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Ayer tuvimos la primera clase de Introducción al Diseño. Hicimos un ping pong de preguntas con la profesora, nos conocimos y armamos grupos para el siguiente trabajo.
Durante la clase, vimos un video sobre cómo toma inspiración Deanna para su trabajo en Disney Pixar. Algo que me encantó en su relato fue la frase "la inspiración es la reina de todas las cosas".

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Llegó la hora de sortear las caricaturas a cada grupo para comenzar el primer trabajo.
A nosotras nos tocó Las Chicas Superpoderosas! Justo la que marcó mi infancia entre tantas otras.

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Para la clase 2 teníamos como tarea analizar la serie y los personajes que nos tocaron, en grupo.
En la primera parte de la clase, la profe dividió el pizarrón en dos: características gráficas y conceptuales. Cada grupo pasó y escribió lo que tenía, los pusimos en común y corregimos palabras técnicas. También conceptos del lado gráfico como “es de los 70’s” siendo este del lado conceptual ya que la serie de ese grupo tenía que ver con el análisis del contexto histórico.

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La segunda parte de la clase hicimos un boceto en una hoja A3 sobre el primer trabajo práctico sobre la serie que nos tocó. Usamos materiales que trajimos y una vez terminado, los pusimos en común.
Hablamos de varios trabajos. Se mencionaron títulos, subtítulos y cuerpo de texto. También dónde poner a la figura y el tamaño.
Salieron preguntas: ¿Cómo posiciono a mi personaje? ¿Cómo será el fondo? ¿Qué fotogramas voy a utilizar?

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Olafur Eliasson

Sinopsis: Olafur Eliasson crea experiencias y espacios inmersivos, por ejemplo, un sol artificial en el Tate Modern o hielo glaciar en los centros urbanos.

De entrada, el artista Eliasson nos dice que quiere colaborar con nosotros, los expectadores, y dice que solamente miremos la pantalla donde vemos la serie, a oscuras. De esta manera, va cambiando de color la pantalla y por ende, cambiando de color de la habitación. Cada color nos infuencia de una manera diferente.

Lo increíble de Olafur es hacer de nosotros parte de una experiencia, invitándonos a aprender sobre los colores y como éstos nos transmiten diferentes cosas.

Una parte muy interesante del documental es El Reloj de Hielo. Es una obra de arte contemporánea que surgió a partir de la idea de hacer explícito el clima y convertirlo en pensamiento de acción. Es una exposición que sabés que va a desaparecer.

Paula Scher

Sinopsis: Paula Scher pinta con palabras y desarrolla el lenguaje visual de marcas que luego se convierten en íconos e instituciones en todo el mundo.

“Como explica la revista Gráffica, Paula Scher es una de las figuras más relevantes del diseño gráfico estadounidense. Comenzó su carrera en los años 70; en los 80 destacó por sus trabajos en tipografía; y a mediados de los 90 destacó por el diseño de la identidad de The Public Theater de Nueva York. Es directora de la oficina de Nueva York de Pentagram desde 1991.” (Info. de investigación)

Lo primero que hace la diseñadora es adentrarnos en su lenguaje visual, el cual se caracteriza por mirar con detenimiento las tipografías de toda la ciudad de Nueva York viajando en taxi. Todos los mensajes son diferentes y están en todos lados, la tipografía es pintar con palabras, dice Paula Scher.

Va todos los días a su agencia cooperativa, “Pentagram” donde cada persona en el equipo tiene su forma de ver y diseñar las cosas, ahí todos son jefes. Esto les permite unir diferentes estilos y puntos de vista.

En el documental nos cuenta toda la historia de la identidad de Public Theatre y la línea de discos de vinilo que diseñó para los artistas musicales.

Además, nos cuenta sobre conceptos puntuales sobre la tipografía: Si se utiliza una fuente que es “pesada y negrita”, puede transmitir inmediatez. Si es delgada y terminal o Serif puede parecer más clásica.

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La primera parte de la clase fue teórica sobre el concepto del diseño gráfico. Luego fue la pre-entrega donde las profesoras nos nivelaron los trabajos y entre los compañeros fuimos haciendo la tarea de nivelarnos.

