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Anbei findest Du die Fristen und den Ablauf bis zu und für unsere letzte Projektstunde – 31. März 2022. Lese dir die Informationen durch.

Lade Dein Endergebnis (mit Vor- und Nachbild) VOR unserer Besprechung (31.03) hoch!
Notiere Deinen Namen, Kurs, Titel Deines Vorbildes und/oder Künstler*innennamen.
Und überlege Dir, was Du uns bei der Besprechung deines Kunstprojektes sagen möchtest.
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https://www.youtube.com/watch?v=M_zbc3qa160

Einblick in die Kunst von Andy Warhol

“They always say time changes things, but you actually have to change them yourself.” – Andy Warhol

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Warhol und die Pop Art: "32 Campbell's Soup Cans"

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https://www.youtube.com/watch?v=1TMkLoufnHA

Einblick in die Kunst von Bruce Nauman

Bruce Naumans Arbeiten mit unterschiedlichsten Materialien, von Installationen und Plastiken über Fotografien und Neon bis hin zu Videoaufnahmen, beschäftigen sich vorwiegend mit Fragen der menschlichen Sinneswahrnehmung. Dabei wird der Betrachter oft mit irritierenden bis schockierenden Erfahrungen konfrontiert.

"The True Artist Helps the World by Revealing Mystic Truths." – Nauman

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https://www.youtube.com/watch?v=t_UWot6kqhg

Einblick in die Kunst von John Baldessari

"Find the most puzzling kind of art you can think of, and then go out and try to approximate it with your camera.
Take a photograph that corresponds to it." – John Baldessari

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John Baldessari Explains His "Strange Mind"

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https://www.youtube.com/watch?v=YWvT2ZyS5iI

Vorbild-Nachbild

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TILL LINDEMANN AND ANDY WARHOL EATING A HAMBURGER

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https://www.youtube.com/watch?v=GWazxaf6Taw

Einblick in die Kunst von Louise Bourgeois

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https://www.youtube.com/watch?v=iPXShAeR6VY

Einblick in die Kunst von Marina Abramovic

Marina Abramovic ist bekannt für ihre existenziellen Performances zu Grenzbereichen des Körpers, die immer wieder mit Risiken operierten.

"It doesn't matter what you do as an artist. It is important in which state of consciousness you do it." – M. Abramovic

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J.-M. Basquiat: Grillo (Detail), 1984. Acryl, Öl, Fotokopiecollage, Ölkreide und Nägel auf Holz, Polyptychon: 244 x 537 x 45,5 cm.

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"I don't think about art when I'm working. I try to think about life." J.-M. Basquiat

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Lade deine Mind Map (mit deinem Namen, Kurs & Vorbildtitel) hier hoch!

Kommentiert gerne gegenseitig eure Impulse und Ansätze – diese Plattform dient auch zum öffentlichen Diskurs, für den Austausch von Ideen, Themen sowie konstruktive Ratschläge zu verschiedenen Inhalten, Fragen stellen, usw.
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Comicbiografie, 2020 von Julian Voloj & Soren Mosdal, inspiriert nach J.-M. Basquiat

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Nachbild

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https://www.youtube.com/watch?v=sWAzhHQKX5c

Einblick in die Kunst von Max Ernst

"Ein Maler ist verloren, wenn er sich findet. Ein Maler mag wissen, was er nicht will. Doch wehe, wenn er wissen will, was er will. Kunst hat mit Geschmack nichts zu tun, Kunst ist nicht da, daß man sie "schmecke"." – Max Ernst

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Max Ernst | HOW TO SEE the artist with MoMA curator Anne Umland

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Aufgabe: Kunstwerk zum Thema Vorbild- Nachbild_ Q1_Kunst

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J.-M. Basquiat / Druck von Thomas Dellert, 2020

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Nachbild

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https://www.monopol-magazin.de/getty-challenge-bildstrecke-quarantaene-rekreationen-von-kunstwerken?slide=0

Mit der "Getty Challenge" rief das gleichnamige Museum seine Follower auf, im Lockdown berühmte Gemälde nachzustellen.

Vorbild-Nachbild

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"Getty Challenge": Die besten Kunstwerke aus der Corona-Isolation

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Zuhause Kunstwerke nachzustellen wurde im Lockdown zum viralen Trend. Ein Bildband der kreativsten Ergebnisse soll die Pandemie-Stimmung heben und mit den Einnahmen betroffenen Künstlern helfen

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Vorbild-Nachbild

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Vorbild-Nachbild

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Nachbild-Vorbild

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Vorbild-Nachbild

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Vorbild-Nachbild

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Nachbild-Vorbild

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Frida Kahlo: Self-Portrait with Thorn Necklace and Hummingbird, 1940  / Rekonstruktion Anonym

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Vorbild-Nachbild

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Frida Kahlo: Ich und meine Papageien, 1941 / Rekonstruktion Anonym

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Vorbild-Nachbild

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Frida Kahlo Porträt / Fotografie-Rekonstruktion Anonym

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Vorbild-Nachbilder

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Nachbild

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Nachbild-Vorbild

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Albrecht Dürer: Selbstbildnis im Pelzrock, 1500 / Rekonstruktion Anonym

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Vorbild-Nachbild

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Nachbild-Vorbild

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Vorbild-Nachbild

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Vorbild-Nachbild

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Sammeln und bewahren: Werke von VALIE EXPORT. Hier: Geburtenmadonna, 1976. 183,5 x 143,5 cm.

