
Currently enrolled in the Master’s Degree Program (1st year), Institute of Art and Design, University of Tsukuba

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NÜRNBERG / GERMANY _ Teilnehmende Studierende mit Kontaktdaten

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NÜRNBERG / GERMANY _ Teilnehmende Studierende mit Kontaktdaten

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1_ Nina Lubonski

Instagram: @ninaaa_lu

Email: nina.lubonski@stud.uni-duisburg-essen.de

2_ Aleyna Palaz

Instagram: @aleynapaz

Email: aleyna.palaz@stud.uni-duisburg-essen.de

3_ Jakob Nilsen

Instagram: /

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Title: Drifting
tempera, oil on Japanese paper, mounted on panel
size:27.3×27.3cm
2025

Artist Statement
This is an experimental work utilizing the bleeding properties of Japanese paper. The work is composed of multiple layers of different materials; glue tempera, egg tempera and oil paint.
My research focuses on the combined use of tempera and oil painting techniques, exploring the expressions created when different painting media coexist on a single surface. In this piece, I experiment with a creative approach in which the expressive content is derived from the medium itself, based on the unique texture of Japanese paper and the blurring effects achievable with aqueous materials.

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Title: What Remains

tempera, oil on canvas

size:27.3×27.3cm

2025

Artist Statement
This work explores unique material expressions using Mixed White, a hard, impasto-suitable oil tempera. This Mixed White is prepared by blending tempera paste containing white pigment with an equal to double amount of white oil paint.
My research examines the formulation and expressive effects of impasto-capable tempera paints during the Tempera Revival period. As part of this research, this work is based on the Mixed White proposed by Max Doerner. It is an attempt to depict the fluctuations of space through the material shadows created by a thick undercoat that leaves visible brushstrokes.

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Painting Materials and Techniques Studio

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Painting Materials and Techniques Studio

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https://adbk-nuernberg.de/akademie/geschichte/

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Portrait Caroline Streck

Foto: Emma Adler

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Based in Hamburg.

E-Mail: Lisa.afken@hfbk-hamburg.de

Homepage Hochschule:

www.hfbk-hamburg.de

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Lisa Afken studied Conservation of paintings, sculptures and modern art at the Cologne Institute of Conservation Sciences. Now as a freelance restorer in Hamburg she takes care for art works from museums, galleries and private collections. She was Head of the painting workshop at the university of Fine Arts Mainz from 2014 until 2019. Since 2020 she was guest lecturer at the University of fine arts Hamburg, since 2024 she is Head of the the new established painting workshop.

Lisa Afken studierte Restaurierung und Konservierung von Gemälden, Skulpturen und Moderne Kunst am Institut für Restaurierungs- und Konservierungswissenschaft an der TH Köln. Sie betreut als freiberufliche Restauratorin Museen, Galerien und Privatsammlungen. Zudem leitete sie von 2014 bis 2019 die Werkstatt für Mal- und Materialtechnik an der Kunsthochschule in Mainz. An der Hochschule für Bildende Künste in Hamburg war sie seit 2020 zunächst als Lehrbeauftragte tätig und leitet seit 2024 die neu eingerichtete Werkstatt für Maltechnik.

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Leitung Studienwerkstatt für Maltechnik

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Based in München.

Email: kathrin.kinseher@adbk.mhn.de

Homepage Hochschule:

https://www.adbk.de/de/

https://www.adbk.de/de/studium/lehrangebot/studienwerkstaetten/maltechnik.html

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Akademie der Bildenden Künste München - HOME

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Akademie der Bildenden Künste München. Die Kunstakademie ist eine der bedeutendsten und ältesten Kunsthochschulen Deutschlands.

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Hochschule für Bildende Künste / HBK Braunschweig

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Hochschule für Bildende Künste / HBK Braunschweig

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Caroline Streck (geboren in Kempen) studierte Malerei in Saarbrücken (HBK Saar) und absolvierte 2016 einen Master of Fine Arts in London (Chelsea College of Arts). 2017 wurde sie mit dem Chelsea MA Studio Award ausgezeichnet. Im Jahr 2020 erhielt sie eine Katalogförderung der Stiftung Kunstfonds für ihre erste Monografie. Ihre Arbeiten wurden international ausgestellt, zuletzt unter anderem in der Temporary Gallery Köln, im Künstlerhaus Sootbörn Hamburg, Galerie Weisser Elefant in Berlin, No. 20 Arts Gallery und PEER (beide London), Kunstmuseum Mülheim an der Ruhr und Arp Museum, Remagen. Caroline lebt und arbeitet in Köln und Gießen.

