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La Cappella Sistina è una chiesa ad una navata che si trova all'interno della Città del Vaticano. Di forma rettangolare, le sue misure sono circa 41 metri di lunghezza, 13 di larghezza e 20 di altezza. Secondo alcuni studiosi le dimensioni ricalcano quelle dell'antico Tempio di Salomone a Gerusalemme.Nasce dal restauro della Cappella Magna e deve il nome a Sisto IV, il pontefice che intorno al 1475 avvia i lavori. La decorazione è affidata a grandi artisti come il Perugino, il Ghirlandaio e Sandro Botticelli. Gli affreschi delle pareti hanno tre temi principali: la vita di Mosè, la vita di Cristo e i ritratti dei pontefici del passato. La volta riproduce un cielo stellato. Nel 1508, Papa Giulio II decide di arricchire le decorazioni della volta. Affida l'incarico al pittore e scultore toscano Michelangelo Buonarroti. Nell'arco di 4 anni Michelangelo realizza un affresco maestoso. La parte centrale della volta racchiude passaggi della Genesi: la creazione di Adamo, il diluvio universale, la missione di Noè. A fare da cornice a questa narrazione, Michelangelo dipinge immagini di Sibille e Profeti. La plasticità di queste figure e il loro isolamento creano una sensazione di profonda spiritualità. A vent'anni di distanza, Michelangelo è chiamato per un nuovo lavoro nella Cappella Sistina. Gli viene commissionata la realizzazione della grande parete alle spalle dell'altare: l'opera deve rappresentare il momento travagliato che la Chiesa sta attraversando. È infatti il periodo di poco successivo alla riforma del monaco tedesco Martin Lutero: solo pochi anni prima si è verificato il cosiddetto Sacco di Roma, l'invasione della città ad opera di mercenari tedeschi protestanti.

Michelangelo copre le decorazioni esistenti e realizza un secondo affresco. È il Giudizio Universale, largo circa 14 metri e alto 12. Michelangelo pone come sfondo un cielo privo di riferimenti prospettici e lo riempie di figure umane strette in piccoli gruppi. L'eccezionale dinamismo delle immagini riesce a riprodurre il sentimento di forte angoscia dell'umanità di fronte al tribunale divino. Le nudità presenti nel Giudizio Universale provocano grandi critiche e nel corso degli anni diversi pittori sono chiamati a coprirle. Questo incidente di percorso non incide sulla fortuna delle opere. Nei suoi affreschi, Michelangelo unisce un sincero sentimento di fede cristiana ad una grande attenzione all'uomo e alla sua condizione, rendendo la Cappella Sistina un simbolo del Rinascimento. Ancora oggi la cappella è la sede del conclave, l'assemblea di cardinali che elegge il nuovo Papa. La Cappella Sistina si trova all'interno dei Musei Vaticani, nella Città del Vaticano.

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La Cappella Sistina è una chiesa ad una navata che si trova all'interno della Città del Vaticano. Di forma rettangolare, le sue misure sono circa 41 metri di lunghezza, 13 di larghezza e 20 di altezza.

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La Madonna del cardellino è un dipinto a olio su tavola realizzato a Firenze da Raffaello Sanzio intorno al 1507. Nei primi anni del'500 Firenze vive un momento di grande fermento culturale. I nobili fiorentini fanno a gara per commissionare opere ai pittori e agli scultori più bravi del momento. Leonardo e Michelangelo dominano la scena artistica. È l'ambiente ideale per un giovane in cerca di affermazione come Raffaello che nel 1504 si trasferisce da Urbino a Firenze. In questi anni Raffaello conosce il ricco mercante fiorentino Lorenzo Nasi. In occasione delle sue nozze realizza la Madonna del Cardellino, una delle tante variazioni sul tema della Vergine che il pittore affronterà spesso nel corso della sua vita. Il quadro raffigura la Madonna seduta su una roccia con un libro in mano, la testa inclinata, lo sguardo rivolto verso il basso. Davanti a lei, il piccolo San Giovanni Battista porge un cardellino a Gesù. La composizione è organizzata secondo uno schema piramidale che si ispira ai quadri di Leonardo. La Madonna è al vertice di un triangolo immaginario. Lo stesso uso del chiaroscuro sui volti reca un'evidente impronta leonardesca.