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https://www.parnass.at/termine/sammeln-und-bewahren-werke-von-valie-export

Nachstellung v. Valie Export

„Kunst ist das sensible Nervensystem der Gesellschaft, Kunst ist ein offenes System.“ – V. Export

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Eröffnung: Mittwoch, 25. März 2020, 18 Uhr

VALIE EXPORT (geb. 1940 in Linz) ist eine der international bedeutendsten feministischen Künstlerinnen und gilt als Pionierin der Medien-, Film- und Performancekunst. Die Radikalität, mit der sie vor allem ihren eigenen Körper als Teil ihrer künstlerischen Arbeit einsetzt, ist wesentlicher Bestandteil ihres politischen und feministischen Statements. Provokation und Aggression sind für VALIE EXPORT Mittel, um auf gesellschaftliche Missstände hinzuweisen und Diskussionen anzuregen. Anlässlich des 80. Geburtstages der Künstlerin würdigt die Landesgalerie Linz die österreichische Künstlerin mit einer umfassenden Ausstellung aus der eigenen Sammlung. Die Sammlung der Landesgalerie beherbergt seit mehr als 20 Jahren wesentliche Werke von VALIE EXPORT. Dazu gehören unter anderem die „Körperkonfigurationen", eine ihrer bekanntesten Fotoserien, in der sie ihren Körper mit Architektur in Beziehung setzt und herausragende Werke wie die „Geburtenmadonna", mit der sie auf die Normierung weiblicher Körperhaltungen verweist. Viele dieser Werke haben eine bewegte Zeit mit zahlreichen Reisen und Ausstellungen hinter sich, die trotz aller musealer Sorgfalt nicht spurlos vorübergegangen ist. Im Rahmen eines konservierungswissenschaftlichen Projekts wurden deshalb in den letzten Jahren Maßnahmen der Erhaltung und Restaurierung des EXPORT-Bestandes diskutiert und umgesetzt. Die Landesgalerie bereitet mit dieser Initiative ihre VALIE EXPORT-Sammlung für die Zukunft vor. Zudem wird das Arbeitsumfeld der Restaurierung transparent gemacht und der Öffentlichkeit ein Blick hinter die Kulissen der Museumsarbeit ermöglicht.
Hinweis: Im Rahmen der Ausstellungseröffnung wird Landeshauptmann Mag. Thomas Stelzer VALIE EXPORT das Verdienstkreuz des Landes Oberösterreich für Kunst & Kultur verleihen.

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Sammeln und bewahren: Werke von VALIE EXPORT

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VALIE EXPORT (geb. 1940 in Linz) ist eine der international bedeutendsten feministischen Künstlerinnen und gilt als Pionierin der Medien-, Film- und Performancekunst. Die Radikalität, mit der sie vor allem ihren eigenen Körper als Teil ihrer künstlerischen Arbeit einsetzt, ist wesentlicher Bestandteil ihres politischen und feministischen Statements.

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Valie Export: ERWARTUNG (EXPECTATION) (FROM NACHSTELLUNGEN (REENACTMENTS), 1976

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Nachstellung v. Valie Export

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Valie Export: Wann ist der Mensch eine Frau? 1977.

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Nachstellung v. Valie Export

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https://www.youtube.com/watch?v=Odx4VryvxOQ

Einblick in die Kunst von Valie Export

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https://www.moma.org/calendar/exhibitions/3924

"One reason for making and exhibiting a work is to induce a reaction or change in the viewer ... In this sense, the work as such is nonexistent except when it functions as a medium of change between the artist and viewer." – Adrian Piper

Often drawing from her personal and professional experiences, Piper’s influential work has directly addressed gender, race, xenophobia, and, more recently, social engagement and self-transcendence.

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Cornelia Butler and David Platzker, 2018

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Adrian Piper: A Synthesis of Intuitions, 1965–2016 | MoMA

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Exhibition. Mar 31–Jul 22, 2018. In 1996 Adrian Piper wrote, “It seemed that the more clearly and abstractly I learned to think, the more clearly I was able to hear my gut telling me what I needed to do, and the more pressing it became to do it.” Since the 1960s, this uncompromising artist and philosopher has explored the potential of Conceptual art—work in which the concepts behind the art takes precedence over the physical object—to challenge our assumptions about the social structures that shape the world around us. Often drawing from her personal and professional experiences, Piper’s influential work has directly addressed gender, race, xenophobia, and, more recently, social engagement and self-transcendence. Bringing together over 290 works, including drawings, paintings, photographs, multimedia installations, videos, and performances, the exhibition offers a rare opportunity to experience her provocative and wide-ranging artwork. Occupying the Museum’s entire sixth floor and the Marron Atrium, Adrian Piper: A Synthesis of Intuitions 1965–2016 charts the artist’s five-decade career, including early paintings inspired by the use of LSD; key projects such as Mythic Being (1973), in which Piper has merged her male alter ego with entries from her teenage journals; My Calling (Card) #1 and My Calling (Card) #2 (1986), business card–sized, text-based works that confront the reader’s own racist or sexist tendencies; and What It’s Like, What It Is #3 (1991), a large-scale mixed-media installation addressing racist stereotypes, which will be shown in the Marron Atrium. The result of a four-year collaboration between the artist, The Museum of Modern Art, and The Hammer Museum, Los Angeles, this is the most comprehensive retrospective of Piper’s work to date.

