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Evolución histórica de las épocas en la música clásica - enciclopediamusical.com

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Explora la evolución de la música clásica a lo largo de las épocas.

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La música del Renacimiento o música renacentista es la música escrita durante el Renacimiento, entre los años 1400 y 1600. Las características estilísticas de la música renacentista son su textura polifónica, que sigue las leyes del contrapunto, y está regida por el sistema modal heredado del canto grecolatino.

Características generales

La música renacentista se caracteriza por una suave sonoridad que deriva de la aceptación de la tercera como intervalo armónico consonante (uniéndose en esta categoría a quintas y octavas, ya admitidas en la Edad Media) y del progresivo aumento del número de voces, todas de igual importancia y regidas por las reglas del contrapunto: independencia de las voces, preparación y resolución de las disonancias, uso de terceras y sextas paralelas, exclusión de las quintas y octavas paralelas, etc.

El prototipo de obra musical renacentista es una pieza vocal de textura polifónica, frecuentemente imitativa, escrita para entre tres y seis voces de carácter ' cantabile'; cada línea melódica o voz podía ser interpretada indistintamente con voces reales o con instrumentos. Si bien el rango de cada línea supera apenas la octava, la extensión general del conjunto rebasa ampliamente las dos octavas, evitándose el cruce entre las voces (que forzaba a que estas fueran heterogéneas y contrastantes en la polifonía medieval).

El sistema melódico utilizado siguió siendo el de los ocho modos gregorianos; las características modales (opuestas a las tonales) de la música del Renacimiento comenzaron a diluirse hacia el final del período con el uso creciente de intervalos de quinta como movimiento entre fundamentales y característica definitoria de la tonalidad.

"Missa alma redemptoris" de Tomás Luis de Victoria, en Misas, magníficat, motetes, salmos y otras varias composiciones, Madrid, tipografía regia, 1600.

Durante este período la música religiosa tuvo una creciente difusión, debida a la exitosa novedad de la impresión musical, que permitió la expansión de un estilo internacional común en toda Europa (e incluso en las colonias españolas en América). Las formas religiosas más importantes durante el Renacimiento fueron la misa y el motete.

La misa cubría el ciclo del ordinario (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus-Benedictus y Agnus Dei) y se le solía dotar de unidad al basarse en material preexistente. Para ello se seguían dos procedimientos de composición principales:

Misa de cantus firmus: el autor toma una melodía preexistente, bien procedente del canto llano o bien de alguna canción profana, o incluso popular, y la sitúa en una de las voces, habitualmente la llamada Tenor. Las otras voces son creadas ex novo, completando una textura generalmente a cuatro voces, y son llamadas Cantus o Superius, Contratenor Altus (luego Altus) y Contratenor Bassus (luego Bassus). De estas denominaciones proceden los nombres actuales de las voces según sus tesituras. La misa de cantus firmus es típica del siglo XV; ejemplos de ella son las innumerables basadas en la canción L'homme armé, tales como las de Dufay, Busnois, Ockeghem, Guerrero, Morales, Palestrina...

Una variante de este tipo de misa es la de paráfrasis, en la que la melodía preexistente es fragmentada y repartida entre las cuatro voces, como ocurre en la Misa Pange Lingua de Josquin Desprez.

Misa parodia o de imitación: el compositor toma un motete o una canción polifónica anterior (propio o de otro autor), este ya de tipo polifónico, y utiliza el material melódico y armónico: motivos de imitación, cadencias típicas o a veces incluso fragmentos completos, pero reelaborando el material, añadiendo motivos y a veces voces nuevas, y siempre, naturalmente, cambiando el texto. Este es el procedimiento habitual en el siglo XVI, como ejemplifican la Misa Malheur me bat de Josquin Desprez, basada en una canción de Ockeghem, o la Misa Mille regretz de Cristóbal de Morales, basada a su vez en una canción de Josquin.

El motete renacentista era una pieza polifónica de texto sacro y en latín. Deudor en un principio del motete medieval, del cual procedía, pronto asumió una continua textura imitativa de voces de igual importancia (en número cada vez mayor: cuatro en el siglo XV, cinco o seis a finales del XVI), con frases musicales imbricadas y nuevos motivos para cada frase textual. En el motete el autor generalmente creaba material puramente original, sin tomar préstamos ajenos como en la misa. En el siglo XVI se desarrollan amplios motetes bipartitos y, en la escuela veneciana, los policorales, para ocho o incluso doce voces. Ejemplos sobresalientes de motete renacentista son el Ave María de Josquin o el Lamentabatur Jacob de Morales.

Giovanni Pierluigi da Palestrina.