Nella monumentalità delle figure che si staccano dallo sfondo e nella collocazione di Gesù tra le ginocchia della Madre è invece riconoscibile l'influenza di Michelangelo. L'originalità e la grandezza dell'opera stanno nell'atmosfera intima e soave della scena, espressione di un'idea di bellezza intesa come equilibrio, armonia, naturalezza dei gesti e serena spiritualità. Per copiare le tre figure umane dal cartone preparatorio alla tavola di legno su cui verranno dipinte, Raffaello usa la tecnica dello spolvero: il disegno viene prima forato lungo le linee, poi posto sulla tavola e infine coperto con un colore in polvere per lasciare la traccia sul legno. Il paesaggio collinare sullo sfondo e il ponticello sono invece dipinti a mano libera. La scena è densa di significati religiosi: l'atto del Battista di porgere il cardellino è il presagio della Passione di Cristo. Si ritiene infatti che, durante la crocifissione, un uccellino si sia posato su Gesù macchiandosi il piumaggio di sangue. Il libricino aperto in mano alla Vergine rappresenta la Rivelazione, cioè la prefigurazione del destino di Cristo. Nel 1547 la casa di Lorenzo Nasi, dove l'opera è custodita, crolla. Il figlio di Nasi, Giovanbattista, riesce a recuperare il dipinto sotto le macerie. La tavola è spezzata in 17 frammenti ma, fortunatamente, si può ricomporre. Dal 1999 al febbraio 2008 l'opera viene sottoposta a un lungo restauro. La Madonna del cardellino si trova a Firenze alla Galleria degli Uffizi.

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La "Madonna del cardellino" è un dipinto a olio su tavola realizzato a Firenze da Raffaello Sanzio intorno al 1507. Raffigura la Madonna seduta con davanti a lei il piccolo San Giovanni Battista che porge un cardellino a Gesù. Si trova a Firenze alla Galleria degli Uffizi.

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FACEBOOK - https://www.facebook.com/azione.prometeo BLOG - http://azioneprometeo.wordpress.com Il genio e il suo tempo Una mente superiore in un'epoca di grandi uomini: Leonardo è uno straordinario artista, scienziato e inventore, capace di prevedere ante litteram la possibilità di costruire macchine volanti, sommergibili, paracadute, carri armati, secoli prima della loro diffusione.

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IL David di Michelangelo spiegato da A. Paolucci

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Lo Sposalizio della Vergine è un dipinto a olio su tavola realizzato dal pittore Raffaello Sanzio nel 1504. Raffaello si trova in Umbria, ha finito da tre anni l'apprendistato dal Perugino e sta per trasferirsi a Firenze, in questo periodo capitale dell'arte italiana.
A Perugia il mercato della pittura è monopolizzato dal Perugino, che oltre ad essere un artista è anche un abile imprenditore. Raffaello deve trovare una sua autonomia, commerciale e stilistica. Le sue prime opere sono destinate allora alla Chiesa della vicina Città di Castello. Una di queste è Lo Sposalizio della Vergine, commissionato dalla famiglia Albizzini. Il tema delle nozze di Giuseppe e Maria è ripreso da un'opera del Perugino. In primo piano, il sacerdote e i due sposi. Da un lato giovani donne eleganti, dall'altro pretendenti delusi.