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Fotografie-Installation v. Anonym, inspiriert nach A. Piper

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Nachbildfolge

Thema: Erinnerungen und Vergänglichkeit des Lebens – (Kopieren/Duplizieren/Spiegeln/Löschen/Wegradieren/Dekonstruktion-Rekonstruktion)

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https://www.youtube.com/watch?v=8dvTBaUw2qc

Beispiel zu Body-Art-Performance & Feminismus v. Valie Export

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https://www.youtube.com/watch?v=ieMG8S6nBtM

Einblick in die Kunst von Jean-Michel Basquiat

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Basquiat retrospective in Paris | Exhibitions | Showcase

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https://www.youtube.com/watch?v=IJ3WIZeBRZg

Einblick in die Kunst von Barbara Kruger

Thema: Gesellschaftskritische Themen

"I'm trying to deal with ideas about histories, fame, hearsay, and how public identities are constructed." – B. Kruger

In ihren Werken thematisiert sie politische und soziale Fragen aus feministischer und konsumkritischer Sicht und gehört „zur ersten Generation feministischer Künstlerinnen [...], die weltweit Beachtung fanden“. Die Wirkung ihrer Plakate, später ihrer wandhohen Installationen fiel in eine Zeit, die „gleichermaßen vom politischen Aufbruch wie von der aufkommenden Konzeptkunst geprägt war.

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https://www.barnebys.de/blog/die-provokante-politik-von-barbara-kruger

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Barbara Kruger, Untitled (Don't Shoot), 2013. Foto © Christie's

1979 begann Barbara Kruger mit „gefundenen" Bildern aus Zeitschriften und anderen Quellen zu verwenden, denen sie Textcollagen beifügte und so die Vertrautheit von Werbung mit der Kommerzialisierung von Galerie-Kunst verschmelzen ließ. Es war der Beginn ihres persönlichen Stil, für den sie schon bald auf der ganzen Welt bekannt wurde.

Ihre bekanntesten Werke erinnern an Werbeplakate aus den 80er Jahren mit ihren Texten und Bildern, die den Betrachter provozieren sollten - um diese Wirkung zu verstärken, wählte sie zudem die Signalfarbe Rot als Umrandung der Slogans. Mit ihrer Kunst spricht sie Themen wie Macht, Werte und Konsum an auf eine für das Publikum leicht zugängliche Weise, die sie von den verschlüsselten Codes unterschiedet, die so manchem gelobtem Kunstwerk zu eigen sind.
Lesen Sie auch: Die Top 5 der feministischen Kunstwerke
Ihr Ziel ist es, den Betrachter mit unbequemen Fragen zu stimulieren, wenn nicht sogar zu nerven. Auf die Sätze, die sie über die Bilder schreibt, angesprochen, erklärte Kruger in dem Interview mit Art21: „Das sind nur in der Luft schwebende Fragen, die wir uns manchmal stellen - und Fragen, die wir nicht stellen, es aber sollten".

Barbara Kruger, Untitled (How Can I be a Better Person), 2011. Foto © Phillips

Kruger möchte den Betrachter an soziale und politische Probleme heranführen, die unsere derzeitige Gesellschaft betreffen. Vor Kurzem griff sie ihr bekanntes Werk Your Body is a Battleground von 1989 wieder auf, nachdem die rechts gerichtete polnische Regierung, die ohnehin schon strengen Abtreibungsgesetze des Landes verschärft hatte. Das neue Gesetz löste einen Aufschrei und massive Proteste aus und Krugers Plakat wurde zur visuellen Erinnerung an die Unterdrückung, die Frauen jeden Tag erfahren. Gegenüber The Art Newpaper erklärte Kruger, dass „der dringende und mutige Protest von marginalisierten, entmachteten und neu ermächtigten Körpern eine beharrliche Bedrohung für die dominanten und extremistischen Choreografien von Religion, Macht und Politik in Polen ist. Die dreiste Heuchelei der Kirche und ihr vorhersehbarer Faustschlag mit der politischen Rechten sorgen für einen grotesken Tanz männlicher Bindung und entschlossenem Machtmissbrauch".

Es war nicht das erste Mal, das Your Body is a Battleground gegen Machtmissbrauch und die Diskriminierung von Frauen eingesetzt wurde. Als es 2017 auf dem Women's March on Washington zu sehen war, war es bereits fast dreißig Jahre alt. Der Kampf für Frauenrechte ist auch heute noch ein Thema und Kruger nennt diesen endlosen Kampf „tragisch", aber auch „vorhersehbar".
Lesen Sie auch: Die provokative Kunst und der mysteriöse Tod der Ana Mendieta
Das Bild des weiblichen Gesichts und die große Schrift heben die soziale und politische Unterdrückung hervor, unter der Frauen noch immer zu leiden haben. Doch es steht auch für den andauernden Kampf gegen diese Probleme und das Erstarken der Frauen und ihrer Körper.

2016 gestaltete sie das Cover der Wahl-Ausgabe des New York Magazine mit einer Nahaufnahme von Donald Trump und dem Wort LOSER in Großbuchstaben darüber geschrieben, womit sie eine starke politische Position gegen den künftigen Präsidenten der Vereinigten Staaten einnahm.