Un gran número de impresos y cancioneros manuscritos nos han hecho llegar el amplísimo repertorio polifónico profano renacentista. Aquí sí es posible reconocer formas peculiares de cada país:

Hacia el final del período aparecen los primeros antecedentes dramáticos de la ópera tales como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio.

De modo paralelo a la extensión del rango vocal de la polifonía, los instrumentos ampliaron su tesitura creándose familias completas de cada modelo; cada tamaño era nombrado con el nombre de la voz equivalente: así, por ejemplo, se crean flautas de pico soprano, alto, tenor y bajos de varias tallas, y un proceso semejante siguen instrumentos de cuerda como las violas da gamba, de metal como los sacabuches o de madera como las chirimías.

Los instrumentos participaban junto con las voces en la ejecución de la música polifónica; por ejemplo, está perfectamente documentada la presencia regular de ministriles (flautas, cornettos, sacabuches, chirimías y bajones) en las catedrales ibéricas del siglo XVI. Además, mucha música polifónica se ejecutaba de forma puramente instrumental, fuera en conjuntos homogéneos (llamados consorts), en grupos que combinaban instrumentos de diversas familias o sobre instrumentos propiamente polifónicos, como el órgano, el virginal, el arpa, el laúd o, en España, la vihuela.

Francisco Guerrero.

Eran habituales los conjuntos domésticos de instrumentistas aficionados. Frecuentemente esos músicos amateur (e incluso muchos profesionales) eran incapaces de leer la notación musical convencional, por lo que la música instrumental solía escribirse en un sistema de escritura peculiar para cada instrumento, llamado tablatura: hay así tablaturas renacentistas específicas para tecla, laúd, arpa, vihuela, etc. El laúd, derivado del al'ud medieval, se convirtió pronto en el instrumento doméstico solista más popular en Europa. De diversos tamaños y forma de pera, se fabricaba con gran diversidad de materiales, tratados con extrema exquisitez artesanal. Tenía una cuerda simple y cinco dobles y el clavijero vuelto hacia atrás; permitía ejecutar acordes, melodías, escalas y gran número de ornamentos, y se utilizaba como instrumento solista, con el canto y en conjuntos de cámara. La vihuela de mano fue su equivalente español.

La relativa escasez de fuentes de música específicamente instrumental (por comparación con la abundancia de fuentes vocales, y especialmente considerando el siglo XV) no debe llevar a la errónea conclusión de que su uso fuera poco habitual o su nivel técnico bajo: los primeros tratados de enseñanza de cada instrumento (como los que dedican Ganassi a la flauta de pico y Diego Ortiz a la viola da gamba) denotan un muy alto nivel técnico y musical; sin embargo, la técnica instrumental solía transmitirse oralmente y su música específica era raramente escrita: era habitual la improvisación, fuese directa o sobre material vocal preexistente ( disminución). Gracias a los tratados de la época se conocen, también, problemas de afinación, de altura, temperamento u ornamentación. Uno de los primeros libros de este tema aparecidos fue el Musica getutscht und ausgezogen (Resumen de la música en alemán), obra de Sebastian Virdung de 1511.

Las principales formas instrumentales de la época fueron:

Formas derivadas de modelos vocales: al tocar habitualmente los instrumentistas piezas vocales, compusieron formas similares, si bien sin texto: del motete derivaron piezas polifónicas imitativas, llamadas ricercare, fantasía o tiento, mientras que de la chanson derivó la canzona, generalmente más viva y más dividida en secciones que los anteriores.

Danzas: una de las funciones tradicionales de los instrumentistas era, naturalmente, el acompañamiento de la danza. Solían estar escritas a cuatro voces, en una sencilla textura homofónica. Hay abundantes ejemplos de danzas de todo tempo y compás, como la bajadanza, la pavana, la gallarda, la alemanda o la courante.

Formas improvisatorias: los músicos anotaban a veces sus improvisaciones más logradas. Podía tratarse bien de puras improvisaciones para un instrumento polifónico (toccata, preludio, de nuevo tiento), bien de variaciones melódicas ornamentales sobre una o varias voces de un modelo vocal preexistente (recercada, disminuciones) o bien de largas series de variaciones sobre un basso ostinato muy conocido, como la romanesca, el Conde Claros, el passamezzo antiguo o el passamezzo moderno.

Orlando di Lasso.

Las composiciones del Renacimiento estaban escritas únicamente en partichelas; las partituras generales eran muy raras, y las barras de compás no se usaban. Las figuras eran generalmente más largas que las usadas en nuestros días; la unidad de pulso era la semibreve, o redonda. Como ocurría desde el Ars Nova cada breve (cuadrada) podía equivaler a dos o tres semibreves, que podría ser considerada como equivalente al compás moderno, aunque era un valor de nota y no un compás. Se puede resumir de esta forma: igual que en la actualidad, una negra puede equivaler a dos corcheas o tres que se escribirían como un tresillo.