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Nivelación de una compañera y otra de las profesoras.

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Nivelación de una compañera y otra de las profesoras.

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El estilo arquitectónico de Le Corbusier es parte del racionalismo . A lo largo de su producción arquitectónica, el principio de mantener la sencillez, deshacerse de toda ornamentación innecesaria y utilizar materiales prefabricados como el hormigón armado da forma a uno de sus pilares teóricos, el funcionalismo.

En 1918, Le Corbusier junto con su amigo y pintor Amédée Ozenfant publican ‘Más allá del cubismo’, un manifiesto estético que propone al purismo como una nueva vanguardia pictórica con alcances en todas las artes visuales y critica al cubismo desde un punto de vista racionalista, al que pretende dotar de orden, geometría y proporción. Este movimiento carece de gran relevancia, toda vez que el desarrollo del cubismo adquiere formalidad de la mano principalmente de Picasso y Braque.

Una de las premisas básicas de la arquitectura de Le Corbusier fue el funcionalismo. La idea de simplificar las estructuras de las corrientes arquitectónicas existentes hasta entonces (especialmente después del auge del Art Nouveau ) hasta el grado de responder únicamente a la función utilitaria de cada espacio y recurrir a formas geométricas simples.

Fuente: https://www.admagazine.com/arquitectura/le-corbusier-el-hombre-que-dio-forma-a-la-arquitectura-moderna-20200317-6589-articulos

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Uno de los padres del Movimiento Moderno, Mies van der Rohe (1886-1969) entendió la arquitectura como algo vivo y cambiante, como “la voluntad de una época traducida a espacio”. Desnudó sus obras de todo lo superfluo para hallar la esencia y expresar, desde la razón y la función, su idea de la belleza: elegancia, proporción y precisión.

En sus proyectos la estructura no era un elemento a ocultar sino a mostrar; entendía que por encima de cualquier necesidad funcional de un edificio se encontraba siempre la estabilidad, y él no contemplaba un proyecto donde la parte estructural tuviese que ocultarse, todo lo contrario, se exigía en sus diseños desenmascarar y diferenciar aquellos elementos que eran portantes de los que no, y reducir estos últimos a la mínima expresión.

Fuente: https://www.arquitecturaydiseno.es/creadores/mies-van-der-rohe

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Walter Gropius fue el fundador y primer director de la Bauhaus. Fusionó las escuelas de Bellas Artes y de Artes y Oficios de Weimar en 1919 para crear una escuela que revolucionaría la forma de enseñar arte en todo el mundo. Es el fundador de la escuela de arte y diseño más influyente del mundo en 1919.

Aquí se sentaron las bases del diseño gráfico e industrial y en relación a la arquitectura se estableció el principio “la forma sigue a la función”, presente durante todos sus años de existencia.

En La Bauhaus se aunaban arte y tecnología. Sus alumnos aprendían las pautas básicas de diferentes oficios y a trabajar con materiales nuevos para la elaboración de edificios y todo tipo de objetos.

Fuentes: https://www.metalocus.es/es/noticias/walter-gropius-fundador-y-primer-director-de-la-bauhaus  https://moovemag.com/2013/03/walter-gropius/

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Jean-Louis Deniot creó su empresa en 2000 y hoy se considera la nueva generación y el futuro de la 'Haute Décoration'.

Destacado en ELLE Decor y en la lista AD de los 100 arquitectos y diseñadores de interiores más influyentes, Jean-Louis Deniot domina desde hace mucho tiempo el arte de crear atmósferas. Sus decorados son su patio de recreo, espacios donde se requiere magia y espontaneidad. Reconocido mundialmente por su eclecticismo e interiores icónicos, Jean-Louis Deniot juega con una multitud de repertorios, dejando que su talento se exprese con un vocabulario informal y cargado.

El minimalismo no es para Jean-Louis Deniot. ¡Exceso tampoco! El equilibrio y la ósmosis que crea compensan la faceta a veces rígida de la arquitectura con una visión íntima y personal de refinamiento, comodidad y apertura, haciendo que sus creaciones sean deseadas en todo el mundo. Para él, el estilo se asimila al estilo de vida y debe promover la armonía y el bienestar.