Barbara Kruger, Untitled (Our prices are insane!), 1987. Foto © Sotheby's

Kruger hat in der Kunstwelt mit ihren politisch-geladenen Slogans einen Eindruck hinterlassen. Man begegnet ihnen auf Biennalen und in Museen, aber auch in Skaterparks. Außerdem inspirierten sie das Logo der Marke SUPREME. Heute werden ihre Werke in Museen wie The Broad in Los Angeles und dem MoMA und dem Guggenheim in New York ausgestellt. Ihr unverwechselbares Werk und ihr ermutigenderer feministischer Blick haben sie zu einer begehrten Kunstlehrerin gemacht, die ihr Wissen an Studentinnen und Studenten der University of California, Los Angeles (UCLA) weitergibt.

Barbara Krugers großformatige Bilder sind auch auf dem Auktionsmarkt erfolgreich. So wurde Untitled (When I hear the word culture I take out my checkbook) von 1985 im Jahr 2011 bei Christie's für 648.898 Euro versteigert. Und im vergangenen Jahr erzielte Untitled (Don't Shoot) vom 2013, ebenfalls bei Christie's, 575.100 Euro.
Endecken Sie weitere Künstlerbiografien im Barnebys Magazin! Artikel von Sophie Bubmann

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Die provokante Politik von Barbara Kruger | Barnebys Magazin

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1979 begann Barbara Kruger mit „gefundenen" Bildern aus Zeitschriften und anderen Quellen zu verwenden, denen sie Textcollagen beifügte und so die Vertrautheit von Werbung mit der Kommerzialisierung von Galerie-Kunst verschmelzen ließ. Es war der Beginn ihres persönlichen Stil, für den sie schon bald auf der ganzen Welt bekannt wurde.

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Fotografien v. Anonym, inspiriert nach B. Kruger

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Nachbild (Bildfolge)

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Fotografien v. Anonym, inspiriert nach B. Kruger

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Nachbild (Bildfolge)

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Fotografien v. Anonym, inspiriert nach B. Kruger

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Nachbild (Bildfolge)

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Fotografien v. Anonym, inspiriert nach B. Kruger

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Nachbild

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Fotografien v. Anonym, inspiriert nach B. Kruger

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Nachbild (Bildfolge)

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Fotografien v. Anonym, inspiriert nach B. Kruger

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Nachbild

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https://www.youtube.com/watch?v=l4to0OOkC0w

Einblick in die Kunst von Astrid Klein

Astrid Klein ist eine deutsche Künstlerin, die in vielfältigen Medien wie Zeichnung, Fotografie, Text, Malerei, Installation und Skulptur arbeitet. Ihr Werk, das sich durch seine kühle Ästhetik, intellektuelle Schärfe und emotionale Intensität auszeichnet, umfasst aber auch die Malerei der schwarzen und weißen Bilder, Collagen, Neonskulpturen, Spiegelarbeiten, Transparenzen und die frühen Schriftbilder aus mehr als vier Jahrzehnten. Auf der Grundlage der Psychoanalyse, des Feminismus und der Sprachwissenschaft hat Klein ihren dekonstruktiven Ansatz ebenfalls auf andere Medien angewandt. Unabhängig vom Medium steht immer der Betrachter im Mittelpunkt ihrer Arbeit. Zwischen ihm und dem Bild einen Denkraum zu schaffen ist das zentrale Anliegen der Künstlerin. Es geht in Kleins Werken nicht nur darum, Machtstrukturen und Repräsentationsmechanismen zu unterlaufen oder sichtbar zu machen, sondern auch darum, sie zu demontieren und das konventionelle Bild zu destabilisieren. Ihre Werke sind wirkungsvoll und lösen beim Betrachter oft ein überraschendes Moment der Reflexion sowie ein mögliches Hinterfragen der eigenen sozialen Konstrukte und der Art und Weise des Seins in der Welt aus.

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ASTRID KLEIN – TRANSCENDENTAL HOMELESS CENTRALNERVOUS Teaser

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https://www.tagesspiegel.de/kultur/astrid-klein-in-den-deichtorhallen-frauenbilder-und-maennerblicke/22668436.html

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Feministische Avantgarde: Die Hamburger Deichtorhallen zeigen die Collagen der radikalen Fotokünstlerin Astrid Klein.

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https://www.mariangoodman.com/exhibitions/230-john-baldessari/works/artworks22784/

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John Baldessari, Cutting Ribbon, Man in Wheelchair, Paintings (Version 2), 1988

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Two black-and-white photographs with vinyl paint 76 x 36 in. (193 x 91.4 cm) overall dimensions

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https://www.moma.org/collection/works/69369

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Bruce Nauman. Studies for Holograms. 1970 | MoMA

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Bruce Nauman. Studies for Holograms. 1970. Portfolio of five screenprints. composition (each approx.): 20 5/16 x 26″ (51.6 x 66 cm); sheet (each): 26 x 26″ (66 x 66 cm). Castelli Graphics, New York. Aetna Studios, New York. John B. Turner Fund. 453.1971.a-e. © 2021 Bruce Nauman / Artists Rights Soci…

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Bruce Nauman: Flesh white to black to flesh, 1968. Video-Performance.