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Based in Braunschweig.

Email: u.siemens@hbk-bs.de

Instagram: uwe.siemens

Homepage: www.uwesiemens.de

Homepage Hochschule: https://www.hbk-bs.de/infrastruktur/werkstaetten/maltechnik

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Based in Bremen.

Email: mail@barbararosengarth.de

Instagram: barbararosengarth

Homepage Privat: https://www.barbararosengarth.de

Homepage Hochschule:

https://www.hfk-bremen.de/de

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1) Lush Lush! Baby Steps, 2024, 40x40 cm, acrylic on linen  /  2) Sausage Party, 2024, 40x30 cm, acrylic on linen

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1. Eva Wochner

2. Carolin Kühn

3. Kurt Röll

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We will present works relating with the subjects of dying colours. We produced the tints ourselves. The materials coming from the nature. We are playing with the idea of loss and healing. The colours are sensitive to light, therefore not stable for long time and will loose the colours. Further most of the used materials have a special healing factor.

The ensemble will be one hanging work made out from dyed silk and wool fibres. We will be need to fix it on the ceiling at the rail system. Is is around 120 cm high and 50 cm width. The further works will be on paper and we fix them on the wall with magnets.

One more painted work is independent to this work.

Wir werden Arbeiten zum Thema Farbstoffe präsentieren. Wir haben die Tinten aus natürlichen Pflanzenmaterialien selbst produziert. Wir spielen mit der Idee von Verlust und Heilung. Die Farben sind lichtempfindlich, daher nicht stabil für eine längere Zeit und werden ihre Farbe verlieren. Außerdem haben die meisten der verwendeten Materialien eine spezielle Heilwirkung.

Das Ensemble wird aus einer hängende Arbeit aus Seide und Wollfäden bestehen. Sie wird von der Schiene an der Decke abgehängt und ist ungefähr 120 cm hoch und 50 cm breit. Die weiteren Arbeiten werden auf Papier sein und mit Magneten an der Wand befestigt.

Eine weitere unabhängige Arbeit wird eine kleinere Leinwand sein.

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Nina Lubonski

Titel: After Us

Acryl auf Leinwand

60 x 60 cm, 2025

Nina Lubonski

geboren 1994 in Blankenstein

wohnt in Hattingen

Studium an der Universität Duisburg Essen:

Kunst und Französisch auf Lehramt für das Berufskolleg

Seminar bei Gesine Kikol:

"Bad Painting - Die Kunst der Hässlichkeit"

„KI als Tool für Malerei“

Artist Statement

"In meiner Arbeit setze ich mich mit hybriden Bildwelten auseinander, die aus dem Zusammenspiel von künstlicher Intelligenz und analoger Malerei entstehen.

KI dient mir dabei als Werkzeug für die Ideenfindung von irritierenden und utopischen Motiven, die ich malerisch transformiere und weiterdenke.

Durch diese Kombination aus digitalem Ausgangsbild und malerischer Umsetzung werden Spannungen zwischen Natur, Spezies und technischer Überformung untersucht und somit neue, mögliche Zukunftsräume geschaffen."

Posthumanismus und Evolution

Nina Lubonski untersucht mit ihrer Malerei die Möglichkeiten unserer Zukunft. Im Fokus steht die Frage nach der Post-KI-Ära: Wie wird sich das menschliche Dasein transformieren, oder wird es in einer Welt radikaler technologischer Evolution überhaupt noch Bestand haben?

Die Werke werden zu einer visuellen Spekulation darüber, welche Spezies die nächste Stufe der Evolution nach dem Menschen erreichen könnte.

Ihre Bilder fordern dazu heraus, die eigene Position innerhalb einer sich rasant wandelnden Existenz kritisch zu hinterfragen.