En la misma lógica se puede tener dos o tres valores más cortos de la siguiente figura, la mínima (equivalente a la moderna blanca) de cada semibreve. Estas diferentes permutaciones se denominan tempus perfecto/imperfecto según la relación de breve-semibreve y prolación perfecta/imperfecta en el caso de la relación semibreve-mínima, existiendo todas las combinaciones posibles entre uno y otro. La relación tres-uno se llamó perfecta y la dos-uno imperfecta. Para las figuras aisladas existían reglas que reducían a la mitad o doblaban el valor ("imperfeccionaban" o "alteraban" respectivamente) cuando estaban precedidas o seguidas de determinadas figuras. Las figuras con la cabeza negra (como las negras) eran menos habituales. Este desarrollo de la notación mensural blanca es el resultado de la popularización del uso (sustituyendo al pergamino) del papel, más débil y que no permitía el rasgado de la pluma para rellenar las notas. La notación de la época precedente, escrita en pergamino, era negra. Otros colores, y más tarde, el relleno de las notas (ennegrecimiento) fueron usados para indicar imperfecciones o alteraciones, etc.

Contexto social

El ascenso de la burguesía como clase social, las ideas del humanismo (incluyendo la revalorización de las artes como puro disfrute personal) y el invento de la imprenta produjeron una extraordinaria y nueva difusión de la música culta. Esta pasó de ser un privilegio solo al alcance de la nobleza y el alto clero, y ejecutada exclusivamente por profesionales, a ocupar también un lugar en el ocio de las clases medias, que consumían la amplia literatura musical profana publicada en toda Europa para uso casero de aficionados: canciones polifónicas en Francia, libros de vihuela y villancicos en España, madrigales en Italia e Inglaterra... Tocar un instrumento musical pasó de ser tarea propia de menesterosos a refinado pasatiempo de las clases altas, recomendado incluso por Maquiavelo en El Príncipe.

Historia y evolución

Los dos siglos abarcados por el estilo renacentista suelen ser históricamente divididos en cinco generaciones de compositores.

La influencia del nuevo estilo inglés ( John Dunstable, Leonel Power), basado en el uso de terceras y sextas como consonancias (practicadas de forma improvisada y sistemática en el fauxbourdon), hizo que fueran desapareciendo los rasgos de la música medieval tardía, tales como la isorritmia y la sincopación extrema, resultando un estilo más límpido y fluido. Si bien se perdió complejidad rítmica, se ganó en vitalidad rítmica y el empuje armónico cadencial se convirtió en un aspecto importante hacia mediados del siglo.

Es en esta época cuando fueron gradualmente establecidas las reglas del contrapunto académico, aún hoy de algún modo vigentes en la enseñanza escolástica, tales como la prohibición de quintas y octavas paralelas y la restricción de las directas. Los más notables autores de este tiempo estuvieron en la órbita del ducado de Borgoña (que incluía también tierras de las actuales Holanda, Bélgica y el norte de Francia), como Guillaume Dufay y Gilles Binchois. Sus misas presentan ya voces de similar importancia, texturas a cuatro voces, imitaciones y control de la disonancia; sin embargo en sus chansons podemos reconocer aún ciertos rasgos medievales, como las formas trovadorescas (), la textura a tres voces de las que las dos inferiores se cruzan y parecen instrumentales... Incluso sus motetes, como el célebre Nuper rosarum flores de Dufay (escrito para la inauguración de la cúpula de la catedral de Florencia de Brunelleschi) presentan aún isorritmia y otros rasgos ya obsoletos.

En la generación de Antoine Busnois y Johannes Ockeghem se afianzaron las nuevas reglas del contrapunto, consolidándose la polifonía imitativa en un estilo erudito de frases larguísimas y sofisticadas. Se usaron extensamente las técnicas del canon, convencional o mensural (Ockeghem incluso compuso una misa, la Prolationum, en la cual todas las piezas se derivaban canónicamente a partir de una sola línea musical), resultando un complejo estilo que se puede quizás correlacionar con el detallismo imperante en la pintura y la arquitectura de la época.

Todavía en torno a 1500 los mejores compositores surgen de las actuales Bélgica y norte de Francia, fruto de una larga tradición local que exportaba maestros de capilla a toda Europa, y especialmente a Italia: Compère, Agrícola, Obrecht, Isaac, Mouton, de la Rue... Aparece así uno de los mayores genios de la historia musical, Josquin des Prez, cuyo estilo claro, limpio y elegante se convierte en modelo de estilo polifónico para toda Europa: cadencias claras y frecuentes, secciones a dos o tres voces, pasajes homofónicos que subrayan el texto, clara articulación general de la forma, líneas melódicas equilibradas y de apariencia sencilla... Gracias a su enorme influencia y a la imprenta se consolidará un estilo internacional común en Alemania, Italia, España, Francia e Inglaterra. Entre las muchas obras maestras de Josquin, de todos los géneros, cabría destacar la Misa Pange Lingua.

