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Contado em ordem cronológica e apresentando os filhos do brilhante Ralph Baer, inventor do primeiro console de videogame, Nolan Bushnell, o co-fundador da Atari, e muitos outros especialistas na indústria de jogos, este documentário destaca os programadores, engenheiros, gerenciadores e as práticas comerciais que eles seguiram para competir uns contra os outros e se tornarem os magnatas dos games que conhecemos hoje.

Se você curtiu, confira uma lista de 5 documentários sobre empresas do mercado de games, como elas surgiram e porque alguns jogos conquistaram tanta popularidade e sucesso entre os jogadores!
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A Revolução dos Games - Documentário History Channel | Escola Brasileira de Games

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Contado em ordem cronológica e apresentando os filhos do brilhante Ralph Baer, inventor do primeiro console de videogame, Nolan Bushnell, o co-fundador da Atari, e muitos outros especialistas na indústria de jogos, este documentário destaca os programadores, engenheiros, gerenciadores e as práticas comerciais que eles seguiram para competir uns contra os outros e se tornarem os magnatas dos games que conhecemos hoje.

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As movie-goers prepare for their first new encounter with replicants in 35 years, another reminder of Blade Runner 's dystopic view of the future requires attention.

The curse.

It may seem like a crackpot theory, but there is a troubling trend to be seen for some of the companies whose logos emblazoned the Los Angeles skyline in Ridley Scott's 1982 sci-fi classic, set in the year 2019.

To coincide with the release of Canadian auteur Denis Villeneuve's long-awaited sequel, Blade Runner 2049, BNN looks at some of the troubles that have befallen some of the companies whose logos enjoyed prime cinematic real estate in 1982.
PanAm
The airline was 55 years-old when Blade Runner hit the cinemas. Nine years later Pan Am filed for bankruptcy with Delta picking the bones of its assets. It's final years were marred by a failed takeover bid for Northwest Airlines and an inability to cope with higher fuel prices after the first Gulf War.
RCA
RCA was once a dominant player in the U.S, radio landscape. But as times changed and some of its technological advances failed to catch on, the company faltered. In 1986 RCA was bought out by General Electric and dismantled.
Koss Corporation
The headphone maker enjoyed high times during the stereophonic boom of the 1970s and 80s and was featured on a storefront in Blade Runner. The company filed for Chapter 11 two years later, but re-emerged in 1985.
Atari
Atari has survived and is currently a subsidiary of France's Infogrames. However, the video game-maker has come a long way from its heyday of Pong, Centipede and Asteroids. The company also suffered a notorious disaster just months after Blade Runner's release with a video game based on Steven Spielberg's blockbuster E.T. the Extra-Terrestrial. Often ranked as one of the worst video games of all-time, a 2014 excavation revealed that copies of the game (amongst other Atari titles) had been buried in a New Mexico landfill, confirming what was long believed to be an urban legend.
Coca-Cola
Coca-Cola is still enjoying its place as a behemoth in the soft drink industry and has largely dodged the curse. However, they'd probably rather more people forgot about 1985's ' New Coke ' debacle.
- with files from BNN's Nick Holland

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'It's the Real Thing': The Blade Runner company curse - BNN Bloomberg

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As movie-goers prepare for their first new encounter with replicants in 35 years, another reminder of Blade Runner 's dystopic view of the future requires attention. The curse. It may seem like a crackpot theory, but there is a troubling trend to be seen for some of the companies whose logos emblazoned the Los Angeles skyline in Ridley Scott's 1982 sci-fi classic, set in the year 2019.

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O gênero de filme de ficção científica é tão extenso quanto à galáxia. Pensando nisso, separamos os 36 maiores filmes de ficção científica de todos os tempos. Mas fique a vontade para comentar seus filmes favoritos do gênero nos comentários no final do artigo.

36. É Difícil Ser Um Deus (2013)

Baseado no romance de ficção científica "Hard to Be A God". Uma expedição, com um grupo de cientistas, que parte da Terra para outro planeta testemunha um golpe religioso de estado, que leva ao poder uma sociedade medieval e nacionalista. Este não é um filme sobre crueldade, mas sobre amor. Um amor que estava lá, tangível, vivo e que resistiu nas mais difíceis condições.

35. Distrito 9 (2009)

Alienígenas chegam à Terra em busca de refúgio. Como sua nave estava defeituosa, eles são foram obrigados a descer a Terra, passando a viver separados dos humanos em uma área chamada Distrito 9, em Joanesburgo, capital da África do Sul, e comandados pelo governo, que não se importa com o bem-estar dos alienígenas, mas que está disposto a tudo para dominar a tecnologia que eles possuem. Durante este processo, um funcionário contrai um vírus que altera o seu DNA, e o Distrito 9 passa a ser o único lugar em que ele pode se esconder.

34. Snowpiercer - O Expresso do Amanhã (2013)

A trama é ambientada sete anos depois que o mundo se tornou um deserto congelado e os membros remanescentes da humanidade habitam um trem gigantesco e perpetuamente em movimento que circunda o globo. A história explora temas como a luta de classes, a injustiça social e a política de sobrevivência. O ressentimento aumenta, e logo Chris Evans age como uma espécie de Capitão América sombrio, liderando a classe baixa em uma violenta rebelião contra a repressão.

33. O Homem que Caiu na Terra (1976)

O enredo baseia-se na história de um humanóide que fica rico entre os humanos ao vender sua tecnologia avançada. Como protagonista dessa adaptação do romance de Walter Tevis o filme tem o cantor David Bowie. O filme também conta com outras interações intergalácticas de Bowie, incluindo sua música "Space Oddity" e o conceito de Ziggy Stardust.

32. Lunar (2009)

Sam Rockwell é praticamente um showman, ao interpretar o único operador de um posto de mineração de hélio na Lua. Aproximando-se do final de seu turno de três anos, seu personagem começa a ter problemas. Não apenas a solidão e o tédio estonteante que você esperaria da vida solo na Lua, mas sim, grandes descobertas de sua vida, que revelam fatos muito mais preocupantes sobre sua existência.

31. Contato (1997)

Uma mulher abre as primeiras evidências de vida extraterrestre neste filme edificante e massivamente imaginativo. Após anos de espera, a cientista Ellie Arroway, enfim, confirma sua teoria sobre indícios de outras vidas no universo ao descobrir como construir uma máquina capaz de fazer viagens intergalácticas e fazer contato com extraterrestres. Baseado na obra homônima do astrônomo Carl Sagan, que assessorou a equipe nos aspectos científicos, mas acabou falecendo antes do final das filmagens.

30. Vampiros de Almas (1956)

Em Santa Mira, na Califórnia, Dr. Miles Bennell fica confuso quando todos os seus pacientes têm a mesma queixa, que Santa Mira foi invadida por alienígenas, que se apossaram dos corpos de seus amigos e parentes. Dr. Bennell, sua ex-namorada Becky e seu amigo Jack logo descobrem que as suspeitas dos pacientes são verdadeiras. Este é um dos poucos filmes em que nossos sonhos de vida extraterrestre se transformam em pesadelos.