Gesine Kikol, 2025

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Melanie Ramborger

Melanie.Ramborger@student.uni-siegen.de

Spiegel, 2025, 61 x 61 cm, Acryl auf Leinwand

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Hessen, Germany - Cambridge, MA, USA

Oachallstein@gmail.com

Www.oachallstein.com

Www.edibleneststudio.com

@edible_nest_studio

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Olivia Ann Carye-Hallstein is an internationally-renowned artist and educator. Her studio, the "Edible Nest Studio" (founded 2021) works to create whole systems and integrated circular approaches to the practice of both design and culinary fields. The studio includes an urban garden, test kitchen, materials innovation practice, continual research in nature-based-solutions and diversified global approaches, and a monthly environmental art column with EcoArtSpace. With over a decade of experience as a designer, writer, and educator, she has actively promoted resiliency practices through visual art, performance, participatory education, and a vertically integrated practice. Expanding traditional ‘sustainability’ to highlight social and economic factors as well as novel and innovative material solutions and methods, Olivia’s work exists in an expanding “whole-systems” framework where social justice, equity, and critical material histories stand at the forefront promoting representation and reparation. Working in a range of media including digital media, the written word, illustration, textiles and fashion, food, as well as theater and performance art, she thoughtfully expands her practice as a “knowledgeable novice”, ever-learning and curious, emphasizing collaboration and communication.

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“Art Nouveau”: First Interpretation_Five Senses Project:Scent.PlumeImpression_A3_Watercolor pencil, acrylic and gauche paint, and collage on paper_OaCHallstein25

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“Art Nouveau”: Second Interpretation_Five Senses Project:Scent.PlumeImpression_A3_Watercolor pencil, acrylic and gauche paint, and collage on paper_OaCHallstein25

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In collaboration with Plume Impression perfume company, these works expand the “Five-Senses Project” from visual expressions of sound to visual expressions of scent. By developing a multi-layer painting process with collage, vibrant fluid layers intersect with geometric forms to create associative artworks that interpret the experience of these complex scents. Viewers will have the opportunity to smell perfume samples while enjoying the harmonic interaction between visual interpretation and scent. This series is part of an ongoing multi-sensorial project that focuses on the experiential real and unlocking the potential to bridge the growing disparities between disciplines, environments and peoples.

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Artist statement

Delgadillo’s practice explores the body as both archive and instrument, translating movement into visual form. Flor works with organic and inorganic matter—fragments of bone, handmade paper, and remnants of the everyday. These materials carry traces of nourishment, memory, and transformation, connecting the intimate with the collective. Through them, she question how history is preserved, erased, and reimagined through touch and process.

Merging traditional craft with experimental technique, Delgadillo treats each piece as a conversation between material and gesture, ritual and research. The bones, once vessels of life and nourishment , become instruments of translation.

Short Blurb - Birra bone - story behind the work

Birria is a traditional Mexican dish that can be eaten as a taco or a soup. I began collecting the bones after my aunt was diagnosed with MS. In Mexican culture we pass our recipes down orally.  Starting with the materials , the bones, Birria Bones, communicate a connection between all bodies. Birra is a very labor intensive dish usually made in large quantities meant to feed many. The Birria bones are able to tell the story of Ana’s labor.

Performance statement

Trained in ballet and mixed martial arts, Flor Delgadillo transforms movement into mark-making, Wearing ballet shoes and MMA gloves, she paints through motion. Each gesture is a response to poetry, music, and memory. Her work exists at the intersection of precision and instinct. Through this interplay of form and motion, Delgadillo challenges perceptions of space, presence, and the unseen forces that shape them.

Biography - Flor Delgadillo is a multidisciplinary artist, curator, and educator who relocated from California to Boston, where she has established herself as a leading community advocate and artivist. She is an alumni of the School of the Museum of Fine Arts (SMFA) at Tufts.

As an educator she facilitates hands-on workshops integrating engineering concepts with artistic practice, with a strong emphasis on material culture. Her community projects bring visibility to diverse narratives. Flor regularly leads public programs and art activations at festivals and public spaces.

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A gathering at Edible Nest Studio