Durante las décadas de inicio del siglo XVI la convención musical de un tactus (pensemos en el moderno compás) de dos semibreves=una breve comenzó a ser tan común como el de tres semibreves=una breve, como había sido habitual hasta entonces.

Entrado ya el siglo XVI el estilo internacional (fuertemente influido por Josquin) se impone en la música religiosa, si bien autores como el español Cristóbal de Morales, Nicolas Gombert o Willaert tienden a aumentar el número de voces (típicamente cinco), homogeneizar la textura, alargar frases y ocultar las cadencias, volviéndose de algún modo así a las maneras más complejas y refinadas de Ockeghem.

Es en esta época cuando se consolidan los estilos locales de la música profana: aparecen el nuevo madrigal italiano ( Festa, Arcadelt, Verdelot), el villancico, la batalla y la ensalada españoles y la chanson parisina (con frecuencia homofónica, y muchas veces onomatopéyica y humorística). En España se publican libros para vihuela que incluyen canciones para voz con acompañamiento ( Narváez, Fuenllana, Milán, Mudarra...).

Teniendo entonces el oficio de músico (cantor, maestro de capilla, organista, ministril...) una gran dependencia de la Iglesia, la convulsión provocada por la Reforma protestante y la Contrarreforma afectó de lleno al estilo musical. Pasado el peligro de supresión de la polifonía (que sí se ejecutó entre algunos reformistas radicales), el concilio de Trento desalentó la excesivamente compleja polifonía por impedir la comprensión del texto, fomentando la homofonía y en general la claridad. Giovanni Pierluigi da Palestrina vino a cultivar un fluido estilo de contrapunto libre en una densa y rica textura en la cual las disonancias eran seguidas por consonancias en cada pulso, y los " ritardandos" eran muy habituales. Este estilo quedó fijado como modelo para la música religiosa de su tiempo (aunque quizás no tanto como ha querido ver la historiografía decimonónica), y desde entonces para la enseñanza del contrapunto académico. Contemporáneos de Palestrina fueron algunos de los polifonistas más reconocidos por la posteridad: Francisco Guerrero, Orlando di Lasso, Tomás Luis de Victoria y William Byrd.

En este período, el tactus era generalmente de dos semibreves por breve, con tres por breve para los efectos especiales y las secciones culminantes; se trataba de una revocación casi completa de la técnica que había prevalecido en el siglo anterior.

Diversas razones, algunas de origen puramente musical y otras ideológicas (las reformas religiosas, el intento de recreación del teatro griego por los humanistas en la ópera) causaron la progresiva descomposición del estilo musical típico del Renacimiento: la policoralidad, el estilo concertante, la creación de la monodia y la consiguiente aparición del bajo continuo disolvieron la textura polifónica, mientras el cromatismo extremo y las tendencias tonales (como las quintas como movimiento entre fundamentales) rompían el sistema modal diatónico.

William Byrd.

En Venecia, desde 1534 hasta aproximadamente 1600, se desarrolló el impresionante estilo policoral, que dio a Europa algunas de las más espléndidas composiciones musicales de aquellos tiempos, con los múltiples coros de cantantes, metales y cuerdas en diferentes espacios de la Basílica de San Marcos de Venecia (ver Escuela veneciana). Estas múltiples combinaciones, que contenían ya el germen del estilo concertante, se difundieron por toda Europa en las décadas posteriores, empezando por Alemania y propagándose poco después a España, Francia e Inglaterra, marcando el principio del cambio estilístico que conduciría al Barroco musical.

Más comúnmente llamada hoy melodía acompañada, se creó en Florencia, donde hubo un intento de revivir el drama y el estilo musical de la antigua Grecia mediante la monodia, un canto declamado sobre un acompañamiento instrumental simple (similar ya al bajo continuo); el contraste con el estilo polifónico entonces dominante era absoluto. Inicialmente la monodia fue utilizada solo en la música profana. Estos músicos fueron conocidos como la Camerata Florentina.

El manierismo

A finales del siglo XVI, acabando el Renacimiento, se desarrolló un estilo manierista radical. En música profana, especialmente en el madrigal, había una tendencia hacia la complejidad y hacia el cromatismo extremo (como se observa en los madrigales de Luzzaschi, Marenzio y Gesualdo). Musica reservata es un término que se refiere a un estilo o a una práctica musical a cappella de la época tardía, principalmente en Italia y el sur de Alemania, asociado al refinamiento, cierta exclusividad y una intensa expresión emocional del texto cantado. Además, en muchos compositores se observa una división en sus propios trabajos entre la primera práctica (observancia de las reglas estrictas del contrapunto) y segunda práctica (música del nuevo estilo) durante la primera parte del siglo XVII.

