# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Nata grazie alla generosità e alla passione dei collezionisti milanesi, la Collezione del Museo del Novecento è una tra le più importanti raccolte d'arte italiana del XX secolo. Il percorso espositivo raccoglie circa 400 opere, allestite secondo un criterio cronologico. Data di partenza: 1902, l'anno di esposizione del Quarto Stato di Giuseppe Pellizza da Volpedo, cui è dedicata una sala lungo la rampa elicoidale ad accesso gratuito.

La Collezione prende avvio con un omaggio alle Avanguardie Internazionali, con dipinti d'inizio secolo di Pablo Picasso, Georges Braque, Paul Klee, Vasilij Kandinskij e Amedeo Modigliani. L'allestimento prosegue con il Futurismo, rappresentato da un nucleo di opere unico al mondo, con Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Fortunato Depero, Gino Severini, Carlo Carrà, Ardengo Soffici. Gli anni Venti e Trenta, tra Novecento e Astrattismo, si sviluppano e completano attraverso una sequenza di "isole" monografiche dedicate a Giorgio de Chirico, Giorgio Morandi, Arturo Martini e Fausto Melotti. A Marino Marini è destinato uno spazio proprio, che mira a fornire uno scorcio della ricca e variegata produzione dell'artista.

Al terzo piano si trova una sala dedicata alle opere informali dei maggiori maestri italiani: Alberto Burri, Emilio Vedova, Giuseppe Capogrossi, Gastone Novelli, Tancredi, Carla Accardi, Osvaldo Licini. Gli anni Cinquanta e Sessanta sono protagonisti di una sala allestita con opere di Piero Manzoni e degli artisti di Azimuth, da Enrico Castellani ad Agostino Bonalumi. A Lucio Fontana è dedicato l'intero ultimo piano dell'Arengario. Sala Fontana è stata progettata come un'opera ambientale immersiva per accogliere il grande soffitto del 1956, proveniente dall'Hotel del Golfo dell'Isola d'Elba e concesso in deposito dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali, il Neon di proprietà della Fondazione Fontana e i Concetti spaziali degli anni Cinquanta.

Attraverso la passerella sospesa, che collega il museo a Palazzo Reale, si accede alla sezione conclusiva, che affronta il periodo compreso tra i primi anni Sessanta e i primi anni Ottanta. Dall'Arte Cinetica e Programmata si giunge alle esperienze Pop e ai dipinti analitici, mentre l'arte concettuale è rappresentata nelle sue declinazioni italiane e internazionali.

Il percorso prosegue con la sala dedicata a Luciano Fabro, per poi dispiegarsi in una riflessione sulla nascita dell'installazione attraverso le opere di artisti quali Jannis Kounellis, Eliseo Mattiacci e Amalia Del Ponte; si chiude infine sulle soglie degli anni Ottanta con Mimmo Paladino, Nunzio Di Stefano, Paolo Icaro, Giuseppe Spagnulo e Alighiero Boetti.

# data[].attributes.attachment_link.description
Nata grazie alla generosità e alla passione dei collezionisti milanesi, la Collezione del Museo del Novecento è una tra le più importanti raccolte d'arte italiana del XX secolo. Il percorso espositivo raccoglie circa 400 opere, allestite secondo un criterio cronologico.

# data[].attributes.body
Nel Manifesto della Cucina Futurista l’aspetto più dissacrante e dirompente è l’invito di Marinetti a non consumare la pasta, alimento ampiamente diffuso e di largo consumo che addirittura contraddistingue in tutto il nostro paese. La pastasciutta è considerata da Marinetti come un alimento grasso e pesante, al quale contrappone un’alimentazione più semplice e rigorosa che consenta di mantenere il forma l’organismo. Marinetti parla della necessità dell’abolizione della pastasciutta che definisce «assurda religione gastronomica italiana».Ma l’idea di abolizione della pastasciutta dalla gastronomia italiana ha per Marinetti anche motivazioni di carattere economico: «L’abolizione della pastasciutta libererà l’Italia dal costoso grano straniero e favorirà l’industria italiana del riso».