29. A Origem (2010)

Nesse conceito de ficção científica sobre manipulação de sonhos. DiCaprio faz o papel de Dom Cobb, um ladrão especializado em extrair informações do inconsciente dos seus alvos durante o sonho. Impedido de visitar seus filhos, Cobb tem a chance de vê-los em troca de um último trabalho, ao fazer a inserção de um sonho e plantar a origem de uma ideia na mente de um inimigo de seu cliente. Mas a principal dúvida fica se Cobb estaria sonhando ou não no final do filme.

28. Perdido em Marte (2015)

Durante uma missão a Marte, o astronauta americano Mark Watney é dado como morto e deixado para trás. Mas Watney ainda está vivo. Contra todas as probabilidades, ele procura uma maneira de entrar em contato com a Terra. Ridley Scott sabe como posicionar Matt Damon como um homem jovial e ultra-competente, a fim de sugerir que um astronauta bem treinado possa sobreviver semanas abandonado em um planeta hostil.

27. Viagem à Lua (1902)

Antes que Sam Rockwell chegasse lá, nosso vizinho celestial mais próximo recebeu um tiro no olho no primeiro filme de ficção científica de todos os tempos. No filme, um grupo de homens viaja à Lua, onde são capturados pelos selenitas. As imagens peculiares, coloridas e pintadas à mão do diretor Georges Méliès transformam essa história inspirada em Jules Verne em um conto de histórias satírico que zomba da ciência da era de 1900 e das tendências colonialistas da época.

26. Gattaca - Experiência Genética (1997)

Nós sempre sonhamos que podemos superar nossas limitações, mas e se essas barreiras fossem baseadas em nosso código genético? Em Gattaca, Vincent Freeman sempre sonhou em viajar para o espaço, mas não pode por ser considerado geneticamente inferior. Ele decide desafiar seu destino comprando os genes de Jerome Morrow, e assumindo a sua identidade. Freeman entra para o programa espacial Gattaca e se apaixona por Irene. Uma investigação sobre a morte de um oficial de Gattaca complica os planos de Vincent. A visão controlada do diretor Andrew Niccol evita um excesso de detalhes e é ainda mais atraente para manter as coisas simples.

25. Wall-E (2008)

Num futuro distante, um pequeno robô coletor de lixo chamado Wall-E, embarca em uma jornada espacial que vai decidir o destino da humanidade, ao mostrar uma visão cínica da preguiça autodestrutiva dos humanos e de seu consumismo.

24. Akira (1988)

No ano de 2019, Kaneda lidera uma gangue de motoqueiros na cidade de Neo-Tokyo, que foi construída depois da Tóquio original ter sido destruída em uma grande explosão em 1988. Ao se defrontar com outra gangue que invadiu o seu território, um dos membros da gangue, Tetsuo, é sequestrado pelas forças do governo. Tetsuo passa por experiências que objetivam a desenvolver poderes inimagináveis nele. Como resultado, ele acaba enlouquecendo, mas, com os poderes que o igualam ao lendário Akira, reavivando o medo de uma nova destruição. Além do enredo, outro ponto positivo fica por conta da trilha sonora, rica em percussão e ritmos vocais cantados, que está entre os mais importantes nos filmes de ficção científica.

23. 12 Macacos (1995)

Um condenado do ano de 2035 é enviado de volta no tempo para descobrir a causa de um vírus que acabou com quase toda a população do planeta. Os poucos sobreviventes moram em abrigos subterrâneos. Nesse filme, Terry Gilliam consegue tornar a viagem no tempo ainda mais estranha do que o habitual, ao implantar uma visão de tecnologia problemática e pouco confiável.

22. Ghost in the Shell (1995)

Nesta adaptação do mangá de Masamune Shirow, o conceito do aperfeiçoamento do corpo humano a partir de inserções tecnológicas está em todos os lugares. Num mundo pós 2029, Motoko Kusanagi é uma ciborgue com experiência militar que comanda um esquadrão de elite especializado em combater crimes cibernéticos. O filme pode ser surpreendentemente contemplativo, com longas pausas em que a identidade pessoal e o aumento tecnológico florescem entre a ação caracterizada.

21. Godzilla (1954)

Devido aos testes nucleares realizados pelos Estados Unidos, um gigantesco réptil de em torno de 50 metros de altura é revivido. Além do tamanho e força, a fera possui um sopro radioativo mortal e destruidor que usa para atacar a cidade de Tóquio, dizimando tudo o que encontra pela frente em uma fúria mortal. No final o monstro gigante é morto por uma arma chamada "destruidor de oxigênio", e se transforma num esqueleto que some no mar. Este foi o primeiro filme que pôs em movimento uma série de personagens e histórias desenfreadamente inventivas que se desenrolam até os dias de hoje.

20. O Gigante de Ferro (1999)

Em 1957, um robô alienígena gigante aterrissa perto da pequena cidade de Rockwell, Maine. Hogarth, um garoto de nove anos que estava explorando a área, encontra o robô e os dois ficam amigos. Mas um agente do governo completamente obcecado surge com o objetivo de destruir o extraterrestre a qualquer custo. O filme fala sobre uma grande amizade de uma forma tão bonita que emociona qualquer pessoa.

19. De Volta ao Futuro (1985)

No filme, Marty McFly, um adolescente de uma pequena cidade californiana, é transportado para a década de 1950 quando a experiência do excêntrico cientista Doc Brown dá errado. Viajando no tempo em um carro modificado, Marty conhece versões jovens de seus pais e precisa fazer com que eles se apaixonem ou então ele deixará de existir. Para complicar, Marty precisa voltar para casa a tempo de salvar o cientista. De Volta para o Futuro é uma história de amadurecimento para duas gerações de uma só vez, que conta em uma visão simples o paradoxo da viagem no tempo.

18. Tropas Estelares (1997)

Em um futuro distante, a Terra está em guerra contra uma raça de insetos gigantes alienígenas. Pouco se sabe sobre eles, exceto que têm a intenção de eliminar toda forma de vida humana. Mas houve um tempo, antes da guerra, em que a Infantaria Móvel viajava para planetas distantes a fim de combater os insetos, inimigos implacáveis, com apenas uma missão para garantir a sobrevivência de sua espécie a qualquer custo. A versão cinematográfica de Paul Verhoeven do romance de Robert Heinlein transforma o genuíno militarismo do livro em uma visão satírica da cultura pop e do serviço militar.

17. O Dia em que a Terra Parou (1951)

Um alienígena chamado Klaatu atravessa o universo para chegar a Terra e avisar os humanos sobre uma crise global que está por vir. Ele encontra a renomada cientista Dra. Helen Benson, que, juntamente com seu filho Jacob, deve proteger o alienígena amigo da Terra. O filme de Robert Wise usa o apelo de brilhantes máquinas extraterrestres para oferecer ao público uma pequena perspectiva sobre o nosso lugar na ordem evolucionária do universo.

16. Brilho Eterno da Mente Sem Lembranças (2004)

Joel se surpreende ao saber que seu amor verdadeiro, Clementine, o apagou completamente de sua memória. Ele decide fazer o mesmo, mas muda de ideia. Preso dentro da própria mente enquanto os especialistas se mantêm ocupados em seu apartamento, Joel precisa avisá-los para parar. O diretor Michel Gondry e o roteirista Charlie Kaufman nunca perdem o toque humano enquanto brincam com os corações e mentes de seus personagens através do tempo.

15. A Chegada (2016)

Quando naves espaciais misteriosas chegam à Terra, uma equipe de elite, liderada pelo especialista em linguística Louise Banks, é reunida para investigar. Com a humanidade à beira de uma guerra global, Banks e sua equipe correm contra o tempo para obter respostas - e para encontrá-las, ela terá que arriscar a sua vida, e possivelmente de toda a humanidade. O filme pode ser tão frio quanto estimulante, mas Amy Adams encontra a alma da história e conecta a lição de linguagem elegantemente projetada a algo primitivo, visceral e comovente.

14. Jurassic Park (1993)

No filme, os paleontólogos Alan Grant, Ellie Sattler e o matemático Ian Malcolm fazem parte de um seleto grupo escolhido para visitar uma ilha habitada por dinossauros criados a partir de DNA pré-histórico. O idealizador do projeto e bilionário John Hammond garante a todos que a instalação é completamente segura. Mas após uma queda de energia, os visitantes descobrem, aos poucos, que vários predadores ferozes estão soltos e à caça. Claro, que recriar dinossauros de um DNA antigo provavelmente não seria uma boa ideia, mas quem poderia resistir? Desde os primórdios da ficção científica, a aspiração da humanidade à divindade tem sido uma preocupação primordial. Uma vez que podemos construir coisas, o que nos impede de criar vida? A manipulação genética estava em sua infância quando Michael Crichton concebeu o parque dos dinossauros.

13. Metrópolis (1927)

Uma cidade futurista chamada Metrópolis dividida entre a classe trabalhadora e os planejadores da cidade, o filho do mestre da cidade se apaixona por uma profetisa da classe trabalhadora, que prevê a vinda de um salvador para mediar a diferença entre as classes. O filme bombou no lançamento, e foi até criticado pelo padrinho de ficção científica H. G. Wells, mas sua visão singular e penetrante o cimentou como uma pedra angular do cinema de ficção científica.

12. O Exterminador do Futuro (1984)

O primeiro grande filme de James Cameron como diretor é uma visão enxuta e brutal de máquinas enlouquecidas e complicações da viagem no tempo. Disfarçado de humano, o assassino conhecido como o Exterminador, interpretado por Arnold Schwarzenegger, viaja de 2029 a 1984 para matar Sarah Connor. Enviado para proteger Sarah está Kyle Reese, que divulga a chegada do Skynet, um sistema de inteligência artificial que detonará um holocausto nuclear.

11. Mad Max: Estrada da Fúria (2015)

O diretor da franquia, George Miller, retorna às suas ideias de habitantes de terra devastada lutando durante anos por sobrevivência após as guerras pelo petróleo, mas desta vez, ele escolhe derrubar imagens de subjugação sexual e discriminação. Em um mundo apocalíptico, Max Rockatansky acredita que a melhor forma de sobreviver é não depender de ninguém. Porém, após ser capturado pelo tirano Immortan Joe e seus rebeldes, Max se vê no meio de uma guerra mortal, iniciada pela imperatriz Furiosa que tenta salvar um grupo de garotas.

10. Blade Runner (1982)

O diretor Ridley Scott saiu do espaço para imaginar uma futurista Los Angeles como um lugar muito terrível para se viver, e ainda assim o seu visual, o som e a sensação do mundo são tão sedutores que queremos visitá-los independentemente de seus contras. No século 21, uma corporação desenvolve clones humanos para serem usados como escravos em colônias fora da Terra, identificados como replicantes. Em 2019, um ex-policial é acionado para caçar um grupo fugitivo vivendo disfarçado em Los Angeles. O filme é um triunfo da construção de um mundo que ainda comove os espectadores e cineastas mesmo 35 anos depois.

9. Matrix (1999)

Um jovem programador de computador aprende que o que a maioria das pessoas percebe que a realidade é, na verdade, uma simulação criada por máquinas e se une a uma rebelião para se libertar. O efeito de "câmera lenta" do filme foi um dos conceitos mais copiados de 1999. Os Wachowskis sintetizaram histórias em quadrinhos, ficção científica e conceitos religiosos para criar esse retrato negro de uma sociedade tão profundamente apegada à tecnologia que tinha como efeito, tornar a tecnologia como um maquinário.

8. RoboCop (1987)

Grandes romances de ficção científica costumam ter um ar de ironia. Por mais incrível que seja o avanço da tecnologia, estamos todos muito unidos graças aos aspectos imutáveis ??da natureza humana. Paul Verhoeven aproveitou esse espírito com RoboCop, contando a história de um policial que foi morto em combate e transformado por cientistas da empresa que dirige a força policial em um ciborgue ultrassofisticado a fim de ser usado na luta contra o crime na cidade de Detroit. Porém, apesar de ter sua memória apagada, lembranças o assombram e o levam a buscar vingança.

7. Contatos Imediatos do Terceiro Grau (1977)

Um grupo de pessoas tenta entrar em contato com uma inteligência alienígena. Roy Neary não apenas viu um objeto voador não identificado: ele tem uma marca de queimadura para provar. Roy se recusa a aceitar uma explicação para o que viu e está disposto a dar a sua vida para descobrir a verdade sobre OVNIs. Como um cara normal que tem seu próprio encontro íntimo com um extraterrestre, Richard Dreyfuss nos leva diretamente para aquela zona onde o fascínio se torna obsessão. Spielberg une os traços de caráter a um ponto de convergência, onde a capacidade da humanidade de se comunicar é testada e, em última instância, validada em uma conversa sem palavras com uma inteligência superior.

6. Star Wars (1977)

No primeiro filme da saga, a princesa Leia é mantida refém pelas forças imperiais comandadas por Darth Vader. O jedi Luke Skywalker junto com o capitão e caçador de recompensas Han Solo precisam libertá-la e restaurar a liberdade e a justiça na galáxia. A influência que George Lucas e sua ópera espacial tiveram para os filmes como um todo não se deve apenas ao seu espírito independente e controle do senso comercial, mas sim ao seu amor pelas histórias clássicas e à capacidade de criar um grande vilão.

5. Alien (1979)

No espaço profundo, a tripulação da espaçonave comercial Nostromo é despertada de suas cápsulas crio-sono no meio da sua jornada para casa, para investigar estranhos sinais vindos de uma nave alienígena. O terror começa quando a tripulação encontra um ninho de ovos no interior da nave. Um organismo pula de dentro do ovo e se afixa em um dos tripulantes, o que parecia ser um ataque isolado se transforma em um terror constante, pois o tripulante atacado levou para dentro da nave o embrião de um alienígena, que não para de crescer e tem como meta matar toda a tripulação. Sem dúvida, Ridley Scott criou a criatura mais horripilante do gênero.

4. E.T. - O Extraterrestre (1982)

Steven Spielberg deu á vida a um pequeno alienígena chamado E.T. No filme, ele foi abandonado por seus companheiros e resgatado pelo garoto Eliott que tenta a todo custo ajudá-lo a encontrar o caminho de volta para casa, transformando esse pequeno ser em um dos personagens mais queridos do cinema.

3. A Mosca (1986)

Desde o início de sua carreira, o diretor David Cronenberg deleitou-se com suas criações mais bizarras de sua mente. Ainda assim, ele raramente criou uma conexão tão profunda quanto a construída entre o público e o excêntrico cientista Seth Brundle, que ao concluir seu dispositivo de teletransporte, decide testar a eficácia do experimento em si próprio. Sem que ele perceba, uma mosca cai no aparelho durante o processo e provoca uma fusão dele com o inseto. Porém, ele pensa que o experimento foi um sucesso, até que começa a notar que as células da mosca estão tomando conta de seu corpo, e ele acaba se transformando em uma criatura monstruosa. No entanto, o triunfo do filme está nos fazer sentir a dor da transformação de Seth.

2. Planeta dos Macacos (1968)

Um grupo de astronautas deixam a Terra em 1972 e aterrissam em um planeta desconhecido. Lá, eles encontram uma classe dominante de macacos inteligentes e guerreiros que acreditam ser naturalmente elevados sobre os humanos, que terão que lutar pela liberdade. O conceito básico do filme é uma metáfora flexível para muitas divisões na sociedade humana.

1. 2001: Uma Odisséia no Espaço (1968)

Um trabalho de criatividade e imaginação ilimitadas, o filme de 1968 de Stanley Kubrick visa nada menos do que retratar o processo da evolução humana com o passado e o futuro. Criado em uma era de efeitos especiais escassos, o filme ainda parece ser incrível, mesmo nos dias de hoje, com imagens artificiais de voos espaciais convincentes. Com uma visão geral da existência humana que vê pouca diferença prática entre um pedaço de osso e uma estação espacial, 2001 prevê o nosso salto evolutivo como aquele que deixa a tecnologia de lado para entrar em um reino de consciência pura.
Esse texto foi escrito por Fernando Fabretti via nexperts.

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Os 36 maiores filmes de ficção científica de todos os tempos

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O gênero de filme de ficção científica é tão extenso quanto à galáxia. Pensando nisso, separamos os 36 maiores filmes de ficção científica de todos os tempos. Mas fique a vontade para comentar seus filmes favoritos do gênero nos comentários no fin...

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Ridley Scott, the director of the futuristic thriller "Blade Runner," sets up the action with a crawl announcing that the time is early in the twenty-first century, and that a blade runner is a police officer who "retires"-i.e., kills-"replicants," the powerful humanoids manufactured by genetic engineers, if they rebel against their drudgery in the space colonies and show up on Earth. A title informs us that we're in Los Angeles in the year 2019, and then Scott plunges us into a hellish, claustrophobic city that has become a cross between Newark and old Singapore. The skies are polluted, and there's a continual drenching rainfall. The air is so rotten that it's dark outside, yet when we're inside, the brightest lights are on the outside, from the giant searchlights scanning the city and shining in. A huge, squat pyramidal skyscraper (the new architecture appears to be Mayan and Egyptian in inspiration) houses the offices of the Tyrell Corporation, which produces those marvels of energy the replicants, who are faster and stronger than human beings, and even at the top, in the penthouse of Tyrell himself, there's dust hanging in the smoky air. (You may find yourself idly wondering why this bigwig inventor can't produce a humble little replicant to do some dusting.)

The congested-megalopolis sets are extraordinary, and they're lovingly, perhaps obsessively, detailed; this is the future as a black market, made up of scrambled sordid aspects of the past-Chinatown, the Casbah, and Times Square, with an enormous, mesmerizing ad for Coca-Cola, and Art Deco neon signs everywhere, in a blur of languages. "Blade Runner," which cost thirty million dollars, has its own look, and a visionary sci-fi movie that has its own look can't be ignored-it has its place in film history. But we're always aware of the sets as sets, partly because although the impasto of decay is fascinating, what we see doesn't mean anything to us. (It's 2019 back lot.) Ridley Scott isn't great on mise en scène-we're never sure exactly what part of the city we're in, or where it is in relation to the scene before and the scene after. (Scott seems to be trapped in his own alleyways, without a map.) And we're not caught up in the pulpy suspense plot, which involves the hero, Deckard (Harrison Ford), a former blade runner forced to come back to hunt down four murderous replicants who have blended into the swarming street life. (The term "blade runner" actually comes from the title of a William Burroughs novel, which has no connection with the movie.) It's a very strange tenderloin that Ridley Scott and his associates have concocted; except for Deckard and stray Hari Krishna-ites and porcupine-headed punks, there are few Caucasians (and not many blacks, either). The population seems to be almost entirely ethnic-poor, hustling Asians and assorted foreigners, who are made to seem not quite degenerate, perhaps, but oddly subhuman. They're all selling, dealing, struggling to get along; they never look up-they're intent on what they're involved in, like slot-machine zealots in Vegas. You know that Deckard is a breed apart, because he's the only one you see who reads a newspaper. Nothing much is explained (except in that opening crawl), but we get the vague impression that the more prosperous, clean-cut types have gone off-world to some Scarsdale in space.

Here we are-only forty years from now-in a horrible electronic slum, and "Blade Runner" never asks, "How did this happen?" The picture treats this grimy, retrograde future as a given-a foregone conclusion, which we're not meant to question. The presumption is that man is now fully realized as a spoiler of the earth. The sci-fi movies of the past were often utopian or cautionary; this film seems indifferent, blasé, and maybe, like some of the people in the audience, a little pleased by this view of a medieval future-satisfied in a slightly vengeful way. There's a subject, though, lurking around the comic-strip edges: What does it mean to be human? Tracking down the replicants, who are assumed not to have any feelings, Deckard finds not only that they suffer and passionately want to live but that they are capable of acts of generosity. They have become far more human than the scavenging people left on Earth. Maybe Scott and the scriptwriters (Hampton Fancher and David Peoples), who adapted the 1968 novel "Do Androids Dream of Electric Sheep?," by the late Philip K. Dick, shied away from this subject because it has sticky, neo-Fascist aspects. But this underlying idea is the only promising one in the movie, and it has a strong visual base: when a manufactured person looks just like a person born of woman-when even the eyes don't tell you which is which-how do you define the difference?

Scott's creepy, oppressive vision requires some sort of overriding idea-something besides spoofy gimmicks, such as having Deckard narrate the movie in the loner-in-the-big-city manner of a Hammett or Chandler private eye. This voice-over, which is said to have been a late addition, sounds ludicrous, and it breaks the visual hold of the material. The dialogue isn't well handled, either. Scott doesn't seem to have a grasp of how to use words as part of the way a movie moves. "Blade Runner" is a suspenseless thriller; it appears to be a victim of its own imaginative use of hardware and miniatures and mattes. At some point, Scott and the others must have decided that the story was unimportant; maybe the booming, lewd and sultry score by Chariots-for-Hire Vangelis that seems to come out of the smoke convinced them that the audience would be moved even if vital parts of the story were trimmed. Vangelis gives the picture so much film noir overload that he fights Scott's imagery; he chomps on it, stomps on it, and drowns it.