Tendencias conservadoras

Es esta época tardo renacentista la que ve nacer la llamada Escuela Romana. Muchos de sus compositores tenían una conexión directa con la Santa Sede y con la capilla papal, aunque trabajaron en otras iglesias; los compositores romanos eran estilísticamente más conservadores que los de la Escuela Veneciana. El origen de la Escuela Romana fue Giovanni Pierluigi da Palestrina, cuyo nombre ha sido asociado por más de 400 años con la tranquila, clara y perfecta polifonía.

El breve pero intenso florecimiento del madrigal en Inglaterra, sobre todo entre 1588 y 1627, es conocido como la Escuela Madrigalista Inglesa. Los madrigales ingleses eran a cappella, predominantemente ligeros en estilo, y generalmente empezaban como copias o traducciones directas de los modelos italianos. La mayoría fueron escritos para entre 3 y 6 voces.

Compositores del Renacimiento

Referencias

Atlas, Allan W. (ed.): Renaissance music. W. W. Norton, 1998. La música del Renacimiento. Madrid: Akal, 1998. (Google Libros)

Atlas, Allan W. (ed.): Antología de la música del Renacimiento. Madrid: Akal, 1998. ISBN 84-460-1615-X (Google Libros)

Gallico, Claudio: Historia de la música, 4. La época del humanismo y del Renacimiento. Madrid: Turner, 1986.

Gleason, Harold & Becker, Warren: Music in the Middle Ages and Renaissance. Frangipani Press, 1986. ISBN 0-89917-034-X

Grout, Donald & Palisca, Claude: Historia de la música occidental. Madrid: Alianza, 1993.

Reese, Gustave: Music in the Renaissance. W. W. Norton, 1954. La música en el Renacimiento. Madrid: Alianza, 1988. ISBN 84-206-8943-2

Stevenson, Robert: La música en las catedrales españolas del Siglo de Oro. Madrid: Alianza, 1993. ISBN 84-206-8562-3

Véase también

Enlaces externos

Canal de videos, con ejemplos sonoros de música profana medieval y renacentista

Ancient FM Emisora de radio en línea especializada en música medieval y renacentista.

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Música del Renacimiento - Wikipedia, la enciclopedia libre

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La música del Renacimiento o música renacentista es la música escrita durante el Renacimiento, entre los años 1400 y 1600. Las características estilísticas de la música renacentista son su textura polifónica, que sigue las leyes del contrapunto, y está regida por el sistema modal heredado del canto grecolatino.

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Cada época de la historia nos brinda hallazgos y descubrimientos únicos que forman a ser parte de nuestro conocimiento colectivo; estas enseñanzas evolucionan y se desarrollan para formar parte de nuestra vida actual. De la misma manera sucede en el arte y en la música. El Barroco fue la época que comenzó un viaje en la música que establecería todas las reglas formales de la música clásica, así que conocer este tipo de música nos puede brindar una mayor apreciación en esta disciplina. En esta lección de unPROFESOR hablaremos acerca de las características de la música en el barroco y podremos localizar que elementos han trascendido a través de la historia.

El Barroco fue un movimiento en Europa, especialmente con auge en Italia, Alemania, Inglaterra, Francia y España durante el s. XVII. Muchos lo sitúan desde el nacimiento de la ópera en el año 1600 hasta la muerte del compositor Johann Sebastian Bach en 1750.

La música en el Barroco tenía una fuerte apreciación artística hacia los extremos, l a hechura y el contraste. Al barroco muchas personas lo definen como "pesado" y "retorcido". Dejando a un lado lo subjetivo, para la música este tiempo en la historia es crucial, ya que fue un momento de reformas en donde la música se vuelve un elemento poderoso como espectáculo público y se utilizó como un medio de influencia. Para el músico resultó ventajoso porque muchas veces pasó a ser un sirviente de la nobleza y asegurar así su subsistencia (en algunos casos durante toda la vida) gracias a sus encargos.

Algunos compositores importantes del Barroco fueron Georg Fredrich Händel, Georg Phillip Telemann, Antonio Vivaldi, Jean-Baptiste Lully, Henry Purcell, Domenico Scarlatti, Claudio Moteverdi y quizás uno de los músicos más influyentes de la historia: Johann Sebastian Bach.

Musicalmente el barroco fue una época que determinó y desarrolló del lenguaje instrumental de la orquesta, gracias ala popularidad de la ópera. Puesto que esta se interpretaba en espacios grandes como los teatros, las obras se realizaban también grandiosas, con las voces acompañada por grupos instrumentales.

