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Esse filme aborda:
- Trabalho infantil
- Crítica ao consumismo moderno
- Prostituição em casas de banho japonesas (implícito)
- Críticas a sociedade japonesa
- Ganância
- Transição de uma criança imatura para a vida adulta (maturidade/responsabilidade)
- Empoderamento feminino (implícito)
-  Falta de personalidade : Kaonashi
(a personalidade da personagem é moldada através de acontecimentos e fatores externos, demonstrando falta de caráter próprio)

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Sen to Chihiro no Kamikakushi ou em português, A Viagem de Chihiro, é um dos filmes mais conhecidos feito pelo Studio Ghibli e dirigido pelo animador Hayao Miyazaki.

O filme conseguiu conquistar o Oscar de 2003, sendo o primeiro e o único filme do estúdio a ganhar o prêmio de melhor animação.

O interessante de analisar um filme de um outro país, ainda mais do oriente, é que conseguimos interpretar algumas metáforas e simbolismos por trás da história do filme que em primeiro momento, não se tocamos de suas existências.

E dessa forma, podemos perceber como é bastante comum animações japonesas trabalharem os simbolismos em suas histórias, ainda mais nos filmes do Studio Ghibli, que tanto Miyazaki ou outros diretores, sempre trazem ideias deste tipo.

Desta forma, vamos analisar um pouco sobre A Viagem de Chihiro e trazer alguns simbolismos que podem ser encontrados no filme e que muita gente não deve nem ter percebido.

Um pouco sobre "A Viagem de Chihiro"

O filme A Viagem de Chihiro conta a história de Chihiro que, com seus pais, está se mudando para uma cidade nova.

No caminho da nova casa, os pais decidem pegar um atalho e acabam parando em um lugar, onde eles encontram uma mesa repleta de comida. Os pais decidem comer e Chihiro, preocupada, fica de lado, insistindo para os pais não estarem ali.

Os pais, que estão comendo, acabam sendo transformados em porcos. Aterrorizada, Chihiro foge, mas depois de um tempo, começa a perceber que está ficando transparente. Um jovem misterioso chamado Haku aparece e a ajuda.

Chihiro, mais tarde, consegue um trabalho nas casas termais do vilarejo que então, Chihiro começa sua grande aventura para buscar uma maneira de acabar com o feitiço que mantém a família dela em porcos.

Então, o filme trabalha com o crescimento e construção da personagem Chihiro, onde a proposta é Chihiro deixar de lado toda a imaturidade que ela tinha no começo do filme para então viver sozinha em um mundo totalmente novo.

Chihiro passa por experiências novas, sendo muitas vezes mais fantasiosas, tudo para seu crescimento como personagem.

Os símbolos e metáforas em "A Viagem de Chihiro"

A construção da personagem de Chihiro

Como disse anteriormente, a ideia do filme é trazer a evolução da personagem Chihiro, em sua vida infantil a adulta. Desta forma, o filme traz alguns simbolismos que remetem a essa proposta.

As metáforas já começam com o nome japonês do filme. Sen to Chihiro no Kamikakushi é um jogo de palavras onde Sen, nome que Chihiro assume no meio da história, significa "mil" ou "muitos". A junção das duas primeiras palavras, que forma "Sento", significa "Casa de Banho", onde a história é passada a maior parte do tempo.

Outro ponto importante do filme é o nome da personagem. Chihiro precisa conseguir o trabalho na casa de banho e para isso, Yubaba acaba roubando o verdadeiro nome da garota, onde então Chihiro é passado agora a se chamar de Sen. A ideia da troca de nomes significa simbolicamente a morte da menina, que deve assumir então a fase adulta.

Sen, como disse, significa "muitos", o que remete que, para Yubaba, Chihiro é apenas mais uma entre vários outros que vai render dinheiro para ela.

Sen segue esse rito de passagem até no final do filme, em que ela decide tomar seu nome outra vez. É a ideia então de Chihiro tentar recuperar a continuidade do seu passado, forjando então uma nova identidade.

Portanto, a proposta do filme tem a ver em "encontrar seu verdadeiro eu". Dessa forma, Chihiro sempre resistiu aos monstros e aos problemas já que ela era a única que sabia da sua real identidade.

A temática do filme pode ser comparado também com Alice no País das Maravilhas de Lewis Caroll, que também representa a transição da infância até a fase adulta, e essa transição é no meio fantasioso.

Personagem Haku

O personagem Haku, que aparece no começo do filme e que vai ajudando Chihiro a viver naquela cidade e depois a tirar ela de lá, também tem um grande significado.

Sobre a forma de dragão do personagem, acredita-se que os dragões simbolizam e exercem controle sobre a água em suas várias formas, seja a chuva, um rio, raios... Portanto, mais para o meio do filme, nos é revelado que Haku é um espírito do rio.

Assim sendo, também acontece a mesma coisa com o nome de Haku como o de Chihiro. Ele então é só libertado quando Chihiro fala seu verdadeiro nome.

Críticas a sociedade japonesa

O filme traz também uma grande crítica a sociedade japonesa moderna em relação ao conflito de gerações e a luta para quebrar as tradições da cultura tradicional japonesa.

Podemos analisar a personagem Chihiro que busca resgatar sua identidade passada, como disse antes. Essa ideia pode remeter também ao Japão que busca os antigos valores em meio ao decrescimento econômico da época.

Outra coisa que podemos analisar é a crítica ao consumismo. Na cultura japonesa, ou até nos animes, personagens humanos que se transformam em animais não é algo incomum. Já em Chihiro, os pais são transformados em porcos, onde está ligado a ideia do consumismo.