# data[].attributes.body
Scuola IC Vanvitelli- Caserta

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Il futurismo italiano si distingue per una maggiore radicalità programmatica rispetto alle proposte che, in tale direzione, venivano da artisti e movimenti stranieri, magari più disponibili a mediazioni e compromessi per una più concreta possibilità di realizzazione e utilizzazione del prodotto.

Quanti mai avrebbero indossato la futurista "anticravatta di metallo leggerissimo lucente e duraturo", lanciata nel 1933?

Renato Di Bosso, "Anticravatte italiane" (1933)

La "cravatta futurista" proposta da Renato Di Bosso [1] e Ignazio Scurto [2] nel manifesto omonimo del 1933 è in realtà l' "anticravatta di metallo leggerissimo lucente duraturo". Affermano infatti la necessaria abolizione della cravatta di stoffa (neutra o colorata), annodata a favore di una nuova cravatta senza nodo, costituita esattamente da una placchetta metallica dello "spessore da due a quattro decini di mm.", quindi leggerissima, e lunga "pochi centimetri". Intesa a indicare "in chi la porta elasticità forza intelligenza, sobrietà e consistenza di idee, spirito novatore ed italiano", questa "anticravatta", "sostenuta da un leggero collare elastico", dice il manifesto, "può essere: - in latta con ondulazioni orizzontali; in alluminio opaco con motivi antitradizionali; - in alluminio brillante con incisioni moderne; - in metallo cromato semplice; - in alluminio con gradazioni di lucentezza e di opacità; in metallo prezioso; - in ottone; - in rame". Il metallo lucido rifletterà sole e azzurro dei cieli italiani, ottimisticamente. Pur con una accentuazione polemica programmatica, Di Bosso e Scurto cercono dunque di introdurre nella moda quel rinnovamento inventivo radicale che Balla nelle sue cravatte plastiche materiologicamente quanto formalmente più spericolate aveva avviato a metà degli anni dieci. Divergendo invece dalle cravatte di stoffa futuristicamente decorate altrimenti progettate da Balla nei medesimi anni dieci, ma sopratutto nei venti.

Mino Delle Site, "Cravatte a benda senza nodo

con placche metalliche geometriche" (1932)

Delle Site immagina nei primi anni trenta per i colletti asimmetrici delle sue camicie cravatte "a banda", senza nodo, con placche geometriche metalliche, in alluminio, ottone, rame, se non addirittura in argento e in oro. Soluzione più elegante e meno radicalmente polemica di quella proposta nel loro manifesto del 1933 da Di Bosso e Scurto.

Manifesto futurista sulla cravatta italiana

R innovare la moda italiana nel vestiario maschile significa anteporre all'estrofilia cafona ed alle importazioni galliche anglosassoni antitaliane l'orgoglio novatore della nostra razza più geniale, più intuitiva, più veloce di tutti i popoli passati presenti e futuri.

Il genio vulcanico di F.T. Marinetti ha lanciato ancora una volta il segnale della rivoluzione, scagliandosi contro il cappello uniforme monotono d'uso comune.

Il pittore scultore RENATO DI BOSSO ed il poeta IGNAZIO SCURTO, colla collaborazione di giovani e valorosi futuristi veneti, bandiscono una crociatainesorabile aggressiva feroce contro i nodi scorsoi delle cravatte nere grigie o policrome, autentici cappi che ricordano la fetida corda con la quale i nemici di ieri strozzavano gli apostoli d'italianità.

Ogni uomo porta appeso al collo il desiderio nero o colorato di una fine ingloriosa, la allusione in tela panno o seta alla propria servilità sociale.

Italiani, abolite i nodi, le farfalle, le spille, i fermagli, cianfrusaglie antiveloci antigieniche antiottimistiche! Regalatele ai vostri bambini perchè le attacchino alle code dei gatti o dei cani, unico posto dove non siano ridicole!

Liberatevi dal peso della moda straniera, dalla fatalità quotidiana dei cravattai ambulanti, dalla fatalità gialla dei cinesi che cercano di appiccicarvi un sorriso ed uno straccio passaporto di cafoneria!