Le differenze tra i due dipinti sono, però, enormi. Raffaello inverte la disposizione delle 2 schiere di uomini e di donne. La leggera inclinazione dei volti e la naturalezza dei gesti conferisce alla scena un armonico dinamismo che supera la staticità dei personaggi del maestro. Il tempio nel dipinto del Perugino è di forma ottagonale con un pronao su ognuno dei 4 lati principali. La cupola viene tagliata fuori dalla rappresentazione. Raffaello inserisce invece la cupola nel dipinto in modo da seguire la forma arcuata della tavola, aumenta il numero delle facciate del tempio e lo circonda con un colonnato per evidenziarne la circolarità. La prospettiva viene accentuata: le linee disegnate dai lastroni del pavimento fuggono verso gli spigoli della scalinata, convergendo tutte sulla porta del tempio. Sull'architrave Raffaello pone la sua firma. La chiave interpretativa del dipinto è il cerchio, simbolo della perfetta armonia che si compie nell'unione degli sposi. La circolarità si esprime in una composizione fatta di linee curve. Il tempio non è più soltanto lo sfondo del dipinto come nel Perugino ma acquista tridimensionalità e si pone come centro della piazza circolare dove si celebra il matrimonio. L'anello, ancora una volta figura circolare, è il fulcro della scena: qui si concentrano gli sguardi di tutti i personaggi che ne enfatizzano, così, la carica simbolica.

Il dipinto viene prelevato da Città di Castello nel 1798 e poi passa nelle mani della famiglia Lechi. Tre anni dopo viene venduto al collezionista milanese Giacomo Sannazzari, che la donerà all'Ospedale Maggiore di Milano. Nel 1806 il dipinto di Raffaello viene acquistato dalla Pinacoteca di Brera. Nel 1958 il quadro viene danneggiato da un folle che riesce a rompere la lastra di vetro che protegge la tavola. Lo Sposalizio della Vergine si trova a Milano nella Pinacoteca di Brera.

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"Lo Sposalizio della Vergine" è un dipinto a olio su tavola realizzato dal pittore Raffaello Sanzio nel 1504. La chiave interpretativa del dipinto è il cerchio, simbolo della perfetta armonia che si compie nell'unione di Giuseppe e Maria. Si trova a Milano nella Pinacoteca di Brera.

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La Scuola di Atene è un affresco del pittore Raffaello Sanzio realizzato tra il 1510 e il 1511. In un edificio ideale Aristotele e Platone occupano il centro di un consesso di filosofi antichi. All'inizio del '500 la fama dei quadri di Raffaello sul tema della Vergine è giunta fino a Roma. Nel 1508 Raffaello viene introdotto dall'architetto Bramante alla corte pontificia che proprio in questi anni inaugura una nuova stagione di committenza artistica e diventa centro d'incontro di umanisti e eruditi di tutta Italia. Papa Giulio II della Rovere affida a Raffaello il compito di dipingere le Stanze Vaticane operando una sintesi tra cultura classica e messaggio cristiano. La biblioteca privata del Papa si trova nella Stanza della Segnatura; Raffaello realizza un complesso pittorico che ne decora le pareti e comprende 4 affreschi, metafore della Verità spirituale, del giusto e del bello. Il quarto, allegoria della verità razionale, è La Scuola d'Atene, imponente affresco lungo 7 metri e 70. La composizione mostra linee di fuga che convergono verso il centro del dipinto. Il vasto edificio marmoreo è decorato con sculture pagane. Le statue di Apollo e Minerva rappresentano il mondo del mito.