"Blade Runner" doesn't engage you directly; it forces passivity on you. It sets you down in this lopsided maze of a city, with its post-human feeling, and keeps you persuaded that something bad is about to happen. Some of the scenes seem to have six subtexts but no text, and no context, either. There are suggestions of Nicolas Roeg in the odd, premonitory atmosphere, but Roeg gives promise of something perversely sexual. With Scott, it's just something unpleasant or ugly. The dizzying architectural angles (we always seem to be looking down from perilous heights) and the buglike police cars that lift off in the street and rise straight up in the canyons between the tall buildings and drop down again give us a teasing kind of vertigo. Scott goes much further, though. He uses way-off-kilter angles that produce not nausea, exactly, but a queasiness that prepares us for the feelings of nausea that Deckard is then seen to have. And, perhaps because of the what-is-a-human-being remnant in the story, the picture keeps Deckard-and us-fixated on eyes. (The characters' perambulations include a visit to the eyemaker who supplies the Tyrell genetic engineers with human eyes, and he turns out to be a wizened old Chinese gent-as if eyemaking were an ancient art. Maybe Tyrell picks up some used elbows in Saigon. His methods of operation for creating replicant slaves out of living cell tissue seem as haphazard as bodywork on wrecked cars.) In Nicolas Roeg's films, the characters are drained, and they're left soft and androgynous in an inviting way; Scott squashes his characters, and the dread that he sets up leads you to expect some release, and you know it's not the release you want.

All we've got to hang on to is Deckard, and the moviemakers seem to have decided that his characterization was complete when they signed Harrison Ford for the role. Deckard's bachelor pad is part of a 1924 Frank Lloyd Wright house with a Mayan motif. Apart from that, the only things we learn about him are that he has inexplicably latched on to private-eye lingo, that he was married, and that he's tired of killing replicants-it has begun to sicken him. (The piano in his apartment has dozens of family pictures on it, but they're curiously old-fashioned photos-they seem to go back to the nineteenth century-and we have no idea what happened to all those people.) The film's visual scale makes the sloppy bit of plot about Deckard going from one oddball place to another as he tracks down the four replicants-two men, two women-seem sort of pitiable. But his encounters with the replicant women are sensationally, violently effective. As Zhora, who has found employment as an artificial-snake charmer, Joanna Cassidy has some of the fine torrid sluttiness she had in "The Late Show." (Nobody is less like a humanoid than Joanna Cassidy; her Zhora wasn't manufactured as an adult-she was formed by bitter experience, and that's what gives her a screen presence.) And, in the one really shocking and magical sequence, Daryl Hannah, as the straw-haired, acrobatic Pris, does a punk variation on Olympia, the doll automaton of "The Tales of Hoffmann."

The two male replicants give the movie problems. Leon (Brion James, who brings a sweaty wariness and suggestions of depth to the role) has found a factory job at the Tyrell Corporation itself, and his new employers, suspecting that he may be a renegade replicant, give him a highly sophisticated test. It checks his emotional responses by detecting the contractions of the pupils of his eyes as he attempts to deal with questions about his early life. But this replicant-detector test comes at the beginning of the picture, before we have registered that replicants have no early life. And it seems utterly pointless, since surely the Tyrell Corporation has photographic records of the models it has produced-and, in fact, when the police order Deckard to find and retire the four he is shown perfectly clear pictures of them. It might have been much cannier to save any testing until later in the movie, when Deckard has doubts about a very beautiful dark-eyed woman-Tyrell's assistant, Rachael, played by Sean Young. Rachael, who has the eyes of an old Murine ad, seems more of a zombie than anyone else in the movie, because the director tries to pose her the way von Sternberg posed Dietrich, but she saves Deckard's life, and even plays his piano. (She smokes, too, but then the whole atmosphere is smoking.) Rachael wears vamped-up versions of the mannish padded-shoulder suits and the sleek, stiff hairdos and ultra-glossy lipstick of career girls in forties movies; her shoulder comes into a room a long time before she does. And if Deckard had felt compelled to test her responses it could have been the occasion for some nifty repartee; she might have been spirited and touching. Her role is limply written, though; she's cool at first, but she spends most of her screen time looking mysteriously afflicted-wet-eyed with yearning-and she never gets to deliver a zinger. I don't think she even has a chance to laugh. The moviemakers haven't learned that wonderful, simple trick of bringing a character close to the audience by giving him a joke or having him overreact to one. The people we're watching are so remote from us they might be shadows of people who aren't there.

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Ridley Scott, the director of the futuristic thriller "Blade Runner," sets up the action with a crawl announcing that the time is early in the twenty-first century, and that a blade runner is a police officer who "retires"-i.e., kills-"replicants," the powerful humanoids manufactured by genetic engineers, if they rebel against their drudgery in the space colonies and show up on Earth.

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Realidade alcança o futurista "Blade Runner"; relembre polêmicas do filme | GZH

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Futuro projetado no filme de Ridley Scott está localizado exatamente neste novembro de 2019, numa Los Angeles sombria e chuvosa que reflete um apocalíptico cenário mundial

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Blu-ray Screen capture from the 1982 movie, ‘Blade Runner’.

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Hoje os aficcionados por ficção científica voltam suas atenções ao aguardado Prometheus, uma obra que não apenas marca o retorno ao gênero de seu consagrado diretor, como resgata referências dos dois grandes clássicos que o antecederam. Trazendo angústias existenciais - que já haviam sido exploradas pelos andróides de Blade Runner - ambientadas dentro do universo imaginário de Alien. A nova empreitada de Ridley Scott atualiza a reflexão sobre a razão da vida no momento em que seu fim se aproxima. Se hoje existe um público ávido por esses temas, vale lembrar que nem sempre foi fácil convencer os estúdios de que tais assuntos renderiam boas tramas no cinema. Um caminho precisou ser aberto e alguém precisou aceitar o desafio para estabelecer precedentes que norteariam os rumos do gênero nas três décadas subsequentes.

O estigma de ícone da pós-modernidade só veio posteriormente, mas ajuda a explicar como os fins mercadológicos do filme ficaram comprometidos, embora tenha garantido sua notabilidade histórica e artística. A complexidade dos chamados replicantes, androides que metaforizam a própria condição humana, dual e finita, permaneceriam incompreendidos pelo grande público por décadas, sendo redescobertos aos poucos, talvez pela insistência daqueles que compreenderam desde o início que aquele era um filme, de fato, a frente de seu tempo, como o próprio tempo mostrou.

O que para a época era um investimento considerado alto, só retornaria ao longo dos anos seguintes, com os lucros do merchandising e o relançamento de novas versões reeditadas para satisfazer os fãs, a crítica e o diretor. Para o lançamento de 1982, Scott fora intimado a simplificar o roteiro, tornando-o mais "auto-explicativo" a um público que se mostrava despreparado para absorver aquela proposta estética e narratológica, que priorizava a melancolia à ação e frustrava quem buscava uma fórmula hollywoodiana tradicional. Isso fez com que algumas cenas fossem cortadas ou inseridas, além da inclusão de uma catastrófica narração em voice-over do personagem principal, para conduzir o público ao longo da trama. Já em 1992, com maior liberdade para moldar o filme à sua maneira, o diretor pôde produzir uma nova versão, Blade Runner - Director´s Cut, rendendo lucros e projeção significativamente maiores do que na primeira estréia. A essa altura, a intenção tecno-noir já não era mais tão vanguardista e o filme podia ser entendido com mais facilidade.

O Estado de S.Paulo, 31/12/2007
Não cabe comparar, mas há quem prefira o livro ao filme. Antes de chegar aos cinemas pelas mãos de Scott, Do androids dream of eletric sheep? ( Sonham os androides com carneiros elétricos? na tradução para a edição portuguesa), publicado em 1968 já compunha o expressivo currículo de Philip K. Dick. Vale lembrar que o roteiro para cinema eliminou alguns elementos que, no texto de Dick, se mostravam relevantes. É o caso, por exemplo, do mercerismo, uma tecno-religião empática conduzida por um guru cibernético chamado Wilbur Mercer; ou a ênfase no interesse dos personagens por animais de estimação não-sintéticos; a ausência da esposa do caçador, citada timidamente na versão de 1982 como uma ex-esposa, entre outros personagens que também acabaram sendo excluídos, ou mantidos com outros nomes.

Blade Runner é uma espécie de precursor cinematográfico do gênero cyberpunk, uma vertente da ficção científica, cuja origem é atribuída ao escritor Willian Gibson, a partir de seu livro Neuromancer, de 1984. Sugerindo toda uma nova gama de temas, o cyberpunk promoveu uma ruptura com a ficção científica tradicional, deixando em segundo plano os temas convencionais, como viagens espaciais, máquinas inteligentes e o contato com seres de outros planetas, em troca de novas experiências psico-tecnológicas, como a duplicação de indivíduos em versões virtuais de si mesmos, dimensões paralelas, realidades alternativas, o ciberespaço, anarquia, submundos digitais e ativismo hacker. O pós-modernismo, diante desta implosão de regras e tradições engessadas, parece ter encontrado nesta nova ficção a sua forma de expressão por excelência.

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Há 30 anos, Blade Runner traduzia o pós-modernismo em cinema - Notícias - Estadão

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Hoje os aficcionados por ficção científica voltam suas atenções ao aguardado Prometheus, uma obra que não apenas marca o retorno ao gênero de seu consagrado diretor, como resgata referências dos dois grandes clássicos que o antecederam. Trazendo angústias existenciais - que já haviam sido exploradas pelos andróides de Blade Runner - ambientadas dentro do universo imaginário de Alien.

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Vangelis - Blade Runner Soundtrack (Remastered 2017)

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Teoria da Linguagem Cinematográfica - Projeto

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Teoria da Linguagem Cinematográfica - Projeto

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Análise plano a plano:

O grupo vai escolher um filme, e dentro do filme escolher uma sequência com um número x de planos.

Ao longo do semestre essa sequência vai ser trabalhada em 3 momentos:

1) Imagem
2) Som
3) Montagem

Síntese do trabalho - aula 1.

Análise plano a plano, um plano termina e outro começa. Se o plano for em sequência única não terá a montagem.

Plano -> Cena -> Sequência

Plano: tudo aquilo que tá filmado, registrado, compreendido entre 2 cortes. Mudar a câmera, muda o plano.
Mais definições: extensão entre dois cortes.
obs.: O que define a passagem de plano é o corte.

Sequência:  o que define a sequência tem a ver com a natureza dramática. Quando conta um filme vai desenvolvendo as sequências.

Cena: Cena é o conjunto de planos dotados de uma unidade de espaço temporal.  São partes da sequência. Exemplo: em Psicose, podemos dizer que estamos narrando uma sequência.

Nossa primeira ideia de sequência é "Lágrimas na Chuva"*, cena final do filme Blade Runner (1982).
*de acordo com o vídeo abaixo.
#ALERTA DE SPOILER!!
Vídeo  não recomendado para quem se irrita com spoiler rs

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Blade Runner - Cena final (Lágrimas na Chuva) legenda PT

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Sei se você está lendo isso e se perguntando: "Versão original de Blade Runner: O Caçador de Androides? Como assim? Eu perdi alguma coisa?". Calma! Vou explicar: quando o diretor Ridley Scott finalizou o primeiro corte do filme, após uma filmagem exaustiva e estressante, a Warner ficou descontente com o que havia ali. Era uma produção que estourou orçamento, com cenários gigantescos e tinha o grande astro do momento, que era Harrison Ford. O estúdio esperava algo mais comercial, mas Scott entregou um filme intimista cheio de questões filosóficas. Um executivo chegou a dizer: " Seu filme é esplêndido, mas ninguém vai entender ".

Então foi feita uma versão lançada no cinema em 1982, com apelo comercial maior, o que não adiantou muito. Foi um grande fracasso de público e crítica, embora tenha ganho um certo prestígio ao sair em VHS. Firmou-se como um clássico após a versão feita pelo próprio Scott em 1992. Vamos começar pela versão "comercial" de Blade Runner. Avisando que há spoilers no próximo parágrafo, portanto, se você ainda não sabe nada sobre essa obra de arte, corrija isso agora e depois venha ler sobre essas duas versões. Vamos lá!
Confira também uma lista de filmes que interessa a qualquer fã de Blade Runner!
1982: Um Noir que explica demais

O primeiro ponto que chama a atenção nesta versão é que o filme contém uma narração em off de Harrison Ford. Parece que a ideia era dar uma sensação maior que tratava-se de um noir, mas essa narração só serve para explicar os simbolismos do filme e tirar da atmosfera. Isso se torna evidente quando ocorre a icônica morte de Roy Batty ( Rutger Hauer), que após o seu belo dialogo vem um off ridículo dizendo sobre o Batty era o personagem mais vivo que ele conheceu. Desnecessária a fala, como se o público precisasse de algo mais além da imagem e da trilha. Acaba destruindo o momento mais poderoso do filme.

Outro problema é o final feliz, em que Deckard (Ford) escapa com Rachael ( Sean Young), após Gaff ( Edward James Olmos) ter passado por seu apartamento. Aliás, alguns dos planos gerais utilizados para esse final vieram de sobras de O Iluminado, já que foi uma alteração às pressas. Mudanças que parecem pequenas na descrição, mas fazem muita diferença. A força de Blade Runner vem das interpretações do espectador. Para isso, o silêncio dos personagens, ,mais a trilha sonora de Vangelis, conduzem o público. Essas ideias, impostas pelo estúdio, acabam destruindo o filme na sua essência.

O filme teve uma versão internacional, que traz de diferente alguns segundos com violência mais explicita. Esse corte foi o que saiu em vídeo na época. Não à toa, Blade Runner: O Caçador de Androides demorou pra ser visto como um filme verdadeiramente rico. Essa versão do lançamento original mostrava que era um filme de camadas, mas não as explorava. Felizmente, Ridley Scott deu a volta por cima em 1992.

1992: O reconhecimento como Cult

O tempo se passou e Scott conseguiu consolidar sua carreira, inclusive com uma indicação ao Oscar de Melhor Diretor por Thelma & Louise, em 1991. Aí decidiu voltar para Blade Runner, que era um projeto pelo qual ainda era apaixonado e sabia de sua força. Então, remontou o filme e o deixou o mais próximo de sua visão. A narração em off de Harrison Ford foi retirada e o seu final manteve a aura de ambiguidade de uma boa ficção científica. Isso deixou a obra mais poderosa e foi nessa versão do diretor que Scott lançou a pergunta: será Deckard um Replicante? Scott incluiu o trecho do sonho com um unicórnio e o take em que mostra como os olhos de Deckard brilham de forma semelhante aos alvos de sua caçada. Tornou-se um filme rico, no qual o espectador precisa leva consigo os questionamentos após o fim da projeção.