Il carattere di un uomo si rivela traverso la cravatta che porta. Oggi, divina epoca motoristica dinamica simultanista, il carattere di un uomo non deve apparire da un nodo e da un pezzetto di stoffa, ma dalla lucentezza e dalla purezza del metallo.

Perciò invitiamo tutti gli italiani maschi a boicottare le cravatte d'uso comune e ad usare la cravatta futurista lanciata da noi il 27 marzo 1933 in Verona.

La cravatta futurista, ANTICRAVATTA DI METALLO LEGGERISSIMO LUCENTE DURATURO, denota in chi la porta elasticità forza intelligenza, sobrietà e consistenza d'idee, spirito novatore ed italiano.

L'anticravatta da noi ideata può essere:

- in latta con ondulazioni orizzontali;

- in alluminio opaco con motivi decorativi antitradizionali;

- in alluminio brillante con incisioni moderne;

- in metallo cromato semplice;

I metalli usati devono avere uno spessore da due a quattro decimi di mm. e quindi un peso corrispondente minimo, mentre il nodo deve essere completamente abolito. La lunghezza è di pochi centimetri.

La dimostrazione pratica di applicazione che abbiamo data in Verona, l'entusiasmo con cui popolo ed intellettuali hanno accolto questa nostra innovazione, le richieste di campioni e di consigli dalle altre città ci fanno presagire che l'anticravatta sostituirà tra breve con ottimismo eleganza praticità lucentezza, resistenza l'antiliricità del panno, delle sete e delle tele. L'anticravatta sostenuta da un leggero collare elastico, riflette tutto il sole e l'azzurro di cui noi italiani siamo richissimi e leva la nota malinconica e pessimista dal petto dei nostri uomini.

Sono ridicoli quei giovinetti e quei ragazzi incravattati come diplomatici o come notai accidiosi. Mamme, regalate ai vostri figli una lucentissima anticravatta futurista che ispirerà loro idee geniali ed ottimistiche, desideri di luce e di volo.

Con l'anticravatta, infatti ogni uomo, ogni giovane ed ogni ragazzo nostro porterà con sè una nota aviatoria cui hanno pieno diritto gli italiani.

E' preferibile essere decorati da un'ala d'aeroplano al sole che da uno straccio ridicolo neutrale e pacifista.

Futuristi, boicottate i nodi scorsoi!

Italiani, abbigliatevi da uomini virili e non da prossimi impiccati!

[1] Renato Di Bosso (Verona, 1905 - Arbizzano di Policella, 1982). Proviene da una famiglia di scultori ed intagliatori, si diplomò all'Accademia Cignaroli nel 1925. l suoi primi lavori rientrano nella tradizione verista e decorativa; sono di questo periodo la Nonna e il Ventaglio. Nel 1930, dopo aver letto il libro di U. Boccioni Pittura e Scultura Futurista, realizza la sua prima opera futurista, Violinista, una sintesi plastica in legno. Con un gruppo di giovani dà vita, a partire dal 1931, al Gruppo Futurista veronese Umberto Boccioni ed in collaborazione con alcuni di loro scrive dei manifesti, tra i quali, nel 1932 Manifesto futurista per la scenografia del Teatro Lirico all'Aperto all' Arena di Verona. A Roma nel 1933, alla XIV Mostra Nazionale d'Arte Futurista, presenta Aerovisioni sintetiche e simultanee del Lago di Garda, opera che segna I 'inizio dell'aeropittura. Negli anni 1934 e 1935 supera il problema spazio-temporale dell'aero-pittura con tre tavole rotanti, quadri circola che girando su un perno consentono diverse visioni. Intorno agli anni '40 l'artista realizza una serie di procedimenti tecnico-formali per adeguare la xilografia alla sintesi dinamica. Nel 1941, in occasione di una sua personale a Milano presso la Casa d'Artisti, pubblica Il Manifesto dell'aeroxilografia, tecnica che consiste in una serie di graffiature parallele o incrociate sul legno, nelle zone di passaggio tra neri e bianchi. Il segno si adatta alla plasticità del movimento producendo singolari effetti di chiaroscuro. Tra le xilografie realizzate con questa tecnica, ricorrenti sono le opere ispirate allo sport: calcio, pugilato, sci.

