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“Puoi sterminare un’intera generazione…bruciare le loro case…..e troveranno una via di ritorno. Ma se distruggi la loro cultura è come se non fossero mai esistiti. E’questo che vuole Hitler ed è esattamente questo che noi combattiamo”

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The Monuments Men Trailer (2014) Comedy Movie [Lemon Trailer]

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Hitler Contro Picasso e gli Altri (2018) | #ArteStoria

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Realizzazione in argilla di particolari anatomici partendo dallo studio dei rilievi della stampa 3D.

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Kunst im Nationalsozialismus bezeichnet keinen einheitlichen Stil oder Richtung. Es handelt sich um einen Sammelbegriff für die in der Zeit des Nationalsozialismus im Deutschen Reich vom NS-Regime akzeptierte und ausgestellte bildende Kunst, die unter dem Namen Deutsche Kunst propagiert wurde. Werke moderner und avantgardistischer Künstler sowie alle Werke von Künstlern mit einem jüdischen Hintergrund wurden als Entartete Kunst bezeichnet, aus den Museen und öffentlich zugänglichen Sammlungen entfernt, teilweise ins Ausland verkauft oder vernichtet bzw. eingelagert.

In der Parteizeitung Völkischer Beobachter schlug Alfred Rosenberg 1922 den Expressionismus als wegweisenden deutschen Stil vor. Dem widersprach heftig Edmund Steppes, der eine Rückwende zur altdeutschen Kunst einforderte, etwa in der Art der Donauschule eines Albrecht Altdorfer.

Adolf Hitler skizzierte 1925 den Grundriss für ein „Deutsches Nationalmuseum" mit fünf Räumen für Gemälde von Adolph von Menzel, jeweils drei für Moritz von Schwind und Arnold Böcklin, zwei für Anselm Feuerbach, jeweils einen für Wilhelm Leibl und Hans von Marées sowie gemeinsame Räume für weitere Maler des 19. Jahrhunderts. Er hielt, so Albert Speer in seinen Erinnerungen (1969), das „späte 19. Jahrhundert für eine der größten Kulturepochen der Menschheit".

In hatte Hitler schon früh verkündet, dass es angesichts der „krankhaften Auswüchse irrsinniger und verkommener" Künstler Aufgabe der nationalsozialistischen Führung sein müsse, zu „verhindern, dass ein Volk dem geistigen Wahnsinn in die Arme getrieben werde". Die „hässliche Kunst" gehöre in „ärztliche Verwahrung", in eine „geeignete Anstalt", da sie eine Gefahr für den gesunden Sinn des Volkes darstelle (Hitler auf einer Kulturtagung der NSDAP, 1. September 1933).

„Kunst ist immer die Schöpfung eines bestimmten Blutes, und das formgebundene Wesen einer Kunst wird nur von Geschöpfen des gleichen Blutes verstanden", ergänzte Alfred Rosenberg in seinem 1930 erschienenen Buch Der Mythus des 20. Jahrhunderts. Rosenberg beschrieb die Moderne Kunst nach 1918 darin wie folgt:

„Das Mestizentum erhob den Anspruch, seine bastardischen Ausgeburten, erzeugt von geistiger Syphilis und malerischem Infantilismus, als Seelenausdruck darzustellen. Eine gewisse Robustheit zeigte Lovis Corinth, doch verging dieser Schlächtermeister des Pinsels im leichenfarbigen Bastardtum des syrisch [gemeint ist: jüdisch] gewordenen Berlin [...] Wir sehen Kulturbolschewismus mit dem Untermenschentum der Kollwitz, Zille, Barlach, der technischen Stümper Nolde, Schmidt-Rottluff, Chagall, im Nihilismus der Dix, Hofer und Grosz [...] Juden, nichts als Juden."

Am 23. März 1933 verkündete Hitler in seiner Regierungserklärung zum Ermächtigungsgesetz: „Blut und Rasse werden wieder zur Quelle der künstlerischen Intuition".