Nei lineamenti di Platone è riconoscibile il volto di Leonardo. Si trova al centro dell'affresco e indica il cielo, il mondo delle idee; alla sua sinistra Aristotele rivolge la mano verso il basso, il mondo naturale. Socrate, invece, dialoga con i cittadini ateniesi. Attorno si riconoscono altri celebri filosofi e matematici: Pitagora, Zenone e Diogene. Euclide istruisce gli allievi, il suo volto è quello del Bramante. Vicino a lui, Zoroastro sorregge la sfera celeste; Tolomeo la sfera terrestre. Eraclito, pensoso, ha i tratti del pittore Michelangelo. Raffaello avrebbe deciso di omaggiarlo dopo aver visto i suoi affreschi della Cappella Sistina nell'estate del 1511. 4 personaggi rivolgono lo sguardo allo spettatore creando un effetto di grande coinvolgimento emotivo: sono la figura con la veste bianca, i 2 fanciulli, e Raffaello stesso che si autoritrae. I concetti astratti della filosofia sono umanizzati dalla gestualità naturale dei filosofi che dialogano. Lo stile pittorico è monumentale. I 4 archi dell'edificio affrescato seguono uno schema compositivo ritmico, che crea un effetto ottico di grande profondità prospettica. Il 22 aprile 1996 La Scuola d'Atene viene svelata dopo il restauro. Durante i lavori vengono alla luce una serie di impronte rimaste nello stucco fresco che apparterrebbero, con buona probabilità, proprio a Raffaello. La Scuola di Atene è tuttora visibile a Roma presso i Musei Vaticani.

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"La Scuola di Atene" è un affresco del pittore Raffaello Sanzio realizzato tra il 1510 e il 1511. In un edificio ideale Aristotele e Platone occupano il centro di un consesso di filosofi antichi. Si trova a Roma presso i Musei Vaticani.

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“L’Ultima Cena” è un dipinto murale realizzato con tecnica a fresco dall’artista toscano Leonardo da Vinci tra il 1494 e il 1498. Il soggetto dell’opera è l’ultima cena di Gesù insieme agli apostoli, prima di venire arrestato. L’opera può essere ammirata a Milano nel refettorio del convento di Santa Maria delle Grazie

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APPROFONDIMENTO DAL SITO DELLA PROFESSORESSA PULVIRENTI

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APPROFONDIMENTO DAL SITO DELLA PROFESSORESSA PULVIRENTI

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Come preparare una presentazione in powerpoint- Tecnologia

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PowerPoint: slide, caselle di testo, frecce, collegamenti ipertestuali

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3 Corso PowerPoint | Daniele Castelletti | Associazione Maggiolina

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Mappe concettuali per studiare da Michelangelo Buonarroti a Tintoretto

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Architetto, pittore, scenografo, Gian Lorenzo Bernini è uno dei maggiori scultori del '600 italiano. Le sue opere tendono a superare i limiti della scultura, dialogano con lo spazio architettonico e urbano, e interpretano la tendenza del periodo barocco a fondere tutte le arti. Figlio dello scultore fiorentino Pietro Bernini, Gian Lorenzo nasce a Napoli il 7 dicembre del 1598. Il padre rientra a Roma con la famiglia nel 1605 per lavorare nei cantieri di papa Paolo V Borghese; proprio in questa città Gian Lorenzo compie la sua formazione artistica studiando la scultura classica e la pittura di Caravaggio. Inizialmente allievo del padre, ne diventa poi uno dei collaboratori; la sua grande abilità nell'arte scultorea emerge fin dalle prime opere, realizzate intorno al 1615.

Tra i suoi committenti iniziali ci sono le grandi famiglie patrizie di Roma: i Borghese, i Barberini e gli Aldobrandini. Per il cardinale Scipione Borghese esegue quattro gruppi scultorei che lo tengono impegnato dal 1619 al 1625. Si tratta di Enea e Anchise, del Ratto di Proserpina, del David e di Apollo e Dafne, opere dal potente dinamismo, dall'efficace virtuosismo tecnico, e dall'espressiva rappresentazione psicologica. Successivamente Bernini viene scelto da Maffeo Barberini, il futuro papa Urbano VIII, per la realizzazione di spettacolari progetti urbanistici e architettonici a Roma. Esegue due tra i suoi capolavori: l'innovativo Baldacchino di San Pietro, con le sue colonne tortili, e l'imponente Monumento funebre di Urbano VIII, commissionato nel 1628. Nel 1629 Bernini, al culmine della fama, viene nominato architetto di San Pietro.