Sus decoraciones son una secuencia y una mezcla de materiales y texturas, con paletas de colores sutiles, tonos neutros y una iluminación impecable.

En la encrucijada entre la terminología clásica y la estética contemporánea, los interiores de Jean-Louis Deniot son serenos, elegantes y dramáticos, inundados de guiños a otras épocas.

Fuente: https://es.frwiki.wiki/wiki/Jean-Louis_Deniot

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Peter Marino (1949, EE.UU.) es un arquitecto estadounidense acreditado a nivel internacional por re-definir el lujo moderno en arquitectura y decoración, y muy conocido por integrar el arte dentro de sus diseños de interiorismo.

Andy Warhol lo contrató para hacer un proyecto de renovación de su casa en el Upper East Side de Manhattan y la tercera “encarnación” de Warhol’s Factory en el 860 de la calle Broadway.

Su trabajo para Warhol le abrió las puertas a comisiones residenciales de clientes en el mundo del arte, así como de la aristocracia europea.

Fuente: https://decorador.online/disenadores-destacados/peter-marino/

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Leyenda viva del diseño industrial, el alemán Dieter Rams (1932) ha contribuido como pocos a embellecer desde la funcionalidad nuestra vida diaria con sus electrodomésticos, en los que compendia una forma de crear honesta, discreta y sostenible. Sus productos para marcas como Braun o Vitsoe son ejemplos imperecederos de su idea de que solo es bello lo que es útil y está bien hecho.

La enorme influencia de su obra en el diseño contemporáneo puede rastrearse desde la arquitectura de Naoto Fukasawa hasta el estilo que Jonathan Ive, jefe de diseño de Apple, ha imprimido a los productos de la marca de la manzana. Por eso, a pesar de su empeño por pasar inadvertido, con el paso de las décadas Rams ha ido adquiriendo una notoriedad internacional más que merecida.

Mucho antes de que comenzara a hablarse de sostenibilidad, de economía circular y de rechazo al despilfarro, Dieter Rams ya expresaba con su filosofía de diseño -y con sus opiniones- una forma de crear objetos duraderos, en los que lo innecesario no tenía cabida. Décadas después de haber sido fabricados, muchos de estos objetos todavía siguen en funcionamiento y son el mejor manifiesto del auténtico credo sostenible de Rams.

Fuente: https://www.arquitecturaydiseno.es/creadores/dieter-rams

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Ron Arad es un diseñador industrial, considerado uno de los más influyentes en la actualidad. Es un artista nato, quizá por sus orígenes, con un padre pintor y una madre fotógrafa. Se caracteriza por ser un artista poco común, al mezclar las nuevas tecnologías con materiales innovadores a la hora de diseñar objetos decorativos o piezas funcionales.  Haciendo cada obra única, explotando todas las posibilidades funcionales y formales de cada objeto.

Fuente: https://moovemag.com/2013/12/ron-arad-un-genio-del-diseno-futurista-y-contemporaneo/

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El trabajo de Iris van Herpen logra ese difícil equilibrio entre la artesanía y la innovación tecnológica y la experimentación con los materiales, generando una particular forma de hacer Alta Costura en la que conviven, con armonía, los procesos manuales con las técnicas digitales más avanzadas. “Lo que más tiempo lleva a la hora de diseñar una colección es la investigación. Es la cosa que más me entusiasma, encontrar nuevas técnicas y materiales y gente con la que trabajar. Es realmente un proceso de aprendizaje, de probar, experimentar y cometer errores. Creo que es la parte más importante del trabajo y las colecciones”, explicaba al respecto de su proceso creativo.

Su trabajo requiere de la colaboración con científicos y artistas de otras disciplinas. “No soy una científica. La inspiración me viene de diferentes campos, pero realmente me veo a mí misma como una diseñadora que está introduciendo varios de esos aspectos en la moda. Y ese es mi objetivo. No es hablar de forma separada del arte o la ciencia, se trata de tomar inspiración de diferentes campos y trasladarlos a mi trabajo”, declaraba.