[2] Ignazio Scurto (Verona, 1912 - Novara, 1952). Poeta. Scrive manifesti e partecipa a serate futuriste. Nel 1939 scrive in versi L'aeroporto. Aeropoema.

# data[].attributes.attachment_link.title
MANIFESTO FUTURISTA SULLA CRAVATTA ITALIANA

# data[].attributes.attachment_link.description
Il futurismo italiano si distingue per una maggiore radicalità programmatica rispetto alle proposte che, in tale direzione, venivano da artisti e movimenti stranieri, magari più disponibili a mediazioni e compromessi per una più concreta possibilità di realizzazione e utilizzazione del prodotto. Quanti mai avrebbero indossato la futurista "anticravatta di metallo leggerissimo lucente e duraturo", lanciata nel 1933?

# data[].attributes.attachment_link.title
Umberto Boccioni, La città che sale - Forme uniche della continuità nello spazio

# data[].attributes.attachment_link.title
La nuova Architettura | Opere di Antonio Sant'Elia

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Camparisoda nasce nel 1932. La sua inconfondibile bottiglietta conica, disegnata da Fortunato Depero, è ancora oggi icona dell'aperitivo italiano.

Il primo legame con l'arte e la creatività risale al 1932, quando Davide Campari chiese a Fortunato Depero di ideare la bottiglia per il primo aperitivo monodose. Il flacone, come veniva chiamato, ha la forma di un calice rovesciato. Con l'ideazione della bottiglia Depero crea la sua opera più significativa per l'azienda milanese.

La forma conica è distintiva dell'opera di Depero per Campari già dalla metà degli anni Venti. L'artista la disegna in un bozzetto nel 1925, "Pupazzo che beve il Camparisoda". Il Camparisoda cui fa riferimento il titolo è quello preparato dai baristi e non il prodotto che giungerà sul mercato sette anni più tardi. Un pupazzo sorseggia un aperitivo da una bottiglia che sembra avere proprio i tratti della bottiglia di Camparisoda! Lo schizzo diventerà nel 1926 un modello in legno verniciato in bianco e sempre nel 1926 un manifesto realizzato con la tecnica del collage di carte colorate.
L'anno successivo, il 1927, con "China su cartoncino" ritorna la forma conica in un manifesto pubblicitario Camparisoda. Nel 1928 infine un disegno a matite colorate.

Davide Campari denuda la bottiglia dell'etichetta per far risaltare l'intensa tonalità di rosso attraverso il vetro e stampa_a_rilievo il nome del marchio e della ditta: "Preparazione speciale, Davide Campari & C. Milano - Campari Soda". I tratti distintivi della bottiglia sono e rimarranno la forma, il colore, il materiale; elementi di rottura rispetto alle convenzioni delle forme pubblicitarie tradizionali dell'epoca. Nel '32 Davide Campari ordina la produzione della bottiglia alla Vetreria Bordoni.

Il sodalizio Campari-Depero costituisce un caso nella storia della pubblicità italiana e suggella una collaborazione creativa che per Depero non avrà riscontro in nessun altro dei rapporti di committenza avuti nel campo della pubblicità. Un momento topico della collaborazione tra Campari e Depero si ebbe con il Numero Unico Futurista Campari del 1931 che aprì le porte a nuove iniziative, mirate alla realizzazione di prodotti d'arte di pari passo alle esigenze pubblicitarie. Allo stesso tempo l'opera segnò la fine del sodalizio tra l'azienda e l'artista, che però prima di concludersi diede vita all'originale bottiglia di un nuovo prodotto che avrebbe segnato la storia della produzione di alcolici: il Camparisoda appunto.

Fonte: Lifegate

# data[].attributes.attachment_link.title
Camparisoda, una storia d'arte, design e... packaging

# data[].attributes.attachment_link.description
Camparisoda nasce nel 1932. La sua inconfondibile bottiglietta conica, disegnata da Fortunato Depero, è ancora oggi icona dell'aperitivo italiano. Il primo legame con l'arte e la creatività risale al 1932, quando Davide Campari chiese a Fortunato Depero di ideare la bottiglia per il primo aperitivo monodose.