En la orquesta barroca, los instrumentos predominantes en la orquesta fueron los instrumentos de cuerda frotada, es decir la sección de violines, violas, violoncellos y contrabajos.

Si hablamos de elementos musicales y técnicos específicos de la música barroca, encontramos los siguientes patrones:

La aparición del concepto de tonalidad

Las obras obtienen una dirección armónica y una estructura que va desarrollando la obra, sin variar súbitamente. La tonalidad le provee constancia y reglas armónicas a las piezas de ésta época.

Bajos de uso continuo

Casi siempre en la música barroca se utiliza el bajo como la nota guía fundamental de la estructura a lo largo de las obras, siendo esta el pilar central armónico e insistiendo para poseer un sonido sólido, claro y transparente.

Tipos de compás claros y sencillos

A diferencia de la música clásica más moderna, la métrica (tipos de compás) solían establecerse de principio a fin, sin variaciones numerosas.

Utilización de voces extremas simultáneas

A esto también se le llama textura bipolar y es cuando dos voces o líneas melódicas suenen simultáneamente teniendo una gran distancia de afinación entre ellas, es decir que mientras una voz podía ser muy aguda, otra que suena al mismo tiempo podía ser muy grave.

Acordes de progresiones funcionales

Se utilizaban acordes y cadencias (progresión de acordes) que tenían una dirección musical clara, sin muchas sorpresas o cambios inesperados que podían desubicar armónicamente al espectador.

Espacios amplios para la improvisación el virtuosismo

Se apreciaba mucho el virtuosismo durante ésta época, así que dentro de la estructura de una obra se dejaba un espacio reservado para que un solista pudiese improvisar sobre dicha estructura y mostrar sus habilidades con su instrumento.

Fuertes contrastes sonoros

Tiene relación con la utilización las texturas bipolares y permite ofrecer claridad y transparencia en el sonido.

Instrumentación

Como mencionamos anteriormente, los instrumentos de cuerda frotada formaron parte crucial de la música barroca. Aparte, se da el uso de instrumentos de viento como la flauta y el oboe como instrumento solista. En cuanto a instrumentos con capacidad de acordes tenemos el arpa, el órgano, el clave y el laúd, entre otros.

Formas musicales del Barroco

Las formas musicales del Barroco se pueden dividir en dos categorías: formas vocales y formas instrumentales. Es en esta época que se asientan formas musicales importantes como la ópera, el oratorio, la cantata, el concierto, la sonata y la suite. En general podemos dividir las formas en vocales e instrumentales.

Formas vocales

La más destacada es la ópera, que es un género teatral y contribuyó ampliamente a la popularidad y desarrollo de la música como disciplina formal. La ópera posee un argumento base que es plasmado en un libreto e interpretado principalmente por cantantes en escena, acompañados por instrumentistas. Similar a la ópera, también existía el Oratorio. Dentro de otras formas tenemos la cantata, con carácter litúrgico, y el motete, pero con menor popularidad y casi obsoleto durante esta época.

Formas instrumentales

Dentro de las formas instrumentales del barroco podemos mencionar la sonata, el concierto grosso, la suite y algunas formas solísticas dedicadas a la improvisación como el preludio, la tocata, la fantasía y la fuga.

Para que toda esta información no quede sólo en forma teórica y puedas aplicar tu conocimiento, valdría la pena que puedas buscar y escuchar música, de tal manera comprenderás mejor los datos que te hemos brindado en este artículo de unPROFESOR acerca de las características de música en el Barroco.

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Características de música en el Barroco - ¡¡RESUMEN CORTO!!

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El BARROCO fue la época en la que se establecerían todas las reglas formales de la música clásica y en unPROFESOR queremos descubrirte las principales características de MÚSICA en el Barroco

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Las personas nos vemos influenciadas naturalmente por todo lo que nos rodea. El conjunto de circunstancias, el contexto histórico, la sociedad... son los miles de factores que suceden a nuestro alrededor los que definen nuestra forma de pensar y vivir. Eventualmente, tenemos también la capacidad de influir en nuestro medio y es así como las épocas van cambiando y los artes evolucionando.

Cada etapa es importante en la historia porque es un paso de cambio, sin embargo hay algunos momentos clave que afectarán radicalmente el resto de historia por venir. Este es el caso en la música con el clasicismo, un tiempo que asentó muchas bases para la música clásica como la conocemos hoy en día. En esta lección de unPROFESOR titulada Clasicismo musical: características aprenderemos acerca de esta etapa en a historia de la música.

Antes de entrar con las características del clasicismo musical es importante que entendamos el contexto histórico de este movimiento. El clasicismo sucedió aproximadamente entre los años 1750 y 1820 en Europa, teniendo a Viena como la ciudad más importante a nivel musical, seguida por París, Berlín y Mannheim.