Fuente: https://www.vogue.es/moda/modapedia/disenadores/iris-van-herpen/513

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Modisto francés. Tras la quiebra de la empresa familiar, se convirtió en dibujante de modas para Agnès y Schiaparelli, de donde pasó a trabajar como diseñador de modelos en la casa Piguet. En 1946 fundó su propia firma de alta costura, que llevaba su nombre y que tenía su sede en París. Fue así como lanzó la moda que sería bautizada como New Look, vestidos de hombros estrechos y faldas hasta media pierna. Un año más tarde abrió una sucursal en Nueva York, lo que da prueba de su fulgurante éxito en el mundo de la moda, que le permitió consolidar su casa como una de las más prestigiosas de los últimos tiempos. A su muerte, con salones en veinticuatro países, continuaron con su firma primero Yves Saint-Laurent y luego Marc Bohan, que supieron mantener la reputación del apellido.

Fuente: https://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/dior.htm

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Aicher ocupa un lugar importante en el mundo del diseño pero su nombre no suena fuera de los círculos especializados. Para los profanos, Aicher es autor de los logos de Lufthansa, la estilización del logo de Braun o la filosofía de las cocinas bulthaup. Sus premisas de diseño coinciden con las de históricos como los maestros de la Bauhaus o Dieter Rams –casualmente ambos están vinculados a Braun– pues para Aicher “la función hace la forma”. Es decir, para él la estética es consecuencia de la excelencia funcional de los objetos. Con esa idea en la cabeza, crea junto al arquitecto, diseñador gráfico y tipográfico Max Bill y a otros intelectuales la Hochschule für Gestaltung o la Escuela de Ulm en 1946, cuya influencia en el diseño industrial es indudable. Desde allí, planteaban el diseño como un instrumento que ordena nuestro entorno.

Fuente: https://www.arquitecturaydiseno.es/mobiliario/por-que-tienes-que-conocer-a-otl-aicher_3096

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Storm Thorgerson fue una gran figura de la música rock, y no usó ningún instrumento para serlo. 

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Storm Thorgerson, es conocido como el diseñador gráfico de las portadas de discos, de bandas de rock. Su arte llego a diferentes partes del mundo, y entre las más conocidas están las portadas de Pink Floyd, exactamente la del álbum, The Dark Side of the Moon.

Hipgnosis era el nombre de la agencia especialidad en diseño e ilustración, que Storm Thotgerson creó junto a otros amigos. La fundaron en 1968 y poco a poco empezó a adquirir notoriedad por las creaciones innovadoras de portadas de álbumes de rock, durante los años setenta.
Storm Thorgerson e Hipgnosis, luego empezaron a recibir más trabajo. Y los diseños de Storm Thorgerson pasaron a ser la principal opción en la industria musical del rock. Según los expertos, se estima que crearon 180 portadas, entre las que destacan, las de las bandas AC/DC, The Gods, The Pretty thing, Génesis y Renaissance.

Algo que caracteriza los diseños de Storm Thorgerson es que eran peculiares y surrealistas. En algún momento durante su vida, llegó a decir que sentía inspiración por profesionales como Man Ray, Magritte, Picasso, Kandinsky, Juan Gris, Ansel Adams y Salvador Dalí.

Tenía la idea de fabricar “realidad, por encima de la realidad”. El estilo de Storm Thorgerson, también consistía en crear imágenes con maquetas de tamaño real. Tanto así, que sus obras, muchas veces superaban el presupuesto de grabación de todo un álbum completo, pero las bandas, lo recuperaban con ventas del mismo.

El surrealismo estuvo presente desde sus inicios, y de a poco, fue agregando elementos, el uso de ilustraciones, fotografías y muy pocos retoques. Hay que destacar que, en sus tiempos no existía el Photoshop y cuando llegó al mundo de los diseñadores, Thorgerson, limitaba su uso, a corregir color o sombras, sin mayores cambios a la imagen.

Fuente: https://www.cinconoticias.com/storm-thorgerson/

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Nota: 5

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Entrega y ejercicio introductorio al TP2

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Entrega y ejercicio introductorio al TP2

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Al principio de la clase vimos la teórica de la Teoría Gestalt y, a partir de las leyes, realizamos dos afiches con módulos de nuestro personaje animado.