Quando però diventa papa Innocenzo X, la carriera di Gian Lorenzo subisce una battuta d'arresto: il suo ruolo di primo piano nel cantiere della famosa basilica è messo in discussione dal cedimento di uno dei campanili da lui stesso progettati: l'architetto preferito del nuovo papa diventa Francesco Borromini. In questi anni, nella Cappella Cornaro, Bernini inserisce L'estasi di Santa Teresa d'Avila, complesso scultoreo che spicca per il sensuale misticismo della santa, e per la suggestiva impostazione scenografica. Su commissione di Innocenzo X, negli anni a cavallo del 1650, realizza la Fontana dei Quattro Fiumi di piazza Navona; l'opera è ricca di riferimenti allegorici e naturalistici dallo spettacolare impatto visivo, volto a suscitare meraviglia. Negli anni successivi Bernini si dedica soprattutto alla realizzazione di progetti architettonici, come il Palazzo di Montecitorio a Roma, la Chiesa di Sant'Andrea al Quirinale, ed è incaricato di seguire la conclusione dei lavori per l'emiciclo di piazza San Pietro: tutta la piazza è avvolta nell'abbraccio del suo colonnato. Gian Lorenzo Bernini muore il 28 novembre del 1680, all'età di quasi 82 anni.

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Architetto, pittore, scenografo, Gian Lorenzo Bernini è uno dei maggiori scultori del '600 italiano. Le sue opere tendono a superare i limiti della scultura, dialogano con lo spazio architettonico e urbano, e interpretano la tendenza del periodo barocco a fondere tutte le arti.

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Il David è una scultura in marmo alta un metro e settanta realizzata a Roma da Gian Lorenzo Bernini tra il 1623 e il 1624. Quando riceve l'incarico di scolpire il David dal cardinale Scipione Borghese, l'artista ha venticinque anni; nello stesso periodo gli vengono commissionate anche le sculture di Enea e Anchise, il Ratto di Proserpina e Apollo e Dafne. Bernini rappresenta il David nel momento in cui l'eroe biblico, armato solo di una fionda, affronta il gigante Golia. A terra si trovano l'armatura e l'arpa di David, sulla quale è ben visibile una testa d'aquila, simbolo della dinastia dei Borghese. Il David di Bernini si inserisce in una consolidata tradizione iconografica: già nel rinascimento, Donatello, Verrocchio e Michelangelo scolpiscono l'eroe biblico. Il David rinascimentale viene immortalato in posa eretta, immobile, meditativo, consapevole della propria virtuosa superiorità.

Contro ogni precedente tradizione Bernini cerca invece di catturare il movimento e scolpisce David durante lo sforzo fisico della lotta: la muscolatura tesa e il torace incurvato fissano la scena nel marmo restituendo una rappresentazione di stupefacente istantaneità. Nella particolare torsione del busto si riconoscono i modelli da cui Bernini, probabilmente, trae ispirazione: il Discobolo di Mirone e il Polifemo di Annibale Carracci. La composizione scultorea è pensata per essere guardata da diverse angolazioni in modo da cogliere lo slancio rotatorio e i complessi elementi dinamici della figura. Osservando la statua da destra si ha l'impressione dello sbilanciamento del peso di David su una gamba nell'atto di caricare il colpo di fionda. Frontalmente la scena appare invece quasi congelata: è il gesto decisivo, quello che precede lo scatto violento del lancio della pietra. L'immobilità rende al meglio il momento di massima tensione, ovvero quell'attimo sospeso tra i due movimenti contrapposti del corpo che si carica e del suo successivo rilascio. Nel volto di David, dalla fronte corrucciata e dalle labbra serrate, pare che Bernini abbia riprodotto il proprio volto, una sorta di autoritratto in cui l'espressione di fatica dell'eroe è l'immagine dello sforzo dello scultore mentre vince la durezza del marmo. Un aneddoto vuole che sia il Cardinale Maffeo Barberini, il futuro Papa Urbano VIII, a sorreggere lo specchio in cui Bernini si vede riflesso durante il lavoro. Il David di Bernini si trova a Roma nella Galleria Borghese