Mais uma crítica que podemos analisar é quando o Deus do Rio aparece na casa de banhos, onde com ele aparece vários lixos, sendo uma crítica a poluição ambiental.

A casa de banho e o espírito Sem Rosto

Primeiramente, a casa de banhos no filme é representada como um lugar luxuoso e repleto de avareza, mas podemos analisar mais profundamente o local com a aparição do personagem Sem Rosto.

A ideia da casa de banho é mostrar ao espectador que ela é luxuosa mas por trás disto, não é necessariamente assim.

O espírito Sem Rosto reflete a personalidade de quem o rodeia. Então, ele acaba devorando quem sucumbe a ganância, tornando o lugar um cenário caótico. Já que o espírito acaba devorando vários funcionários e clientes da casa termal.

Quando a casa termal e os personagens que foram devorados pelo Sem Rosto são salvos por Chihiro, o espírito volta a ser tímido e inofensivo quando confronta a pureza da garota. No fim, a irmã gêmea de Yubaba, Zeniba, decide adotá-lo para evitar que o espírito seja exposto pela influência negativa da casa de banho.

Voltando a falar do local da casa de banho, vale ressaltar que no passado, muitas casas de banho no Japão serviram para prostituição. Por isso o termo Yuna é usado para designar as ajudantes dos sapos, que limpam o local e os deuses.

A ideia também da troca do nome Chihiro para Sen também remete a ideia do bordel, quando uma prostituta começa a trabalhar e precisa trocar de nome.

Outros simbolismos em "A Viagem de Chihiro"

Neste texto portanto eu analisei alguns simbolismos, tanto para ajudar a construção das personagens ou alguns símbolos da cultura japonesa.

E mesmo eu analisando alguns temas do filme, ainda se tem vários outros itens que podemos nos aprofundar, sendo mais então da cultura japonesa. Portanto eu recomendo assistir esse vídeo que analisa profundamente sobre símbolos da cultura japonesa e entre outras coisas que aparecem no filme:

A Viagem de Chihiro: A explicação da real mitologia e o folclore

Entretanto, Hayao Miyazaki nunca comprovou que ele escolheu a utilização desses itens para a construção destas metáforas. Mas mesmo assim, é um dos objetos de estudo dos filmes do Studio Ghibli mais analisados durante os anos.

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A Viagem de Chihiro: Os simbolismos por trás do filme

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Sen to Chihiro no Kamikakushi ou em português, A Viagem de Chihiro, é um dos filmes mais conhecidos feito pelo Studio Ghibli e dirigido pelo animador Hayao Miyazaki. O filme conseguiu conquistar o Oscar de 2003, sendo o primeiro e o único filme do estúdio a ganhar o prêmio de melhor animação.

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Esse filme aborda:
- Alienação
- Cenários de guerra por motivos desnecessários
- Crítica ligada às nações em quererem mostrar a sua força através do poder militar (com grandes maquinários)
- Individualismo do Estado. (que luta pelas próprios interesses e ignora o povo, ainda mais aqueles que necessitam de mais atenção)
- Ambientalismo (como os humanos podem influenciar a natureza)

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Quando analisamos os filmes do Studio Ghibli, encontramos referências, mensagens e simbolismos em suas histórias, ainda mais falando de Hayao Miyazaki. Essas mensagens e simbolismos conseguimos então analisar no filme Castelo Animado, um dos filmes mais conhecidos do estúdio e um dos filmes favoritos do público.

O Castelo Animado, ou em japonês, Howl no Ugoku Shiro, é um filme de animação japonesa lançado em 2004. O filme foi dirigido por Hayao Miyazaki e foi baseado no livro Howl's Moving Castle, da escritora inglesa Diana Wynne Jones. O filme ainda foi indicado para a categoria de Melhor Animação para o Oscar em 2006.

Assim, vamos analisar como são fortes os simbolismos no filme Castelo Animado, desde a situação da guerra, das críticas ligadas ao ambientalismo e do por que enaltecer principalmente a construção de personagem da protagonista Sophie no filme.

Enredo do filme "O Castelo Animado"

A história de Castelo Animado foca na protagonista Sophie, uma jovem que não possui ambições, só acredita que seu destino é manter a chapelaria da família. Sophie acaba encontrando um jovem feiticeiro loiro que a ajuda após ela ser importunada por alguns oficiais do exército.

O encontro dos dois acaba por atrair a atenção da Bruxa das Terras Abandonadas que lança em Sophie um feitiço que a transforma em uma idosa. Assim, Sophie decide sair de casa em busca de um modo de quebrar a maldição, procurando a Bruxa que lhe jogou o feitiço para desfazê-lo. Sophie acaba entrando no Castelo Animado, no intuito de passar a noite em um local seguro mas ela acaba encontrando o mesmo jovem que a ajudou anteriormente, Howl. Sophie então acaba trabalhando como faxineira para Howl.

Portanto, além de acompanhar a relação de Sophie com Howl e a procura dela de tirar o feitiço, vamos ver também conflitos entre dois reinos após o desaparecimento do príncipe de um dos reinos. Assim, Howl acaba convocado para lutar por seu rei e por sua antiga mestra, Madame Sulliman. No entanto, Howl não é alguém que aceita ordens facilmente, já que o mesmo possui seus ideais e segredos.

Simbolismos do filme

Analisando a guerra

Quando analisamos de uma forma geral os filmes de Miyazaki, sempre vamos encontrar alguns símbolos, seja de uma forma direita, ou mais indiretamente. Podemos encontrar em uma característica de algum personagem específico ou até no ambiente que se passa o filme. Assim, o que mais marca no filme Castelo Animado com certeza é a questão da guerra que os dois reinos estão vivenciando e que acabam influenciando na rotina de Sophie e Howl.