Em 2007, Scott lançou a versão definitiva de Blade Runner. Não houve nenhuma mudança narrativa tão gritante em relação à versão lançada em 1992, mas ajustes na imagem. O diretor colocou as cópias originais do filme em uma restauração em 4k, embelezando-o ainda mais. Narrativamente, ela é a mesma versão anterior, mas, como Scott é perfeccionista, houve uma mudança no visual como dito e no som. Os áudios foram divididos entre sete canais, imprescindível para aproveitar a experiência total em um home theater.

No fim, qual é a melhor? Claro que a versão do diretor,pois foi ela que mostrou a real face da obra profunda que é Blade Runner: O Caçador de Androides. Saudades dessa boa época de Ridley Scott... Agora, os holofotes se voltam para a continuação comandada por Denis Villeneuve.

Sobre o autor da postagem

Formado em Rádio e TV pela Faculdade Cásper Líbero, é um Cinéfilo (com C maiúsculo mesmo) de carteirinha e tem Martin Scorsese como mestre supremo. Um sonho? Ganhar a vida percorrendo os labirintos da Sétima Arte.

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Blade Runner: O Caçador de Androides - Original X Versão do Diretor

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Sei se você está lendo isso e se perguntando: "Versão original de Blade Runner: O Caçador de Androides? Como assim? Eu perdi alguma coisa?". Calma! Vou explicar: quando o diretor Ridley Scott finalizou o primeiro corte do filme, após uma filmagem exaustiva e estressante, a Warner ficou descontente com o que havia ali.

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Estou colocando aqui o 1o Blade Runner (1982), que é o que consta na ementa da classe.

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Estou colocando aqui o 1o Blade Runner (1982), que é o que consta na ementa da classe.

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A Revolucionária Fotografia de Blade Runner

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Blade Runner - Cena Final (Legendado PT-BR)

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Ridley Scott Interview (Blade runner) 1982                

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Ridley Scott Interview (Blade runner) 1982                

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Ridley Scott- Interview (Bladerunner) 1982 [Reelin' In The Years Archives]

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How Ridley Scott Turned Footage From the Beginning of The Shining Into the End of Blade Runner

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Flopping in 1982 but ultimately accruing more critical acclaim and cinephile esteem than perhaps any other science-fiction film, Blade Runner, starring Harrison Ford and Sean Young, has become the quintessential modern example of a work of art before its time.

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Voigt-Kampff : Blade Runner Meaning / Do Androids Dream of Electric Sheep?

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Voigt-Kampff : Blade Runner Meaning / Do Androids Dream of Electric Sheep?

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An analysis of the origin of the Voigt-Kampff Empathy Test in Philip K. Dick’s ‘Do Androids Dream of Electric Sheep?’ (1968)

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Voigt-Kampff : Blade Runner Meaning / Do Androids Dream of Electric Sheep?

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Não recomendo assistir antes do filme, pra não estragar a "Magia do Cinema" rs

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Blade Runner 1982 - CINCO COISAS QUE VOCÊ NÃO SABIA

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Ridley Scott on Stanley Kubrick and the ending of Blade Runner

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Ridley Scott on Stanley Kubrick and the ending of Blade Runner

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Ridley Scott on Stanley Kubrick and the ending of Blade Runner

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Philip K Dick’s Electric Dreams – Official Trailer HD Amazon Video

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Philip K Dick’s Electric Dreams – Official Trailer HD Amazon Video

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Série da Amazon baseada em contos de Philip K. Dick, autor de Do Androids Dream of Electric Sheep? livro que inspirou Bade Runner.

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Philip K  Dick’s Electric Dreams – Official Trailer HD   Amazon Video

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O ângulo holandês , também conhecido como inclinação holandesa , ângulo inclinado ou ângulo oblíquo , é um tipo de tomada de câmera que envolve definir a câmera em um ângulo em seu eixo de rotação para que a tomada seja composta por linhas verticais em um ângulo lateral do quadro, ou de forma que a linha do horizonte da foto não seja paralela com a parte inferior do quadro da câmera. Isso produz um ponto de vista semelhante a inclinar a cabeça para o lado. Na cinematografia , o ângulo holandês é uma das muitas técnicas cinematográficas frequentemente usadas para retratar inquietação psicológica ou tensão no assunto sendo filmado. A inclinação holandesa está fortemente associada à cena cinematográfica alemã durante o movimento expressionista , que utilizou extensivamente o ângulo holandês.

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Ridley Scott Breaks Down His Favorite Scene from Blade Runner | Blade Runner 2049 | WIRED

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Ridley Scott Breaks Down His Favorite Scene from Blade Runner | Blade Runner 2049 | WIRED

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Ridley Scott Breaks Down His Favorite Scene from Blade Runner | Blade Runner 2049 | WIRED

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Diretores de cinema neo-noir referem-se a 'noir clássico' no uso de ângulos holandeses , interação de luz e sombras, enquadramento desequilibrado ; indefinição das linhas entre o bom e o mau e o certo e o errado , e motivos temáticos , incluindo vingança , paranoia e alienação .

Fonte: Wikipedia -neo noir (acesso em 10/07/21 - às 12h)

Até hoje os especialistas não chegaram a um consenso se o noir é um gênero (como drama, comédia, suspense) ou um estilo de filmagem. A classificação foi cunhada em 1946 pelo crítico francês  Nino Frank para se referir a um tipo de longa-metragem de suspense que estava em voga nos anos 1940, com ambientação urbana, temática criminal e anti-heróis.

VERSÕES MODERNAS
Os “neo noir” ganharam força a partir da Guerra Fria. Confira 10 boas sugestões:

Sob o Domínio do Mal (1962)

Chinatown (1974)

Taxi Driver (1976)

Blade Runner: O Caçador de Androides

Instinto Selvagem (1992)

Seven – Os Sete Crimes Capitais (1995)

Los Angeles – Cidade Proibida (1997)

Amnésia (2000)

Sin City – Cidade do Pecado (2005)

Drive (2011)

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Até hoje os especialistas não chegaram a um consenso se o noir é um gênero (como drama, comédia, suspense) ou um estilo de filmagem. A classificação foi cunhada em 1946 pelo crítico francês Nino Frank para se referir a um tipo de longa-metragem de suspense que estava em voga nos anos 1940, com ambientação urbana, temática criminal e anti-heróis.

O visual costumava ter fortes influências da corrente cinematográfica conhecida como expressionismo alemão e da técnica de claro/escuro do pintor barroco Caravaggio (daí a escolha do termo "noir", que significa "preto" em francês). Porém, esse termo (e o prestígio dos filmes noir) só se consolidou na década de 1970. Especialistas classificam como noir mais de 300 títulos produzidos entre 1940 e 1958.

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1) CADA FALA É UM TIRO
Os roteiros costumavam ter alguns "vícios". Os diálogos eram rápidos, com frases precisas e incisivas. Ao mesmo tempo, permitiam a citação de passagens poéticas ou dramáticas. Flashbacks, como os de Fuga do Passado (1947), eram frequentes, ajudando a caracterizar personagens assombrados pelo que fizeram ou a provar que o presente não é bem o que parece ser.