En épocas anteriores la música era un arte que principalmente era realizado por los aristócratas, siendo este un arte considerado refinado y utilizado principalmente para la amenización de eventos de la sociedad, conciertos privados familiares o de público exclusivo y para funciones litúrgicas. En contraste, en esta época pasa a ser difundida por primera vez por el publico de la burguesía. Esto ocasionó un aumento en el alcance de la música al público general y también de manera internacional.

Viniendo del estilo Barroco en donde se apreciaba la densidad, la ornamentación cargada y los extremos, el clasicismo surge propone su estética como una respuesta. En contraste, la música del clasicismo se caracteriza por su transparencia, claridad, simetría y solidez en la tonalidad. El objetivo principal de este estilo es la búsqueda de la naturalidad y el rechazo los excesos.

Dentro de las características de la música clásica destacamos las siguientes:

Este estilo musical posee una melodía principal que es apoyada y acompañada por el resto de la instrumentación. Estas melodías eran el objetivo primordial, teniendo un carácter cantabile (melodioso, relacionado con el canto de la voz).

Armónicamente las armonías son muy claras y estructuradas, con acordes que permanecen en sus funciones específicas y con una dirección cadencial definida.

Predomina el modo mayor, que es relacionado con la vitalidad, el gozo y la alegría, en contraste con el modo menor que se percibe como sombrío.

En cuanto a tiempo y rítmica se encuentra también todo muy definido, el compás es claro y se rige sólidamente a los cambios armónicos.

En ésta época la orquesta sinfónica aumenta de tamaño. Se comienza a experimentar más con movimientos de dinámica y articulaciones en conjunto, lo cual deja en segundo plano al instrumentista como solista.

Y terminamos esta lección sobre las características del clasicismo musical hablando sobre las formas musicales del clasicismo. Es en esta época cuando se pautan los modelos de la música clásica, formas que perdurarían como la sinfonía y la sonata.

La sinfonía por ejemplo, es una obra compuesta para a interpretación de la orquesta sinfónica completa y es quizás una de las formas más grandiosas y completas de la música clásica. Se compone de varios movimientos y tiene una duración más larga en comparación a otras formas.

En cuanto a la Sonata podemos decir que es probablemente la forma más difundida durante el clasicismo. Se destinaba a la interpretación de un solista o un dúo, conformado generalmente por un instrumento melódico y piano. La sonata posee una estructura de desarrollo definida que se asentó en el clasicismo y que perdura hoy en día.

Dentro de otras formas del clasicismo podemos mencionar la serenata, o divertimento y la ópera. También eran comunes las formaciones como el trío, el cuarteto y el quinteto. Finalmente en cuanto a la música religiosa, queda mencionar que en esta época se encontraba en declive. Sin embargo, surgieron formas importantes como el réquiem, que tiene un carácter fúnebre.

El clasicismo surge justo a partir de la muerte de uno de los músicos más importantes de la historia: Johann Sebastian Bach. Los músicos que le seguirían, si bien desarrollaron su propio camino se vieron influidos de alguna manera u otra por su trabajo.

Dentro de los músicos importantes de esta época tenemos a nada menos que a Wolfgang Amadeus Mozart que es quizás una de las figuras más reconocidas en la música clásica, siendo considerado un niño prodigio y creador de numerosas obras musicales, dentro de las cuales destacan sus sinfonías. En esta época también tenemos a Franz Joseph Haydn, Johann Christian Bach (hijo de Bach), Antonio Salieri, Luigi Boccherini, Muzio Clementi y Níccolo Paganini entre otros.

En todas las áreas de la historia existen puntos que definen los tiempos por venir, el clasicismo es definitivamente uno de estos períodos que nos dejarían herencias innegables para el resto e las obras que estarían por crearse en el nombre e la música. Al final en el arte, es la excelencia y el alcance de la belleza lo que perdura.

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ROMANTICISMO musical y sus CARACTERÍSTICAS - ¡¡RESUMEN CORTO!!

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El Romanticismo fue un movimiento muy importante en todas las artes, también en la música. Por eso, en unPROFESOR aprenderemos acerca del ROMANTICISMO musical y sus CARACTERÍSTICAS

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Justo cuando pensábamos que ya se había inventado todo, sale a relucir la curiosidad humana y el hambre por expandir la creatividad para indagar en las profundidades de los artes. El mundo de la música clásica es un universo basto que ha pasado por muchas etapas y ha evolucionado de maneras extraordinarias. Aun así, surgen personas que llevan su interés a los extremos para seguir averiguando y aprendiendo del fenómeno del sonido. En esta lección de unPROFESOR aprenderemos qué es la música contemporánea y sus características para que puedas conocer la evolución alternativa de la música clásica y sus propiedades hoy en día.

Por contemporánea entendemos que vivimos en dicha época, así que la música contemporánea es toda aquella música reciente que se ha producido en los últimos años y que se sigue produciendo hasta la fecha. Más específicamente, se ha determinado que la época de la música contemporánea comenzó al finalizar el Modernismo musical, a mediados de los años setenta (1970). En otros casos, se considera que dicha etapa comenzó después de las formas de música postonal, al morir Anton Webern y en la época de la segunda Guerra Mundial (1939-1945).

Puesto que seguimos en esta etapa en curso, no se ha definido claramente si el término de "música contemporánea" debe aplicarse a la música actual de cualquier estilo, o si exclusivamente debe ser utilizado para la música de los compositores vanguardistas (que realizan música experimental). En todo caso, cuando se trata del marco clásico, nos referimos al último caso mencionado.

Resulta un poco complejo definir exactamente las características de la música contemporáne a porque muchas de las obras son creadas con ideas experimentales y de rompimiento de las estructuras de la música clásica con total libertad. De tal forma, obtenemos un sinfín de posibilidades que resultan difícil de definir o encasillar.

Si intentamos ser inclusivos, estas serían algunas de las características que encontramos en la música contemporánea:

Fusiona diversas técnicas musicales.

Recolección de estilos e ideas de distintas fuentes.

No pertenece necesariamente a un único estilo.

Se crea en cualquier parte del mundo, no se encuentra localizado en ningún continente o área en específico.

Los elementos de la música (armonía, tonalidad, ritmo, tempo, métrica, forma, texturas, instrumentación, etc.) no se aferran exclusivamente a nada sino que son totalmente libres, a menos que busquen apegarse a un estilo específico.

Posee varios movimientos distintos de los cuales encontramos una gran variedad: movimiento moderno, posmoderno, poliestilismo, conceptualismo, posminimalismo, música electrónica, neorromanticismo, espectralismo, neotonalismo, nueva simplicidad, libre improvisación, nueva complejidad y arte sonoro.

Cruza los límites y se vale de otros artes no necesariamente sonoros, como la pintura, la poesía y las artes plásticas.

La utilización de herramientas es totalmente libre, mientras exista un concepto musical. Elementos tan contradictorios como el propio silencio puede ser parte de una obra de música contemporánea. La obra 4'33" de John Cage es un gran ejemplo, pues dura el tiempo que indica el nombre de la obra y no se toca ni una sola nota.

Utilización de grabaciones o elementos musicales electrónicos que no son necesariamente instrumentos musicales.

Utilización de instrumentos digitales o electrónicos como los sintetizadores y el MIDI (que utiliza muestreos o "sampling" de instrumentos previamente grabados).

Puede retomar estilos musicales clásicos con la intención de reformarlos, como por ejemplo el neoromanticismo, que sigue algunos principios del Romanticismo.

En ocasiones la música contemporánea puede tornarse confusa o muy compleja de comprender, así que como respuesta algunos músicos buscan la simplicidad.

Explora las propiedades del sonido en sí, como por ejemplo el timbre musical. La música espectral es un ejemplo de ello, en donde se juega con la percepción del sonido para la creación de obras musicales.

Reutilización de técnicas utilizadas con menos frecuencia en las últimas épocas como la tonalidad estricta. El neotonalismo por ejemplo.

Algunos estilos de música contemporánea no buscan seguir un estilo específico, sino que por lo contrario intentan romper las reglas o la estructura de alguna idea en particular.

Juego con la improvisación y la espontaneidad para liberar totalmente la creatividad.

Se busca en ocasiones evitar referenciar géneros o estilos musicales reconocibles con la intención de crear algo totalmente nuevo.

Puede ser muy abstracta, disonante y atonal. Lo cual puede resultar en difícil de escuchar o incluso de comprender.

Utilización de técnicas extendidas, texturas complejas, inestabilidad como recurso, microtonalidad (utilización de tonos menores al semitono), melodías discontinuas, cambios bruscos de texturas y ritmos complejos.

Incorpora otros elementos y sentidos además de la audición, resultando en la utilización de la tecnología, la escultura, el video, el cuerpo humano y mucho más.

No queda la menor duda de que la curiosidad es ilimitada para el ser humano y que resulta ser una de sus cualidades más importantes para la evolución y el desarrollo en el arte.

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Qué es la música CONTEMPORÁNEA y sus características - RESUMEN

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Justo cuando pensábamos que ya se había inventado todo, sale a relucir la curiosidad humana y el hambre por expandir la creatividad para indagar en las profundidades de los artes. El mundo de la música clásica es un universo basto que ha pasado por muchas etapas y ha evolucionado de maneras extraordinarias.