Começando logo no começo do filme, é mostrado a rotina de Sophie na chapelaria. Ao acompanhar, começamos a perceber uma certa movimentação de soldados na cidade, mas isso parece não afetar a rotina dos moradores. Também temos outras cenas no filme já mais impactantes, como dos moradores comemorando o começo da guerra. Podemos considerar uma certa alienação dos cidadãos sobre o conflito. Temos até a mãe de Sophie, que tem uma imagem ligada ao consumismo, que só se importa com as roupas e dinheiro que ela possui, deixando de lado a realidade que vive.

Abrangendo nossa análise para Miyazaki, podemos enxergar essa crítica da guerra, principalmente a questão consumista em outros filmes, como em A Viagem de Chihiro (2001) que já analisei aqui no Chimichangas. As mensagens de Miyazaki sobre a guerra é que a mesma, muitas vezes, pode acontecer por razões egoístas e desnecessárias. Na vida real, voltando a falar de Chihiro, podemos até citar que, na premiação do Oscar que o filme ganhou na categoria de Melhor Animação, de acordo com Miguel Serpa (2018), Miyazaki se recusou a comparecer justamente em protesto contra a guerra que acontecia no Iraque.

Voltando ao Castelo Animado, a crítica a guerra pode ser vista então na questão da alienação, já citada, como também é mostrado grandes tanques aviões e máquinas de guerra. Por mais que Miyazaki tenha essa admiração por aviões e que muitas vezes, esse ponto ganha destaque em seus filmes, como em Vidas ao Vento (2013), em Castelo Animado temos mais uma crítica ligada às nações em quererem esbanjar seu poderio militar como grandes máquinas.

Podemos analisar até o comportamento de Howl durante o segundo ato para o terceiro ato do filme. Vemos um personagem que detesta guerra mas o mesmo acaba sendo mudado por conta da guerra. Ele começa a atacar aviões, causando violência, o que choca muitas vezes Sophie. Essa mudança também está diretamente ligada a transformação dele que, quando ele chega no Castelo após cada batalha, ele acaba se transformando aos poucos em uma espécie de ave. Isso está diretamente ligada ao comportamento dele, onde o mesmo está fazendo algo que não acredita, que é praticar a violência. enaltecendo a guerra.

E mais uma cena que podemos citar, e que foi comentada no texto de Miguel Serpa (2018), é a cena da escada, onde Sophie idosa e a Bruxa das Terras Abandonadas passam minutos tentando subir a escada do castelo da Madame Sulliman. Por mais que seja uma cena que fique marcado pelo lado mais cômico, podemos ligar diretamente ao individualismo do Estado, que luta pelas próprios interesses e ignora o povo, ainda mais aqueles que necessitam de mais atenção.

Campo x Cidade

O tema sobre o ambientalismo é um dos que sempre aparece nos filmes do Studio Ghibli, inclusive nos filmes de Miyazaki. Já citei na minha análise do filme Meu Vizinho Totoro (1988) no site NSV Mundo Geek, filme também dirigido por Miyazaki que, o autor faz uma crítica em como os humanos podem influenciar a natureza. Seja em suas ações ou construções feitas para seu benefício.

Assim, muitas cenas do filme são passadas em um grande campo verde com o Castelo em movimento. O poder militar, com aviões e armas podem já trazer essa ideia de como o humano influencia, muitas vezes, negativamente a natureza. O Castelo também pode entrar em debate onde o mesmo, que é uma grande construção de ferro, passa caminhando pela natureza.

Por mais que o Castelo acaba "invadindo" o ambiente do campo, seus personagens parecem pensar diferente. Sophie é totalmente ligada a natureza, sempre buscando relaxar no campo quando precisa, encarando a paisagem.

Assim, uma cena que representa muito bem as máquinas invadindo o campo é a que Miguel Serpa (2018), cita em seu texto. Sophie e Howl estão em um campo de flores, com uma lagoa azul cristalina, admirando o local, mas um avião de guerra passa por cima deles, interrompendo o momento dos dois com a natureza, "representando toda a ameaça e escuridão que os humanos trazem consigo para o mundo, contrastando com a paz de espírito disponibilizada pela natureza." (SERPA, 2018).

A construção de personagem

Por mais que tenhamos esses simbolismos citados acima, vale ressaltar a construção de personagem que Sophie apresenta durante o filme, podendo ser considerada uma das mais interessantes em relação a outros filmes do Studio Ghibli. Sempre acompanhamos personagens mais jovens, que precisam superar conflitos para conseguirem amadurecer e por fim mostrar que cresceram ao público, como em Chihiro, ou em O Serviço de Entregas da Kiki (1989).

Já no Castelo Animado, temos uma proposta diferente. Quando Sophie é transformada em idosa, temos uma protagonista velha, diferente dos outros filmes do Studio Ghibli. Não só Sophie, mas a Bruxa e Madame Sullivan, também idosas, têm uma certa posição de importância no filme, mostrando que podemos ter sim uma construção de personagem com mulheres idosas.

E essa mensagem é fortalecida em muitas cenas do filme, ainda mais no momento de troca de lado da Bruxa das Terras Abandonadas, que poderia ser a vilã principal do filme, mas acaba sendo uma aliada de Sophie e Howl. Abandonando mais uma vez maniqueísmo, onde todos podem ter um lado bom. Temos até também no final do filme, que Sophie consegue aos poucos voltar ao normal, mas permanece com os cabelos grisalhos, simbolizando os aprendizados de sua época de idosa e como ela leva para sua vida adiante.

Assim, Sophie só consegue achar felicidade e aquilo que gosta quando sai da cidade e se muda para o campo e para o Castelo Animado. Trazendo uma construção de personagem mesmo sendo uma personagem idosa.

Os ensinamentos de "O Castelo Animado"

Mais uma vez vemos um filme do Studio Ghibli cheio de significados e simbolismos que atinge, muitas vezes, diretamente o espectador. Em alguns filmes, o simbolismo pode ser mais ligado a cultura oriental, mas em Castelo Animado, com certeza Miyazaki trouxe essas mensagens de uma forma que conseguisse fazer críticas em um âmbito geral, para que todas as nações conseguissem entender a mensagem do filme.

O Castelo Animado, além de ser cheio de simbolismos, consegue trazer uma inovação na construção de personagem, em relação a outros filmes do Studio Ghibli, onde Miyazaki consegue desenvolver muito bem uma personagem idosa. E assim, juntando todos esses pontos citados, Miyazaki conseguiu produzir um dos melhores filmes do Studio Ghibli.

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O Castelo Animado: Analisando as referências do filme do Studio Ghibli

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Quando analisamos os filmes do Studio Ghibli, encontramos referências, mensagens e simbolismos em suas histórias, ainda mais falando de Hayao Miyazaki. Essas mensagens e simbolismos conseguimos então analisar no filme Castelo Animado, um dos filmes mais conhecidos do estúdio e um dos filmes favoritos do público.

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“Aviões não são ferramentas de guerra. Aviões não são para fazer dinheiro. Aviões são lindos sonhos”
Esse filme aborda:
- Crítica ligada ao uso de armamentos nos aviões durante a Segunda Guerra Mundial
- O conceito de se construir um avião se perde quando usado para fins de guerra/militares
- Tecnologia em contraponto com o empenho
- Corrupção da beleza nas mãos do homem.
- Questionamentos envolvendo o desenvolvimento tecnológico japonês da época  (se um dia seriam capazes de se tornar  grandes potências)
- Evolução da sociedade japonesa ao longo dos anos (modernização)

"são máquinas lindas e inocentes, sendo transformadas em máquinas mortíferas e que causam destruição graças a sede de poder e ganância humana"

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Depois de trinta e quatro anos fazendo filmes, período em que escalou ao estrelato internacional e se consagrou como um dos maiores gênios dos filmes animados, Hayao Miyazaki decidiu que estava na hora de se aposentar. Caberia à Vidas ao Vento, seu décimo-primeiro filme, baseado em um mangá da própria autoria do diretor, fechar esta brilhante e magnífica filmografia.

Vidas ao Vento é um filme biográfico que conta a vida de Jiro Horikoshi, um engenheiro de aviões, responsável pelo modelo usado pelos aviadores japoneses durante a Segunda Guerra Mundial. O acompanhamos desde sua infância, quando sonhava em trabalhar com aviões, e o vemos passar de estudante até chegar ao status de gênio da área, presenciando toda a sua dedicação e paixão para com seu trabalho.

Assim como o protagonista, Miyazaki também é um grande aficionado por aviões, sobretudo modelos antigos, que sempre permeiam suas histórias de um jeito ou de outro (mais explicitamente em Porco Rosso, antes deste filme). Para compreender a relação do diretor com essas máquinas, temos que voltar para sua infância. Seu pai era dono da Miyazaki Airplanes, que manufaturava lemes para aviões de combate, durante a Segunda Guerra. O contato com essas máquinas desde pequeno despertou no diretor um grande amor pelas mesmas, e o hábito de desenhá-las sempre.

No entanto, em 1945, quando sua cidade foi bombardeada, ele passou a enxergar os aviões com outros olhos. Este ataque, que foi visto pelos olhos de Miyazaki quando ainda era extremamente pequeno, deixou grandes marcas no diretor, e provavelmente é um dos principais contribuintes para a posição pacifista do mesmo, presente na maior parte de seus trabalhos. A partir de então, Miyazaki começou a entender os aviões como máquinas de guerra que trazem caos e destruição para onde passam, apesar de ainda manter o encanto que tinha por eles. Esta divisão entre compreender a beleza dos aviões, e ao mesmo tempo vê-los como máquinas mortíferas ameaçadoras está presente em todos os trabalhos do diretor onde eles aparecem, sempre os pintando como máquinas horríveis de destruição, mas mantendo, ao mesmo tempo, sua beleza e elegância.

Ainda assim, Miyazaki compreende que os aviões não precisam ser usados para o mal e este é o principal tema de Vidas ao Vento; a deturpação da beleza daquelas máquinas nas mãos de um mundo sedento pela guerra.

Jiro, desde criança, durante a Primeira Guerra, era apaixonado pelos aviões e via neles uma beleza latente. Ele vivia desenhando e lendo sobre aquelas máquinas, que não saíam de sua cabeça. Até em seus sonhos elas estavam sempre presentes. Um de seus heróis, o designer de aviões italiano Giovanni Battista Caproni, constantemente aparece em seus sonhos, e os dois dialogam.

Caproni diz ao rapaz uma vez que "Aviões não são ferramentas de guerra. Aviões não são para fazer dinheiro. Aviões são lindos sonhos". Estas palavras de Caproni não só deixam claro a paixão que Miyazaki tem pelos aviões, e como ele acredita que estes deveriam ser usados, mas também traçam um paralelo com como o diretor conduz sua arte; sempre com o maior empenho e dedicação. Miyazaki não se deixa levar pelo dinheiro, ele faz os filmes que ele quer fazer, e conta as histórias que ele quer contar. É o respeito que o diretor tem pelas suas obras que fazem delas tão mágicas e o porquê de elas ressoarem tão bem com o público.

Outra fala de Caproni (novamente em um dos sonhos de Jiro) que soa como algo vindo da boca do próprio Miyazaki, é quando este comunica ao jovem japonês que irá se aposentar. Ele diz que artistas são apenas criativos por dez anos e aconselha ao rapaz que viva os dez anos dele ao máximo. Apesar de Miyazaki ter trabalhado por bem mais que dez anos, esta fala dá a impressão de ser uma carta de despedida, onde ele esclarece ao seu público o motivo de sua decisão (mais uma vez mostrando como ele nos respeita). É como se ele estivesse nos dizendo que acredita já ter usado toda a sua criatividade, e já ter contado todas as histórias que queria contar, e agora, com esta obra, está fechando as cortinas, deixando para trás apenas seus trabalhos, para onde nós, espectadores, poderemos voltar sempre que sentirmos falta de toda a singularidade e beleza que só Miyazaki poderia nos proporcionar.

Mas não é só com Caproni que podemos perceber semelhanças ao diretor. Jiro compartilha diversas características com Miyazaki, seja em suas crenças, ou com a seriedade e empenho que trata seus trabalhos. Seguindo o conselho que recebeu de Caproni em seu sonho na infância, o jovem jamais vê os aviões apenas como peças para serem usadas na guerra. Aviões são a sua paixão, e ele quer construir algo bonito, algo em que acredite, onde possa expressar toda a sua arte.

Há momentos onde Jiro parece tratar a guerra até mesmo como um empecilho para seu trabalho. Em uma cena, onde ele apresenta o modelo em que estava trabalhando para os mecânicos que o construiriam, o protagonista se queixa que o peso se tornaria um problema, no entanto se "deixarmos as armas de fora, não teríamos problema". Os outros riem, percebendo aquele comentário como uma mera piada, mas podemos perceber aqui a queixa de Jiro em relação à necessidade de colocar armas em seu avião, que atrapalhariam na construção do modelo que idealizou. Miyazaki diz nesta cena que, a partir do momento em que trabalhamos em algo não pela nossa paixão naquele trabalho, mas por um motivo externo (no caso, a guerra), isto nos afasta de um trabalho perfeito.

Outro tema do filme em que podemos traçar mais paralelos com a própria maneira do diretor de conduzir seus projetos é a questão da tecnologia, em contraponto com o empenho. Quando Jiro e um colega visitam a Alemanha, para verem os modelos aviários alemães e se inspirarem, o amigo do protagonista se frustra, vendo o quão avançada era a tecnologia daquele país. O Japão, em seu período pré-guerra, ainda estava longe de ser a potência que nós conhecemos hoje, sendo considerado pobre e atrasado. O rapaz em questão diz que os japoneses sempre estarão correndo atrás dos países desenvolvidos, tentando os alcançar, mas eles sempre estarão um passo a frente. Em uma referência à o que o futuro reservava para a sociedade japonesa, Jiro se pergunta se, algum dia, eles serão os que liderarão a corrida.

No entanto, ao contrário de seu amigo, Jiro não se deixa abalar pela discrepância entre as tecnologias dos dois países. "Talvez nós não precisemos da tecnologia deles. Madeira e lona podem funcionar tão bem quanto metal". Em outro sonho com Caproni, onde Jiro se queixa da falta de recursos dos japoneses, o engenheiro mais experiente diz que tecnologia não é o mais importante para um designer, e sim a inspiração.

Estas falas são claras referências a como Miyazaki percebe a indústria da animação. Em um mercado praticamente dominado pelo CGI, o diretor reforça a significância do 2-D para os filmes animados, e que, nem sempre, tecnologia é sinônimo de melhorias, o que ele prova, mostrando que as técnicas tradicionais de animação estão longe de se tornarem obsoletas, e ainda podem ser usadas para contar belíssimas histórias.

O tema principal do filme, no entanto, é a corrupção da beleza nas mãos do homem. No caso, os aviões, que, pelos olhos do protagonista são máquinas lindas e inocentes, sendo transformados em máquinas mortíferas e que causam destruição graças a sede de poder e ganância humana. Ironicamente, é em sua crítica mais importante que Vidas ao Vento encontra sua maior falha. Isto se dá pelo simples fato de que Miyazaki não se entrega totalmente a ela, se esquivando de abordar a guerra propriamente dita em sua obra. O filme se encerra antes mesmo de o conflito começar.

Segundo o próprio diretor, o que o inspirou a realizar este projeto foi algo dito pelo próprio Jiro Horikoshi; "Tudo o que eu queria era fazer algo lindo". No entanto, esta questão, de o engenheiro ver aos poucos seus sonhos, tão belos e singelos em sua mente, serem aos poucos deturpados e transformados em algo que só trouxe caos, morte e destruição quase não é explorada. Pelo meu conhecimento prévio do filme, eu acreditei que esse dilema seria o ponto dramático principal do mesmo, mas ele nunca aparece. Eu fiquei esperando o filme todo a guerra se iniciar, trazendo consigo todo o seu extermínio inerente, mas este momento nunca chegou.

É apenas no epílogo, onde o conflito em si já terminou, e Jiro caminha por diversos restos de aviões despedaçados pelo chão, que esta mensagem se mostra clara. Mas ela perde seu impacto, pois não foi organicamente trabalhada. É como se Miyazaki estivesse nos informando que esta era sua intenção com Vidas ao Vento, sem, de fato, trabalhar ela durante o filme. A cena de desfecho soa mais como uma tentativa barata de emocionar o público, do que algo que realmente dialogue com o resto do filme, o que é bem decepcionante quando se tratando de Hayao Miyazaki.

Eu não consigo entender a decisão de Miyazaki de não abordar a guerra em seu filme, pois diversos elementos no mesmo apontam para ela. Muitos desses momentos parecem como preparação de terreno até que o caos entre em erupção, mas, quando isso não ocorre, ficamos com aquela sensação de incompletude. Entre estes momentos estão a viagem que Jiro e seu amigo fazem para a Alemanha, que já mostra alguns indícios de estar caminhando em direção ao fascismo, com os soldados alemães extremamente reservados em relação aos seus aviões (o que, teoricamente, foi justamente o motivo que levou os dois rapazes ao país), não deixando que eles chegassem perto dos mesmos dizendo que a tecnologia pertencia a eles. Ou então, após Jiro chegar de viagem, tendo encontrado um homem com ideias antifascistas em seu hotel, com quem conversou, e descobrir que a polícia está atrás dele. O protagonista tem até que se esconder por causa disso, então não é atoa que ficamos sob a impressão de que algo está por vir. Ou até mesmo um dos momentos iniciais do filme; Jiro está em um vagão de trem em Tóquio quando um terremoto acomete a cidade (tal evento foi nomeado de Grande Sismo de Kanto, ocorrendo em 1923). Vendo toda aquela destruição e as pessoas desamparadas em meio a ela, eu pensei que, mais tarde, essa sequência seria resgatada, com o protagonista vendo tudo o que suas máquinas causaram, e se lembrando daquele momento de sua vida, porém isto nunca ocorre. O terremoto até tem sua função narrativa, mas nada tão interessante ou impactante quanto esta possibilidade.

Aliás o fato de Miyazaki não mostrar os impactos negativos da guerra em seu filme foi um grande alvo de críticas. Diversas pessoas o acusaram de maquiar as ações nocivas de Jiro Horikoshi, ou desconsiderá-las por completo, o que não condiz com os seus ideais pacifistas, que nunca se esquivaram de mostrar os impactos negativos deste tipo de conflito (ironicamente, há também os japoneses ultranacionalistas que criticaram Vidas ao Vento pelo motivo contrário, acusando Miyazaki de ser anti-japonês e o filme de ser de "extrema esquerda"). Conhecendo o diretor eu duvido muito que ele tenha tomado esta decisão por patriotismo, como se não quisesse pintar seu próprio país como responsável por este sofrimento. O próprio filme contém críticas sobre as atitudes problemáticas do Japão. Em uma cena com Jiro e o homem com ideais anti-guerra que ele conheceu em seu hotel, os dois conversam sobre o país, com o tal homem criticando o hábito japonês de tentar esquecer de atitudes erradas que tomaram no passado (como a guerra contra a China, ou sair da Sociedade das Nações, justamente para que pudessem se aliar com a Alemanha).

O próprio Miyazaki já criticou abertamente atitudes japonesas. Em 2013, quando o primeiro-ministro do país, Shinzo Abe, que queria revisar a constituição japonesa, no que tange a proibição da guerra como um meio para resolver conflitos internacionais, o diretor disse que a aquela ação era detestável, e que não concordava com as atitudes negatórias de Abe em relação à violência militar que o país exerceu sobre outras nações no passado, tendo dito que o Japão tinha que "claramente admitir que ele causou extremo dano à China e se desculpar profundamente por isso". Ele também disse que os japoneses deveriam se desculpar às mulheres coreanas, que foram usadas como escravas sexuais pelos militares japoneses antes e durante a Segunda Guerra, e sugeriu que as Ilhas Senkaku, pelas quais tanto China quanto Japão disputam e contestam quanto à sua nacionalidade, deveriam ser divididas entre as duas nações.

Portanto, eu duvido muito que esta decisão criativa do diretor se dê por patriotismo ou coisa do gênero. O principal motivo que eu posso encontrar para ela é o fato de Miyazaki ficar com medo de que Jiro se tornasse um personagem difícil de se gerar empatia caso seus atos danosos fossem expostos, mas Hayao é bastante conhecido por não se curvar ao maniqueísmo, sempre adicionando características tanto positivas quanto negativas em seus heróis e vilões. Além disso, ao fazer uma pesquisa, descobri que o próprio Horikoshi expressava o seu descontentamento com a guerra, a considerando tola e fútil, segundo transcrições de seus diários, portanto, acredito que, caso abordasse o conflito e todas as questões de seu protagonista em relação a ele, Vidas ao Vento se tornaria extremamente mais interessante do que é.

Outro problema que tive com Vidas ao Vento é que senti, em muitos momentos, uma falta de foco no mesmo. Eu compreendo que, sendo um filme biográfico (mais para semi), Miyazaki quis abordar aspectos da vida toda de Jiro, e não só no que tange seu trabalho. No entanto, o filme é quase que todo voltado para essa área, ao invés de ser mais organicamente espalhado pelos demais núcleos da vida do engenheiro, então os momentos que não o são, destoam muito do resto da história. O diretor busca dar um foco na família de seu protagonista, sobretudo sua mulher, mas ela fica tão solta pelo filme, que é difícil do público desenvolver laços com a mesma. É apenas no final onde a personagem começa a ter um maior destaque, mas isto aumenta ainda mais a sensação de falta de dinamismo, parecendo que Hayao tinha percebido o quão alheia ao resto da história aquela figura ficou, e visa concertar isso praticamente apenas no terceiro ato, o que destoa ainda mais do resto do filme. A principal função da família do personagem na história serviu para mostrar como sua dedicação para com o trabalho podia ser nociva para suas relações interpessoais (novamente outra semelhança com o próprio Miyazaki), mas sem ter muita vida própria além disso. No final, creio que ele quisesse que nós nos emocionássemos com o desfecho reservado à personagem da mulher de Jiro, mas, como eu disse, a falta de uma ligação desta com o público impede que isto ocorra.

A questão tanto da mulher de Jiro, que fica vagando pelo filme, destoando da narrativa até que Miyazaki decida que vai incorporá-la mais veementemente na história, apenas em sua reta final, e todas as referências à guerra, que dão a sensação ao público de que o conflito será abordado em algum momento, sendo que isto não ocorre, faz desta obra parecer incompleta, ou malformada. Acredito que a mesma coisa que aconteceu em O Castelo Animado acontece aqui, e a decisão de Miyazaki de trabalhar sem roteiros definidos, deixando que o filme o guie faz com que, este filme em especifico, fique um pouco bagunçado, e que alguns aspectos do mesmo não casem bem ou não se complementem, ficando sem função ali no meio. O próprio fim da história, abrupto, passando a sensação de que ainda há mais coisas para acontecer, revela como o diretor não tinha um rumo muito certo em sua mente, e foi seguindo a história sem ter noção de aonde ela o levaria. Em alguns casos, isto dá muito certo, como em A Viagem de Chihiro ou Princesa Mononoke, mas em outros, como aqui, o resultado final é um pouco bagunçado.

A animação de Vidas ao Vento é a mais genérica e simples de todos os trabalhos de Hayao. Não há o detalhamento pelo qual ele é conhecido, e os cenários parecem serem mais esboços aquarelados, do que minuciosamente desenhados à mão. Muito disso se dá mais pelos cenários escolhidos do que qualquer outra coisa. Ao invés de grandes cenas na floresta, que requerem uma atenção maior para os detalhes, Vidas ao Vento é permeado por grandes planos abertos, como gramados baixos, ou cenas de céu, que causam um relaxamento maior. Há também um maior realismo na arte, sem as grandes criações próprias com as quais Miyazaki sempre trabalha. Aliás, esse senso de realismo faz do filme o trabalho mais Takahata de Miyazaki. Nós já tínhamos visto o oposto ocorrer, mas Hayao ainda não tinha se inspirado no estilo de seu colega. Também achei o uso de CGI nocivo ao filme. Muitos já haviam criticado seu uso em O Castelo Animado, mas foi aqui que eu senti um maior destoamento entre o 2-D e as sequências feitas com o auxílio de animação computadorizada, que faz a arte do filme, já fraca, parecer bem pobre e artificial em alguns momentos.

São as sequências de sonho, quando Jiro interage com Caproni, que Miyazaki parece estar mais em casa, e a animação brilha mais. Podendo se dar mais liberdade criativa, nessas cenas vemos elementos clássicos de filmes do diretor, como modelos de aviões próprios e extremamente criativos, a sensação retro, trabalhando com elementos europeus do século XIX, e a natureza também se faz mais presente. Aliás, os céus destas cenas são lindíssimos, extremamente azuis, bem típicos de Miyazaki, e nós temos a sensação de que podemos nos perder apenas de olhar para eles.

Por ser seu último trabalho, Miyazaki quis deixar algumas surpresas para seus fãs mais ávidos, e há diversas referências a outros filmes, sobretudo Porco Rosso, mas uma específica que me vem a mente é uma clara referência à Laputa em uma das cenas.

Um outro detalhe da animação que me chamou a atenção foi como ela retrata a evolução da sociedade japonesa ao longo dos anos. Quando Jiro é pequeno, nos primeiros minutos, há uma demarcação mais forte dos costumes antigos japoneses, com todas as pessoas usando vestimentas típicas do país, como quimonos e sandálias de madeira, até mesmo em ambientes formais como a escola. Ao longo do tempo, influências ocidentais vão crescendo, com Jiro e seus colegas de trabalho vestindo paletós e chapéus ingleses. Ainda assim, dá para perceber o contraste entre os dois mundos, em cenas no transporte público ou na rua, com algumas pessoas vestindo roupas mais "modernas" e outras com vestimentas ainda típicas do país. Notamos, então, que os dois mundos viviam mutuamente, e o Japão não tinha se entregado totalmente aos costumes ocidentais como viria a fazer durante o pós-guerra.

Referência de Vidas ao Vento à Laputa

A trilha sonora, de Joe Hisaishi, acompanhando Miyazaki até o final, também é bem menos grandiosa que as que o compositor criou para os filmes com um universo mais monumental do diretor. Aqui ela é mais modesta, combinando com a escala menor e mais realista do filme, com bastante música clássica.

Originalmente, Miyazaki não queria adaptar seu mangá, que serviu de inspiração para Vidas ao Vento, em filme. Ele acreditava que a história do mesmo não era para crianças, público alvo do Studio Ghibli, além de ter o escrito apenas como um hobby, não vendo muito potencial no mesmo. Foi Toshio Suzuki, produtor e co-fundador do estúdio junto de Miyazaki e Takahata, que o convenceu. Ele argumentou que "crianças deveriam ter a possibilidade de serem expostas à temas com as quais elas não estão familiarizadas", convencendo o diretor a dar aval para o projeto. Esta fala de Suzuki representa perfeitamente um dos meus principais motivos para amar o Studio Ghibli; eles se levam a sério. Ao invés de muitos criadores de animações que caem no mito de que, por este mercado ser majoritariamente voltado para crianças, eles podem fazer a mais preguiçosa e malfeita porcaria que as crianças ainda irão querer ver, afinal, animação é só um entretenimento barato para distrair os menores enquanto os pais vão trabalhar, as pessoas por trás do Ghibli não subestimam seu público, e não os veem apenas como ganha pão. Eles querem fazer um trabalho cujo qual eles acreditam. Eles querem contar histórias, e não simplesmente fazer dinheiro em cima de um trabalho mal feito. É como Caproni disse para Jiro "aviões não são máquinas de fazer dinheiro, aviões são lindos sonhos". Esta lógica permeia a casa de animação japonesa, que dá tudo de si em todos os seus projetos, para que eles possam ser apreciados não só pelas crianças (que sim, merecem ser levadas a sério e serem expostas a um conteúdo realmente bom), mas com uma camada extra de valor emocional que só pode ser percebida pelos olhos mais velhos dos adultos. Assim, ao revisitarmos aqueles filmes pelos quais tínhamos tanto carinho na infância, não nos decepcionaremos ao perceber que eles eram, na realidade, ruins e nós é que não percebíamos, mas os amaremos muito mais agora que podemos saborear o que ele nos reservou por trás de seus panos.

A ideia de Hayao para seu próximo filme depois de Ponyo era, na realidade, uma sequência do mesmo, revisitando o universo da peixinha e seu amigo humano. Apesar de eu ficar curioso em relação a este projeto, eu gosto da capacidade de Miyazaki de trabalhar com universos extremamente diferentes um do outro em cada um de seus filmes, e, em um período onde Hollywood está transbordando em sequências ou adaptações, é bom que pessoas com um nível de criatividade absurda como Miyazaki ainda estejam fazendo filmes, provando que ainda se é possível arranjar ideias originais e refrescantes em meio a tantos mais do mesmo. Apesar de ter se aposentado, eu creio que alguém das muitas pessoas a quem o diretor inspirou e inspira continuamente com suas histórias vai seguir seus passos e continuar nos trazendo histórias totalmente singulares e novas. Obviamente que não será a mesma coisa, até porque ninguém consegue fazer Miyazaki como Miyazaki, mas a ideia é justamente alguém que nos traga algo de novo, que só esta pessoa é capaz de fazer, arte onde o diretor japonês é mestre.

Vidas ao Vento é, infelizmente, o filme de Miyazaki que menos gosto. Talvez por se guiar por um aspecto mais realista, diferente dos elementos fantásticos e épicos que permeiam toda a filmografia do diretor, ele fique meio parado em alguns momentos, podendo ser considerado chato, em comparação com os seus outros trabalhos. O universo do filme como um todo também é menos envolvente e charmoso que os demais do diretor. Há claramente uma tentativa de tentar ser mais profundo e envolvente do que ele realmente é, com o resultado final ficando meio sem brilho e com a sensação de potencial não cumprido. Ainda assim, Vidas ao Vento é mais um daqueles casos onde, comparado com outras obras de Miyazaki ele deixa a desejar, mas, comparado com filmes de animação como um todo, é uma ótima obra, e, acredito que quem gostar de coisas mais realistas (como os filmes de Isao Takahata) vai se deliciar com este filme. Ainda assim, por ser uma despedida, eu esperava bem mais, confesso.

Aliás eu estive a resenha inteira anunciando que Vidas ao Vento era o último filme de Hayao (o que de fato o era em sua época de lançamento), mas em 2016 o diretor anunciou que estava saindo de sua aposentadoria para dirigir mais um filme, desta vez dedicado ao seu neto. Com isso, o coração de milhões de fãs de cinema como um todo, que estavam de coração partido com sua saída dos holofotes se aqueceram novamente, e eu não consigo nem botar minha ansiedade em palavras. Eu espero que esta obra se saia melhor que Vidas ao Vento, mas, uma coisa é certa, se tem alguém que sabe como surpreender, este alguém é Hayao Miyazaki.

Por mais que eu tenha ficado arrasado quando o Studio Ghibli anunciou que fecharia suas portas após a aposentadoria de Miyazaki (falarei mais sobre isso na minha resenha sobre o último filme do estúdio, As Memórias de Marnie), eu consigo entender os motivos por trás desta decisão. Por mais que o estúdio como um todo tenha nos entregado trabalhos muito bons no geral, é inegável que o diretor de Chihiro é a crème de la crème do estúdio, e seus trabalhos são os mais completos e complexos do mesmo, se destacando completamente. Os ideais que o diretor tem ao começar um projeto, de entregar tudo o que tem e confiar em seu próprio taco, fazendo os filmes de coração e porque ele realmente quer contar aquelas histórias, ele passou para seus seguidores e colegas de trabalho, e tenho certeza que todos aqueles que seguirem suas palavras conseguirão conquistar um futuro brilhante no mercado das animações. Foi uma honra acompanhar a filmografia deste mestre que encantou a vida de tantas pessoas, até mesmo pessoas como eu, em um outro hemisfério, que, mesmo sem ter trocado uma palavra com Miyazaki, aprenderam tantas lições apenas de acompanhar seus filmes. Foi muito bom ver seus primórdios em Cagliostro, vê-lo começar a adquirir características próprias em Nausicaa, as aperfeiçoando em Mononoke até que explodiu e dominou o mundo com Chihiro. Ver desde seus filmes mais simples e família como Totoro e Kiki, aos mais rebuscados e grandiosos como Laputa e O Castelo Animado. Todos eles possuem um espaço em meu coração, e eu não vou esquece-los tão cedo, os carregando comigo, sempre.

Amanhã: É a vez de Isao Takahata de dizer adeus, com O Conto da Princesa Kaguya, também de 2013.

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Depois de trinta e quatro anos fazendo filmes, período em que escalou ao estrelato internacional e se consagrou como um dos maiores gênios dos filmes animados, Hayao Miyazaki decidiu que estava na hora de se aposentar. Caberia à Vidas ao Vento, seu décimo-primeiro filme, baseado em um mangá da própria autoria do diretor, fechar esta brilhante e magnífica filmografia.

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