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Il "David" di Bernini è una scultura in marmo alta un metro e settanta realizzata a Roma da Gian Lorenzo Bernini tra il 1623 e il 1624. Rappresenta il David nel momento in cui l'eroe biblico, armato solo di una fionda, affronta il gigante Golia. Si trova a Roma nella Galleria Borghese.

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Antonio Canova nasce a Possagno, un paese in provincia di Treviso, l'1 Novembre 1757. La sua famiglia lavora e scolpisce la pietra da generazioni: il nonno Pasino è un valido artigiano, soprattutto d'altari. È lui che avvia il giovane Antonio all'arte dello scalpellino. Nel 1768 Canova si trasferisce a Venezia, dove frequenta la scuola di nudo dell'Accademia e studia disegno. Antonio Canova si forma sullo sfondo del Neoclassicismo. Se negli anni precedenti l'arte era tesa a riflettere lo stile sfarzoso della corte papale, al tempo di Canova è la borghesia a farsi portatrice di un nuovo concetto estetico. Si predilige il nudo, la perfezione e l'armonia delle forme, il gusto del movimento: torna l'idea del "bello assoluto". Il modello è la civiltà classica greca e romana. Canova, è il massimo esponente del Neoclassicismo. Si dice che ne sia stato il Re.

Sono del 1776 le sue prime sculture monumentali: le statue di "Orfeo ed Euridice" e due anni più tardi lavora a "Dedalo e Icaro", la prima opera in cui utilizza un modello di gesso in grandezza reale, tipica dei suoi lavori successivi. Nel 1779 compie il suo primo viaggio a Roma, dove ottiene le prime commissioni, tra cui "Amore e Psiche", che viene ricordata come la sua opera più celebre. Il gruppo scultoreo rappresenta una allegoria della leggenda di Apuleio in cui i personaggi di Amore e di Psiche, sono eternati nell'istante che precede il bacio. 1802. Nominato da Pio VII Ispettore Generale delle Antichità e Belle Arti dello Stato della Chiesa, Canova si schiera apertamente contro la spoliazione delle opere d'arte nei territori occupati dai francesi in era napoleonica. Per questo motivo, rifiuta di ritrarre Napoleone nonostante le numerose richieste dell'Imperatore. Solo dopo la restituzione di alcune opere trafugate in Italia, darà vita alle statue "Napoleone come Marte pacificatore" e alla "Paolina Borghese Bonaparte". Nella sua vita torna nove volte a Possagno, ed è nel suo paese che in particolare si dedica alla pittura. L'11 Luglio del 1818 pone la prima pietra del "Tempio": opera destinata ad immortalare la memoria della sua arte e donata alla comunità del suo paese natale come chiesa parrocchiale. L'edificio viene ultimato dieci anni dopo la sua morte. Torna per l'ultima volta a Possagno nel 1822, dove gli viene diagnosticata una grave malattia all'intestino. Muore quello stesso anno a Venezia all'età di 65 anni. Il suo cuore è custodito nella Chiesa di Santa Maria Gloriosa dei Frari a Venezia, mentre il corpo torna a Possagno ed è conservato nel Tempio da lui iniziato.

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Antonio Canova nasce a Possagno, un paese in provincia di Treviso, l'1 Novembre 1757. La sua famiglia lavora e scolpisce la pietra da generazioni: il nonno Pasino è un valido artigiano, soprattutto d'altari. È lui che avvia il giovane Antonio all'arte dello scalpellino.