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https://www.youtube.com/watch?v=HjEAtc0Ee4M

https://zkm.de/de/werk/flesh-to-white-to-black-to-flesh

Presenting his bare torso to the camera, Nauman meticulously applies, and removes, layers of white and black pigment, to his face, arms, and chest. Beyond the link to body art, and the idea of treating the human body as artistic subject matter and material, Nauman enacts a process of self-transformation – a masque applied and removed – as the tape ends where it began.

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Bruce Nauman: washing hands, abnormal, 1996, (Simon Mack edit 2012). Video-Performance.

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https://www.youtube.com/watch?v=gY7ENheeSIM

https://www.stedelijk.nl/en/collection/10902-bruce-nauman-washing-hands-abnormal

Bruce Nauman washes his hands with a thoroughness bordering on obsession. His body is the focus of improvised, repetitive acts.

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Bruce Nauman - washing hands,abnormal (Simon Mack edit)

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https://www.youtube.com/watch?v=b1c04dXXMPM

Body-Art-Performance

Nil Yalters Werke entstehen aus aktuellen politischen Situationen wie der Verurteilung zum Tode eines türkischen Aktivisten, dem Alltag in einem Frauengefängnis oder der Lebenssituation analphabetischer „Gastarbeiter*innen“. Sprache spielt für Nil Yalter eine wichtige Rolle, ebenso wie kulturelle Einflüsse aus dem Nahen Osten, der Türkei und Westeuropa. Sensibel integriert sie die Stimmen derjenigen, die sie in ihren Arbeiten porträtiert. Mit quasi-anthropologischer Methodik spiegelt sie die Lebenssituation der Dargestellten und macht marginalisierte Personengruppen sichtbar. Schon in den 1970er Jahren beschäftigte sich die Künstlerin mit feministischen Fragestellungen, in die auch migrantische und queere Perspektiven miteinfließen. Hierdurch erscheint ihr Werk heute aktueller denn je.

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NilYalter, 1974 - La femme sans tête ou la danse du ventre

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Fotografien v. Anonym, inspiriert nach A. Klein

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Nachbild (Bildfolge)

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Fotografie v. Anonym, inspiriert nach A. Klein

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Nachbild

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Fotografie v. Anonym, u.a. inspiriert nach A. Klein

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Nachbild

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Fotografie v. Anonym, u.a. inspiriert nach A. Klein

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Nachbild (Bildfolge)

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Pablo Picasso: Sitzende Frau mit Fisch, 1942. Öl auf Leinwand: 100 x 81 cm. / Rekonstruktion v. Anonym

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Vorbild-Nachbild

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René Magritte: La trahison des images/Der Verrat der Bilder ("Ceci n'est pas une pipe"), 1929. Öl auf Leinwand: 60,33 x 81,12 cm. / Rekonstruktion v. Anonym

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Vorbild-Nachbild

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https://www.yeelengroup.com/yeelen-magazine/a-moment-of-sudden-revelation-andy-warhols-six-self-portraits

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A moment of sudden revelation: Andy Warhol's Six Self-Portraits

In Six Self-Portraits, Warhol assembles six variations of his iconic 1986 'fright wig' self-portrait, his disembodied face emerging from darkness in a series of intimate 22 x 22-inch canvases. His sculpted, mask-like face, bathed in dramatic contrast, resembles a skull.

Completed just months before his death in 1987, Warhol's final self-portrait series - a highlight of the Post-War and Contemporary Art Evening Sale on 6 March - is widely considered to represent his most deeply personal revelations

'If you want to know about Andy Warhol, then just look at the surface of my pictures, and there I am,' the artist said in 1967. More than any of his previous acts of self-representation, Six Self-Portraits (1986) - completed just months before his sudden death - engages with the humanity beneath his carefully crafted façade.

In Six Self-Portraits, Warhol assembles six variations of his iconic 1986 'fright wig' self-portrait, his disembodied face emerging from darkness in a series of intimate 22 x 22-inch canvases. His sculpted, mask-like face, bathed in dramatic contrast, resembles a skull. Placing himself alongside the great masters of the genre, from Dürer and Rembrandt to Picasso and Bacon, Warhol charges his self-image with a poignant sense of his own mortality.

Keenly aware of the 'self' in the world and in art as an artificial construct, Warhol frequently represented himself in his art in ways both revelatory and evasive. In his first self-portraits, from 1963, Warhol is pictured in raincoat and dark glasses - the stereotypical image of disguise. In his 1966-67 self-portraits, facial features dissolve into patterns of layered colour - this is the self-portrait as disappearing act. By the late 1980s, Warhol's self-image was virtually a complete fabrication.

Andy Warhol (1928-1987), Six Self-Portraits, executed in 1986. Acrylic and silkscreen ink on canvas, in six parts, each: 22 x 22 in (56 x 56 cm). Estimate on request. This lot is offered in Post-War and Contemporary Art Evening Auction on 6 March 2018 at Christie's in London

Even before Warhol's near-fatal shooting at the hands of Valerie Solanas in 1968, his artistic practice had been underpinned by an obsessive fascination with sudden death. 'I paint pictures of myself to remind myself that I'm still around,' he once claimed. This had previously found expression in his Death and Disaster series, which included images of car crashes, electric chairs and the atomic bomb.

But at the age of 57, it was as if he had a premonition of his own death. Unlike his earlier iterations, the 1986 self-portraits capture a moment of sudden revelation and recognition. Warhol seems to face up to his life's work in true Old Master fashion, revealing - perhaps for the very first time - his own consciously formed self-image to have become its own kind of mask.

On 6 March, Warhol's Six Self-Portraits will be a highlight of the Post-War and Contemporary Art Evening Sale at Christie's in London.

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A moment of sudden revelation: Andy Warhol's Six Self-Portraits Yeelen Magazine The News & Stories Behind The Art

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In Six Self-Portraits, Warhol assembles six variations of his iconic 1986 'fright wig' self-portrait, his disembodied face emerging from darkness in a series of intimate 22 x 22-inch canvases. His sculpted, mask-like face, bathed in dramatic contrast, resembles a skull.

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An Interview with Max Ernst (on vimeo). Made by Monica Garrison. An interpretation of an interview with Max Ernst from the 60s found on ubu.com.

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Nachbild

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Ausschnitt Performance-Video v. Anonym, inspiriert u.a. nach B. Nauman

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Nachbild – Thema: Body Shaming – Rasur Revolution/Obzession

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Fotografie-Installation v. Anonym, u.a. inspiriert nach J. Baldessari

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Nachbildfolge
Thema: Identitätsrecherche

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Ausschnitt v. Video, Fotografie, Trickfilm, Skulptur v. Anonym (diverse Inspirationen)

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Thema: Body Shaming – Rasur Revolution/Obzession

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https://ccs.bard.edu/museum/exhibitions/529-nil-yalter-exile-is-a-hard-job

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Nil Yalter: Exile Is a Hard Job - CCS Bard

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Fotoplakat v. Anonym, inspiriert nach N. Yalter

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Nachbildserie

Thema: Direkte Konfrontation/Trigger-Warnung – Psychische Erkrankungen – Selbstmordgefährdungen – Prävention

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LOUISE BOURGEOIS, CELL XXVI, 2003 (DETAIL) © THE EASTON FOUNDATION / VEGAP, MADRID

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Themen, die Louise Bourgeois mehrfach behandelte, sind die weibliche und männliche Geschlechtlichkeit, das Verhältnis von Geborgenheit und Abhängigkeit, das Unbewusste und der Tod sowie Kindheitstraumata. Spinnen, Zellen, Puppen und Phalli treten als wiederkehrende Motive in ihrem Werk auf.

"What modern art means is that you have to keep finding new ways to express yourself, to express the problems, that there are no settled ways, no fixed approach. This is a painful situation, and modern art is about this painful situation of having no absolutely definite way of expressing yourself." – L. Bourgeois

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Installation v. Schloß Gymnasium Benrath, inspiriert nach L. Bourgeois

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Nachbild (Bildfolge)
Thema: Erinnerungen u. Selbstbilder unserer Kindheit

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https://www.youtube.com/watch?v=VHMQfoOW0ms

Einblick in die Kunst von Jean-Michel Basquiat

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https://www.youtube.com/watch?v=t-j0Ey2O4HU

Body-Art-Performance

Thema: Mann-Frau-Beziehung
Geschlechterverhältnis?
Gewalt – Liebe?
Trennung – Verneinung?

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Light/ Dark- Marina Abramovic & Ulay- performance art

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https://www.youtube.com/watch?v=7kXnrVDxtyc

Body-Art-Performance

Thema: Verhältnis zum Körper
Frau?
Schönheit?
Gewalt?
Schmerz?
Zwang?

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Marina Abramović - Art must be Beautiful; Artist must be Beautiful, 1975

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'Art must be Beautiful, Artist must be Beautiful' (Copenhagen, Denmark, 1975) is one of Abramovic's typical early performances. BeskrivelseMarina Abramović (*1946, Serbia) is one of the artists who made a decisive impact on the history of performance art and on the criticism of the representation of the female body in Western culture.

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https://www.youtube.com/watch?v=WdEIR7of2go

Einblick in die Kunst von Hokusai

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Katsushika Hokusai: The Great Wave off Kanagawa, 1830-1832. Japanischer Farbholzschnitt: 25 x 37 cm.

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Drucktechnik & Performance Plakatieren v. Anonym, inspiriert nach Hokusai

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Nachbild
Thema: "Last minute - Flüchtlingswelle"

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Lorna Simpson: Easy to Remember, 2001 - video installation

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https://lsimpsonstudio.com/films/easy-to-remember-2001

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Easy to Remember, 2001 - Lorna Simpson Studio

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Nachbild

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Fotografie, Lorna Simpson
Identitätsfragen

"Generally, the imagery and the text go hand in hand. It's much easier when the text comes first, but sometimes I need visual stimulation in order to find the words. I get an idea of what I want when I begin to shoot, and the text is usually the last thing to be resolved. I tend to leave the text open, and I refine the words up to the last minute. As for the image, I can resolve that and get that done fairly quickly." – Lorna Simpson

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Fotografie v. Anonym, u.a. inspiriert nach L. Simpson

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Nachbildfolge

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An Interview inspired by: Max Ernst (on vimeo). A stop motion animation from second year Joint Honours students Brittany Mandy, Leila Tang and Jessica Taylor.

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Nachbild

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Fotokopien, Karten, Briefe, Karten, Schrift v. Anonym

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Nachbilder

Archivieren/Sammeln/Bewahren von Momenten

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Nachbilder

Thema: Hochsensibilität

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Nachbilder

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Nachbilder

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Ausschnitt: Portrait 7: Warhol. 2018. On Vimeo. SCREENING: Fest Anca, Zilina, Slovakia. INSTALLATION: The Pugnant Film Series, Irida, Athens.

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Nachbild

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https://www.youtube.com/watch?v=rRZR3nsiIeA

Einblick in die Kunst von Yayoi Kusama

„Ich sah auf das rote Muster der Tischdecke, als ich aufblickte, bedeckte dasselbe rote Muster die Decke, die Fenster und die Wände, und schließlich den ganzen Raum, meinen Körper und das Universum. Ich begann mich selbst aufzulösen, und fand mich in der Unbegrenztheit von nicht endender Zeit und in der Absolutheit der Fläche wieder. Ich reduzierte mich auf ein absolutes Nichts.“ – Yayoi Kusama

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Yayoi Kusama – Obsessed with Polka Dots | Tate

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https://www.daskreativeuniversum.de/yayoi-kusamas-kuerbisse/

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Yayoi Kusama hat sich als führende zeitgenössische Künstlerin einen Namen gemacht. Im Laufe ihrer ruhmreichen Karriere hat die japanische Künstlerin einen charakteristischen Ansatz für ihr Handwerk entwickelt. Geprägt von Polka-Dots, kräftigen Farbpaletten und organischen Formen, lassen sich ihre Ausdrucksformen vielleicht am besten durch ihre Kürbiskunst charakterisieren, eine Sammlung von Werken, die die großzügige Bescheidenheit des Subjekts würdigt.

Kusamas Begeisterung für Kürbisse ist in ihrer Kindheit verwurzelt und hat ihre Arbeitsweise seit über 70 Jahren maßgeblich geprägt. Ob Detailzeichnungen, öffentliche Skulpturen oder eindrucksvolle Installationen, Kusamas stilisierte Interpretationen des Kürbisses sind einige ihrer bekanntesten Werke geworden und gehören zu den kultigsten Meisterwerken der zeitgenössischen Kunst.

Yayoi Kusamas Beziehung zu Kürbissen

Geboren 1929 in einer Bauernfamilie, begann Yayoi Kusama als Grundschülerin, Bilder von Kürbissen zu zeichnen. In dieser Zeit begann die Künstlerin auch lebhafte Halluzinationen zu erleben, die sie seither als Inspiration für viele ihrer markanten Motive nannte: Polka Dots, Blumen und natürlich Kürbisse.

Im Gegensatz zu Polka Dots und Blumen, deren halluzinatorische Formen die angehende Künstlerin Kusama erschreckten, fand sie Trost bei den Kürbissen und bemerkte, dass sie bereits bei ihrer ersten Begegnung von ihrer reizvollen und anmutigen Form entzückt war.

In ihrer Autobiografie Infinity Net erinnert sie sich:

Das erste Mal, dass ich einen Kürbis sah, war in der Grundschule. Ich ging mit meinem Großvater auf ein großes Saatguterntegelände. Und da war er: ein Kürbis von der Größe eines Männerkopfes. Er fing sofort an, auf sehr lebhafte Weise mit mir zu sprechen.

Aufkeimendes Interesse am Kürbis

Kusamas Liebe zu Kürbissen begleitete sie durch ihr gesamtes Teenager-Alter. Im Alter von 17 Jahren machte sie ihre Vorliebe für Kürbisse mit ihrem Gemälde Kabocha bekannt, das sie in einer Wanderausstellung präsentierte. Nach diesem pflanzlichen Erstwerk verschwand das Kürbismotiv jedoch jahrzehntelang aus Kusamas Oeuvre, da sie beschloss, sich stattdessen der Performancekunst zu widmen.

In den 1970er und 80er Jahren entdeckte Yayoi Kusamas Kürbisse erneut in ihrem künstlerischen Schaffen. Während dieser Zeit begann sie, Gemälde, Drucke und Zeichnungen des Themas zu schaffen. Neben ihren markanten Schalen, die mit Polka-Dots übersät waren, lebendigen Farbschemata und ihren runden Silhouetten sind ihre Kürbisse durch ihren Anthropomorphismus erkennbar.

In einem Interview sagte Kusama im Jahr 2015:

Ich liebe Kürbisse wegen ihrer humorvollen Form, ihrer Wärme und ihrer menschenähnlichen Qualität.

Yayoi Kusamas Motive ihres mittleren Werk

Obwohl Kusama diese menschenähnliche Qualität durch Arbeiten auf Papier oder Leinwand erfolgreich vermitteln kann, wird sie erst durch die dreidimensionale Wiedergabe volkommen lebendig. In den 90er Jahren erkannte die Künstlerin die bildhauerischen Qualitäten des Kurbisses voll und ganz. Damals entschied sie sich, ihn in einen ihrer berühmten verspiegelten Infinity Rooms zu integrieren.

Kusama schuf Mirror Room (Pumpkin) für eine Ausstellung 1991 in der Fuji Television Gallery, einem Ausstellungsraum, der für die Präsentation zeitgenössischer Kunst in Japan bekannt ist. Um jene Arbeit zu erschaffen, bedeckte Kusama die Wände, den Boden und die Decke eines Raumes mit einer Schicht gelber Farbe, die mit schwarzen Polka-Dots verziert war.