Die Nationalsozialistische Kunstauffassung war nicht nur durch Ablehnung bestimmter Kunstrichtungen gekennzeichnet, auch inhaltlich wurden Werke abgelehnt: Beispielsweise wurden Werke von Anton von Werner wegen ihrer wertkonservativen Darstellung abgelehnt, obwohl die akademische Malweise dem Nationalsozialismus genehm gewesen wäre. Das Porträt Dame in Schwarz vor einer Vitrine von Ernst Oppler wurde im Bereich der Augen beschädigt, da man die dargestellte Person für eine Jüdin hielt.

Gleich nach der „ Machtergreifung" am 30. Januar 1933 wurde der gesamte Kulturbereich von den Nationalsozialisten zentralisiert und mit einem allumfassenden Kontrollapparat überzogen. Dem am 13. März 1933 errichteten Reichsministerium für Volksaufklärung und Propaganda ( Joseph Goebbels) kam dabei eine zentrale Rolle zu. Das neue Ministerium war zuständig „für alle Aufgaben der geistigen Einwirkung auf die Nation, der Werbung für den Staat, Kultur und Wirtschaft, der Unterrichtung der in- und ausländischen Öffentlichkeit über sie und der Verwaltung aller diesem Zweck dienenden Einrichtungen" (Verordnung Hitlers vom 30. Juni 1933). Mit Gesetz vom 22. September 1933 folgte die Bildung der nach dem Führerprinzip aufgebauten Reichskulturkammer. Sieben Einzelkammern erfassten sämtliche kulturellen Bereiche: Musik, Theater, Schrifttum, Presse, Rundfunk, Film - so auch die bildenden Künste ( Reichskammer der bildenden Künste). Berufsausübung war jetzt nur noch den Mitgliedern dieser Kammern gestattet, Voraussetzung für eine Aufnahme war u. a. die deutsche Staatsangehörigkeit und „ arische" Abstammung. Jüdische, kommunistische und „unerwünschte" Künstler, wurden als „entartet" aus ihren Ämtern gedrängt, erhielten Berufsverbot (u. a. Käthe Kollwitz, Ernst Barlach, Otto Dix, George Grosz, John Heartfield usw.). Sehr viele Kulturschaffende verließen dieses Deutschland, gingen ins Exil, oder - sofern noch geduldet - resignierten in innerer Emigration. Jüdische Künstler, die nicht rechtzeitig aus Deutschland fliehen konnten, wurden im Holocaust ermordet. Außerdem gab es Künstler, von denen Arbeiten beispielsweise in der Ausstellung „Entartete Kunst" 1937 gezeigt wurden, die aber dennoch dem Nationalsozialismus anhingen wie Emil Nolde und Franz Radziwill.

Die Besetzung großer Teile Europas wurde als Chance gesehen, im großen Stil Kunst zu erwerben. Der Direktor des Wallraf-Richartz-Museums verkaufte 630 Werke, um Diebesgut zu kaufen. Dazu bezeichnete er die eigenen Werke als „geringwertig" oder „wertlos", darunter so unterschiedliche Werke wie eines von Max Liebermann und eine großformatige Landschaft von August Weber.

Nationalsozialistische Repräsentationsbauten und damit verbundene Skulpturen

Als die Nationalsozialisten im Januar 1933 die Macht übernommen hatten, setzte - mittels staatlicher Kreditschöpfung und öffentlicher Bauaufträge - eine umfangreiche Bautätigkeit ein. Es wurden vor allem Staats- und Parteibauten, die überwiegend der Selbstdarstellung der NSDAP dienen (Repräsentationsarchitektur), mit teils gigantischen Ausmaßen, errichtet. Die öffentlichen Bauaufträge boten darüber hinaus die Möglichkeit, die hohe Arbeitslosigkeit zu mindern und die Konjunktur zu beleben.