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Jacques-Louis David, artista francese, è uno dei massimi esponenti della pittura neoclassica. Nasce a Parigi il 30 agosto 1748. Riceve un'ottima istruzione ed eccelle nel disegno fin da piccolo. Dopo aver studiato presso artisti già affermati, entra in Accademia. L'esperienza fondamentale della sua formazione è un soggiorno a Roma di cinque anni, durante il quale studia le antiche rovine, la scultura classica e i capolavori dell'arte italiana. Elabora così uno stile ispirato all'arte antica e ai grandi maestri del '500 e del '600. Ma nella pittura di David il recupero della tradizione classica non riguarda solo lo stile; nell'antichità, soprattutto nella storia di Roma e nell'epica greca, David trova modelli di virtù e di impegno civile. Emblematico di questa concezione è Il giuramento degli Orazi, che rappresenta un episodio della storia romana. I tre fratelli raffigurati nel dipinto giurano di battersi con onore per la vittoria di Roma nella guerra contro Albalonga. Pronti a sacrificare la vita per la patria, sono campioni di coraggio e di forza morale. Lo stile di David è solenne, e riproduce efficacemente la grandezza dell'evento.

La vita di David si svolge in un periodo tumultuoso della storia europea. Nel 1789 a Parigi esplode la Rivoluzione Francese. David si impegna per la causa rivoluzionaria, militando tra le fila dei giacobini, la corrente più radicale che mira a istaurare la repubblica, e che prevarrà sulla fazione moderata. Eletto deputato al nuovo parlamento, David promuove una serie di riforme in campo artistico, tra cui la soppressione della vecchia Accademia e l'istituzione di una Comune delle Arti. In questo periodo dipinge tele dedicate ai condottieri politici morti per la rivoluzione, tra cui spicca Marat assassinato, uno dei suoi capolavori. Il quadro raffigura Jean-Paul Marat, leader giacobino ucciso da una nobildonna schierata con i girondini, la corrente più moderata del fronte rivoluzionario. I girondini conquistano il potere nel 1794. Come molti giacobini, David viene arrestato e trascorre un periodo in carcere. Inizia a meditare sulla necessità di una riconciliazione tra le diverse fazioni rivoluzionarie. La figura femminile che interviene per dividere i romani dai sabini nel quadro L'intervento delle sabine esprime questa esigenza di pacificazione. Nel 1799 sale al potere Napoleone Bonaparte. David vede in lui l'uomo giusto per guidare la Francia, e ne diventa il pittore ufficiale. L'artista celebra Napoleone con numerosi ritratti e dipinti che esaltano le sue imprese e idealizzano la sua figura. Dopo la caduta di Napoleone nel 1815, David si trasferisce a Bruxelles, dove dipinge soprattutto soggetti mitologici. Muore a Bruxelles il 29 dicembre 1825, a 77 anni.

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Jacques-Louis David è un artista francese vissuto tra il 1748 e il 1825. è uno dei massimi esponenti della pittura neoclassica.

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CONFRONTO TRA ARCHITETTURA BAROCCA E NEOCLASSICA

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CONFRONTO TRA ARCHITETTURA BAROCCA E NEOCLASSICA

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Confronti tra edifici barocchi e neoclassici.
Edifici analizzati:
(barocchi) colonnato di San Pietro, Chiesa di Sant'Ivo,
(neoclassici)Palazzina Stupinigi, Reggia di Caserta
Confronto diretto tra due edifici: Teatro della scala di Milano (neoclassico) e Chiesa di San Carlo alle quattro fontane (barocco).

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Confronto tra architettura barocca e neoclassica remake

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Confronti tra edifici barocchi e neoclassici. Edifici analizzati: (barocchi) colonnato di San Pietro, Chiesa di Sant'Ivo, (neoclassici)Palazzina Stupinigi, R...

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LEZIONE CONFRONTO SCULTURA BAROCCA E NEOCLASSICA

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LEZIONE CONFRONTO SCULTURA BAROCCA E NEOCLASSICA

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Confronto tra titani del barocco e neoclassicismo  Bernini e Canova