In der Mitte des Raumes installierte sie einen verspiegelten Würfel mit Kürbissen aus Papiermaché. Durch eine kleine Öffnung konnten die Besucher dieses provisorische Anrichtung des Kürbisses sehen, das aufgrund des reflektierenden Innenraums des Würfels endlos erschien.

Im Jahr 1994 wandte sich Kusama erneut der Skulptur zu, um ihre Liebe zu Kürbissen zum Ausdruck zu bringen. Diesmal entschied sie sich jedoch, sich ihr Lieblingsmotiv als freistehende Skulptur vorzustellen. Dieser gefleckte gelbe Kürbis liegt am Ende eines Steges auf der Insel Naoshima, die für ihre wachsende Sammlung zeitgenössischer Kunst bekannt ist.

Neben dem Beginn der berühmten Sammlung der Insel legte das Stück den Grundstein für Kusamas spätere Freiluftskulpturen, die sie heute noch fertigt.

Yayoi Kusamas Kürbisse der Gegenwart

Seit Beginn des neuen Jahrtausends hat Kusama mehrere neue Kürbiskunstwerke geschaffen. In den Jahren 2016 und 2017 stellte sie zwei neue Infinity Rooms mit Kürbismotvien vor. Neben der Veranschaulichung ihrer lebenslangen Liebe zu Kürbissen greifen diese Installationen auf einige von Kusamas charakteristischen Themen zurück, darunter Unendlichkeit, das Erhabene und die zwanghafte Wiederholung.

Neben diesen wechselnden Installationen sind Yayoi Kusamas Kürbisse in öffentlichen Räumen und privaten Sammlungen auf der ganzen Welt vertreten. Es scheint, dass die 90-jährige Künstlerin nicht die Absicht hat, in absehbarer Zeit mit ihren Kürbissarbeiten nachzulassen. "Mein Wunsch, Kürbiskunstwerke zu schaffen, hält immer noch an", verriet sie 2015. "Ich bin begeistert, als wäre ich noch ein Kind."

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Yayoi Kusamas Kürbisse - Die Entwicklung des beliebten Motivs

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Yayoi Kusama hat sich als führende zeitgenössische Künstlerin einen Namen gemacht. Im Laufe ihrer ruhmreichen Karriere hat die japanische Künstlerin einen charakteristischen Ansatz für ihr Handwerk entwickelt. Geprägt von Polka-Dots, kräftigen Farbpaletten und organischen Formen, lassen sich ihre Ausdrucksformen vielleicht am besten durch ihre Kürbiskunst charakterisieren, eine Sammlung von Werken, die die großzügige Bescheidenheit des Subjekts würdigt.

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Ausschnitt: Trickfilm von Alexandra Sulzynska (on Vimeo), 2015, inspiriert nach Yayoi Kusama

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Nachbild

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Trickfilm: Surrealistische Collage v. Anonym

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Nachbild

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Ausschnitt Trickfilm: Surrealistische Collage v. Anonym (on vimeo)

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Nachbild

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Ausschnitt Trickfilm: Surrealistische Collage v. Anonym (on vimeo)

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Nachbild

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https://www.youtube.com/watch?v=vZOXdoP7Jaw&t=80s

Einblick in die Kunst von Salvador Dali

Surrealismus: Diese künstlerische und bewusstseinserweiternde Bewegung, die sich dem Traumhaften, Absurden und Unwirklichen zuwendet und die eng mit einer an die Psychoanalyse anknüpfenden geistigen Haltung verbunden ist, sucht nach einer eigenen Wirklichkeit im Unterbewussten des Menschen.

„Surrealismus ist destruktiv, zerstört aber nur das, was er als Ketten betrachtet, die unsere Vision einschränken.“ – Salvador Dali

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Salvador Dali: Galatea of the Spheres, 1952. Öl auf Leinwand: 65 x 54 cm.

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Ausschnitt – Video Installation Teaser: Dali's blue by Valerie Wolf Gang, inspired by the Salvador Dali's picture Galatea of the Spheres (on Vimeo).

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Nachbild

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Ausschnitt Trickfilm: Inside Kusama 2 by Pauline Vicencio-Despi (on vimeo). Inspired by Yayoi Kusama's retrospective exhibition in Japan.

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https://www.youtube.com/watch?v=BzVVso94LL8&t=104s

Einblick in die Kunst von Hannah Höch

Hannah Höch war eine deutsche Malerin, Grafikerin und Collagekünstlerin des Dadaismus.

„Ich will die Mannigfaltigkeit des Lebens preisen mit meiner Arbeit, die Schönheit auch - aber nur als in der Nichtgefälligkeit mit einbeschlossen. “ – Hannah Höch

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Ausschnitt Trickfilm-Collage: Power of 9 (on vimeo) by Sorena Tamburrini. The inspiration for Dada art was Raoul Hausmann and Hannah Höch.

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Nachbild(er)

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Ausschnitt Trickfilm: Who are you? (on vimeo) Made by children (workshop at Kingsgate Community Centre, May 2015). Inspired by the work of Hannah Höch.

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Nachbild(er)

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Max Ernst: The Elephant Celebes, 1921. Öl auf Leinwand: 125.4 cm × 107.9 cm.

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Bildquelle: https://www.tate.org.uk/art/artworks/ernst-celebes-t01988

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Anonym. Technik: Décalcomanie. Inspiriert nach Max Ernst. 

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