So wurde etwa der Königsplatz in München, ab 1933 zum „Parteiforum" umgestaltet, zahlreiche neue Gebäude errichtet: „ Haus der Deutschen Kunst", „ Führerbau", „ Verwaltungsbau der NSDAP", „Ehrentempel" (für die Toten des versuchten Hitlerputsches vom November 1923) gehören zu den frühesten Architekturprojekten der Nationalsozialisten. Das Reichsparteitagsgelände in Nürnberg wurde unter Albert Speers Leitung zum größten Bauplatz Deutschlands (30 km² Gesamtfläche / 16,5 km² bebaute Fläche) mit „Märzfeld", „Zeppelinfeld", „Deutsches Stadion" und „Kongresshalle". Es sollte eine Anlage entstehen, „im gewaltigsten Ausmaß...ein Dokument stilbildender Art" (Adolf Hitler). Ein „Wort aus Stein" (Adolf Hitler).

Die Bauwerke wurden in die Sphäre des architektonischen Kunstwerkes erhoben. „Niemals wurden in der deutschen Geschichte größere und edlere Bauwerke geplant, begonnen und ausgeführt als in unserer Zeit." (Adolf Hitler 1938) Bildhauerei, baugebundener Plastik kam dabei eine bedeutende Rolle zu. Die Plastiken von beispielsweise Arno Breker oder Josef Thorak sollten „mit der würdigen Architektur zusammen einen hoheitsvollen Eindruck ergeben." Das Gesetz über Kunst am Bau - es besteht in veränderter Form noch heute - schrieb einen Prozentsatz der Bausumme von öffentlichen Bauten für Kunst vor. Josef Thorak wurde als „Staatsbildhauer" gesehen und bezeichnet.

Nach einem Tagebucheintrag von Joseph Goebbels galt Fritz Klimsch als „ der reifste unter unseren Plastikern. Ein Genie. Wie er den Marmor behandelt." Hitler setzte Klimsch auf die Sonderliste der Gottbegnadetenlisten und sah ihn unter den zwölf wichtigsten bildenden Künstlern.

Das „ Haus der Deutschen Kunst" in München wurde am 18. Juli 1937 im Rahmen eines „Tags der Deutschen Kunst" mit der ersten „ Großen Deutschen Kunstausstellung" eröffnet. Die Werke waren von einer Kommission von Kunstpolitikern ausgesucht worden, an ihrer Spitze der Präsident der Reichskammer der Bildenden Künste Adolf Ziegler. Auch Hitler war an der Auswahl beteiligt. Diese Ausstellung war als Verkaufsausstellung gedacht. Damit sollten die Künstler der auf der Blut-und-Boden-Ideologie basierenden „Deutschen Kunst" gefördert werden. Die Ausstellung wurde bis 1944 jedes Jahr wiederholt. Eine Liste der ausgestellten Künstler enthält der Artikel Große Deutsche Kunstausstellung.

Hitler hielt bei der Eröffnungsausstellung am 18. Juli 1937 eine programmatische Rede, in der er unter anderem ausführte:

„Bis zum Machtantritt des Nationalsozialismus hat es in Deutschland eine sogenannte moderne Kunst gegeben, d. h. also, wie es schon im Wesen des Wortes liegt, fast jedes Jahr eine andere. Das nationalsozialistische Deutschland will wieder eine deutsche Kunst, und diese soll und wird wie alle schöpferischen Werte eines Volkes eine ewige sein."

Zusätzlich wurde in München bis 1939 der jährliche „ Tag der Deutschen Kunst " abgehalten. Verbunden damit war die Verleihung von Titeln zur Auszeichnung von Personen aus der Kunstszene durch Hitler.

Parallel zur ersten Großen deutschen Kunstausstellung fand einmalig ebenfalls in München die Ausstellung „Entartete Kunst" statt, die am 19. Juli 1937 eröffnet wurde. Damit grenzte sich die NSDAP mit ihrer Kunstauffassung auf polemische Art und Weise von der als Entartete Kunst bezeichneten Auffassung ab, vor allem vom Expressionismus der Zwanziger Jahre.

Nach 1945 gab es in der Kunstgeschichte und den Medien kaum eine inhaltliche Auseinandersetzung darüber, was „nationalsozialistische Kunst" sei. Zahlreiche Werke wurden nicht mehr gezeigt und auch nicht abgebildet. Das Zentralinstitut für Kunstgeschichte machte alle elftausend Arbeiten aus den Münchener NS-Ausstellungen im Oktober 2011 online zugänglich, um eine gesellschaftliche und kunstgeschichtliche Debatte zu ermöglichen.

Darstellungen/Motive in der Malerei

Kunst im Dritten Reich ist im Stil des Romantischen Realismus und ist auf klassischen Modellen basiert. Während die Nationalsozialisten moderne Arten von Kunst verboten, bevorzugten sie Gemälde, die die Ideen von „ Blut und Boden", wie Rassenreinheit, Militarismus, und Gehorsamkeit, darstellten. Andere populäre Themen für die Nationalsozialisten waren: das arbeitende Volk auf den Feldern, eine Rückkehr zu den einfachen Tugenden der Heimat, die männlichen Tugenden im Kampf der Nationalsozialisten, und das Lob der auf Schwangerhaft, Kindererziehung, und das religiöse Herz der Nation zu halten begrenzten Rolle der Frau (zusammengefasst in der Phrase Kinder, Küche, Kirche). Solche Gemälde, wie Leichlingen Blick auf die Kathedrale ( Werner Peiner), Frühmorgen in Der Eifel (Werner Peiner), Deutsche Frau ( Conrad Hommel), und Förster ( Adolf Wissel), zeigten „akzeptierte" Themen der Nationalsozialistenpartei.

Die Nationalsozialistentheorie lehnte „ Materialismus" explizit ab. Trotz der realistischen Behandlung der Bilder wurde „Realismus" als ein Begriff selten benutzt. Die Idee dahinter war, dass Maler ein idealistisches Bild für die Ewigkeit schufen. Die Bilder von Männern, und noch mehr von Frauen, waren mit körperlicher Perfektion in Aktgemälden hochgradig stereotyp. Antisemitische Gemälde, wie Um Haus und Hof (ein jüdischer Spekulant enteignet ein älteres Paar), existieren, doch gab es sie selten, weil die Gemälde auf „einer höheren Ebene" sein sollten. Gemälde, die explizit politisch waren, waren ebenfalls selten. Heroische Bilder waren dagegen oft die Zielscheibe von Kritikern: „Das heroische Element fällt auf. Der Arbeiter, der Bauer, der Soldat sind die Themen...heroische Themen dominieren sentimentale [Themen]".

Mit dem Beginn des Krieges gab es mehr und mehr Kriegsgemälde. Die Bilder waren romantisiert und zeigten heroischen Verlust und Sieg. Gemälde, die Landschaften zeigten, überwogen die Kunstszene während des Zweiten Weltkrieges. Auch waren die Gemälde der Künstler, die von Kriegsservice befreit waren, allen wegen ihren Themen (Landschaften oder anderen pazifistischen Themen) bekannt. Sogar Hitler und Goebbels fanden die Themen der neuen Gemälde enttäuschend, weil die Gemälde keine „akzeptierten" Themen der Nationalsozialistenpartei zeigten. Goebbels versuchte eine gute Perspektive zu finden, mit der Ausführung, dass die Gemälde zeigten „ein Beseitigten der Felder und dass die verzweifelten Zeiten viele Talente im politischen Leben und nicht kulturellen Leben anlockten".

Ab Januar 1937 gab Alfred Rosenberg die monatliche Zeitschrift Die Kunst im Dritten Reich heraus. Sie erschien vom August 1939 unter dem Titel Die Kunst im Deutschen Reich. Hauptschriftleiter war der Kunstjournalist Robert Scholz. Die Zeitschrift hatte ein sehr großes Format und enthielt zahlreiche Abbildungen. Zu der jährlichen großen Kunstausstellung kam jeweils eine Doppelnummer heraus.

Peter Adam: Kunst im Dritten Reich (Originaltitel: Art of the Third Reich, übersetzt von Renate Winner). Rogner und Bernhard bei Zweitausendeins, Hamburg 1992, ISBN 3-8077-0259-8.

Sabine Brantl: Haus der Kunst, München. Ein Ort und seine Geschichte im Nationalsozialismus (= Edition Monacensia), Allitera, München 2007, ISBN 978-3-86520-242-0.

Hildegard Brenner: Die Kunstpolitik des Nationalsozialismus (Rowohlts deutsche Enzyklopädie; 167/168) Rowohlt, Reinbek 1963

Erika Eschebach (Red.): Deutsche Kunst 1933-1945 in Braunschweig: Kunst im Nationalsozialismus. Vorträge zur Ausstellung (1998-2000). Reihe: Braunschweiger Werkstücke, 105. Braunschweig: Stadt Braunschweig, 2001, ISBN 3-927288-32-2.

Frankfurter Kunstverein & Arbeitsgruppe des Kunstgeschichtl. Instituts der Universität Frankfurt (Hrsg.): Kunst im Dritten Reich. Dokumente der Unterwerfung. Verlag 2001, 4. Aufl. 1980 (Dem Buch liegt ein Ausstellungskatalog zugrunde, der 1974 zur Ausstellung „Kunst im Dritten Reich - Dokumente der Unterwerfung" im Frankfurter Kunstverein herausgegeben wurde)

Elke Frietsch: Kulturproblem Frau. Weiblichkeitsbilder in der Kunst des Nationalsozialismus. Köln u. a.: Böhlau 2006, ISBN 3-412-35505-4.

Hermann Hinkel: Zur Funktion des Bildes im deutschen Faschismus, Anabas, Steinbach 1975, ISBN 3-87038-033-0.

Berthold Hinz: Die Malerei im deutschen Faschismus - Kunst und Konterrevolution, Hanser, München 1974, ISBN 3-446-11938-8.

Reinhard Müller-Mehlis: Die Kunst im Dritten Reich, Heyne, München 1976, ISBN 3-453-41173-0.

Hannes Obermair: Kunst, Kultur - Nationalsozialismus. In: Carl Kraus, Hannes Obermair (Hrsg.): Mythen der Diktaturen. Kunst in Faschismus und Nationalsozialismus - Miti delle dittature. Arte nel fascismo e nazionalsocialismo. Südtiroler Landesmuseum für Kultur- und Landesgeschichte Schloss Tirol, Dorf Tirol 2019, ISBN 978-88-95523-16-3, S.30-43.

Werner Rittich: Architektur und Bauplastik der Gegenwart. Berlin: Rembrandt-Verlag, 1.-3. Aufl. 1938

Hans Sarkowicz (Hrsg.): Hitlers Künstler: die Kultur im Dienst des Nationalsozialismus (nach einer Sendereihe des Hessischen Rundfunks). Frankfurt am Main u. Leipzig: Insel-Verlag 2004, ISBN 3-458-17203-3.

Birgit Schwarz: Geniewahn. Hitler und die Kunst. Böhlau, Wien/Köln/Weimar 2009, ISBN 978-3-205-78307-7.

Birgit Schwarz: Hitlers Museum. Die Fotoalben Gemäldegalerie Linz. Dokumente zum „Führermuseum". Wien 2004, ISBN 3-205-77054-4.

Städtisches Museum Braunschweig und Hochschule für Bildende Künste (Hrsg.): Deutsche Kunst 1933-1945 in Braunschweig. Kunst im Nationalsozialismus. Katalog der Ausstellung vom 16. April - 2. Juli 2000. Hildesheim u. a.: Olms 2000, ISBN 3-487-10914-X.

Robert Thoms: Große Deutsche Kunstausstellung München 1937-1944. Verzeichnis der Künstler in zwei Bänden, Band I: Maler und Graphiker. Berlin 2010, ISBN 978-3-937294-01-8.

ders.: Große Deutsche Kunstausstellung München 1937-1944. Verzeichnis der Künstler in zwei Bänden, Band II: Bildhauer. Berlin 2011, ISBN 978-3-937294-02-5.

Eva Atlan, Raphael Gross, Julia Voss (Hrsg.): 1938. Kunst, Künstler, Politik. Göttingen 2013, ISBN 978-3-8353-1412-2.

Paul Westheim: Karton mit Säulen: antifaschistische Kunstkritik (= Gustav Kiepenheuer Bücherei, Band 59), hrsg. und mit einem Nachwort versehen von Tanja Frank. Kiepenheuer, Leipzig-Weimar 1985, DNB 860268349 Inhaltsverzeichnis.

Tobias Ronge: Das Bild des Herrschers in Malerei und Grafik des Nationalsozialismus: eine Untersuchung zur Ikonografie von Führer- und Funktionärsbildern im Dritten Reich (= Kunstgeschichte, Band 89), Lit, Berlin / Münster 2010, ISBN 978-3-643-10856-2 (Dissertation Universität Tübingen 2009, III, 543 Seiten mit Illustration, 22 cm).

Elisabeth Vorderwülbecke: Heimat - Region - Nation: Kunst im Nationalsozialismus am Beispiel Schleswig-Holstein, drei Bände, 1994, DNB 949819352:

1. Isabella Studer-Geisser, Daniel Studer: Die Sturzeneggersche Gemäldesammlung. Kunstmuseum St. Gallen, St. Gallen 1998, S. 17.

2. Christina Threuter: Nackte Helden. In: vogelsang ip gemeinnützige GmbH (Hrsg.): "Fackelträger der Nation". Elitebildung in den NS-Ordensburgen. Böhlau, Köln/Weimar/Wien 2010, ISBN 978-3-412-20554-6, S. 95-119, hier S. 109.

3. Reinhard Müller-Mehlis: Die Kunst im Dritten Reich. Heyne, München 1976, ISBN 3-453-41173-0, S. 83.

4. Albert Speer: Erinnerungen. Ullstein, Frankfurt am Main/Berlin/Wien 1969, S. 56. Zitiert nach Georg Bollenbeck: Das unrühmliche Ende einer widersprüchlichen Geschichte. Hitler als Exekutor der bildungsbürgerlichen Kunstsemantik. In: Gérard Raulet (Hrsg.): Historismus, Sonderweg und dritte Wege. Lang, Frankfurt am Main u. a. 2001, ISBN 3-631-37305-8, S. 311-327, hier S. 322.

5. Ute Haug, Maike Steinkamp: Werke und Werte: Über das Handeln und Sammeln von Kunst im Nationalsozialismus, S. 161.

6. Ernst Klee: Das Kulturlexikon zum Dritten Reich. Wer war was vor und nach 1945. S. Fischer, Frankfurt am Main 2007, ISBN 978-3-10-039326-5, S. 77, S. 311, S. 326 und S. 613.

7. Ernst Klee: Das Kulturlexikon zum Dritten Reich. Wer war was vor und nach 1945. S. Fischer, Frankfurt am Main 2007, S. 312.

8. Ernst Klee: Das Kulturlexikon zum Dritten Reich. Wer war was vor und nach 1945. S. Fischer, Frankfurt am Main 2007, S. 311.

9. Zitiert in Stefan Koldehoff: Die Bilder sind unter uns: Das Geschäft mit der NS-Raubkunst. Frankfurt 2009, ISBN 978-3-8218-5844-9, S. 57.

10. Deutscher Reichsanzeiger und Preußischer Staatsanzeiger Nr. 162 vom 17. Juli 1939

11. Julia Voss: Ein Tabu wird gebrochen., faz.net vom 17. Oktober 2011, abgerufen am 19. Oktober 2011.

12. GDK Research - Bildbasierte Forschungsplattform zu den Großen Deutschen Kunstausstellungen 1937-1944 in München, Zentralinstitut für Kunstgeschichte in Kooperation mit dem Deutschen Historischen Museum und dem Haus der Kunst; 2011, abgerufen am 29. April 2016.

13. "Kunst dem Volke". In: dhm.de. Deutsches Historisches Museum, abgerufen am 13. Februar 2020.

14. Vgl. Christian Fuhrmeister: Rezension In: ArtHist, März 2006, auf naxos.bsz-bw.de, abgerufen am 30. April 2016.

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Kunst im Nationalsozialismus - Wikipedia

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Kunst im Nationalsozialismus bezeichnet keinen einheitlichen Stil oder Richtung. Es handelt sich um einen Sammelbegriff für die in der Zeit des Nationalsozialismus im Deutschen Reich vom NS-Regime akzeptierte und ausgestellte bildende Kunst, die unter dem Namen Deutsche Kunst propagiert wurde.

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Studio grafico anatomico della Madonna di Bruges

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Studio grafico anatomico della Madonna di Bruges

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Che valore ha un’opera d’arte?

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A dieci anni dal sisma, L'Aquila è "una scatola vuota", la gente è in salvo, ma l'anima della città, con le sue opere d'arte e i suoi luoghi decisivi, è migrata in un imprecisato altrove. Ben oltre L'Aquila risale un quesito decisivo e generale: ma le opere d'arte valgono più delle persone viventi, la salvaguardia della bellezza viene prima o dopo la salvaguardia delle vite umane? È una domanda che non abbiamo il coraggio di fare. Dopo un terremoto si deve decidere se dare priorità al restauro di una chiesa o di una torre crollate o alle case e ai luoghi di lavoro della gente. Sullo sfondo è l'alternativa tra Bellezza e Salute, tra Arte e Bisogno. Oppure quando vediamo una chiesa senza sacerdoti né fedeli e sorge la tentazione, espressa da Papa Bergoglio, di utilizzarla a scopo sociale e umanitario anziché salvaguardarne il valore artistico-religioso. È un'alternativa dolorosa, tra bisogno e bellezza. Fa il paio con l'aut aut tra salute e lavoro, come accadde a Taranto con l'Ilva, se salvare prima l'ambiente e la salute o l'industria e l'occupazione. Un'altra dolorosa alternativa irrisolta.

Da tempo in Occidente prevale il primato assoluto dei diritti umani: l'unico assoluto è la vita umana, il resto è relativo. Non decreteremo mai la morte di un uomo per salvare un monumento o un capolavoro. Siamo umani troppo umani per poterci permettere queste lussuose crudeltà e questo pensare in grande, preferiamo le rovine ai cadaveri.

Ma dal punto di vista sovrumano, "là dove tutto è ordine e bellezza", gli uomini passano e invece le opere d'arte, che condensano lo spirito umano, restano. Non lo dico immaginando un Dio dandy, un Dio esteta che sta tra Nietzsche e Wagner, Baudelaire e Oscar Wilde; lo dico nel nome superiore della verità e della bellezza, considerando il capolavoro come vertice e sintesi dell'umanità. Ammetto: non darei mai l'opera di Leopardi in cambio della sua salute e della sua felicità; non baratterei mai il suo canto A Silvia con il coronamento della sua storia d'amore con la medesima. Preferisco la sua infelicità, la sua cagionevole salute, la sua solitudine, che furono così feconde di opere mirabili. Non è cinismo, ma primato della vita spirituale sulla vita biologica, ovvero della vita grande sulla vita piccola. Capovolgo un famoso adagio: "primum philosophari, deinde vivere".

Nella romanità il "monumentum aere perennius" valeva più della trascurabile esistenza di un uomo. Se l'esempio pagano è remoto, seguiamo l'esempio cristiano. Nonostante il richiamo alla pietas e al valore inestimabile della vita umana professato dal cristianesimo, quante volte fu preferita la grandezza di una cattedrale, la magnificenza di una statua o di un affresco al soccorso ai poveri e ai bisognosi? Anche la chiesa tra gloria e welfare spesso ha ceduto alla prima; e comunque le opere di misericordia, tra ospedali, ospizi, scuole, assistenza, si sono perlomeno alternate alle opere innalzate alla gloria di Dio, dei Cieli e dei Santi. La bellezza è un'esigenza naturale e soprannaturale e non può essere posposta alla carità e all'amore per le creature. Se così non fosse oggi venderemmo i nostri capolavori per sanare il Debito pubblico. Meglio un asino vivo che un artista morto... Succede quando si vive solo per l'oggi.

La magnificenza non può essere subordinata all'utilità sociale. Non si può ridurre il patrimonio religioso di bellezza ad asilo permanente dei senzatetto o ricovero per gli immigrati. La bellezza non va sacrificata alle esigenze pubbliche contingenti. Si può cercare un punto d'equilibrio ma il "bene" soggettivo non può venir prima di un bene assoluto, com'è l'opera d'arte.

Certo, la bellezza non può essere sequestrata dalla vita, isolata dalla realtà, salvata dagli stessi uomini ma va vissuta, respirata, toccata. È assurda l'idolatria della conservazione, la tendenza a musealizzare, a fare dei musei i cimiteri della bellezza, nel timore che le opere d'arte siano deturpate. La bellezza va esposta, con i rischi che comporta, va vissuta a cielo aperto, come fu del resto concepita. Vanno liberate le opere d'arte dalle prigioni museali, come si fa coi nani da giardino. Anni fa proposi vanamente a Reggio Calabria di portare all'aperto, sul mare, i Bronzi di Riace e farli diventare simbolo dell'Italia e della Magna Grecia - come la Sirenetta di Copenaghen o la Statua della libertà di New York - anziché tenerli sequestrati per anni negli scantinati del museo. Che riacquistino vita nel contatto col mondo, che diventino simboli viventi e non culture morte, sepolte negli obitori dell'arte. Ma la tutela prevalse sulla bellezza, si rinuncia a un simbolo potente per non correre rischi sulla manutenzione.

L'uomo vale per l'impronta che lascia. Certo, ogni vita umana va salvata e tutelata, ma la vita vale per la traccia che lascia, per ciò che ha edificato, per quel che proietta nel mondo. Ha ragione Ray Bradbury: "Ognuno deve lasciarsi qualche cosa dietro quando muore... un bimbo o un libro o un quadro o una casa o un muro eretto con le proprie mani... o un giardino piantato col nostro sudore. Qualcosa insomma che la nostra mano abbia toccato in modo che la nostra anima abbia dove andare quando moriamo, e quando la gente guarderà l'albero o il fiore che abbiamo piantato, noi saremo là". L'opera trascende l'uomo ma l'uomo s'incarna nell'opera. In quelle opere è condensata la vita di chi la ritrasse, di chi fu ritratto, di chi poi l'ammirò. L'anima singola e comunitaria si raccoglie in un'opera d'arte, frutto d'ingegno e lavoro. Onore all'opera, nonostante il nomignolo burocratico di Bene culturale. Gli uomini passano, la bellezza resta. Gli italiani passano, l'Italia resta.

© riproduzione riservata

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Un'opera d'arte vale più della vita umana?

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A dieci anni dal sisma, L'Aquila è "una scatola vuota", la gente è in salvo, ma l'anima della città, con le sue opere d'arte e i suoi luoghi decisivi, è migrata in un imprecisato altrove.

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Ricerca file della Madonna di Bruges utile allo studio plastico.

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Prerequisito: Avanguardie storiche
- mostre itineranti “arte degenerata”
- Opere trafugate (alcune vendute per finanziare guerra, altre per gerarchi)
- Monuments Men

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Articolo per giornalino online della scuola: lavoro di gruppo multidisciplinare 

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Articolo per giornalino online della scuola: lavoro di gruppo multidisciplinare 

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La classe viene suddivisa in tre gruppi disciplinari:
- GLI ARTISTI: analisi su opera d’arte trafugata
- I GIURISTI: analisi delle principali norme sulla tutela del patrimonio artistico
- I TEDESCHI: ricerca sul gruppo espressionista "Die Brücke"

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La tutela del patrimonio artistico come principio fondamentale

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Il ritrovamento della Madonna di Bruges 

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Il ritrovamento della Madonna di Bruges 

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Degenerate Art - Entartete Kunst exhibit in Munich 1937