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2) DARKÓPOLIS
As tramas tinham um forte componente urbano e adoravam mostrar a cidade como um lugar opressor, perigoso e capaz de corromper os homens de bem - vide Fúria Sanguinária (1949). Cenas à noite e chuvosas reforçavam a ideia. Problemas sociais eram temas recorrentes - as histórias eram recheadas de crimes, investigações policiais, figuras marginalizadas, álcool e cigarro.

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3) DO BEM OU DO MAL?
Os protagonistas costumam ter objetivos dúbios, cínicos e até cruéis. O herói nem sempre salva e, às vezes, é até violento. A suposta vítima não é tão indefesa. E o interesse amoroso pode ser a vilã da trama. São as famosas "femme fatales" ("mulheres fatais", em francês), que abusam da sensualidade para manipular os homens, como Rita Hayworth em Gilda (1946).

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4) PRETO NO BRANCO
Outra característica era a iluminação de três pontos. Havia uma fonte de luz para estabelecer o escuro (sombras), outra para o claro (contraste com o negro) e outra para criar um gradiente de cinza, regulada para criar a "atmosfera" da cena. Com frequência, os personagens eram banhados por longas sombras lineares, projetadas de barras da prisão, escadas ou venezianas nas janelas.

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5) UMA AULA DE CINEMA
Em seu auge, nos anos 40, o noir era considerado um subgênero menor, sensacionalista. Ainda assim, vários clássicos surgiram nessa época, como O Falcão Maltês (1941), Pacto de Sangue (1944), À Beira do Abismo (1946), Crepúsculo dos Deuses (1950) e A Marca da Maldade (1958), reunindo talentos como o astro Humphrey Bogart e os diretores Orson Welles e Billy Wilder.

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6) DESEQUILIBRADO
O clima perturbador era reforçado com truques visuais, como os enquadramentos inusitados. Muitas vezes, eles eram "inclinados" (o chamado "ângulo holandês"). Nas cenas mais abertas, a composição dos elementos era assimétrica (uma herança do expressionismo alemão, bem aproveitada em A Morte num Beijo, de 1955). Já os close-ups eram bem fechados, intensos e desalinhados.

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VERSÕES MODERNAS
Os "neo noir" ganharam força a partir da Guerra Fria. Confira 10 boas sugestões:

Sob o Domínio do Mal (1962)

Chinatown (1974)

Taxi Driver (1976)

Blade Runner: O Caçador de Androides (1982)

Instinto Selvagem (1992)

Seven - Os Sete Crimes Capitais (1995)

Los Angeles - Cidade Proibida (1997)

Amnésia (2000)

Sin City - Cidade do Pecado (2005)

Drive (2011)

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, de Foster Hirsch, Encyclopedia, de Alain Silver, Into the Dark (Turner Classic Movies): The Hidden World of Film , 1941-1950, de Mark A. Vieira; documentário : Bringing Darkness to Light (2011) Film The Dark Side of the Screen: Film

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Até hoje os especialistas não chegaram a um consenso se o noir é um gênero (como drama, comédia, suspense) ou um estilo de filmagem. A classificação foi cunhada em 1946 pelo crítico francês Nino Frank para se referir a um tipo de longa-metragem de suspense que estava em voga nos anos 1940, com ambientação urbana, temática criminal e anti-heróis.

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TDK Corporation ( TDK Kabushiki-kaisha, formalmente TDK Eletrônicos LTDA) é uma empresa multinacional japonesa que produz materiais e componentes eletrônicos, acessórios para gravação e armazenamento de dados. Sua meta é: "Contribuir para a cultura e indústria através da criatividade". As iniciais TDK vêm do nome original em japonês da companhia: Tokyo Denki K agaku (Tóquio Elétrica e Química).

A TDK foi fundada no Japão, em 7 de dezembro de 1935, para a fabricação de um material magnético, baseado em ferro, o ferrite, o qual fora recentemente inventado por Ygoro Kato e Takeshi Takei. Em 1952 iniciou-se a produção de fitas magnéticas, com a sequência dos cassetes compactos em 1966. Isto fez com que a companhia fosse sensivelmente notada. A TDK inicia um extensivo portfólio de materiais (acessórios) magnéticos e óticos, incluindo vários modelos de fitas de audio e vídeo e CD-R e DVD-R virgens.

As operações norte-americanas iniciaram-se em 1965 num escritório em Nova Iorque, e as operações europeias, em 1970, com filial em Frankfurt, na Alemanha.

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TDK Corporation ( TDK Kabushiki-kaisha, formalmente TDK Eletrônicos LTDA) é uma empresa multinacional japonesa que produz materiais e componentes eletrônicos, acessórios para gravação e armazenamento de dados. Sua meta é: "Contribuir para a cultura e indústria através da criatividade". As iniciais TDK vêm do nome original em japonês da companhia: Tokyo Denki K agaku (Tóquio Elétrica e Química).

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Art Déco

O filme Blade Runner é classificado como um neo-noir, definição que podemos ver em outro quadro aqui do painel.  Uma das característica dos filmes noir que foram incorporadas ao filme Blade Runner - O Caçador de Androides e foi mantido no Blade Runner 2049 ¹ é a estética (retro)futurista misturada ao estilo Art Déco.

Art Déco foi influenciado pelas formas geométricas ousadas do Cubismo e da Secessão de Viena ; as cores vivas do fauvismo e dos Ballets Russes ; o artesanato atualizado dos móveis das épocas de Luís Filipe I e Luís XVI ; e os estilos exotizados da China e Japão , Índia , Pérsia , Egito antigo e arte maia . Apresentava materiais raros e caros, como ébano e marfim, e artesanato requintado.²

Alguns filmes ambientados na estética art déco (lembrando que o filme Blade Runner não utiliza apenas esse estilo, tem outros elementos que não serão encontrados na lista de filmes a seguir):

• Metrópolis (1928)
• Garotas Modernas (1928)
• Cantando na Chuva (1930)
• Grande Hotel (1932)
• O Grande Gatsby (2013).

O mais recente desta lista é de 2013, mas, a história é ambientada no verão de 1922. Na matéria a seguir,  podemos ver imagens do filme com detalhes sobre a influência Art Déco na escolha da arquitetura, formas, cores e objetos:  Arq + Cine -  O Grande Gatsby

¹Fonte: Inverse
² Fonte: Wikipédia Art Déco
³ Fonte: Filmes Art Déco

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Cyberpunk está ligado a narrativas de realidades com alta tecnologia e baixa qualidade de vida. Sociedades regidas por ditaturas que usam aparatos tecnológicos como forma de domínio e opressão também são comuns no cyberpunk.

Fonte: Blog Nedspeak

Na lista a seguir, temos alguns filmes e animações que seguem essa temática:

AKIRA
Blade Runner
Total Recall
Matrix
Ghost In the Shell
Looper
O Quinto Elemento
TRON - Uma Odisseia Eletrônica

Robocop
Vingador do Futuro

Trouxe dois blogs que explicam a diferença entre os gêneros "Punk" - além do cyberpunk existem vários outros, por exemplo: o steampunk (Filmes Mad Max), Dieselpunk(filme O capitão Sky), dentre outros:

Gêneros punk (português)

Gêneros punk (inglês)

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http://memoria.bn.br/DocReader/030015_10/45902