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Percibimos las cosas organizadas como conjuntos significativos, no como elementos inconexos.

"El todo es más que la suma de sus partes".

Las leyes de la Gestalt son:
- Ley de proximidad
- Ley de figura-fondo
- Ley de cierre
- Ley de continuidad
- Ley de semejanza
- Ley de dirección común

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Nota TP1: 5

Avanzamos con el TP2 siguiendo un concepto para nuestro personaje animado y anclándolo con la Teoría Gestalt.

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Sacar 4 fotos, 2 con estructura formal y 2 con estructura informal.
Avanzar con nuestra aficheta e imprimir en formato vertical 14x40cm.

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Probando la última estructura que me quedaba, la semi formal.

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FERIADO

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Corrección y avance para la PRE ENTREGA del TP2

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Corrección y avance para la PRE ENTREGA del TP2

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Hicimos una colgada de trabajos y fuimos corrigiendo durante la primera parte de la clase y sacando dudas. Luego del recreo, avanzamos con la pre-entrega.

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Teórica de estructuras y esquicio en clase

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Teórica de estructuras y esquicio en clase

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LA ESTRUCTURA
Puede ser:

🌱 FORMAL: Construida de manera rígida y matemática, dando una sensación de regularidad, y aunque los elementos sean diferentes, se puede reconocer un orden por la repetición, radiación y graduación.

🌱SEMI FORMAL: La estructura es bastante regular pero existe una ligera irregularidad, es necesario que se verifique un criterio de organización para luego plantear una ruptura esta sea por similitud, anomalía y concentración.

🌱INFORMAL: Estas no llevan grilla geométrica ni matemática, la organización  es libre pero se debe considerar pesos, acentos, direcciones (un recorrido visual).

A su vez, las estructuras pueden ser:

✨INACTIVAS: Los módulos están colocados en el centro o en las intersecciones de las líneas, es característico que ningún elemento va al corte y no se interviene con el módulo.

✨ACTIVAS: Cada módulo queda confinado a su propia subdivisión espacial.

✨VISIBLES: Las líneas estructurales existen como líneas reales y visibles.

✨INVISIBLES: Las líneas estructurales son conceptuales y no se ven en el diseño.

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- La semiformal pasa a ser formal / agregar pulpis que cumplan el criterio

- La formal pasa a ser semiformal, algunas burbujas cumplen con el criterio y otras no

- La informal re hacer pulpis desde una perspectiva cenital

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Nota: 7

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Nota: 7

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Animación: es como la sensación de movimiento de imágenes, dibujos u otro tipo de objetos inanimados.
750px x 1334px resolución 72dpi

Las imágenes intentan crear la ilusión de movimiento.

Consigna:
- Diseñar una pieza gráfica (aficheta) para difundir una muestra.
- Formato: 25cm x 70cm (vertical)
- El trabajo se realizará en 2 tintas a elección + el blanco del soporte

Metodología:
- Tomar las ideas del TP1
- Construír el concepto
- Hasta 3 módulos se puede elegir
- Sumar tipografía: UADE Art  del 9 al 20 de julio del 2022 / Lima 775 - Monserrat - CABA

Se entrega una aficheta en blanco y negro y otra a color a tamaño 70x25cm 100dpi

Los colores toman la totalidad, no en partes.

Hoja A3
Reducción de la aficheta (versión blanco y negro con la estructura superpuesta); poner criterios de ubicación, los retoques, las ideas, etc.

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- uade 2022 - fadi - etc
- muy sensible
- buscar tercer modulo y quedarme con bellota rompiéndole los crayones
- jugar con el color azul, cian y blanco

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Re-Entrega TP1

- Aficheta byn y color
- Gif
- Frames

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Nota: 7

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- no hay exageracion
- llego muy rapido
- el piso de color
- repetición de burbuja
- replantear grilla

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Impreso: 1 aficheta 25x70cm (2 A3 vertical) a color y en blanco y negro.
A3 con la plantilla

Digital: storyboard y gif.

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Nota: