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Cuattrocento (arte siglo XV)

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A lo largo del siglo XV en la Corte papal de Roma y en diversas ciudades italianas gobernadas por familias nobiliarias como los Médicis en Florencia sobre todo, pero también Venecia, Bolonia, Parma, Ferrara, Vicenza, surgieron manifestaciones artísticas que tenían sus modelos en la Grecia y Roma antiguas. El estilo imperante en los siglos XV y XVI, que desde Italia se difundiría por toda Europa, se denominó Renacimiento, porque se entendía como una recuperación del arte clásico. Fue una edad esplendorosa y personajes como Miguel Ángel, Leonardo Da Vinci, Rafael, Tiziano, Brunelleschi, Donatello, Durero, se dieron cita en este tiempo de furia creadora.

La figura humana, entendida como medida y ejemplo de toda la creación, es contemplada en el Renacimiento como nunca se hiciera desde la Antigüedad. Botticelli, en su obra El nacimiento de Venus simboliza el nacimiento de la belleza y la perfección del cuerpo desnudo, frente a las dudas y temores de pasados siglos. La figura de Venus está inspirada en la estatua clásica de los mejores momentos y la radiante juventud y alegría que emana y evoca toda la grandeza del nuevo Humanismo.

Características del Renacimiento

El retorno a la medida humana

El Renacimiento es ante todo un movimiento italiano. Al humanismo emotivo del siglo XIII viene a sustituirle un Humanismo racional en el siglo XV. En las universidades se leen los clásicos en griego y latín se discuten postulados teológicos y se duda de los dogmas. La imprenta permite la divulgación de la cultura escrita y la brújula permite la ampliación de horizontes y la conquista del mundo.

Por primera vez desde la antigüedad, el ser humano se siente el centro del universo y reclamará un lenguaje a su medida. En el gótico las dimensiones del edificio poseen al hombre, lo elevan o lo distienden, pero en el Renacimiento será el hombre quien domine al edificio gracias a sus proporciones creadas por artistas que razonan según métodos y procesos humanos. El equilibrio entre las dimensiones de la planta y la altura responde a una exigencia humana según la cual no deben preponderar las dimensiones verticales sobre las horizontales.

El hombre es tridimensional, pero se relaciona con las cosas preferentemente sobre el plano horizontal. La contemplación del horizonte es afín a la biología humana, pero la observación de una aguja gótica requiere de un mayor esfuerzo que se traduce en desazón. En el primer Renacimiento, la arquitectura logra encontrar la medida humana al establecer proporciones sencillas, ceñidas a una geometría simple y comprensible. Es la misma medida humana que los griegos habían sabido encontrar para sus espacios exteriores pero que ahora la encontramos en interiores.

La horizontal prevalece sobre la vertical y las fuertes y acusadas cornisas y molduras horizontales de los edificios subrayan este intento. Por otra parte, al ser más bajos los edificios no necesitan de la teoría constructiva gótica y desaparecen los arcos apuntados, volviéndose al arco medio punto, que denota equilibrio entre el estatismo y el dinamismo. Se vuelve al repertorio elemental y básico propio del clasicismo.

Visión unitaria: la perspectiva

La obra plástica debe presentarse simultáneamente y en su conjunto al espectador subrayando así su valor eminentemente espacial. La obra gótica conjuga tiempo y espacio; la catedral, por ejemplo, se proyecta para ser vista desde muy diversos puntos, lo que requiere un desplazamiento del espectador que percibe las sucesivas impresiones a modo de secuencias temporales. Con la punta ocurre, igualmente, que las narraciones se hacen en recuadros que son verdaderas secuencias cinematográficas. Pero en el Renacimiento la obra se ofrece unida. La Iglesia de San Lorenzo de Florencia, trazada por Brunelleschi, nos ofrece un espacio interno de una sola vez, subrayando líneas de perspectiva que conducen la mirada al fondo. El pintor Masaccio nos relata el episodio evangélico del Tributo en un cuadro de composición unida y ejemplar, pero que en realidad representa tres escenas.

Este sentido de visión unitaria llevará en arquitectura a reducir la nave mayor de los templos, llegando incluso a la cruz griega, y por eso obras capitales como la capilla Pazzi de Brunelleschi trazada a principios del siglo XV o el proyecto que Bramante hace para San Pedro del Vaticano, un siglo después, se diseñan sobre planta de brazos iguales.

En pintura predomina la perspectiva central, no sólo como adquisición de un lenguaje espacial, sino porque esa perspectiva conduce, más que ninguna otra, a la unidad buscada. La pintura es centrípeta antes que centrífuga.

Arte y humanismo

La figura clave para comprender el Renacimiento no la da el humanista. Este hombre culto, versado en la Antigüedad, que lee en latín y griego, que discute sobre Platón o sobre Aristóteles, y que conoce las más avanzadas teorías sobre Geografía y Cosmología es, además poeta y un gran diletante. En el siglo XV, era posible reunir en una biblioteca la mayor parte de los libros editados por la imprenta, que es tanto como decir toda la cultura escrita de su tiempo.

En las cortes renacentistas, deseosas de abrirse a un mundo nuevo, estos hombres son reclamados con veneración. Y en manos de ellos está el progreso del pensamiento y de la cultura, y en cierto modo del arte. Por primera vez la obra de arte es analizada racionalmente desde el punto de vista del espectador. Era lógico, los pensadores renacentistas discutían sobre la idea de la belleza y terminaron por discutir sobre la cosa bella, naciendo así la crítica del arte. Sin embargo, el humanista siente por el artista un gran respecto y con frecuencia son amigos.

La Basílica de San Lorenzo de Florencia, es una de las obras más claras para comprender la visión unitaria que caracteriza y define al renacimiento. En esta obra el arquitecto se inspira en la basílica romana pero acentuando el interés visual hacia el altar mayor.

La arquitectura del Renacimiento

Los arquitectos del Quattrocento (siglo XV)

En la Florencia de principios del Quattrocento se vive un auténtico fervor constructivo. En el siglo anterior se había levantado la Catedral de Santa María de Fiori en el peculiar estilo gótico italiano, de amplias dimensiones y muy luminosa. Ofrecía un amplio espacio en el cimborrio para cubrirlo con una cúpula que debía ser de 42 metros de diámetro, es decir, tan grande como la del Panteón romano.

Se le encarga la obra a Felipe Brunelleschi, que ya había sido pintor y escultor notable. La audacia de Brunelleschi es inmensa ya que lanza una airosa cúpula que además queda realzada por un tambor octogonal. A diferencia de las cúpulas romanas, e incluso las grandes cúpulas bizantinas, que quedan embutidas en espesos muros, la de Brunelleschi se levanta orgullosa recortándose en el cielo de Florencia y dándole a la ciudad ese perfil característico. Con ella se inaugura la gran serie de cúpulas europeas desde la de San Pedro de Roma a los inválidos de París o la catedral de San Pablo de Londres.

Por otra parte, Brunelleschi es también el auténtico renovador del estilo; en las Iglesias de San Lorenzo y del Santo Espíritu adopta todos los elementos arquitectónicos clásicos, inspirándose en las basílicas romanas. Más adelante, en la capilla Pazzi, Brunelleschi presenta lo que será la auténtica arquitectura renacentista. Sobre la planta cuadrada asienta una cúpula sobre pechinas y antepone un pórtico en el que un arco central rompe el dintel. Este conjunto vaticina el futuro de las grandes construcciones renacentistas.

A Brunelleschi se debe también el modelo de palacio típicamente renacentista. En el Palacio Pitti la carencia de torre defensiva lo integra en la arquitectura urbana, y el tratamiento de los paramentos con sillares almohadillados le da un aspecto inconfundible de solidez. En los palacios el predominio de la línea horizontal será absoluto.

Una generación después de Brunelleschi se puede proceder a un asentamiento racional del estilo. León Bautista Alberti, es el artista más representativo de esta situación. Erudito y estudioso de la antigüedad, escribe el tratado Dere aedificatoria. La trasposición de los elementos clásicos la encontramos en el inacabado templo de Malatesta en Rímini.

Más puramente renacentista es el templo de San Andrés de Mantua, donde potencia la idea del malatestiano, es decir; la de concebir la fachada como un gran arco triunfal. En Florencia, Alberti edifica el Palacio Rucellai que, aún siguiendo el esquema brunelleschiano, rompe la monotonía de los parámetros mediante una serie de pilastras adosadas.

En la Capilla de los Pazzi, su portada es la única construida por Brunelleschi y su sencilla geometría es el más claro exponente del juvenil Renacimiento quattrocentista florentino. Por otro lado, en el Palacio Pitti, Brunelleschi fijo el modelo de palacio florentino estableciendo un primer piso, a modo de zócalo, con sillares muy rústicos en contraste con los parámetros superiores de sillares mejor labrados, las ventanas con dovelas fuertemente marcadas y todo el conjunto rematado con un entablamiento clásico.

La madurez del Cinquecento (siglo XVI)

A principios del siglo XVI, la capitalidad del arte pasa de Florencia a Roma. Son ahora los Papas los que ejercerán el mecenazgo sobre las artes. El papa Julio II llama a un experimentado arquitecto de Urbino para que haga el proyecto del nuevo San Pedro del Vaticano. Este hombre es Bramante. La obra de Bramante es tan significativa en el siglo XVI como la de Brunelleschi en el siglo XV. Ambos son la síntesis del Renacimiento.

Bramante había hecho obras en el Norte de Italia en las que prevalecía el sentido decorativo del Quattrocento, pero en Roma es cautivado por la majestad de las ruinas romanas. Allí decide un arte en el que la estructura arquitectónica sea lo único dominante. Por encargo de los Reyes Católicos levanta, en lo que después será la Academia Española, el pequeño templo circular de San Pietro in Montorio. Este templo es todo un programa edilicio, algo así como lo fue la Capilla Pazzi de Brunelleschi. La austera sobriedad y la elegancia han adquirido una robustez auténticamente romana. Esa sobria robustez caracteriza toda la obra plástica, tanto en arquitectura, escultura o pintura, del Cinquecento romano.

Cuando Julio II le encomienda el proyecto de San Pedro, Bramante lo concibe con grandiosidad romana. Diseña dos naves perpendiculares y de brazos iguales y en el centro una gran cúpula era el reto técnico a los arquitectos renacentistas como la bóveda lo fue a los góticos. En realidad, el proyecto parece concebido sólo para soportar una cúpula.

Al morir Bramante, se encarga de las obras el pintor Rafael, quien seguirá los trazados de Bramante. Pero en 1546, el papa Paulo II encomienda la continuación de las obras a Miguel Ángel. En Ese momento el genial escultor contaba con más de 70 años y era considerado el genio indiscutible de Occidente. Se aceptan sus condiciones de modificar el proyecto y en él desaparecen torres y torrecillas y queda dispuesto para recibir el principal tema arquitectónico: La cúpula. Miguel Ángel levantará la cúpula sobre tambor, cerrando el ciclo de experiencias comenzado por el Panteón de Agripa en Roma, seguido en Santa Sofía en Constantinopla y en Santa María dei Fiori en Florencia. Se ha creado definitivamente el tipo de cúpula occidental y todas las que le sigan, hasta el siglo XIX, serán imitación de ésta.

Finalmente, Miguel Ángel proyecta una sola entrada a la que antepone un pórtico adintelado y con doble fila de columnas exentas. Se consagra, de ese modo, la fórmula presentada por Brunelleschi en la Capilla Pazzi. En la escasa labor arquitectónica de Miguel Ángel se apreciará siempre más su sentido de los volúmenes antes que los espacios interiores. Es genial la ordenación que hace de la plaza del Capitolio en Roma, siguiendo el ejemplo de la de Pienza, como también es genial la escalera de la Biblioteca Laurenciana, en la que un escaso espacio logra dar la impresión de gigantesca majestad con la sabia alternativa de dinámicas superficies curvas y estáticas rectas.

La escultura en el Renacimiento

En la Europa gótica, el sentimiento clásico en la escultura aparece antes que en la arquitectura. A mediados del siglo XIII, se elabora en la Catedral de Reims una estatuaria casi clásica y no es el único ejemplo; sin embargo, será en Italia donde ese temprano brote hacia lo clásico tenga más trascendencia. Sin duda, debió influir la fácil presencia de estatuas romanas principalmente sarcófagos conservados en las Iglesias; pero la presencia de esculturas no era mayor que la de monumentos arquitectónicos y, sin embargo; el desarrollo de una verdadera arquitectura renacentista también será posterior a la escultura. Podemos aceptar que la revolución técnica y estilística había sido tan profunda en el gótico que era muy difícil olvidar los logros conquistados, aún en Italia, donde ya vimos que nunca arraigó demasiado el espíritu gótico. Al fin y al cabo, es más fácil labrar una piedra adaptándose a un nuevo estilo que desmontar toda una teoría constructiva.

El Quattrocento (siglo XV)

Si el Trecento había sido en escultura un siglo sienés y pisano, el Quattocento será florentino. La obra de la catedral era lo suficientemente importante como para merecer la atención de todos los artistas de la Toscana, pero los patricios de la ciudad (jefes de las principales familias que integraban el Senado), tenían interés en que su república fuese realmente preeminente, y en 1401 convocan un concurso para realizar las dos puertas que aún faltan al baptisterio. Se presentan importantes artistas, entre ellos Brunelleschi pero el concurso se falla a favor de un joven escultor: Lorenzo Ghiberti, quien invierte casi veinticuatro años en su realización.

El tema propuesto para el concurso fue el Sacrificio de Isaac. Brunelleschi, fue más goticista en la interpretación del tema y más torpe en el tratamiento de la anatomía, mientras Ghiberti se muestra más clásico, con una gran capacidad narrativa y un sentido de la perspectiva claramente increíble. "Las puertas del paraíso" como denominó Miguel Ángel a las terceras puertas del Baptisterio, están decoradas con varias escenas de carácter bíblico que van, desde la creación de Ádán y Eva hasta el encuentro del rey Salomón con la reina de Saba.

Haciendo gala de su dominio de la técnica del relieve "schiacciato", dispone las figuras que están en primer término con mayor volumen mientras las que se encuentran en el fondo, apenas aparecen sumergidas con un suave relieve. Los personajes se mueven cómodamente en amplios espacios naturales y ampulosos marcos arquitectónicos.

Donatello, es el escultor más importante y representativo de la escultura del Quattrocento. Nacido en Florencia, fue amigo de Brunelleschi y estudiante en el taller de Ghiberti, conoce todos los caminos recorridos hasta entonces e intuye que el nuevo espíritu consiste en tomar al ser humano como razón de ser del Universo. Su obra inquieta y llena de búsquedas, se dirige siempre a representarlo lleno de vida.

Donatello fue un gran estudioso del cuerpo humano y de su evolución a lo largo de las diferentes edades, desde la juventud hasta la vejez. Entre sus primeras obras se hallan una serie de esculturas de santo como San Jorge que refleja el potente brío de la juventud desafiante y decidida que recuerda la del El David de Miguel Ángel. En el basamento de esta escultura podemos apreciar un relieve que nos demuestra que Donatello, desde el punto de vista del escultor, está preocupado por la perspectiva.

Para la familia de los Medici realizó la que es una de sus obras más conocidas: David (1440). El personaje ha resultado vencedor en la lucha contra Goliat, tal como lo testifica la cabeza de gigante a sus pies. Se le representa como un adolescente muy estilizado, alejado de la rotunda anatomía masculina del de Miguel Ángel.

Para la catedral de Florencia realizó los relieves de la Cantoría (1433-1439) donde el parecido con los sarcófagos romanos es más que evidente. También se interesó por la escultura ecuestre; como lo demuestra el Condottiero Gattamelata (1443-1453), escultura que es un verdadero análisis psicológico del guerrero e inspirada en el "retrato ecuestre de Marco Aurelio".

Hizo una imagen de María Magdalena (1457) con un tronco de madera en que la superficie está escasamente trabajada, lo cual contribuye a darle gran expresionismo y dramatismo a la imagen aventajada de esta mujer. El claroscuro cobra especial importancia en esta composición donde una infinidad de pliegues recrean un continuo juego de luces y sombras.

La escultura del Profeta Habacuc (1427-1435) nos muestra a un hombre viejo y feo, muy lejano de los esquemas de belleza ideal del mundo clásico y renacentista. De la contemplación de su obra se deduce que, en la producción escultórica donatelliana, conviven dos aspectos tan contradictorios como el realismo y el idealismo.

En la Toscana quattrocentista debemos señalar los escultores de mayor trascendencia en este siglo. Jacopo Della Quercia trabaja en Bolonia, donde en la Portada de San Petronio deja unos altorrelieves alejados del estilo pictórico llenos de grandeza. Sus figuras hercúleas y monumentales anuncian la obra de Miguel Ángel.

El Cinquecento (Siglo XVI)

El genio creativo de la Toscana, en donde confluyen la belleza y la expresividad, tiene su más impresionante representación en la figura de Miguel Ángel Bounarroti. Su personalidad llena de idealismo y rebeldía es la de uno de los genios máximos de toda la historia.

Su obra es variada y compleja, desde poesía hasta arquitectura o pintura, pero sobre todo, escultura. Toda su vida transcurre en un ardiente misticismo platónico tras la búsqueda de la "idea de la Belleza". Absolutamente inconformista, no le gusta ni Leonardo ni Rafael, ni tampoco Bramante; pero, desde luego, tampoco su obra. Utiliza casi siempre, el blanco y compacto mármol de Carrara, por estimar que este noble material es el más adecuado para acercarse a la belleza. Sobre él trabaja directamente, rabiosamente, con tremendos golpes.

Con frecuencia suele confundirse "gran tamaño" con "grandiosidad", cuando en realidad, ésta no tiene nada que ver con las dimensiones físicas y sí mucho con las espiritualidades. Las figuras de Miguel Ángel son siempre grandiosas, verdaderos titanes; son el arquetipo del ser humano, y el tratamiento de la anatomía sólo es un camino, un pretexto, para lograr el ideal buscado. En sus esculturas trasciende una irreprimible vitalidad contenida que es más de dioses que de hombres.

Nacido en Florencia, realiza sus primeras obras bajo la protección de los Médicis. Esta primera parte de su obra es aún clásica, inspirada directamente en las esculturas antiguas que adornaban el jardín de sus mecenas. De este tiempo es La batalla de los centauros y La Virgen de la escalera.

Una vez que muere Lorenzo de Medici, se va a Bolonia y siente como una revelación al contemplar la obra de Jacopo Della Quercia, que en su monumentalidad imprimirá un giro definitivo de su obra.

Después viaja a Roma y se pone en contacto con el mundo clásico. Durante esta estancia romana se produce el hallazgo del Laooconte y sus hijos, una de las obras que más impacto le causó. En el año 1495 esculpe La Piedad, en la Basílica de San Pedro del Vaticano. Pero su obra más significativa de este momento es su De tamaño mayor que el natural es impresionante en su grandiosidad; la postura es helénica, pero en las manos dobladas y en el gesto terrible nos comunica la tensión espiritual que ardía en el corazón del artista.

La obra que más interesó a Miguel Ángel, fue el mausoleo que Julio II le encarga en vida. No pudo terminarlo. Del gran proyecto sólo esculpe el Moisés y otras figuras, entre las que hay que citar Los Esclavos. Más tarde, en Florencia, realiza la sacristía nueva de San Lorenzo, y la capilla funeraria de los Médicis. En ella integra la arquitectura y la escultura, en los sepulcros de Julían y Lorenzo de Médicis.

En los últimos años de su vida, su espiritualidad le lleva a verdaderos arrebatos religiosos y se siente atraído por el tema de la Piedad, que ya había trabajado en su juventud. Serán más dramáticas y asistimos a un proceso de mayor intensidad dolorosa en la cronología de los sucesivos grupos. El último La Pietá Rondanini, inconcluso, muestra la terrible soledad de la Madre y el Hijo, indisolublemente unidos.

Con Miguel Ángel, el equilibrio entre forma bella y movimiento expresivo, propio del Quattrocento, alcanza en la escultura su más alta expresión, pero con él este equilibrio se romperá en favor del movimiento, lo que será una constante en el Barroco. Miguel Ángel aparece así como fin de una época y comienzo de otra. La tremenda tensión de su vida y de su obra termina por desbordarse de gestos y actitudes delirantes. El Manierismo tomará esta vía desbordada como vehículo de la nueva expresividad.

La Pintura en el Renacimiento

Durante el Renacimiento, en las ciudades italianas, Venecia, Florencia Roma, Padua, Ferrara, el arte pictórico experimenta un extraordinario impulso y una mutación constante.

El arte de la pintura conoce una importante evolución que tiene su punto de partida en la obra de Giotto di Bondone. Las peculiaridades de cada autor dificultan en sobremanera establecer, con carácter general los elementos definitorios de la pintura renacentista, como ocurre en casi todos los ámbitos artísticos. No obstante, se pueden señalar algunos aspectos comunes.

Entre las técnicas empleadas está el fresco, que alcanza su culminación en la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, y el óleo, que hasta el siglo XV era absolutamente desconocido (en su lugar se empleaba el temple). En este mismo siglo los venecianos introducen otro gran invento: el lienzo.

Los temas, por otro lado, son tanto religiosos como profanos, dependiendo siempre del comitente. Los encargos civiles se decantan por los temas mitológicos, alegóricos e históricos. Comienza a tomar una gran relevancia el retrato, especialmente en Florencia en el sigo XIV, entre los que son particularmente interesantes los de Pisanello, Ghirlandaio o Boticcelli. A menudo, estos retratos se aprovechan para reflejar la situación social del personaje y su propia personalidad.

La perspectiva es la gran conquista del pintor renacentista, que descubre la posibilidad de representar en un plano, es decir en un elemento bidimensional, una tercera dimensión: la profundidad. En un primer momento, este efecto se consigue a través de la perspectiva lineal; luego llegará la perspectiva aérea.

La perspectiva lineal es característica del Quattrocento. Toma como punto de partida la idea de que cuánto más lejos están los objetos más pequeños se han de representar. Se trataban de líneas de fuga que se unen en un punto creando una especie de pirámide visual. Esta teoría se sustenta en concienzudos estudios de geometría y, especialmente, en las aportaciones de Alberti expuestas en su tratado "De pictura". La perspectiva aérea, sin embargo, surge de las teorías de Leonardo da Vinci. Según él, cuanto más lejano están los objetos, mayor es la cantidad de aire que se interpone entre éstos y nosotros; la lejanía desdibuja los contornos originando el "sfumato".

Leonardo plantea, además que las cosas toman un color azulado, pues este es el color del elemento que las rodea, el aire.

El color y el dibujo en el Quattrocento es más intenso, más nítido, más firme, mientras que en el Cinquecento pierde parte de su vigor en favor del color.

La luz del Quattrocento es conceptual, es decir, no podemos adivinar la procedencia ni el foco que la genera e ilumina todo el espacio por igual. En el siglo XVI surge la idea de la luz dirigida que ilumina selectivamente.

En la plástica renacentista, el cuerpo humano se convierte en una de las grandes preocupaciones, como también lo había sido en el mundo grecorromano. Se analiza desde todos los puntos de vista posibles y se emplea frecuentemente el escorzo (recurso que se utiliza para dar profundidad). Se introducen en la naturaleza y la arquitectura dentro del cuadro como fondo en el que se desarrollan las escenas que representan. En ocasiones, bastante idealizadas, pero, en cualquier caso, sin la minuciosidad de la pintura flamenca.

Evolución de la pintura del siglo XV

Las raíces de la pintura renacentista deben buscarse en el arte de Giotto, el gran maestro del siglo XIV. La pintura del Quattrocento se diferencia claramente de la gótica. El retablo desaparece y con él la subordinación del tema a un conjunto: cada cuadro es un mundo en sí, sin conexión con un ámbito exterior. Sin dejar de tener una presencia constante el tema religioso se trata, con frecuencia, como tema profano. El paisaje, la belleza idealizada de los desnudos, el volumen de las formas y el sentido espacial, son las dimensiones cardinales de la pintura renacentista.

En el siglo XV el dibujo es un elemento capital, que a veces traduce el talante del pintor, sereno ( Fra Angélico) o nervioso ( Botticelli); del imperio de la línea se desprenden contornos nítidos, la percepción no presenta ninguna dificultad. Esta prepotencia del dibujo deriva en una apariencia plana de las formas; la pintura es un arte de dos dimensiones y cada elemento como una silueta humana o un árbol, lo corrobora.

La luz se maneja con creciente perfección, pero en general sirve para resaltar los planos. En contraste con las formas planas, el pintor del siglo XV está obsesionado por la captación de la profundidad. El paisaje se cultiva con pasión. Carece del detallismo minucioso al que lo someten los primitivos de Flandes (pintura flamenca), pero sirve, con sus praderas primaverales para obtener efectos de profundidad y encuadrar las figuras. La composición del siglo XV es complicada; es frecuente introducir diversas escenas en un solo cuadro, o varias figuras principales.

Evolución de la pintura en el siglo XVI

En un siglo la evolución de la pintura es notable. En el siglo XVI el color se maneja de un modo más suelto y en consecuencia pierden importancia el dibujo y el entorno. Las formas, con el claroscuro de sombras y luces, adquieren un aspecto redondeado en detrimento de su apariencia plana. Para conseguir el volumen, el artista utiliza múltiples recursos, aparte de los sombreados, por ejemplo, el brazo delante del busto en los retratos, lo que empuja el cuerpo hacia atrás, como ocurre en la Gioconda.

La luz adquiere una importancia nueva y con ello las sombras, casi ausentes de los cuadros del siglo anterior. Se ha extinguido la obsesión de la perspectiva, y sin embargo las escenas adquieren una profundidad que ahora parece natural, no conseguida tras un esfuerzo. El paisaje se enriquece en vibraciones lumínicas y ya no siempre es la primavera y las praderas floridas el encuadre de las figuras; los fondos neblinosos, las rocas, lo crepúsculos, prestan matices románticos s las escenas. La composición es clara, con frecuencia triangular (las líneas de las figuras parecen encerrarse en un triángulo), las figuras se relacionan con las miradas y con las manos, cada cuadro representa una sola escena o se destaca la acción y la figura principal.

Maestros del Quattrocento

En Florencia, Fra Angélico representa el enlace con el gótico: su sentido curvilíneo y sus dorados recuerdan el estilo internacional y a la escuela de Siena, pero su concepción del volumen supone un nuevo elemento en la pintura. En sus anunciaciones despliega su temperamento tranquilo. Paisajes, líneas y colores muestran el mismo equilibrio. Buena parte de su vida artística la consagró al decorar con frescos las celdas del convento de San Marcos, en el que vivió. El papa Nicolás V, gran amante de las artes, le encargó unas pinturas murales para decorar una de las estancias del Vaticano.

En La Anunciación que se encuentra en el Museo del Prado, perviven muchos elementos goticistas como la proliferación de dorados y la forma de concebir la arquitectura. Al fondo de la escena se puede ver, en un jardín, a Adán y Eva que aluden que, con el nacimiento de Cristo, el hombre va a ser redimido del pecado original. La obra de Fra Angélico está presidida por la sencillez y la simplicidad de sus figuras, así como la nitidez de su dibujo.

Masaccio y Paolo Ucello no están separados de Fra Angélico por edad cuanto por sensibilidad. La preocupación por el volumen de las figuras en Masaccio y por la profundidad de los paisajes en Ucello, descubren uno de los objetivos de la pintura renacentista.

Massaccio nos demostró con su obra que, para él, el cuerpo humano en la pintura ha dejado de ser una silueta plana que se recorta sobre un fondo para convertirse en masa, en volumen, en cuerpo sólido y contundente. En la iglesia del Carmine de Florencia decoró, en torno a 1424 y 1427, la Capilla Brancacci con escenas de la expulsión de Adán y Eva del Paraíso, en cuyos rostros refleja angustia, el dolor y la vergüenza tras haber cometido el primer pecado. En la iglesia de Santa María Novella pinta La Trinidad, en la que Cristo crucificado es sujetado por Dios Padre entronizado bajo una bóveda de cañon, pintura que, al mismo tiempo que trata de sugerir la profundidad, nos regala una representación fidedigna de la arquitectura del momento. Su obra más conocida es El tributo de la moneda, en la capilla Brancacci.

Es de sobra reconocida la habilidad de Paolo Uccello en el dominio de la perspectiva, Pintó escenas de luchas, de batallas como las del despacho de Lorenzo de Medici. La escena bélica más difundida de este artista es La batalla de San Romano (1456-1460), obra que tendrá una gran trascendencia posteriormente. En su pintura también se aprecia algo de fantástico e irreal como demuestra San Jorge contra el dragón.

Filippo Lippi en La Virgen y el Niño muestra además un tono humano, que trasluce la otra dimensión del Renacimiento, la preocupación por el hombre y sus sentimientos. Es conocido por las imágenes dulces y angelicales de sus Madonnas en medio de verdes parajes, tal y como podemos ver en La Coronación de la Virgen.

En la última generación del siglo destaca la figura estelar de Sandro Boticelli. Su dibujo eléctrico, recorrido por trazos nerviosos, el movimiento que agita todas sus formas-desde la cola del caballo al galope hasta las capas de los jinetes y las cabelleras de sus Venus, así como la tristeza que se asoma a todos los rostros que pinta son a un tiempo expresión del talante del pintor y de la melancolía que invade la vida florentina de fin de siglo, cuando se tiene conciencia de la inferioridad política y militar de las viejas repúblicas frente a los nuevos Estados nacionales que se están configurando en varias naciones europeas (España, Francia, Inglaterra). Por otra parte, sus paisajes primaverales y la glorificación del cuerpo humano desnudo culminan los temas del Quattrocento, como puede comprobarse en El Nacimiento de Venus, Alegoría de la primavera, La Calumnia o las tablas de la historia de Mastagio degli Honesti.

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A lo largo del siglo XV en la Corte papal de Roma y en diversas ciudades italianas gobernadas por familias nobiliarias como los Médicis en Florencia sobre todo, pero también Venecia, Bolonia, Parma, Ferrara, Vicenza, surgieron manifestaciones artísticas que tenían sus modelos en la Grecia y Roma antiguas.

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Palazzo Medicci Ricciardi
Arq. Leo Battista Alberto

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La Adoración al Cordero Místico
Jan Van Eyck. Pintura

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1º Impresión de la Biblia (según el invento de J. Guttemberg)

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Descripción

Johannes Gutenberg nació en Maguncia, Alemania, alrededor del año 1400, hijo de una familia aristocrática con lazos en la industria de la metalurgia local. Vivió en Strasbourg (en la actualidad Francia) durante un tiempo, donde realizó algunos experimentos con un tipo de metal móvil realizado a partir de un molde. A mediados de la década de 1450, había perfeccionado un sistema de impresión de tipo móvil que utilizó para crear lo que se convirtió en el libro más famoso del mundo, la traducción al latín de la Biblia (Vulgata), conocida como la Biblia de Gutenberg. Los estudiosos han investigado todos los aspectos del trabajo de Gutenberg: el tipo de letra elaborado con sus 290 caracteres diferentes derivados de una letra misal gótica, el modo en que dividía el texto en el proceso de composición, y el papel que utilizó en la impresión. Aún así algunas cuestiones fundamentales de la Biblia de Gutenberg son desconocidas o continúan siendo tema de análisis. La fecha en que se completó se basa únicamente en la anotación "1455" en la encuadernación de la copia de papel de París. Se cree que se imprimieron 180 copias de la Biblia, pero esta información se basa en una única carta de Enea Silvio Piccolomini (el futuro Papa Pío II), quien vió muestras del trabajo de Gutenberg en Frankfurt en 1455. Gutenberg originalmente tuvo la intención de imprimir los títulos de los libros de la Biblia en rojo, pero luego desistió de este enfoque, y utilizó en cambio una tabla impresa separada como patrón para ingresar estas líneas a mano. De las 49 copias más o menos completas restantes de la Biblia de Gutenberg (12 en vitela, 37 en papel) esta copia de la Biblioteca Estatal de Baviera es una de solo dos (junto a una copia en la Biblioteca Nacional de Austria) en la que se encuentra esta tabla como vestigio del proceso de producción.

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Johannes Gutenberg nació en Maguncia, Alemania, alrededor del año 1400, hijo de una familia aristocrática con lazos en la industria de la metalurgia local. Vivió en Strasbourg (en la actualidad Francia) durante un tiempo, donde realizó algunos experimentos con un tipo de metal móvil realizado a partir de un molde.

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Juan de Mena . Literatura

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(Córdoba, 1411 - Torrelaguna, España, 1456) Escritor español. Perteneciente a una familia noble, estudió en la Universidad de Salamanca y posteriormente en Italia, donde adquirió un buen dominio del latín y descubrió a los autores del primer Renacimiento, a la vez que desempeñó el cargo de cronista y secretario de cartas latinas al servicio de Juan II, rey de Castilla.

Mena ofreciendo su Laberinto de Fortuna al rey Juan II

Por la calidad de su obra principal, el Laberinto de Fortuna (también llamado Las trescientas, en referencia al número aproximado de sus estrofas), a Juan de Mena se le sitúa entre los mejores poetas castellanos del siglo XV, compartiendo esta privilegiada posición con el marqués de Santillana y el gran Jorge Manrique. Considerada una de las muestras más logradas de la tendencia alegórico-dantesca surgida en la literatura española del siglo XV, el Laberinto de Fortuna destaca por el empleo del arte mayor, su ritmo sonoro y el lenguaje elocuente y elaborado. Juan de Mena escribió también en verso Lo claro-oscuro, extraña combinación de estrofas dodecasílabas y octosílabas, y otras composiciones de carácter alegórico y moral, como el Razonamiento con la muerte o las Coplas contra los siete pecados capitales.

Como prosista experimentó con una adaptación de la Ilíada (que tituló Homero romanceado), comentó la Coronación en honor de su amigo el marqués de Santillana y prologó el Libro de las claras y virtuosas mujeres de Álvaro de Luna, su protector. Su prosa es latinizante, tanto en el léxico como en la sintaxis, y acusa una tendencia cultista que se manifiesta también en su obra poética; su obra fue objeto de comentario durante el Renacimiento por parte de los humanistas Hernán Núñez y el Brocense. Enterrado en Torrelaguna, sus restos fueron trasladados a Madrid en el siglo XIX.

Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). . En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de el .

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(Córdoba, 1411 - Torrelaguna, España, 1456) Escritor español. Perteneciente a una familia noble, estudió en la Universidad de Salamanca y posteriormente en Italia, donde adquirió un buen dominio del latín y descubrió a los autores del primer Renacimiento, a la vez que desempeñó el cargo de cronista y secretario de cartas latinas al servicio de Juan II, rey de Castilla.

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Donato Bramante
Arquitectura

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Donato Bramante, biografía y obra

Introducción a la biografía y Obra del arquitecto Donato Bramante (1444 -1514)

La obra del arquitecto italiano Donato Bramante, conocido principalmente por ser el primer diseñador del plan de la basílica de San Pedro del Vaticano, se sitúa a caballo entre el Quattrocento y el Cinquecento. Sin embargo, la plenitud de la misma se producirá una vez que abandone por completo la tendencia decorativa quattrocentista y se detenga en la plasticidad de la masa, la ordenación del espacio y el contraste de volúmenes.

Bramante va a desarrollar en arquitectura la aplicación de leyes teóricas mediante las cuales la ilusión de perspectiva se convertirá en una "realidad" en sus edificios, consiguiendo conjuntos que anteceden al Barroco posterior.
. Biografía de Bramante

Donato Bramante nace en 1444 en la actual localidad de Fermignano, enclave cercano a Urbino, ciudad donde se habría formado en el taller del arquitecto Luciano Laurana. Sin embargo, inicialmente, su aprendizaje podría haber tenido lugar dentro del ámbito del dibujo y la pintura (tal y como aseguran tratadistas de la talla de Vasari y Serlio), adjudicándosele incluso la autoría de los frescos de la fachada del Palacio del Podestà en Bérgamo (así como algunas otras obras correspondientes con su etapa milanesa).

A finales del siglo XV se le puede encontrar en Milán (al servicio de Ludovico Sforza, el cual actuará como mecenas de Bramante durante el tiempo que permanezca en la Lombardía), donde llevará a cabo proyectos arquitectónicos como la iglesia de Santa María presso San Sátiro y Santa María della Grazie, en las cuales queda patente su interés, ya desde comienzos de su trayectoria, por el espacio y la perspectiva, además de que constituyen buena muestra de la elegancia y la energía que sus edificaciones destilarán.

Antes del año de 1500, Bramante se traslada a Roma, descubriendo fascinado las maravillas de la Antigüedad que la ciudad guardaba, al estudio de las cuales se entregará con un enérgico entusiasmo. Bramante dará un paso más a la hora de "imitar" a los clásicos, superando la forma (en la que tanto habrían recabado los quattrocentistas) para detenerse en el fondo (composiciones estructurales y procedimientos constructivos serán el objeto de su atención, principalmente), llegando a superar con creces, perfeccionándolo, el estilo antiguo.

A pesar de que, como ya se ha apuntado con anterioridad, la obra más importante que se le encargará llevar a cabo en Roma va a ser el proyecto de la basílica de San Pedro, existen dos edificaciones previas romanas por él creadas que supondrán un ejemplo de evolución en esa línea comenzada en Milán y punto de partida del denominado estilo romano del Renacimiento (particularmente en el segundo caso): el claustro para la iglesia de Santa María de la Paz (1500) y el maravilloso templete de San Pietro in Montorio (1502).

Tal llega a ser su fama en Roma, que el papa Julio II le va a encargar la construcción de una monumental referencia para toda la cristiandad en el lugar en el cual se creía se hallaba el sepulcro del apóstol San Pedro, donde existía ya una antigua basílica paleocristiana de tiempos de Constantino.

Sin embargo, y debido a la temprana muerte de Bramante (acaecida en el año de 1514), tan sólo es posible hacerse una idea de cómo habría resultado dicho proyecto en origen, sin todas las partes suprimidas o añadidas por aquéllos que acometieron dicha empresa posteriormente, gracias a la existencia de una obra de Sangallo conservada en el Gabinete de Dibujos de los Uffizi y a algunas iglesias contemporáneas que, al parecer, habrían recogido en su concepción las ideas de Bramante.

Principales obras de Bramante

Se pueden diferenciar dos etapas principales en la producción de Bramante correspondientes a su estancia milanesa y romana, dentro de la primera de las cuales destacan los proyectos de la iglesia de Santa María presso San Sátiro y la iglesia de Santa María Della Grazie.

La iglesia de Santa María (cuyas obras ya estaban comenzadas cuando se hizo cargo del proyecto Bramante) presentaba un problema de difícil solución y es que el espacio para la construcción de uno de sus brazos era insuficiente; Bramante solventará dicho problema mediante la creación de un trompe l'oeil que procurará la ilusión óptica de perspectiva. De la segunda de sus creaciones milanesas recibirá encargo hacia fines del s.XV, hallándose ante la tesitura de conciliar de la manera más adecuada lo ya existente con lo que en esos momentos construya (finalmente se decantará por el empleo del mismo ritmo geométrico pero en clave gigante, consiguiendo un espacio unitario y regular).

Sin embargo, es el pequeño templo de San Pietro in Montorio en Roma, levantado por deseo de los Reyes Católicos hacia 1502 para conmemorar el lugar donde San Pedro habría sufrido martirio, su más famosa obra (de época romana existe una construcción anterior, el claustro de la iglesia de Santa María de la Paz, en la cual continúa con la depuración estilística iniciada en Milán, y las posteriores vaticanas inacabadas). Este templete es el considerado punto de partida del estilo romano renacentista y perfecto ejemplo de la asimilación y superación de la herencia clásica de la Antigüedad. Supone, además, una muestra perfecta de la arquitectura bramantesca por su sentido de la elegancia y monumentalidad (aunque es un templo de pequeñas dimensiones), su estructura clásica y ordenada, el empleo de una planta centralizada y el austero exterior desprovisto de artificio alguno.

La obra de Bramante se convertirá en un referente de la arquitectura humanística a la consecución de la cual se habría aspirado durante todo el Renacimiento, fruto tanto de su ingenio innato como del estudio de tratados, obras y procedimientos al cual se dedicó con verdadero ahínco a lo largo de su vida.

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Donato Bramante, biografía y obra Introducción a la biografía y Obra del arquitecto Donato Bramante (1444 -1514) La obra del arquitecto italiano Donato Bramante, conocido principalmente por ser el primer diseñador del plan de la basílica de San Pedro del Vaticano, se sitúa a caballo entre el Quattrocento y el Cinquecento.

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Johannes Ockeghem. Musica

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(Johannes Ockeghem u Okeghem; Dendermonde, hacia 1410 - Tours, hacia 1497) Compositor franco-flamenco. Es considerado el principal representante de la polifonía franco-flamenca hacia 1460, entre Dufay y Josquin de Prés, del que fue maestro. Su obra, fundamentalmente religiosa, constituye una de las cumbres de la polifonía precusora del Renacimiento.

Pasó casi toda su vida en Francia al servicio de los reyes Carlos VII, Luis XI y Carlos VIII. Fue chantre en la iglesia de Nuestra Señora de Amberes (1443-1444) y miembro de la capilla de Carlos de Borbón en Moulins (1446-1448).

De ésta pasó a la capilla de los reyes de Francia, a la que perteneció hasta su muerte. En 1452 fue nombrado primer capellán y compositor; en 1465, maestro de capilla del canto del rey y, entre 1456 y 1459, el rey Carlos VII le nombró tesorero de la abadía de San Martín de Tours, aunque fue dispensado de residir en esta ciudad mientras se requirieran sus servicios en la corte.

Cantores en la Capilla Real francesa

Compuso trece misas, conservadas en su mayor parte en el Manuscrito Chigi de la Biblioteca Vaticana y en algunos manuscritos de la Capilla Sixtina. Dos de sus misas, su Requiem y su Credo parten de canciones litúrgicas, mientras que las misas Cuiusvis toni y Prolationum están construidas sobre conceptos de orden técnico y abstracto.

De sus diez motetes, algunos de atribución dudosa, hay que destacar la lamentación por la muerte de G. Binchois. Algunas de sus veintiuna canciones, que aparecen en las colecciones de finales del siglo XV y principios de XVI, son principalmente rondós a tres voces y virelais.

Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). . En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de el .

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(Johannes Ockeghem u Okeghem; Dendermonde, hacia 1410 - Tours, hacia 1497) Compositor franco-flamenco. Es considerado el principal representante de la polifonía franco-flamenca hacia 1460, entre Dufay y Josquin de Prés, del que fue maestro. Su obra, fundamentalmente religiosa, constituye una de las cumbres de la polifonía precusora del Renacimiento.

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La Ultima Cena
Leonardo Da Vinci . Pintura

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La Piedad
Miguel Ángel. Escultura

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David
Miguel Ángel. Escultura

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Revisado por Andrea Imaginario

Especialista en artes, literatura e historia cultural

La escultura David fue realizada por el artista florentino Miguel Ángel Buonarroti entre 1501 y 1504, cuando el joven no llegaba a sus treinta años. El tema ya había sido tratado por escultores como Verrocchio, Ghiberti y Donatello, pero Miguel Ángel fue el primero en fijar su atención, no en el triunfo de David, sino en el instante previo.

Miguel Ángel concentraba su atención en el hombre y sus cualidades humanas, esas mismas virtudes que le permitirían encarar la amenaza de un gigante. No en balde, el David de Miguel Ángel se convirtió en un símbolo del Renacimiento italiano.

Con 5,17 metros de altura y 5,5 toneladas de peso, la escultura fue un encargo de la Opera del Duomo para la catedral de Santa María del Fiore en Florencia. Pero tanto sus dimensiones como su calidad hicieron que se destinara a la Piazza della Signoria, donde estuvo hasta el siglo XIX. Actualmente el David está ubicado en la Galleria dell'Accademia en Florencia, Italia.

Análisis y características de la escultura David de Miguel Ángel

Miguel Ángel Buonarroti: David, 1501-1504, mármol, 517 cm de altura, 5.572 kg, Galleria dell'Accademia, Florencia.

David representa al David bíblico que enfrenta y vence al gigante Goliat solo con algunas piedras y su inteligencia. Luego se convertiría en el rey David. ¿Cómo lo representa Miguel Ángel? ¿Qué oculta el David de Miguel Ángel en sus manos?

En esta escultura, un musculoso David se representa erguido justo antes del combate. Apoya su mano izquierda sobre el hombro, y en ella porta el saco de su honda. Desde allí, una suerte de arnés ciñe su espalda hasta la mano derecha, junto al muslo. Esta mano oculta lo que podría ser un fustíbalo, es decir, una honda de fuste, de uso común entre los romanos. Veamos a continuación sus principales características.

1. Es una escultura de bulto redondo

David de Miguel Ángel es una escultura exenta o de bulto redondo, lo que quiere decir que ha sido concebida para apreciarse por todos sus lados.

2. La figura se alza en contrapposto

David yace en perfecto contrapposto. Se llama contrapposto a la posición de estar de pie con una pierna soportando el peso total del cuerpo mientras que la otra pierna está relajada. Esta postura clásica hace que la cadera y los hombros de la figura descansen en ángulos opuestos y hace que el torso haga una pequeña curva en forma de S.

La posición de contrapposto de David ayuda al equilibrio de la pieza. La tensión de la pierna derecha y el brazo izquierdo forman una contrabalanza con los músculos relajados del brazo y de la pierna izquierda.

3. Representa simultáneamente tensión y relajamiento

La dicotomía entre la tensión y el relajo del cuerpo surge como un apoyo al conflicto emocional entre el descanso y la acción intrínseca de alerta, o sea, el estar preparado para cualquier acción.

David se puede resumir como una acción en reposo. La tensión muscular y emocional son perfectas para que Miguel Ángel muestre su conocimiento perfecto del cuerpo masculino y su capacidad de equilibrar lo físico y lo emocional en una sola figura.

Detalle del rostro del David de Miguel Ángel.

4. Rostro expresivo

La cara de David tiene una mirada desafiante impregnada de fuerza donde se manifiesta la consciencia del poder, en el sentido más amplio de la palabra. Es capaz de intuir al enemigo mostrando plena autoconfianza, una virtud muy apreciada para el hombre renacentista.

En cada bloque de mármol veo una estatua tan clara como si se pusiera delante de mí, en forma y acabado de actitud y acción. Solo tengo que labrar fuera de las paredes rugosas que aprisionan la aparición preciosa para revelar a los otros ojos como los veo con los míos.
Miguel Ángel Buonarroti.

1) Vista posterior del David de Miguel Ángel. 2) Detalle de la mano izquierda. 3) Detalle de la mano derecha.

5. Proporciones inusuales

Miguel Ángel usó técnicas inusuales de proporciones. A primera vista parece una estatua de proporciones perfectas, pero en realidad la mano derecha y la cabeza junto al cuello son expresivamente mayores.

La mano derecha se sostiene por el brazo derecho relajado. Es una mano perfectamente esculpida, delicada y armoniosa. Pero si se mide con respecto al cuerpo, se nota su desproporción.

La desproporción de la gran cabeza junto al grueso cuello en tensión de David son más de la mitad del tamaño que el pecho/torso de la escultura, pero no parece obvio a primera vista.

Se dice que Miguel Ángel esculpió intencionalmente estas desproporciones por dos razones: la primera, por el efecto visual desde abajo. La segunda, para subrayar la manera de ganar una gran batalla: con concentración e inteligencia; representada por la cabeza, y con ponderación en la acción; representada por la mano.

Escala aproximada del David de Miguel Ángel.

6. Material monumental

David es una escultura hecha de un solo bloque de mármol blanco extraído de las montañas de Carrara, famosa por la gran calidad de su mármol.

El bloque de mármol blanco sufrió intervenciones de tres artistas diferentes a lo largo de varios años. Esto provocó en el bloque fracturas y perforaciones.

En 1501, 25 años después de la última intervención, las autoridades de la Opera del Duomo encargan a Miguel Ángel el trabajo monumental de un David para la catedral de Florencia.

Cuando volví, me encontré con que era famoso. El consejo de la ciudad me pidió que sacara un David colosal de un bloque de mármol, ¡dañado!, de casi seis metros.
Miguel Ángel, después de la creación de Piedad.

¿Qué significa el David de Miguel Ángel?

David había sido un tema explorado ya por grandes artistas como Verrocchio, Ghiberti y Donatello, pero la composición era siempre un David después de la batalla, triunfante. La genialidad de Miguel Ángel reside en la creación de su David sin la acción pero con la inminencia de tal, o sea, la inteligencia humana por sobre la fuerza física bruta.

El escultor escoge ese instante previo a la lucha, allí donde tiene lugar la mayor concentración mental, lo que implica que hay reposo pero también tensión. La juventud se equilibra con la inteligencia humana y la sabiduría divina.

Un ideal renacentista: de la religión a la filosofía

Miguel Ángel logra sintetizar el significado de la figura de David en el contexto de la cultura judeocristiana, al tiempo que logra sincronizarlo con los valores renacentistas que subrayan el equilibrio y la ponderación.

Suprimir la representación del gigante Goliat en la escena implicaba dirigir la atención totalmente a la naturaleza humana y sus virtudes, con las cuales un joven imberbe podría vencer sobre la fuerza bruta de un ser "deshumanizado".

El mensaje el claro: lo que importa es la virtud humana, aquellas que hacen de David un ser cualitativamente humano. No la fuerza. En cambio, sí, la inteligencia, la ponderación de las acciones y la elevación del espíritu. Por último, la preocupación por su pueblo y el compromiso con los suyos.

Ello explica, en parte, por qué el David de Miguel Ángel se convirtió en un símbolo del Renacimiento. En efecto, el triunfo de la inteligencia y la virtud sobre la fuerza encarna los valores propios del humanismo antropocéntrico de aquel contexto histórico.

Una lectura política del David

A estas cuestiones, los florentinos le dieron también una interpretación política. La obra había sido hecha pocos años después de un gran momento histórico de Florencia.

En efecto, en el año 1494, Florencia se levantó en contra de los Medici, cuyo máximo representante, Pedro II de Medici, heredero de Lorenzo el Magnífico, había capitulado frente al ejército francés de Carlos VIII. Los términos de aquella capitulación había indignado a los florentinos.

Acto seguido, expulsaron a los Medici y crearon la Segunda República de Florencia. Así, la impresionante obra de Miguel Ángel, que resumía la grandeza humanista de aquella polis, heredera de Dante, Giotto y Brunelleschi, se convertía también en un símbolo de la lucha de la República florentina contra los dirigentes y los Estados adyacentes de la época: los Medici y los Estados pontificios.

Reacción frente a la revelación de la escultura David

Cuando la escultura David fue revelada en 1504 frente a los miembros de la sacristía que tenían hecho el encargo, provocó tal asombro que la consideraron demasiado perfecta para continuar con la idea original de ponerla en la Catedral.

Para decidir dónde iban a colocar la nueva obra prima del Renacimiento, crearon un comité de 30 miembros, incluyendo artistas del calibre de Leonardo da Vinci y Sandro Botticelli, para decidir su nuevo palco.

La estatua fue entonces colocada en el corazón político de Florencia, en la Piazza della Signoria, frente a la entrada del Palazzo Vecchio, donde estuvo hasta 1873.

Actualmente se encuentra en la Galería de la Academia (Galleria dell´Accademia) en Florencia, el museo más importante de la ciudad después de la Galería Uffizi.

El Papa Giulio II (Julio II en español) encarga la Capilla Sixtina a Miguel Ángelo luego del éxito estruendoso de David.

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Análisis de la escultura David de Miguel Ángel

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Josquin Desprez - Ave Maria Virgo serena (a 4 voci)

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Don Quijote
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1440 Invención de la imprenta

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1440 Fallecimiento de Juana de Arco

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1469 Unión de Reinos de Castilla y Corona de Aragon

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1469 Unión de Reinos de Castilla y Corona de Aragon

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1404 Inocencio VII fue el Papa numero 204 de la Iglesia Católica, sucede a Bonifacio IX como Papa.

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1404 Inocencio VII fue el Papa numero 204 de la Iglesia Católica, sucede a Bonifacio IX como Papa.

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Inocencio VII ( Sulmona, ( c. 1336) - Roma, 6 de noviembre de 1406) fue el Papa nº 204 de la Iglesia católica de 1404 a 1406. Fue el tercer papa del periodo dominado por el Cisma de Occidente.

Origen y formación

De nombre Cosimo de Migliorati, nacido en el seno de una familia humilde, estudió Derecho Canónico y Civil en Perugia, Padua y Bolonia. Posteriormente ejerció como profesor de derecho en la Universidad de Perugia hasta que fue trasladado a Roma por Urbano VI. Luego es enviado a Inglaterra como recaudador de impuestos, labor que realizó durante diez años.​

Carrera eclesiástica

Cosimo de Migliorati fue consagrado obispo el 5 de diciembre de 1387, luego de ser nombrado arzobispo de Rávena el 4 de noviembre anterior por el papa Urbano VI. Migliorati no pudo ocupar su sede en Rávena a causa de la oposición del Señor de la ciudad, Guido de Polenta, que había dado su obediencia al antipapa Clemente VII. En junio de 1389 fue trasferido a la sede de Bolonia.​

Migliorati fue creado cardenal por Bonifacio IX el 18 de diciembre de 1389, con el título de cardenal presbítero de la Santa Cruz de Jerusalén y actuó como legado suyo en Lombardía y la Toscana, en importantes misiones como la de pacificar a Gian Galeazzo Visconti y las ciudades de Florencia y Bolonia.​

A la muerte de Bonifacio IX, los cardenales presentes en el cónclave del 17 de octubre de 1404, a la cabeza de Migliorati como camarlengo, juraron renunciar a la tiara en caso de ser elegidos si con ello era posible acabar con el cisma que desde 1378 dividía a la Iglesia Católica.

Migliorati fue elegido por unanimidad, la situación en la ciudad le impidió celebrar el concilio en el que debería haber cumplido su promesa de renunciar a la tiara. En efecto, el partido gibelino inicia una revuelta cuando conoce el resultado de la elección, obligando al pontífice a reclamar ayuda al rey de Nápoles, Ladislao quien sofoca la rebelión obteniendo de Inocencio el compromiso de que en las negociaciones para acabar con el cisma, quedarían reconocidos sus derechos al reino napolitano que le disputaba Luis de Anjou.​

Acciones pontificias

Inocencio VII fue un papa nepotista, nombró cardenal a su sobrino Ludovico Migliorati, quien hasta ese momento había actuado como mercenario a las órdenes de Gian Galeazzo Visconti. Ludovico, en 1405, secuestró y asesinó a once aristócratas romanos opositores de su tío, por lo que Inocencio tuvo que huir a Viterbo dejando Roma en manos de turbas de romanos furiosos que asesinaron a más de treinta güelfos, miembros del partido papal, entre ellos el abad de Perugia. Nuevamente hubo de intervenir Ladislao con el envío de tropas que acabaron con los alborotos, permitiendo que el Papa regresase a Roma en enero de 1406.​

Inocencio recompensó a su sobrino Ludovico nombrándolo marqués y conde de Fermo. Enfurecido por la acción del pontífice, el rey Ladislao exigió extender su autoridad sobre la propia Roma y los Estados Pontificios, para lo cual presionó a Inocencio con las tropas que mantenía en el Castillo Sant'Angelo que, aunque estaban destinadas a proteger el Vaticano, eran utilizadas por el napolitano para efectuar incursiones armadas en Roma y en los territorios circundantes. Solo cuando el pontífice excomulgó a Ladislao, éste retiró sus tropas del castillo.​

Inocencio mantuvo disputas con el antipapa Benedicto XIII debido a que este último mandó una carta acusando al papa de no querer terminar el Cisma.​

Fallecimiento

Inocencio murió en Roma, el 6 de noviembre de 1406, de manera imprevista. Se rumoreó que fue envenenado, pero no existen pruebas suficientes para asegurarlo.​

En el libro de las Profecías de San Malaquías se puede identificar a este papa con el lema De meliore sidere ( De la estrella mejor), cita que puede hacer referencia al apellido familiar, Migliorati, que significa "mejorado" y a que en su escudo de armas aparece una estrella.

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Inocencio VII ( Sulmona, ( c. 1336) - Roma, 6 de noviembre de 1406) fue el Papa nº 204 de la Iglesia católica de 1404 a 1406. Fue el tercer papa del periodo dominado por el Cisma de Occidente.

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1414-1418  Concilio de Constanza, convocado para poner termino al cisma de Occidente

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 1425 Se funda la Universidad Católica de Lovaina (Belgica) por el Papa Martin V

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 1431 Juana de Arco con 19 años es quemada en la hoguera.

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16 de junio de 1431 los caballeros teutonicos y svitrigaila firman el tratado de christmemel, creando una alianza anti polaca

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16 de junio de 1431 los caballeros teutonicos y svitrigaila firman el tratado de christmemel, creando una alianza anti polaca

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El siglo XV d. C. ( siglo decimoquinto después de Cristo) o siglo XV e. c. ( siglo decimoquinto de la era común) comenzó el 1 de enero de 1401 y terminó el 31 de diciembre de 1500. Es llamado el "Siglo de las Innovaciones" y abre la era de los descubrimientos. Lo perteneciente o relativo a este siglo en el mundo renacentista italiano suele denominarse como cuatrocentista.

La población mundial a finales de este siglo se estima en 460 millones de habitantes, repartida esencialmente entre tres grandes zonas; China- Japón- Corea, la India y Europa Occidental. Esta última todavía estaba marcada por la Peste Negra de 1347-1352 que diezmó entre el 25% y el 50% de la población europea.​

Para la historia occidental europea, el siglo XV es el último siglo de la Edad Media , el puente entre la Baja Edad Media, el Renacimiento temprano y la Edad Moderna, tomándose convencionalmente como momento de división entre ellas el año 1492 ( encuentro de dos mundos) o el 1453 (toma de Constantinopla por los turcos). Muchos desarrollos tecnológicos, sociales y culturales del siglo XV pueden considerarse retrospectivamente como el " milagro europeo" de los siglos siguientes. En cuanto a la religión, el papado romano en Europa se dividió en dos partes durante décadas (el llamado cisma de Occidente). La división de la Iglesia católica y los disturbios asociados con el movimiento husita serían factores del surgimiento de la Reforma protestante en el siglo siguiente.

Eventos principales

Constantinopla, en lo que hoy es Turquía, entonces la capital del Imperio bizantino cristiano, cayó ante los emergentes turcos otomanos musulmanes, que marcan el final del Imperio bizantino tremendamente influyente y, para algunos historiadores, el final de la Edad Media.​ El evento obligó a los europeos occidentales a encontrar una nueva ruta comercial hacia el Este, lo que agregó un mayor impulso a lo que fue el comienzo de la era de los descubrimientos, que llevaría a la cartografía mundial del mundo. Las exploraciones realizadas por los portugueses y por los españoles llevaron a los avistamientos europeos de las Américas ( Nuevo Mundo) y al paso por el mar a lo largo del cabo de Buena Esperanza a la India, en la última década del siglo. Estas expediciones marcaron el comienzo de la era de los imperios coloniales portugueses y españoles.

La caída de Constantinopla llevó a la migración de los estudiosos griegos y sus textos a Italia, mientras que la invención de Johannes Gutenberg del tipo móvil mecánico comenzó la imprenta. Estos dos eventos jugaron un papel clave en el desarrollo del Renacimiento.​​

La Reconquista española acabó con la caída final del Emirato de Granada a finales de siglo, finalizando más de siete siglos de dominio musulmán y devolviendo la península ibérica a los gobernantes cristianos.

La Guerra de los Cien Años terminó con una decisiva victoria francesa sobre los ingleses en la batalla de Castillon. Los problemas financieros en Inglaterra después del conflicto dieron lugar a la Guerra de las Rosas, una serie de guerras dinásticas por el trono de Inglaterra. Los conflictos terminaron con la derrota de Ricardo III frente a Enrique VII en la batalla de Bosworth Field, estableciendo la dinastía Tudor en la última parte del siglo.

En Asia, bajo el gobierno del emperador Yongle, quien construyó la Ciudad Prohibida y ordenó a Zheng He que explorara el mundo de ultramar, el territorio de la Dinastía Ming alcanzó su apogeo. Tamerlan estableció un importante imperio en Medio Oriente y Asia Central, para revivir el Imperio mongol.

En África, la expansión del Islam - islamización de la región de Sudán- llevó a la destrucción de los reinos cristianos de Nubia, para finales de siglo, dejando solo a Alodia (que se derrumbaría en 1504).

El anteriormente vasto Imperio de Mali se tambaleó al borde del colapso bajo la presión del creciente Imperio Songhai. En la América precolombina, tanto el Imperio Inca como el Imperio Azteca alcanzaron la cima de su influencia.

Cronología de eventos

Años 1400

Años 1410

Años 1420

Años 1430

Años 1440

Años 1450

Años 1470

Años 1480

Años 1490

Personajes relevantes

Afonso de Albuquerque (1453-1515), noble y oficial naval portugués cuyas actividades militares y administrativas conquistaron y establecieron el imperio colonial portugués en el Océano Índico. Generalmente considerado como un genio militar de la conquista mundial por su estrategia.

Ah Xiu Xupan, último gobernante Uxmal

Casimiro IV Jagellón (1427-1492), rey de Polonia y gran duque de Lituania.

César Borgia (1475-1507), militar italiano, general de los ejércitos pontificios, hijo del papa Alejandro VI.

Carlos VII de Francia (1403-1461), rey francés, llamado el Victorioso, el Bien Servido, o el pequeño rey de Bourges. Reorganizó la administración (creación de los parlamentos provinciales) y los ejércitos franceses creando el primer ejército permanente verdadero de la corona e hizo de la artillería una fuerza por derecho propio. Pone fin a la Guerra de los Cien Años. Desde su reinado, los reyes de Francia se afirman cada vez más sobre los señores, lo que conduce a la progresiva decadencia del sistema feudal en Francia.

Bárbara de Celje (1392-1451), noble húngara de origen esloveno que fue reina consorte de Hungría y de Bohemia y posteriormente emperatriz consorte del Sacro Imperio Romano.

Matías Corvino (1443-1490), rey húngaro.

Cosme el Viejo (1389-1464), primer señor de Florencia, político y banquero italiano, fundador de la dinastía de los Médici, dirigentes efectivos de Florencia durante una buena parte del Renacimiento italiano.

Enrique el Navegante, Henrique, duque de Viseu (1394-1460), aristócrata de la Casa de Aviz y explorador, figura importante en los primeros tiempos del Imperio portugués, siendo responsable del inicio de las exploraciones mundiales europeas.* Enrique V de Inglaterra (1387-1422), rey de Inglaterra.

Esteban III el Grande (1433-1504), rey moldavo, canonizado por la Iglesia católica, héroe nacional de los rumanos por su larga resistencia frente a los otomanos.

Oba Ewuare, transformó la ciudad-estado de Benín en el reino de Benín.

Príncipes de la Torre, Eduardo V de Inglaterra (1470-1483?) y su hermano, Ricardo de Shrewsbury, primer duque de York (1473-1483), dos hijos de Eduardo IV de Inglaterra y Elizabeth Woodville.

Juana de Arco (1412-1431), comandante militar y heroína nacional francesa, conocida como "La Doncella de Orleans", canonizada por la Iglesia.

Juan II de Portugal, 13.º rey de Portugal.

Juan sin Miedo (1371-1419) o Juan I de Borgoña, príncipe de la casa capetiana de Valois, duque de Borgoña, conde de Flandes, de Artois y de Charolais, conde Palatino de Borgoña, señor de Mâcon, Chalon y otros lugares.

Luis XI de Francia (1423-1483), rey francés.

Lorenzo de Médici, el Magnífico, (1449-1492), aristócrata y gobernante florentino.

Federico da Montefeltro (1422-1482), duque de Urbino.

Sejong el Grande de Joseon (1397-1450), un monarca coreano que desarrolló el hangul, el alfabeto coreano nativo

Vitautas o Vitoldo el Grande (1352-1430), uno de los gobernantes más famosos del Gran Ducado de Lituania, desde 1401, con el título de Didysis Kunigaikštis, el equivalente a rey.

Vlad III (1431-1476), príncipe de Valaquia, conocido como "Vlad el Empalador" y "Drácula", que lideró la defensa de su territorio contra la expansión del Imperio otomano.

Hieronymus Bosch (1450-1516), pintor neerlandés, muchas de sus obras representan el pecado y fallas morales humanas.

Sandro Botticelli (1445-1510), pintor italiano del Renacimiento temprano, autor del famoso cuadro de la (c.1482).

Dirk Bouts (ca. 1410-1475), pintor neerlandés.

Donato d'Angelo Bramante (1444-1514), arquitecto italiano.

Filippo Brunelleschi (1377-1446), arquitecto y escultor, inventor de la perspectiva cónica, liderando la innovación en la arquitectura italiana.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564), escultor, pintor y poeta italiano, autor de la Pietà vaticana entre 1497-1499

Robert Campin (ca. 1375-1444), el Maestro de Flémalle, primer gran maestro de los primitivos flamencos.

Gerard David (ca. 1460-1523), pintor neerlandés temprano e iluminador de manuscritos conocido por su brillante uso del color.

Donatello (1386-1466), escultor italiano del Renacimiento, entre sus obras maestras, la escultura de bronce de (c.1440)

Albrecht Dürer (1471-1528)​ fue un pintor, grabador y teórico alemán.

Barthélemy d'Eyck;​ (ca. 1420-after 1470)​ pintor primitivo flamenco e iluminador de manuscritos que trabajó en Francia y probablemente en Borgoña. Estuvo activo entre 1440 y 1469.​

Dionisio el Sabio (ca. 1440-1502), pintor ruso.

Jean Fouquet (1420-1481), pintor francés de pintura de paneles e iluminación de manuscritos, inventor del retrato en miniatura.

Piero della Francesca (1415-1492), pintor, geómetra y matemático italiano, maestro de la perspectiva.

Giovanni di Martino da Fiesole, escultor italiano.

Lorenzo Ghiberti (1378-1455), artista italiano del primer Renacimiento conocido por sus obras en escultura y metalurgia.

Ghirlandaio (1449-1494), pintor italiano del Renacimiento florentino.

Jean Hey (ca. 1475-ca. 1505),​ ahora en general identificado con el artista anteriormente conocido como el Maestro de Moulins, pintor neerlandés temprano.

Hans Holbein el Viejo (ca. 1460-1524), pintor alemán, artista del grabado en madera, ilustrador de libros y diseñador de ventanas de iglesias.​ Él y su hermano Sigismund Holbein pintaron obras religiosas de estilo gótico tardío.

Masaccio (ca. 1401-1428), pintor italiano, pionero del arte renacentista, famoso por el fresco Trinità (1426-1428), introdujo en la pintura la verdad óptica, la perspectiva y el volumen.

Antonello da Messina (c.1429-1479), pintor italiano, autor del famoso cuadro Annunciata di Palermo (c.1476)

Michelozzo (1396-1472), arquitecto y escultor italiano.

Antonio del Pollaiolo (c.1433-1498), pintor italiano, florentino, también fue escultor y orfebre.

Pinturicchio (c.1452-1513), pintor italiano, exponente de la escuela de Umbría.

Leonardo da Vinci (1452-1519), pintor, arquitecto, inventor, escultor, matemático, ingeniero, escritor, polimata italiano.

Literatura

José Albo (ca. 1380-1444), filósofo y rabino judío que vivió en España.

Juan Argirópulo (1415-1487), profesor griego, filósofo y humanista.

Antonio Beccadelli (1394-1471), poeta italiano, abogado canónico, académico, diplomático y cronista.

Vespasiano da Bisticci (1421-1498), humanista y bibliotecario italiano.

Matteo Maria Boiardo (1440/1-1494), poeta italiano.

Poggio Bracciolini (1380-1459), escritor y humanista italiano.

Leonardo Bruni (c. 1370-1444), humanista, historiador y hombre de estado italiano.

Laónico Calcocondilas (1423-1490), erudito griego.

Constantine Lascaris (1434-1501), erudito, cronista y gramático griego.

Antonio de Lebrija (1441-1522), erudito, historiador, enseñante, astrónomo y poeta español.

John Lydgate (c.1370-c.1451), monje y poeta inglés.

Sir Thomas Malory (1405-1471), escritor inglés.

Jorge Manrique (1440-1479), escritor español.

Afanasi Nikitin (ca. 1433-1472), comerciante, viajero y escritor ruso, el primer mercader ruso conocido que viajó a Persia, India y Turquía.

Thomas Occleve (ca. 1368-1426), poeta inglés.

Reginald Pecock (ca. 1395-1460), prelado y escritor inglés.

Christine de Pizan (1364-1430), escritor francés .

Poliziano (1454-1494), erudito clásico y poeta italiano.

Giovanni Pontano (1426-1503), humanista y poeta italiano.

Luigi Pulci (1432-1484), poeta italiano.

Bartolomeo Sacchi (1421-1481), escritor, humanista y gastrónomo italiano.

Lorenzo Valla (c.1407-1457), humanista, retórico y educador italiano.

Gil Vicente (ca. 1465-ca. 1536), poeta portugués.

François Villon (1431/1432-1463), poeta francés.

Diogo de Azambuja (1432-1518), explorador portugués de la costa africana.

Pedro Álvares Cabral (ca. 1467-ca. 1520), navegante y explorador portugués.

Niccolò Da Conti (1395-1469), mercader y explorador veneciano, nacido en Chioggia, que viajó a la India y al sudeste asiático.

João da Nova (ca. 1460-1509), explorador portugués del Atlántico y del Índico.

Johann Schiltberger (1381-ca. 1440), viajero alemán en todo el Medio Oriente y Asia Central.

Zheng He (1371-1435), explorador y almirante eunuco chino.

Américo Vespucio (ca. 1454-1512), comerciante, explorador y cosmógrafo florentino al servicio de España, navegó en 1499 y 1502 y exploróa la costa este de América del Sur.

Inventos, descubrimientos, introducciones

Véase también

1. Eric R. Weiss-Altaner (1992). Príncipes de démographie politique : population, urbanisation et développement. ERE S.A. p. 93.

2. Crowley, Roger (2006). Foster, Charles (22 de septiembre de 2006). Constantinople: The Last Great Siege, 1453. Faber. . (reviewed by "The Conquestof Constantinople and the end of empire". Contemporary Review. Archivado desde el original el 22 de agosto de 2009. "It is the end of the Middle Ages".

3. Encyclopædia Britannica, Renaissance, 2008, O.Ed.

4. Winstedt, R. O. (1948). "The Malay Founder of Medieval Malacca". Bulletin of the School of Oriental and African Studies, University of London (Cambridge University Press on behalf of School of Oriental and African Studies) 12 (3/4): 726-729. . doi:10.1017/S0041977X00083312.

5. Modern interpretation of the place names recorded by Chinese chronicles can be found e.g. in Some Southeast Asian Polities Mentioned in the MSL Archivado el 12 de julio de 2012 en la Wayback Machine. by Geoffrey Wade

6. Noorduyn, J. (2006). Three Old Sundanese poems. KITLV Press. p. 437.

7. Mueller, Peter O. (1993) Substantiv-Derivation in Den Schriften Albrecht Durers, Walter de Gruyter. ISBN 3-11-012815-2.

8. Also sometimes in contemporary documents Barthélemy de Cler, der Clers, Deick d'Ecle, d'Eilz-Harthan, John, The Book of Hours, p. 93, 1977, Thomas Y Crowell Company, New York, ISBN 0-690-01654-9

9. Unterkircher, Franz (1980). King René's Book of Love (Le Cueur d'Amours Espris). New York: G. Braziller. .

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El siglo XV d. C. ( siglo decimoquinto después de Cristo ) o siglo XV e. c. ( siglo decimoquinto de la era común ) comenzó el 1 de enero de 1401 y terminó el 31 de diciembre de 1500. Es llamado el "Siglo de las Innovaciones" y abre la era de los descubrimientos.

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6) 1453 Caída de Constantinopla marca el final del Imperio Bizantino y la muerte del ultimo emperador Romano Constantino XI y el comienzo de la era clásica del Imperio Otomano. La Universidad de Constantinopla, famosa institución cultural del imperio Bizantino deja de existir.

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6) 1453 Caída de Constantinopla marca el final del Imperio Bizantino y la muerte del ultimo emperador Romano Constantino XI y el comienzo de la era clásica del Imperio Otomano. La Universidad de Constantinopla, famosa institución cultural del imperio Bizantino deja de existir.

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La Caída de Constantinopla -1453

Publicado: 21 noviembre, 2014 en Otras Épocas
Etiquetas:Edad Media

La Caída de Constantinopla: En el año 1453, el Imperio Bizantino, heredero del Imperio Romano de Oriente, estaba en sus momentos más críticos, sus territorios habían sido reducidos solamente a la propia ciudad y capital de Constantinopla.

Esta decadencia viene dada por el avance del mundo del Islam hacia Europa, el sultán Murat II había intentado tomarla pero fracasó, pero su joven sucesor, Mehmet II se propuso tomarla en la primavera de 1453. Si esta ciudad caía sería un gran golpe para la fe cristiana.

En abril, el sultán asedio la ciudad con un ejército de 75.000-100.000 hombres, un ejército que superaba ampliamente a los 8000 soldados que disponía el emperador de Constantinopla por aquel entonces: Constantino XI. Bien es cierto que hubo voluntarios de otros países luchando en la defensa como los italianos, pero no en comparación con el ejército musulmán.

Para evitar la entrada de más refuerzos se llevó una gran flota al Bósforo, donde también se dispusieron cañones.

En tierra se contrataron los servicios de un experto en artillería para que construyera un gran cañón para abatir las grandes murallas de esta ciudad.

Los ataques iniciales sobre la ciudad acabaron sin duda en desastre, los arqueros hacían estragos sobre los musulmanes que intentaban asaltar las murallas. El día 28 de mayo las tropas del sultán descansaron para la ofensiva final al día siguiente. El día 29 de mayo, tras casi dos meses de asedio, se lanzó un ataque simultaneo por todas las posiciones y por mar. El emperador con sus aliados genoveses y venecianos protegieron las murallas durante horas.

Las tropas de élite musulmanas, los jenízaros, no habían llegado aun a la primera muralla y algunos de ellos caían en los fosos, pero un jenízaro entró por la puerta del noroeste, que estaba semiabierta o había sido forzada desde dentro. Fue entonces cuando los musulmanes comenzaron a penetrar en la ciudad. Los aliados de los bizantinos se retiraron después de que su capitán fuera herido en combate. Constantino murió defendiendo las murallas como había prometido al sultán. Por la tarde, la ciudad fue tomada y el sultán Mehmet II se paseó por ella a lomos de un corcel blanco.

Los musulmanes provocaron una matanza entre la población civil, además de saquear la ciudad. El Imperio Bizantino había caído tras más de 1000 años de existencias, su caída será el principio de la Edad Moderna en Europa. Comienza además el Imperio Otomano que durara hasta 1922 tras la 1ª Guerra Mundial.

Las pérdidas: Bizantinos y aliados, 4000-5000 muertos; Musulmanes, sin datos fiables pero muchos más que sus enemigos.

Constantinopla a partir de ahora sera rebautizada a Estambul, Mehmet II sera apodado como "El Conquistador" con tan solo 26 años de edad. Finalmente el Papa Nicolas V convocó una cruzada para recuperarla pero fue en vano.

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La Caída de Constantinopla: En el año 1453, el Imperio Bizantino, heredero del Imperio Romano de Oriente, estaba en sus momentos más críticos, sus territorios habían sido reducidos solamente a la propia ciudad y capital de Constantinopla. Esta decadencia viene dada por el avance del mundo del Islam hacia Europa, el sultán Murat II había...

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El Imperio de Trebisonda fue un Estado cristiano medieval de cultura griega, surgido de la descomposición del Imperio bizantino y fundado en 1204, poco antes de la toma de Constantinopla por los cruzados. Estaba localizado en la costa sudoriental del mar Negro, con su capital en la ciudad de Trebisonda, y se mantuvo como Estado independiente hasta 1461, en que fue conquistado por los turcos otomanos.

Los monarcas de Trebisonda llevaron el título de Gran Comneno ( Megas Komnenos) y de emperadores hasta el fin de sus días, en 1461. El Estado se denomina también, en ocasiones, Imperio Comneno, ya que la dinastía reinante descendía de Alejo I Comneno, y su idioma oficial y predominante era el griego póntico.

Tras el derrocamiento y posterior asesinato del emperador bizantino Andrónico I, de la dinastía Comneno, dos de sus nietos, Alejo y David, fueron llevados a la corte de Georgia, con cuya reina, Thamar (1184-1212), les unían lazos de parentesco. Con el apoyo del ejército de Thamar, David y Alejo conquistaron Trebisonda en abril de 1204. Desde allí, David avanzó hacia el oeste a lo largo de la costa, ocupando Sinope, Paflagonia y Heraclea Póntica. Sus conquistas fueron detenidas por Teodoro Láscaris, emperador de Nicea.

Alejo se proclamó emperador, reclamando su derecho al trono de Constantinopla, e instaló su capital en Trebisonda. Inicialmente, el estado de Trebisonda controlaba la costa sur del mar Negro entre Soterioupolis y Sinope, incluyendo las modernas provincias turcas de Sinope, Ordu, Giresun, Trabzon, Bayburt, Gumushane, Rise y Artvin. Durante el siglo XIII, dominó también Perateia, incluidos Quersoneso y Kerch, en la península de Crimea. Los territorios situados al oeste de Sinope, y que habían sido conquistados por David Comneno, les fueron arrebatados posteriormente, en 1206, por el Imperio de Nicea. Los selyúcidas se apoderaron de Sinope en 1214, y el emperador de Trebisonda se convirtió en vasallo de los turcos selyúcidas del Sultanato de Rüm.

Durante todo el resto de su historia, el Imperio de Trebisonda permaneció aislado de los otros estados griegos por el sultanato de Rüm y circunscrito a la costa sudoriental del mar Negro. No reconoció al Imperio bizantino restaurado en 1261. Cuando Persia fue conquistada por los mongoles, se convirtió en lugar de paso obligado para un brazo meridional de la ruta de la seda, con lo que alcanzó una gran prosperidad económica. El momento de mayor prosperidad tuvo lugar bajo el reinado de Alejo II (1297-1330).

Sin embargo, con el declive del poder mongol, la prosperidad de Trebisonda fue disminuyendo debido a los ataques de los turcos otomanos y a los conflictos internos.

Beyazid I (1389-1402), jefe de los turcos otomanos, se hizo amo del litoral del mar Negro entre Heraclea y Samsun. Trebisonda se alió con Tamerlán y le suministró ayuda, incluidos algunos barcos, en 1402, cuando ganó la batalla de Ankara. En tiempos de Juan IV de Trebisonda, los otomanos ya estaban recuperados y comenzaron a atacar al Imperio. Un ataque turcomano separado, se produjo en los alrededores de la capital y el jefe de la flota, Alejandro, murió, pero Juan IV les rechazó con solo cincuenta soldados.

En 1442, los otomanos atacaron por mar sin éxito, pero Juan IV accedió a pagar tributo al sultán Murad II. Pero su sucesor Mehmed II asedió Constantinopla y la tomó el 29 de mayo de 1453. Juan IV se alió con los Ak Koyunlu y pidió ayuda a Francia. En 1461 Mehmed II inició la conquista de la región, primero el emirato de Sinope, y después a los otros incluyendo a los Ak Koyunlu.

El sucesor de Juan IV, David, ofreció un fuerte tributo, pero le fue rechazado y en octubre los otomanos asediaron la ciudad por tierra y mar. El asedio duró 21 días y al final David pidió la capitulación, que negoció el protovestiarios Jorge Amiruzes para discutir las condiciones de la rendición. Se acordó el respeto de la vida y de los bienes de los ciudadanos y se le permitía salir de la ciudad a quien quisiera. David fue autorizado a establecerse en Serres. Pero la realidad fue que la ciudad fue saqueada y muchos ciudadanos fueron vendidos como esclavos. David se estableció en la zona del río Estrimón, pero en 1463 estaba en Adrianópolis con Demetrio Paleólogo (antiguo déspota del Peloponeso) y Mehmed, sospechando una conspiración, le hizo ejecutar con siete de sus ocho hijos, y algunos nietos. Su mujer, Irene Paleóloga murió de pena.

Jakob Philipp Fallmerayer, Geschichte des Kaiserthums Trapezunt (Munich, 1827-1848)

Michael Panaretos: Chronicle

Johannes Bessarion: The praise of Trebizond

Miller, W., Trebizond: The Last Greek Empire, (1926; repr. Chicago: Argonaut Publishers, 1968)

Fyodor Uspensky, From the history of the Empire of Trabizond (Ocherki iz istorii Trapezuntskoy Imperii), Leningrad, 1929, 160 pp: a monograph in Russian.

Levan Urushadze, The Comnenus of Trabizond and the Bagrationi dynasty of Georgia. - J. "Tsiskari", Tbilisi, No 4, 1991, pp. 144-148: in Georgian.

Sergei Karpov. L' impero di Trebisonda, Venezia, Genova e Roma, 1204-1461. Rapporti politici, diplomatici e commerciali. Roma, 1986, 321 P.

Sergei Karpov. The Empire of Trebizond and the nations of Western Europe, 1204-1461. Moscow, 1981, 231 pp (in Russian).

Sergei Karpov. A history of the empire of Trebizond. Saint Petersburg, 2007, 656 pp (in Russian).

Rustam Shukurov. The Megas Komnenos and the Orient (1204-1461). Saint Petersburg, 2001, 446 pp (in Russian).

Bryer, Anthony (1980). The Empire of Trebizond and the Pontos. Londres: Variorum Reprints. .

Anthony Bryer & David Winfield, The Byzantine Monuments and Topography of the Pontos (DOS. XX), vol. 1-2, Washington, 1985.

Anthony Bryer, Peoples and Settlement in Anatolia and the Caucasus, 800-1900, Variorum collected studies series, London, 1988.

George Ostrogorsky, History of the Byzantine State, Rutgers University Press. New Jersey, 1969

Donald Queller, Thomas Madden, The Fourth Crusade: The Conquest of Constantinople, University of Pennsyklvania Press, Philadelphia, 2nd ed., 1997. ISBN 0-8122-3387-5

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El Imperio de Trebisonda fue un Estado cristiano medieval de cultura griega, surgido de la descomposición del Imperio bizantino y fundado en 1204, poco antes de la toma de Constantinopla por los cruzados. Estaba localizado en la costa sudoriental del mar Negro, con su capital en la ciudad de Trebisonda, y se mantuvo como Estado independiente hasta 1461, en que fue conquistado por los turcos otomanos.

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1466 Nacimiento de Erasmo de Roterdam.  

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1466 Nacimiento de Erasmo de Roterdam.  

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Erasmo de Róterdam (1466-1536) fue un humanista, teólogo y filósofo de origen holandés. Se inclinó al estudio y lectura de los clásicos escritos en latín, así como también a la búsqueda de una vida espiritual de adentro hacia afuera. Ha sido considerado como uno de los más grandes e influyentes pensadores de la época renacentista.

La importancia de este humanista radica además en su lucha por abrir camino y lograr avanzar en los principios de reformación de la iglesia. Consistiendo esto en el desarrollo de los escritos para hacer un "Nuevo Testamento" que hoy muchos conocen en la biblia Reina Valera.

Es importante destacar que se esmeró en defender la libertad de los individuos, además del estudio de la razón sobre cualquier otro método. Muchas de las obras de Erasmo se basaron en una constante crítica a la iglesia, porque la consideraba un ente inmoral, lleno de mañas.

Erasmo de Róterdam nació en Nederland (Países Bajos), el 28 de octubre de 1466. Su padre fue Gerard de Praêt, un sacerdote de Gouda. Su madre se llamaba Margarita, algunos afirman que era la sirvienta de Praêt, otros que era hija de un médico de la provincia de Zevenbergen.

No se sabe a ciencia cierta si su padre era ya sacerdote al momento de la concepción, pero se conoce que el nombre del teólogo "Erasmus" era en honor al santo al que el padre le tenía devoción. Dicho santo era muy popular en los tiempos del siglo XV y se le conocía como el patrón de los marineros y violinistas.

Cuando aún era pequeño su padre lo envió a la escuela de los "Hermanos de la Vida en Común", ubicada en la ciudad de Deventer. Esta fue una institución religiosa cuya finalidad era la enseñanza de la Biblia, la ayuda al prójimo, la oración y la meditación, además no profesaban los votos religiosos que apartaban de las pasiones terrenales.

Fue en esta organización donde Erasmo se conectó con lo espiritual. Estando adentro estudió griego y latín con el profesor Alexander Hegius Von Heek, quien tenía unos métodos de enseñanza que sobresalían por encima de los otros maestros; además era el director de la institución.

Róterdam entró al Monasterio de los Canónigos Regulares de San Agustín cuando tenía 18 años de edad. Esta congregación fue creada por Juan XXIII, y Erasmo se preparó desde el punto de vista espiritual. El humanista tomó la decisión de asumir los hábitos de sacerdote.

Posterior a su ordenación, precisamente en el año 1495, recibió una beca para estudiar teología en la Universidad de Paris. Dentro de esta casa de estudios consolidó grandes amistades, como por ejemplo con el fundador del humanismo en la ciudad francesa Roberto Gaguin.

Es precisamente en París donde Erasmo se comenzó a vincular con el Humanismo. Durante este tiempo inició un proceso de pensamientos libre y de ideas que encaminaban al individuo a la independencia y al criterio propio.

Durante un año Erasmo de Róterdam estuvo viajando a Londres, entre 1499 y 1500. Es en esta ciudad donde consolidó sus pensamientos humanistas, tras una conversación que sostuvo con el destacado humanista, y decano de la catedral de San Pablo, John Colet, sobre la verdadera lectura que debía dársele a la Biblia.

En el comienzo del siglo XVI, año 1500, el teólogo inició la escritura de sus famosos Adagios. Esta serie de frases cargadas de conocimientos y experiencias constaban de unos 800 aforismos de las culturas de Roma y Grecia. Hizo de esto una pasión, hasta el punto de alcanzar los 3400 veintiún años después.

Ejemplo de un adagio de Erasmo de Róterdam:

"La paz más desventajosa es mejor que la guerra más justa".

Los adagios de Róterdam siguen vigentes. Al morir sumaban más de cuatro mil quinientos. Desde el momento de su primera impresión se consideró un Best Seller, y tiene en su haber más de 60 ediciones.

Durante esta misma época se desempeñó como profesor de teología en la Universidad de Cambridge. Es aquí donde afianzó el valor de la amistad con grandes pensadores y humanistas, como Colet, Thomas Linacre, John Fisher y Tomás Moro.

Siempre de espíritu andariego y libre, Erasmo rechazó muchas ofertas de empleo, entre las que destacaron el de maestro vitalicio en Ciencias Sagradas dentro de Cambidge, específicamente en el Colegio "Queens". Su libertad lo llevaba más bien a la curiosidad y saciar su sed de conocimientos nuevos.

Después de haber estado en Inglaterra, viajó a Italia donde vivió durante un periodo de tres años, mientras se ganaba la vida trabajando en una imprenta, y seguía rechazando trabajos como profesor. Cada vez conocía a más personas con quienes compartía sus pensamientos e ideales, lo que hizo extensiva su popularidad.

Erasmo fue un fuerte opositor al sistema educativo de su época, abogaba por una educación basada en el libre pensamiento. Consideraba que las enseñanzas impartidas en las instituciones impedían la formación de razonamientos y opiniones en los estudiantes.

Debido a su oposición se refugió en la lectura de los libros clásicos, tanto latinos como griegos, para buscar y encontrar nuevas ideas. Estaba absolutamente en contra de las autoridades escolares e institucionales. Para él el sistema era hipócrita al castigar a los estudiantes, cuando actuaba en contra de lo que profesaba.

Cuando estaba en la universidad percibió que las enseñanzas que se impartían no eran innovadoras, sino que seguían siendo rutinarias en la difusión de conocimientos. Es en ese entonces cuando comienza a buscar una solución a lo que consideraba una problemática.

Se sumergió, como se mencionó anteriormente, en los textos romanos y griegos, con la finalidad de actualizar los contenidos de la enseñanza y hacer nacer nuevos métodos de enseñanza. Luchó toda su vida por ello, e hizo que llegarán a muchas personas, y pudieran comprender lo que estaba plasmado.

Erasmo de Róterdam vivió una vida llena de conocimientos, estudios y luchas. En 1509 alcanzó su máxima productividad con Elogio a la Locura, donde expresó su sentir hacia las injusticias de ciertos estratos sociales. Sin saberlo inspiró a Martín Lutero, específicamente con la traducción del Nuevo Testamento.

Los últimos años de su vida fueron de luz y oscuridad, había quienes apoyaban sus ideales, y los que por el contrario lo persiguieron y señalaron por su forma de pensar. Sin embargo no hizo de lado su lucha, ni mucho menos cambió su posición.

Se embarcó en muchas discusiones verbales, pero es quizás la que sostuvo con Ulrich von Hutten, el humanista alemán y difusor de la Reforma del Sacro Imperio, la que más atención tuvo. Este lo invitaba a ligarse al movimiento luterano, mientras Erasmo estaba seguro de no tomar participación alguna ante estas ideas.

Erasmo era tan fiel a sus ideales, que cuando la ciudad de Basilea (Suiza) se unió en el año 1521 a las ideas de la Reforma Protestante, hizo sus maletas y se mudó a Alemania, específicamente a Friburgo de Brisgovia. En este tiempo culminó su libro El Eclesiástico.

Aunque tuvo la oportunidad de regresar a su país de origen, la enfermedad del "mal de gota" no se lo permitió, y tuvo que regresar por cuestiones de trabajo a Basilea. Murió el 12 de julio de 1536, para dar comienzo a un legado universal vigente hasta hoy.

El pensamiento de Róterdam estaba orientado hacia Cristo. Sostenía fehacientemente que la felicidad se alcanzaba a través de una vida llena de espiritualidad. Es quizás de esta idea como nace su reforma teológica.

En cuanto a lo anterior, consideraba que las ideas conservadoras de la época estaban carentes de fundamentos sensatos, y que no aportaban al cambio verdadero que necesitaba el hombre para vivir una vida plena. Para él, el ayuno y las prohibiciones religiosas, como la abstinencia carecían de sentido.

Erasmo estaba convencido de que el verdadero cambio no estaba en lo físico, sino en la transformación y evolución del alma. Además estaba decidido a instaurar una religión que no tuviera ningún tipo de credo ni reglas, sino que le permitiera a sus simpatizantes formarse como verdaderos cristianos.

Del pensamiento anterior nació la reforma de la vida cristiana, buscando siempre que la jerarquía eclesiástica diera más pie para el pensamiento libre. Además buscaba que fuese la palabra de Dios la que realmente dirigiera la iglesia y a las personas, y se dejara de lado todo formalismo y prohibiciones.

Desechaba la idea de que la iglesia siguiera siendo una comunidad de rangos, donde el alto mando solo daba directrices que ni ellos mismos tenían la mínima intención de cumplir. Si bien no se oponía a que los sacerdotes se casaran y tuvieran familia, prefería que se mantuvieran plenos al servicio de Dios.

Creía en una reforma eclesiástica desde el interior de la iglesia. Consideraba además que la alianza del papado con la institución religiosa era una traba para el verdadero crecimiento del espíritu de los feligreses.

Aun cuando Róterdam defendía el estudio de la Biblia como una guía para la vida, se oponía a Martín Lutero en cuanto a los principios de la gracia, la que determina que es Dios quien les da la salvación a los humanos.

En referencia a lo anteriormente descrito, Erasmo afirmaba que si todo se daba por la gracia divina de Dios, entonces el hecho de que el hombre actuara de forma correcta y benevolente no tenía ningún sentido, porque aún siendo malo, Dios lo salvaría. Era esta una de las tantas razones por las que era criticado.

Dentro de su pensamiento consideraba que no tenía tanta importancia asistir a misa y ser un oyente religioso de lo que decían los sacerdotes. Para Róterdam era más importante llevar una vida lo más parecida a la de Jesucristo, ahí radicaba el verdadero crecimiento del espíritu.

Además afirmaba que entre las paredes de un convento o monasterio, el hombre no alcanzaba su máxima espiritual, sino que la verdadera evolución venía dada a través del bautismo. Toda su vida fue un defensor de la paz, y en base a esto planteó sus ideas en el ámbito político.

Los aportes de Erasmo de Róterdam tuvieron gran repercusión. Se menciona por ejemplo, el hecho de estar en contra del sistema de aprendizaje que estaba instaurado en su tiempo. Se oponía firmemente a que se enseñara en base al miedo y al castigo.

Aunque pasaron muchos siglos para que la educación dejara de lado esas instrucciones arcaicas, bien es cierto que Erasmo ayudó mucho a través de su lucha. Tanto así que en años futuros sus ideas fueron estudiadas y aceptadas por sociólogos y psicólogos, quienes afirmaron que la enseñanza se daba a través del amor y la paciencia.

Rechazó el hecho de que los niños en sus años de mayor provecho fueran enseñados en base a las enciclopedias y a la repetición. Para él era más importante una conversación enriquecedora entre el maestro y el alumno, donde el crecimiento humano se diera a través del contacto y el intercambio de ideas.

En cuanto al campo eclesiástico se puede decir que de alguna forma logró modificar la forma en que era visto el aprendizaje sobre Dios. Dejó claro que no era algo exclusivo de la iglesia o los centros educativos, sino que todos los seres humanos debían tenerlo como un hábito, en virtud de que la sabiduría y el amor de Dios era la mejor guía para la vida.

Realizó una lucha constante para conseguir que la iglesia de forma plácida y poco a poco alcanzara a más personas a través de un sermón más amoroso y cercano a Dios. Tratando que esto les permitiera a las personas tener más voluntad para crecer y desarrollarse. Durante toda su vida consideró a la iglesia de inmoral y falsa.

Por otro lado, dejó las bases para la defensa del pensamiento crítico y libre. Además de la aplicación de la razón sobre todos los planteamientos que se hicieran, señalando que, como seres pensantes, se tiene la capacidad de discernir y tomar decisiones sin ser sugestionados por los demás.

La política no era precisamente el área que más le interesó a Erasmo. Sin embargo, dejó a la humanidad algunos aportes. Para él esta debía regirse por los preceptos de la vida cristiana, así como la gente de a pie se guiaba por Dios. Un gobernante debía hacer lo propio porque ahí estaba la sabiduría que necesitaba.

La monarquía era el sistema de gobierno de la época, de ahí nace lo que se conoce como "la educación del príncipe", quien de acuerdo con Róterdam debía ser bueno con su pueblo, y desarrollar ideas de progreso dentro de lo moral.

Así que aplicado a la actualidad, el aporte de Erasmo en la política podría tener sentido si el político sabe el verdadero significado de tener una vida conforme a Cristo, si este se prepara para servir a su nación y no a intereses propios, y si tiene como objetivo principal la defensa de la paz, y la instauración de un gobierno más espiritual.

Finalmente, Erasmo de Róterdam era un avanzado de su época. Sus ideas, planteamientos y pensamientos iban más allá de lo establecido, buscó siempre renovar, tratando de encontrar el mejor camino para una vida más feliz y plena en los campos donde se preparó, dejándole a la humanidad un gran legado.

Todas las obras escritas por Erasmo de Róterdam tuvieron gran alcance durante y después de su tiempo, esto se debió a la forma tan particular que tenía de escribir. Su forma era la de hacer que todos entendieran su mensaje, a través de la simplicidad. Se mencionan algunas para ampliar los conocimientos acerca de este gran humanista.

Es una recopilación de normas o preceptos, para que sirvieran como orientación durante toda la vida. Como se describió anteriormente lo comenzó a escribir durante su vida en Inglaterra, y al final de su vida contaba con unos cuatro mil quinientos.

Estas frases de Erasmo son una forma simple, quizás divertida y diferente de percibir las experiencias y circunstancias de la vida. La finalidad última es aprender y reflexionar sobre las diversas situaciones que ocurren, siempre sacando ventaja y aprendizaje.

El siguiente es un ejemplo de adagio del gran humanista:

"En el país de los ciegos, el tuerto es el rey". Esta frase se refiere a que no siempre las personas pueden ser reconocidas por su valor o capacidades. Por el contrario se adhieren a los demás para lograr sobresalir. De ahí la necesidad de un pensamiento libre y sin ataduras.

Este escrito tiene características de ensayo, fue escrito por Erasmo en el año 1511. Es la referencia más importante del proceso de la Reforma Protestante. Es una máxima crítica a la iglesia, por medio del uso de discurso que dejan señales de locura.

En el texto la locura está representada por una diosa, que a su vez es hija de Pluto y de Hebe la juventud. Los otros participantes se describen como narcicismo, adulación, olvido, pereza, demencia, todos ellos considerados por el autor vicios de la Iglesia católica.

A continuación un fragmento de este escrito, donde es la Locura quien hace la intervención:

"Hable de mí como quiera el común de los mortales. Pues no ignoro lo mal de lo que se habla de la Estulticia, incluso entre los más estultos, pero yo soy la única, sí la única-digo- que, cuando quiero, lleno de regocijo a dioses y a hombres...".

Consistía en una serie de normas que debía seguir el futuro rey de la nación. Basadas principalmente en el respeto y amor por su pueblo, así como en dejarse guiar por la sabiduría divina de Dios. Propone la enseñanza de las artes liberarles, así como el trato digno a la persona.

Fue escrita en el año 1516, en un principio se le conoció como Espejo de Príncipes. Era una dedicatoria especial al futuro rey de España, Carlos V. Los historiadores afirman que Erasmo tenía con esta obra el objetivo de convertirse en el maestro del futuro rey.

Es una serie de escritos en griego de la reforma del Nuevo Testamento, su primera impresión data de 1516, aunque posteriormente pasó por varias ediciones. Estos manuscritos dieron base a las ediciones posteriores de la Biblia, como es el caso de la edición Reina Valera.

Fueron escritas como un grito de ayuda de Róterdam a los hombres importantes e influyentes de su época, para divulgar sus ideas y pensamientos. Se sabe que eran unos quinientos hombres los destinatarios. Entre estos estaba el reconocido Martín Lutero.

En el intercambio Lutero reconoce el trabajo de Róterdam a favor del cristianismo, y posteriormente lo invita a unirse a la nueva reforma protestante. Sin embargo Erasmo se niega, aunque aplaude los esfuerzos de su destinatario.

Las anteriores fueron las obras más destacadas de este teólogo y humanista, sin embargo se pueden mencionar además La paráfrasis del Nuevo Testamento escrito en el año 1516. También está la Discusión sobre el Libre Albedrío, el cual escribió en 1524, y que produjo la respuesta de Martín Lutero.

Róterdam insistió constantemente en una enseñanza amorosa y cuidadosa para los niños. Motivado por esto escribió en el año 1528, el texto titulado Sobre la Enseñanza Firme pero Amable de los Niños.

Por último destacaron además el Tratado de Predicación; Utilísima, que era una especie de manual sobre si debía o desarrollarse la guerra contra los moros, escrita en el año 1530. Además de su Preparación para la Muerte, la cual escribió en 1534.

1. Muñoz, V. (2013). Biografía de Erasmo de Róterdam, el erudito del siglo XVI. (N/a): Red-Historia. Recuperado de: redhistoria.com

2. Erasmo de Róterdam. (2018). (España): Wikipedia. Recuperado de: wikipedia.com

3. Briceño, G. (2018). Erasmo de Róterdam. (N/a): Euston 96. Recuperado de: euston96.com

4. Erasmo de Róterdam. (S. f.). (N/a): Mi Historia Universal. Recuperado de: mihistoriauniversal.com

5. Erasmo de Róterdam. (2004-2018). (N/a): Biografías y Vidas. Recuperado de: biografíasyvidas.com

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Erasmo de Róterdam: biografía, pensamiento, aportes y obras - Lifeder

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Erasmo de Róterdam (1466-1536) fue un humanista, teólogo y filósofo de origen holandés. Se inclinó al estudio y lectura de los clásicos escritos en latín, así como también a la búsqueda de una vida espiritual de adentro hacia afuera. Ha sido considerado como uno de los más grandes e influyentes pensadores de la época renacentista.

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 1481 La inquisición española comienza en la practica con el auto-da-fe

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 1481 La inquisición española comienza en la practica con el auto-da-fe

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Francisco Rizi, Auto de fe en la plaza Mayor de Madrid, 1683, óleo sobre lienzo, 277 x 438 cm, Madrid, Museo del Prado.

El auto de fe era un acto público organizado por la Inquisición en el que los condenados por el tribunal abjuraban de sus pecados y mostraban su arrepentimiento -lo que hacía posible su reconciliación con la Iglesia católica-, para que sirviera de lección a todos los fieles que se habían congregado en la plaza pública o en la iglesia donde se celebraba (y a quienes se invitaba también a que proclamaran solemnemente su adhesión a la fe católica).

El mencionado era el sentido buscado del auto de fe, en el que los condenados a muerte por el tribunal eclesiástico -los relapsos (reincidentes)- eran relajados al brazo secular, es decir, entregados a la autoridad secular, que era la encargada de la ejecución de la sentencia de muerte, conduciendo a los reos al lugar donde iban a ser quemados -estrangulados previamente si eran penitentes, y quemados vivos si eran impenitentes, es decir, si no habían reconocido su herejía o no se arrepentían-.

El auto de fe que se realizaba discretamente en las dependencias de la Inquisición se llamaba autillo.

El propósito de los procesos de la Inquisición no era salvar el alma de los condenados sino garantizar el bien público "extirpando" la herejía. De ahí que la lectura de las sentencias y de las abjuraciones tuviera que hacerse públicamente " para edificación de todos y también para inspirar miedo", como señalaba el jurista Francisco Peña en 1578 en su comentario del Manual del Inquisidor de Nicholas Eymerich. Así pues, era imprescindible que el condenado afirmara ante el público congregado que había pecado y que se arrepentía, para que sirviera de lección a todos los que le escuchaban, y a quienes se invitaba también a que proclamaran solemnemente su fe. Esa era la finalidad del auto de fe.​

Sin embargo, según Henry Kamen, "lo que comenzó como un acto religioso de penitencia y justicia acabó siendo una fiesta pública más o menos parecida a las corridas de toros o a los fuegos artificiales". "La gente acudía en tropel a verlos porque eran un espectáculo extraño, ajeno a su fe habitual, a sus prácticas religiosas, a la existencia cotidiana". A la popularidad de los autos de fe también contribuyó el prestigio que alcanzaron a partir de los autos de fe de 1559 porque asistió el rey -hasta entonces los reyes de la Monarquía Hispánica no habían participado, excepto en uno celebrado en Valencia en el que estuvo presente Carlos I -, y los cambios que introdujo la Inquisición a partir de esa fecha para aumentar su solemnidad y magnificencia con el fin de deslumbrar a los fieles.​

Según el mismo Kamen, entre los extranjeros que visitaron España los autos de fe provocaron "asombro y repugnancia ante una práctica que era desconocida en el resto de Europa. El flamenco Jean Lhermite, quien asistió a un auto de fe en compañía de Felipe II, en Toledo en febrero de 1591, fue después a contemplar las ejecuciones, describiendo todo el asunto como un "espectáculo muy triste, desagradable de ver". No hay duda de que debía ser espantoso ver a clérigos presidiendo una ceremonia en la que se ejecutaba a los condenados, pero en realidad las ejecuciones públicas en otros países no diferían mucho de un auto de fe y, a veces, lo superaban en salvajismo".​

Los primeros autos de fe fueron obra de la inquisición pontificia medieval, bajo el nombre de Sermo Publicus o Sermo Generalis Fide -llamado así porque comenzaba con un sermón-, pero se realizaron solo en la región de Toulouse con motivo de la represión de la herejía cátara.​

Auto de Fe presidido por Santo Domingo de Guzmán (c. 1500) de Pedro Berruguete (Museo del Prado. Según Joseph Pérez, "la composición (152x92 cm.) tiende a acentuar el dramatismo de la escena, puesto que el pintor representa la hoguera donde arden los condenados. Santo Domingo aparece de pie sobre una tribuna, rodeado de seis inquisidores, entre los que se encuentra un dominico y otro que lleva el estandarte del Santo Oficio; otros doce inquisidores completan el grupo; dos herejes... esperan su turno".​

El primer auto de fe de la Inquisición española tuvo lugar en Sevilla el 6 de febrero de 1481, y en los primeros tiempos eran actos sobrios y austeros.​ "El público casi no asistía a los autos; en lugar de un elaborado ceremonial, había poco más que un simple rito religioso en el que se determinaban las penas para los herejes detenidos. La ceremonia ni siquiera se celebraba necesariamente en un día festivo, prueba de que no se contaba con la asistencia del público".​ Contamos con un relato del primer auto de fe celebrado en Toledo el domingo 12 de febrero de 1486, en el que se dice que 750 judeoconversos reconciliados salieron en procesión de la iglesia de San Pedro Mártir. " Con el gran frío que hazía, y la desonra y mengua que recebían por la gran gente que los mirava, porque vino mucha gente de las comarcas a los mirar, yvan dando muy grandes alaridos, y llorando algunos se mesavan; créense más por la desonra que recebían que no por la ofensa que a Dios hizieron". Cuando la procesión llegó a la " iglesia mayor" en la puerta " estavan dos capellanes, los quales fazían la señal de la cruz a cada uno en la frente, diziendo estas palabras: "Recibe la señal de la cruz, la qual negaste e mal engañado perdiste"". Dentro de la iglesia, " donde les dixeron misa y les predicaron", fueron llamados uno por uno leyéndose a continuación " todas las cosas en que avía judayzado". " E de que esto fue acabado, allí públicamente les dieron la penitencia".​

Los sucesos de Córdoba

En septiembre de 1499, fray Diego de Deza nombró como inquisidor de Córdoba a Diego Rodríguez de Lucero. Desde entonces, Lucero comenzó una indiscriminada persecución de falsos cristianos que llevó a la condena a personas de todas las clases sociales. Esto le ganó la antipatía del pueblo, de la nobleza y varios enemigos en el ámbito eclesiástico, pero desde su posición de poder sembró un régimen de terror con multitudinarios autos de fe. Así, en febrero de 1501 se celebró un auto en el que se ejecutó a 81 personas, y en mayo de 1502 a otras 27.

Salón de los Mosaicos del Alcázar de los Reyes Cristianos de Córdoba (España), donde antiguamente se localizaba el tribunal de la Inquisición que Lucero dirigía.

En diciembre de 1504 se celebró en las afueras de la ciudad uno de los más importantes autos de fe de la Inquisición, presidido por el temido inquisidor. Tras pasar por el tribunal 267 personas, fueron quemadas vivas 107,​ en una enorme pira visible desde varios centenares de metros de distancia. Tal fue la magnitud del evento, que se considera posiblemente el mayor auto de fe que nunca hubo.​ Sus actos le valieron el sobrenombre de Lucero el Tenebroso o el inspirado por Lucifer.

Finalmente, el pueblo enfurecido por la situación y arropado por los nobles, asaltó la prisión del Santo Oficio, situada en el Alcázar de los Reyes Cristianos, el 9 de noviembre de 1506, donde liberaron a 400 presos que se encontraban hacinados en las mazmorras. Aunque la intención era linchar a Lucero, este fue alertado unos minutos antes y escapó por una puerta trasera, huyendo a Sevilla a lomos de una mula.

El malestar social generado por los Sucesos de Córdoba originó un escándalo social y político que dio lugar a la Congregación General de 1508 en Burgos, una magna asamblea del reino en la que exigieron responsabilidades a Lucero y a otros inquisidores por sus irregularidades en los autos de fe de Córdoba. La asamblea catalogó de falsos a los testigos, restituyó honores a vivos y muertos, liberó a presos, ordenó reconstruir las casas que habían sido destruidas tras haber sido consideradas sinagogas encubiertas y eliminó las sentencias de los registros. De esta forma, se sentó una base de rigurosidad y fundamentación más sólida para los autos de fe en las décadas siguientes.

A lo largo del siglo XVI los autos de fe fueron ganando en solemnidad y duración.​ A su difusión contribuyó el cuadro de Pedro Berruguete Auto de Fe presidido por Santo Domingo de Guzmán (c. 1500), que fue un encargo del inquisidor general Torquemada para el retablo del Convento de Santo Tomás de Ávila.​ Henry Kamen destaca que el cuadro es "totalmente inventado" y que es posible que sirviera de modelo para el nuevo ceremonial de los autos de fe establecido en las Instrucciones de 1561.​

Auto de fe en Valladolid.

Dos de los actos de fe más célebres por su solemnidad fueron celebrados en la plaza Mayor de Valladolid los días 21 de mayo y 8 de octubre de 1559. En el primero de los dos fueron quemadas catorce personas, entre ellos Agustín y Francisco de Cazalla y Constanza de Vivero, y los huesos y estatua de otra más, y se reconciliaron dieciséis con penitencia. En el segundo, se quemó a trece personas, como Isabel, esposa de Carlos de Seso, Marina de Guevara, y los huesos de otra, y hubo también otros dieciséis penitenciados. Seguramente estos dos actos históricos inspiraron a Miguel Delibes el descrito en su novela . Otra referencia literaria la encontramos en la novela Auto de fe del autor búlgaro-austriaco-inglés, Elías Canetti, escrita en 1935, prohibida por los nazis y desconocida hasta los años 60 del siglo XX.

Los autos de fe de 1559 celebrados en Valladolid y en Sevilla para eliminar los focos protestantes que habían surgido en esas dos ciudades sirvieron de modelo para los posteriores, y así lo estipularon las Instrucciones dictadas en 1561 por el inquisidor general Fernando de Valdés.​

La asistencia de las autoridades y de los funcionarios en el auto de fe se hará obligatoria a partir de 1598 bajo pena de excomunión. La Inquisición concede la presidencia del acto a un miembro de la alta nobleza y cuando se celebra en la Corte intentará que asista el rey. Fue lo que sucedió con los dos autos de fe celebrados en Valladolid en 1559 en los que fueron condenados los protestantes de la ciudad. Al primero asistió la regente Juana de Austria y al segundo el rey Felipe II, que acababa de volver de los Países Bajos. Al año siguiente el tribunal de Toledo organizó un auto de fe con ocasión del matrimonio de Felipe II con Isabel de Valois, y en 1564 se organizó otro en Barcelona con motivo de la visita del rey para celebrar las Cortes de Cataluña. Felipe II presidió otros autos de fe -en Lisboa en 1582 y en Toledo en 1591- ya que, según Joseph Pérez, "al parecer, le gustaban mucho estas ceremonias, y no por sadismo, como se ha dicho muchas veces -recordemos que los condenados a muerte son ejecutados después del auto de fe, y que las autoridades no asisten a la ejecución-, sino por pompa: procesión, misa, sermón...".​

Auto de Fe en 1651. Museo del Greco, Toledo.

Felipe III también presidió algún auto de fe, como el que se celebró el 6 de marzo de 1600 en Toledo, y Felipe IV pidió que se realizara uno en la corte en 1632 para celebrar la curación de su esposa, Isabel de Borbón. Con el pretexto de la boda del rey Carlos II y María Luisa de Orleans, se celebró en Madrid en 1680 uno de los autos de fe más célebres debido al cuadro de Francisco Rizi y a la "Relación" del mismo escrita por José del Olmo, quien como familiar del Santo Oficio había sido uno de los organizadores de la ceremonia y de los diseñadores del estrado donde se sentaron las autoridades. El rey escogió la fecha, el 30 de junio, fiesta de San Pablo, " para destacar el gran triunfo de la fe católica y la derrota de la obstinación judía". En el siglo XVIII los autos de fe son cada vez más escasos y discretos, y el último al que asistió el rey se celebró en 1720, bajo Felipe V.​

Una de las razones de la progresiva disminución del número de autos de fe fue que eran caros y la Inquisición, que no era tan rica como la gente creía, no siempre disponía de los fondos necesarios. El descenso ya se puede apreciar en el siglo XVII. Así, mientras en Sevilla en la segunda mitad del siglo XVI se celebraron al menos veintitrés autos de fe, en Madrid entre 1632 y 1680 no se celebró ninguno.​

El último auto de fe

En Portugal, el 1 de octubre de 1774, Sebastião José de Carvalho e Melo publicó un decreto que obligaba a que los veredictos del Santo Oficio necesitaran una sanción real, lo que en la práctica acababa con la Inquisición portuguesa. Ya no se organizaron en Portugal autos de fe.

Según Emilio La Parra y María Ángeles Casado, el último auto de fe general que se celebró en España tuvo lugar en Sevilla en 1781. La víctima fue María de los Dolores López, una mujer de baja condición social, acusada de fingir revelaciones divinas y de mantener relaciones sexuales con sus sucesivos confesores (" dormía con ellos en paños menores, estaba con mucha frecuencia en cueros, y después la azotaban ellos mismos porque así convenía para su salvación, bien que no constan que hubiesen actos completos", según relató un fraile conocedor del caso). Fue denunciada por uno de los confesores, que fue condenado por haber cometido el delito de solicitación. La mujer no se arrepintió de sus errores porque según ella " nada [de lo que había hecho] era pecado" y fue condenada a muerte. Tras la celebración del auto de fe, que duró doce horas y en el que la condenada compareció vestida con un sambenito y una coroza pintados con llamas y diablos, fue relajada al brazo secular para ser ejecutada. Se le aplicó el garrote vil y después el cadáver fue arrojado a una " gran hoguera".​

Se suele afirmar que el último auto de fe fue el celebrado en Valencia en 1826, en el que el maestro de Ruzafa Cayetano Ripoll fue condenado a ser ejecutado en la horca y quemado después por hereje, pero en aquel momento la Inquisición no existía porque el rey Fernando VII no la había restablecido tras su abolición por los liberales durante el Trienio (1820-1823).

Estandarte de la Inquisición española que encabezaba la procesión de la Cruz Verde, que tenía lugar la víspera del auto de fe.

En las Instrucciones dictadas en 1561 por el inquisidor general Fernando de Valdés se decía:​

Cuando se hayan terminado los procesos y se hayan establecido las sentencias, los inquisidores fijarán un día festivo para celebrar el auto de fe; se comunicará la fecha a los canónigos y a las autoridades municipales y, si se da el caso, al presidente y a los auditores del tribunal de justicia, para invitarles a asistir a la ceremonia. Los inquisidores procurarán que no empiece demasiado tarde, a fin de que la ejecución de los relajados puede llevarse a cabo de día y sin incidentes

Los autos de fe se realizaban en domingo o en día festivo, porque, según el Manual de inquisidores de Nicholas Eymerich, " conviene que una gran multitud asista al suplicio y a los tormentos de los culpables, a fin de que el temor les aparte del mal". " Es un espectáculo que llena de terror a los asistentes y una imagen terrorífica del Juicio Final. Pues bien, éste es el sentimiento que conviene inspirar". Por otro lado, " la presencia de los capítulos, de las iglesias y de los magistrados da mayor esplendor a la ceremonia".​

Los preparativos comenzaban un mes antes de la fecha fijada porque había que construir el estrado en una plaza pública o en un templo, con bancos para los condenados para que pudieran ser vistos por la multitud, una tribuna para las autoridades, y gradas para los espectadores. También había que preparar los sambenitos que llevarían los condenados, las efigies de los que habían huido o habían muerto, los estandartes y las urnas que contenían las sentencias. Además había que disponer las colgaduras y en ocasiones los toldos para dar sombra a los asistentes. Todo ello suponía una suma importante de dinero, por lo que la Inquisición, cuyas finanzas nunca fueron muy boyantes, siempre tuvo dificultades para organizarlos, y no siempre pudo contar con la ayuda financiera de los municipios donde se celebraban. La consecuencia de todo ello fue que "con el tiempo, los autos de fe tendieran a hacerse cada vez más raros".​

Unos días antes de su celebración se leía una proclama pública en la que se invitaba a la población a asistir al auto de fe. En el de Madrid de 1680 el pregonero leyó por las plazas y calles lo siguiente:​

Se informa a los habitantes de Madrid, sede de la corte de Su Majestad, de que el Santo Oficio de la Inquisición de la villa y reino de Toledo celebrará un auto de fe público en la plaza Mayor, el domingo 30 de junio; con esta ocasión, el soberano pontífice concede gracias especiales e indulgencias a todos los que asistan.

A las dos de la tarde de la víspera comenzaba la procesión de la Cruz Verde acompañada del estandarte del Santo Oficio, que era llevado por una persona importante -en el auto de fe de 1680 fue portado por el duque de Medinaceli, "primer ministro" de Carlos II-. Detrás de él desfilaban los familiares, comisarios y notarios de la Inquisición, así como los representantes del clero regular y secular. El objeto de la procesión era llevar la Cruz Verde y el estandarte de la Inquisición al lugar donde al día siguiente se iba a celebrar el auto de fe. La cruz quedaba cubierta con un velo negro y "familiares y monjas velaban toda la noche, protegidos por un destacamento de soldados".​

Escena de la Inquisición (1814-1816). "Goya presenta la escena de un autillo. Los condenados a muerte, así identificados por la corona con llamas hacia arriba que portan, escuchan la sentencia, leída por un fraile desde una tribuna o púlpito. La arquitectura de la sala evoca un edificio de siglos anteriores, tal vez la sede de un tribunal inquisitorial. El amplio espacio está ocupado por religiosos de distintas órdenes (se adivinan, sobre todo, los hábitos de franciscanos y dominicos y por un numeroso grupo de personas de las que no se sabe su sexo y condición social, salvo un grupo de mujeres ataviadas con mantilla situadas en un palco. En el centro, un inquisidor vestido de negro, adornado con una cruz, señala a los condenados sin mirarlos, dando a entender su profundo desprecio hacia ellos".​

Al amanecer del día del auto de fe comenzaba la procesión de la Cruz Blanca, así llamada porque estaba encabezada por una cruz, llamada también de la zarza, que contenía a modo de símbolo unos pedazos de leña que se iban a utilizar en la hoguera donde arderían los condenados a muerte. Detrás de la Cruz Blanca, iba el clero, seguido por las efigies [" imágenes de cartón de tamaño natural", según un relato de la época] de los condenados huidos o muertos antes de ser juzgados -" cuyos huesos eran asimismo traídos en baúles, en las que habían pintadas llamas", según el relato del auto de 1680-​ y por los condenados portando un cirio en la mano, tocados con una coroza o capirote y vestidos con los sambenitos que indicaban el tipo de delito y la condena.​

Al igual que en una representación teatral, el cortejo que se formaba para llegar hasta el lugar de celebración del auto de fe tenía sus normas en cuanto al orden y distribución de los participantes. Los reos eran conducidos de madrugada desde la prisión de la Inquisición hasta la capilla del Santo Oficio de donde salía formada toda la procesión. La cruz iba a la cabeza de la comitiva enarbolada por el fiscal del tribunal, que solía marchar a caballo. Detrás de él, a pie, caminaban los reos reconciliados portando cirios en señal de penitencia. A continuación iban los frailes dominicos precediendo a los reos relajados, es decir, a los condenados a muerte. Estos reos iban vestidos con una especie de casulla llamada , pintada con escenas del infierno, con terribles llamas y figuras de condenados. En la cabeza soportaban la o capirote, una especie de cucurucho también pintado con símbolos infernales, generalmente hecho de cartón, que resultaba grotesco y humillante. Tras ellos iban los llamados familiares de la Inquisición, que en algunos escritos figuran como "los ojos", y cerraban el cortejo, primero los lanceros a caballo (u otra delegación militar) y después los representantes de las comunidades religiosas existentes en la ciudad.

"Condenados por la Inquisición", de Eugenio Lucas (siglo XIX, Museo del Prado). "La Inquisición generalmente condenaba al culpable a ser "azotado mientras recorría las calles", en cuyo caso (si se trataba de un varón) tenía que aparecer desnudo hasta la cintura, a menudo montado sobre un asno para que sufriera una mayor deshonra, siendo debidamente azotado por el verdugo con el número señalado de latigazos. Durante este recorrido por las calles, los transeúntes y los chiquillos mostraban su odio por la herejía tirando piedras a la víctima.​

En cuanto la procesión de la Cruz Blanca llegaba a la plaza pública o al templo donde iba a tener lugar el auto de fe, y los condenados, los inquisidores y las autoridades ocupaban los asientos que tenían reservados, comenzaba el acto con un sermón de un predicador dedicado a exaltar la fe y atacar a la herejía. En el mismo también se exhortaba a los condenados impenitentes a que se arrepintieran antes de morir quemados vivos -si lo hacían serían ejecutados a garrote vil antes de ser llevados a la hoguera- ya que "a los inquisidores les preocupaba mucho obtener la conversión de todos los condenados: nadie debía morir sin haberse confesado y haber recibido la eucaristía", recuerda Joseph Pérez. Con estos impenitentes se tomaban precauciones especiales para que no pudieran dirigirse al público y era frecuente que comparecieran amordazados.​

Tras el sermón se leían las sentencias. Cada condenado se adelantaba para escuchar la suya y si se trataba de un reconciliado abjuraba públicamente de sus errores y prometía no volverlos a cometer. En esa ocasión un inquisidor le preguntaba sobre los dogmas católicos, y él, junto con el público, contestaba: "Sí, creo". A continuación se cantaban varios himnos religiosos -Miserere mei, Veni Creator- y se rezaban oraciones, procediéndose después a descubrir la Cruz Verde que desde el día anterior había permanecido cubierta con un paño negro. Finalmente el inquisidor absolvía a los reconciliados y relajaba al brazo secular a los condenados a muerte para que se pronunciara la sentencia y se ejecutara.​

El auto de fe duraba varias horas y podía alargarse durante todo el día, sobre todo si se cerraba con la celebración de una misa solemne. Hubo algún caso en que tuvo que suspenderse en la noche del domingo y reanudarse el lunes siguiente.​

"Al día siguiente, se ejecutaban las penas pronunciadas contra los reconciliados: latigazos, desfile por las calles principales para ser expuestos a la vista de todos; los que habían sido condenados a penas de prisión eran conducidos a sus celdas".​

Un ejemplo: el auto de fe de las "brujas de Zugarramurdi" (Logroño, 1610)

El domingo 7 de noviembre de 1610 se había congregado en la ciudad de Logroño " gran multitud de gente" venida también de Francia para asistir al acontecimiento -se calcula que estuvieron presentes treinta mil personas-.​ El auto de fe se inició con una procesión encabezada por el pendón del Santo Oficio al que seguían mil familiares, comisarios y notarios de la Inquisición -que lucían pendientes de oro y cruces en el pecho- y varios cientos de miembros de las órdenes religiosas. A continuación iba la Santa Cruz verde, insignia de la Inquisición, que fue plantada en lo más alto de un gran cadalso. Aparecieron después veintiún penitentes con un cirio en la mano -y seis de ellos con una soga en la garganta para indicar que habían de ser azotados- y veintiuna personas con sambenitos y grandes corozas con aspas, velas y sogas, lo que indicaba que eran reconciliados. A continuación salieron cinco personas portando estatuas de difuntos con sambenitos de relajados, acompañadas de cinco ataúdes que contenían sus huesos desenterrados -se trataba de dos mujeres y dos hombres que se habían negado a reconocer que eran brujas y brujos, y de otra que sí lo había hecho pero que sería quemada por ser una de las instigadoras de la secta-. Seguidamente, aparecieron cuatro mujeres y dos hombres, también con los sambenitos de relajados, que iban a ser entregados al brazo secular para que fueran quemados vivos porque se habían negado a admitir que eran brujas y brujos. Cerraban el cortejo cuatro secretarios de la Inquisición a caballo acompañados de un burro que portaba un cofre guarnecido de terciopelo que guardaba las sentencias, y los tres inquisidores del tribunal de Logroño, también a caballo. Una vez aposentados en el cadalso los acusados y enfrente los inquisidores, con el estado eclesiástico a su derecha y las autoridades civiles a su izquierda, un inquisidor dominico predicó el sermón y a continuación comenzó la lectura de las sentencias por los secretarios inquisitoriales. La lectura duró tanto que el auto de fe tuvo que alargarse al lunes 8 de noviembre.​

Fausto Socino forzado de asistir al auto de fe de sus libros en Cracovia, dibujo de Pierre Méjanel.

Se distinguen los siguientes tipos de autos de fe:​

Auto de fe general: es el que se celebraba con gran número de reos de todas clases (impenitentes o penitentes relapsos, confitentes arrepentidos y penitenciados, etc.)

Auto de fe especial: es el que se celebraba con algunos reos sin el aparato ni la solemnidad del auto de fe general, por lo que no concurrían las autoridades y corporaciones sino solo el Santo Oficio y el juez real ordinario en caso de haber algún relajado.

Auto de fe singular: es el que se celebraba con un solo reo, sea en el templo sea en la plaza pública según las circunstancias.

Autillo: es el auto de fe que se celebraba dentro de las salas del tribunal de la Inquisición. Podía ser a puertas abiertas para que concurrieran los que quisieran y cupieran en la sala o a puertas cerradas no entrando sino las personas autorizadas para ello. En este segundo caso era a veces con número fijo de personas de fuera del tribunal y las designaba el inquisidor decano, o con ministros del secreto y entonces solo asistían los secretarios.​

Véase también

Bibliografía

Lea, Henry Charles. A History of the Inquisition of Spain (4 volumes), (New York and London, 1906-1907).

Simon Whitechapel, Flesh Inferno: Atrocities of Torquemada and the Spanish Inquisition (Creation Books, 2003). ISBN 1-84068-105-5

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Auto de fe - Wikipedia, la enciclopedia libre

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El auto de fe era un acto público organizado por la Inquisición en el que los condenados por el tribunal abjuraban de sus pecados y mostraban su arrepentimiento -lo que hacía posible su reconciliación con la Iglesia católica-, para que sirviera de lección a todos los fieles que se habían congregado en la plaza pública o en la iglesia donde se celebraba (y a quienes se invitaba también a que proclamaran solemnemente su adhesión a la fe católica).

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Tomas de Torquemada, entre 1480 y 1530 inicio una persecución a judeoconversos. Fue confesor de la Reina Isabel la Católica y primer inquisidor.

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Tomas de Torquemada, entre 1480 y 1530 inicio una persecución a judeoconversos. Fue confesor de la Reina Isabel la Católica y primer inquisidor.

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Torquemada arroja un crucifijo contra un judío en el cuadro "Expulsión de los judíos de España", de Emilio Sala - Museo del Prado

Sigue siendo el inquisidor más emblemático, incluso a nivel internacional. El que representa el papel de villano en cuadros, leyendas y películas sobre la brutal persecución de los judíos y herejes. Tomás de Torquemada fue el primer Inquisidor General de Castilla y Aragón, y el más tristemente celebrado. Se estima que bajo su mandato, el Santo Oficio quemó a más de diez mil personas y un número superior a los veinte mil fueron condenados a penas deshonrosas. Una cifra que, no obstante, muchos historiadores modernos achacan a las exageraciones de la leyenda negra vertida contra España.

Paradójicamente, aquella sangre que tanto se aferró en derramar era la de sus antepasados. "Sus abuelos fueron del linaje de los judíos convertidos a nuestra Santa Fe Católica", escribe el cronista Hernando del Pulgar, sobre la familia de Torquemada en su libro "Claros varones de Castilla". El hispanista Joseph Pérez, sin embargo, echa luz sobre esta aparente contradicción: "El antijudaísmo militante de algunos conversos se debía a su deseo de distinguirse de los falsos cristianos mediante la severa denuncia de sus errores". Así lo demuestra que dos de los más fanáticos colaboradores del Santo Oficio, Alonso de Espina y Alonso de Cartagena, también tuvieran orígenes hebreos.

Torquemada procedía de una influyente familia de judíos establecida en Castilla desde hace siglos que habían decidido convertirse al Cristianismo dos generaciones atrás. La creciente presión social sobre la comunidad hebrea en el siglo XV desembocó en la conversión al Cristianismo de casi la mitad de los 400.000 judíos que habitaban en España. Los hijos de muchos de ellos acabaron ingresando en el clero, como demostración de compromiso con su nueva religión. Uno de ellos fue el tío del inquisidor, Juan de Torquemada -cardenal, teólogo y prior de los dominicos de Valladolid, donde probablemente nació Tomás-, que se encargó personalmente de la educación de su sobrino.

"El antijudaísmo de algunos conversos se debía a su deseo de distinguirse"

Al no ser una figura destacada hasta su edad adulta, la biografía temprana de Torquemada está plagada de huecos sin rellenar todavía por los historiadores. Así poco se sabe de sus padres o del destino que sufrieron sus abuelos, los conversos. De su infancia se sabe que creció en la ciudad de Valladolid y, al igual que su tío Juan de Torquemada, se ordenó fraile dominico en el Convento de San Pablo. Tras progresar en esta orden, fue nombrado prior del convento de Santa Cruz de Segovia. Allí conocería a Isabel "la Católica", que le designó como uno de los tres confesores personales de los Reyes Católicos por "su prudencia, rectitud y santidad". Tradicionalmente, este cargo servía a muchos eclesiásticos como puente hacia otras posiciones más elevadas y para entablar contactos con los personajes más destacados de la Corte. Por ello, pese a su vida austera y su perfil discreto, el dominico fue elegido para reformar la institución de la Inquisición española, la cual desde su fundación en 1478 no estaba cumpliendo los objetivos planteados por los Reyes Católicos.

Torquemada, el primer inquisidor general

El Tribunal del Santo Oficio de la Inquisición fue una institución fundada en 1478 por los Reyes Católicos para mantener la ortodoxia católica en sus reinos. A diferencia de su versión medieval -la primera creada en el siglo XII en el sur de Francia-, la institución que pusieron en marcha los Reyes Católicos estaba bajo el control directo de la Monarquía y tenía como prioridad lograr la unidad religiosa en un territorio repleto de falsos conversos. A raíz de un informe realizado por el arzobispo de Sevilla, el Cardenal Mendoza, y por el propio Tomás de Torquemada denunciando las prácticas judaizantes que seguían realizando impunemente los conversos andaluces, los Monarcas solicitaron al Papa Sixto IV permiso para constituir este órgano en la Corona de Castilla.

Se dice que Dominicos significa "los perros del Señor"

Inicialmente, la actividad del Santo Oficio se centró solo en la diócesis de Sevilla y Córdoba, donde se había detectado un foco de conversos judaizantes. En 1481, se celebró el primer auto de fe, precisamente en Sevilla, donde fueron quemados vivos seis detenidos acusados de judeoconversos. Sin embargo, los escasos resultados no eran los deseados por los Reyes Católicos, que, buscando incrementar el acoso contra los conversos, nombraron a Tomás de Torquemada para el cargo de Inquisidor General de Castilla en 1483. La elección respondía a dos razones obvias: era el confesor de Isabel "la Católica", con la consiguiente influencia que ello conllevaba; y pertenecía a la orden de los dominicos. Pues, los miembros de la orden de predicadores -conocida también como orden dominicana- habían ejercido el papel de inquisidores durante la Edad Media y se dice, incluso, que Dominicanus es un compuesto de Dominus (Dios) y canis (perro), significando "los perros del Señor", por su celo en la búsqueda de herejes.

La incansable actividad de Torquemada, "el martillo de los herejes, la luz de España, el salvador de su país, el honor de su orden" -en palabras del cronista Sebastián de Olmedo-, llevó a miles de personas al fuego y extendió estos tribunales por toda la península. En 1492 ya existían tribunales en ocho ciudades castellanas (Ávila, Córdoba, Jaén, Medina del Campo, Segovia, Sigüenza, Toledo y Valladolid) y comenzaban a asentarse en las poblaciones aragonesas. Establecer la nueva Inquisición en los territorios de la Corona de Aragón, en efecto, resultó mucho más complicado. No fue hasta el nombramiento de Torquemada en 1483 también Inquisidor de Aragón, Valencia y Cataluña cuando la resistencia empezó a quebrarse. Además, el asesinato en 1485 del inquisidor zaragozano Pedro Arbués, hizo que la opinión pública diese un vuelco en contra de los conversos y a favor de la institución.

Torquemada inauguró el mayor periodo de persecución de judeoconversos, entre 1480 a 1530, que posteriormente fue sustituido por el acoso a otros grupos considerados subversivos, como los calvinistas o los protestantes. Del mandato de Torquemada se ha calculado que fueron ejecutadas 10.000 personas, según el historiador eclesiástico Juan Antonio Llorente, aunque el hispanista Henry Kamen rebaja la cifra a solo 2.000 personas hasta 1530. Pero, donde no caben dudas es en que de todos esos años fue en 1492, la fecha de la expulsión de los judíos de España, cuando se alcanzó las mayores cotas de violencia contra esta minoría religiosa. Por supuesto, Torquemada, encargado de redactar parte del edicto de expulsión, jugó un papel crucial en el proceso.

Detrás de la expulsión de los judíos

La decisión de los Reyes Católicos se fundamentaba en la mala influencia que ejercían los judíos, que no eran perseguidos por la Inquisición, en los conversos. Tras redactar las condiciones - básicamente, elegir entre bautizo o expulsión-, Torquemada presentó el proyecto a los Reyes el 20 de marzo de 1492, que lo firmaron y publicaron en Granada el 31 de marzo. La influencia de la Inquisición, en concreto de Torquemada, fue notable para que los Monarcas abordaran una medida tan radical, para la que ni Isabel ni Fernando se mostraron especialmente predispuestos años atrás.

"Judas vendió a Nuestro Señor por 30 monedas de plata", recordó al Rey

También es célebre la abrupta respuesta del Inquisidor General a los intentos de los judíos influyentes por rebajar la medida. Entre el mito y la realidad, se cuenta que el empresario judío Isaac Abravanel, que había servido en distintos cargos a los Reyes Católicos, ofreció al Rey Fernando una suma de dinero considerable para retrasar la medida. Al enterarse Tomás de Torquemada, se presentó ante el Rey y le arrojó a sus pies un crucifijo diciéndole: "Judas vendió a Nuestro Señor por treinta monedas de plata; Su Majestad está a punto de venderlo de nuevo por treinta mil".

En 1494, la salud de Torquemada empezó a declinar y dos años después se retiró al convento de Santo Tomás de Ávila que él mismo había fundado, desde donde siguió dictando las órdenes de la institución religiosa. A su muerte, el 16 de septiembre de 1498, le sucedió en el cargo de Inquisidor General fray Diego de Deza.

Su figura ha quedado asociada a la de un fanático que disfrutaba torturando y quemando a la gente. No obstante, Torquemada estaba considerado por sus contemporáneos como un eficiente administrador, un trabajador pulcro y un hombre imposible de sobornar. Era la virtud personificada para su época, aunque sus prácticas sean sumamente crueles a los ojos actuales. La leyenda negra contra los españoles, además, aprovechó para hinchar la cifra de fallecidos bajo su mandato hasta los 10.000. Hoy se ha rebajado el número a los 2.000, pero sigue siendo imposible justificar los métodos de interrogatorio y castigo a los falsos conversos que aplicó el inquisidor general, quien consideraba a cualquier niño mayor de 12 años susceptible de ser juzgado por la sangrienta institución que vertebró.

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Tomás de Torquemada, el sangriento Inquisidor General que tenía orígenes judíos

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La influencia del dominico fue fundamental para que los Reyes Católicos aprobaran la expulsión de los judíos de España. También varios de sus colaboradores más fanáticos en el Santo Oficio eran conversos, como en el caso de Alonso de Espina y Alonso de Cartagena

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El Bosco. El jardín de las delicias. (1500 - 1505)

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Rafael. Encuentro de León Magno y Atila (1514 - 1515)

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El arte y la escritura en la modernidad.

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El arte y la escritura en la modernidad.

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Miguel de Cervantes (1547 - 1616). Máxima figura de la literatura española.

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William Shakespeare (1564 - 1616). Considerado el escritor más importante en en lengua inglesa.

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El arte y la arquitectura  en la modernidad. El Barroco

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El arte y la arquitectura  en la modernidad. El Barroco

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Barroco. Estilo artístico desarrollado entre el siglo XVII y mediados del siglo XVIII.
Ejemplo: Los inválidos, París.
Construido inicialmente como una casa de retiro y hospital para veteranos entre 1671 y 1678, los Inválidos hoy en día alberga el museo del ejército francés, museo de los modelos militares y el museo de la historia contemporánea. Pero también es el lugar de descanso final de varios héroes nacionales francesas, como Napoleón Bonaparte.

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El arte y la arquitectura en la modernidad. El Barroco

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El arte y la arquitectura en la modernidad. El Barroco

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La catedral de San Pablo es ampliamente considerada como una de los mejores ejemplos de la arquitectura barroca Inglés. El diseño es obra del célebre arquitecto Inglés Sir Christopher Wren (1632-1723)

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El arte y la escultura en la modernidad. El manierismo.

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El arte y la escultura en la modernidad. El manierismo.

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tendencia estética que se inicia a finales del Renacimiento y se señala como transición al Barroco. Tuvo sus orígenes en las magistrales características escultóricas de la obra de Miguel Ángel, tales como el equilibrio estable entre la masa y el movimiento, sentido de la grandiosidad, facciones perfectas, gestos terribles y la perfección anatómica de la figura.

Escultura: Perseo con la cabeza de medusa.
Perseo con la cabeza de Medusa, también denominada el Perseo de Cellini, es una escultura realizada en bronce por Benvenuto Cellini. Es considerada una de las obras cumbre de la escultura manierista italiana y una de las estatuas más famosas de la Piazza della Signoria en Florencia, Italia.​

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El arte y la escultura en la modernidad. El Manierismo.

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El arte y la escultura en la modernidad. El Manierismo.

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Benvenuto Cellini (Florencia, 3 de noviembre de 1500-13 de febrero de 1571) fue un escultor, orfebre y escritor italiano.

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El arte y la música en la modernidad. Vivaldi.

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El arte y la música en la modernidad. Vivaldi.

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Antonio Vivaldi (1678 - 1741).
Su obra más famosa es “Il Cimento dell'Armonia e del'Inventione”, donde se encuentran las cuatro estaciones. Antonio Vivaldi escribió una gran cantidad de obras, donde se conocen más de 500 conciertos, 70 sonatas, 45 óperas y una extensa cantidad de composiciones de música religiosa.

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El arte y la música en la modernidad.  Johann Sebastian Bach.

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El arte y la música en la modernidad.  Johann Sebastian Bach.

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1685 - 1750) Johann Sebastian Bach ( fue un compositor, organista, clavecinista, violinista, violista, maestro de capilla y cantor alemán del período barroco. Fue el 🤬 más importante de una de las familias de músicos más destacadas de la historia, con más de 35 compositores famosos.

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Peter Henlein (Alemania 1480-1542) El relojero de Nuernberger.

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Su reloj acuerda (presentado en el año 1511) podía durar cuarenta horas antes de que se necesite rebobinar.

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Reloj caracol de Jabob Zech en 1525.

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Abraham Ortelius (Amberes 1527-1598) cartógrafo y cosmógrafo flamenco.

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Abraham Ortelius (Amberes 1527-1598) cartógrafo y cosmógrafo flamenco.

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Cartografía, publicó en 1570 su "Theatrum Orbis Terrarum"

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Cartografía, publicó en 1570 su "Theatrum Orbis Terrarum"

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Mencionado por primera vez por Martín Cortéz de Albacar en su "Arte de Navegar" (1551).

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Prótesis ortopédicas (Ambroise Paré. Francia). (1510-1590) 

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Prótesis ortopédicas (Ambroise Paré. Francia). (1510-1590) 

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CONCILIO DE LETRÁN V

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El Quinto Concilio Lateranense se celebró en Roma, teniendo como sede la Basílica de San Juan de Letrán, y desarrollándose en doce sesiones entre el 3 de mayo de 1512 y el 16 de marzo de 1517.

Está considerado por la Iglesia católica como el XVIII Concilio Ecuménico, y el décimo de los celebrados en Occidente.

La derrota del conciliarismo con el que se cerró el Concilio de Basilea, hizo que durante toda la segunda mitad del siglo xv no se volviera a celebrar un concilio ecuménico.

A principios del siglo xvi, en 1503, Julio II es elegido papa gracias a la promesa bajo juramento de que convocaría un concilio ecuménico. Tras nueve años de pontificado dicho concilio no había sido aún convocado por el papa.

Esta dilación fue aprovechada por Luis XII de Francia, enfrentado con un papa que pretendía liberar Italia de la influencia francesa, para lograr que un grupo de cardenales convocase, el 16 de mayo de 1511, el Concilio de Pisa, señalando como fecha de inicio el 1 de septiembre de dicho año.

El inicio del concilio se retrasó hasta el 1 de octubre, teniendo lugar entre siete u ocho sesiones, en las que se procedió a suspender a Julio II y se intentó recuperar el espíritu conciliarista que animó los concilios de Constanza y Basilea, para trasladarse en 1512 a Milán donde languidecería hasta su disolución.

El papa reaccionó a la convocatoria del concilio de Pisa, al que calificó de "conciliábulo", declarándolo nulo y convocando, el 18 de julio, el Quinto Concilio Lateranense fijando inicialmente su apertura para el 19 de abril de 1512, aunque su inicio se retrasó hasta el 3 de mayo debido a la victoria francesa de Rávena.

Julio II falleció el 21 de febrero de 1513 cuando sólo se habían celebrado cinco sesiones en las que los acuerdos más relevantes hicieron referencia a:

El sucesor de Julio, León X, continuó con el concilio logrando los siguientes acuerdos en las siete sesiones que presidió:

La adhesión al concilio de los franceses quienes, tras la muerte de Luis XII y su sucesión por Francisco I, abandonaron las posturas del concilio de Pisa.

La condena de Piero Pomponazzi y de su doctrina de negación de la inmortalidad del alma, reconociendo además la existencia de un alma distinta para cada hombre.

La obligación de que toda obra impresa sea autorizada por la Iglesia. Esta censura previa se traducirá, en 1559, en la creación del Index Librorum Prohibitorum.

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El Quinto Concilio Lateranense se celebró en Roma, teniendo como sede la Basílica de San Juan de Letrán, y desarrollándose en doce sesiones entre el 3 de mayo de 1512 y el 16 de marzo de 1517. Está considerado por la Iglesia católica como el XVIII Concilio Ecuménico, y el décimo de los celebrados en Occidente.

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REVOLUCIÓN LUTERO

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CONVERSIÓN SAN IGNACIO DE LOYOLA

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DIVISIÓN DE LA BIBLIA
una división en capítulos y versículos

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Aleteia.org | Español - valores con alma para vivir feliz

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¿Cómo se llegó a dividir la Biblia en capítulos y versículos? En los "originales" no había separación entre las palabras, ni vocales, ni signos de puntuación, ni títulos de cabecera que ayudasen a localizar los pasajes bíblicos.

Desde muy antiguo, y sobre todo en orden a la lectura litúrgica, se vio la necesidad de dividir el texto sagrado.

Hubo diversos sistemas, tanto entre judíos ("Sedarim"; "Perashiyyot"; "Pesuquim"), como entre cristianos ("Cánones eusabiani", de Eusebio de Cesarea) para dividir los evangelios en 1162 secciones.
División en capítulos Esteban Langton, arzobispo de Canterbury, que había sido gran canciller de la Universidad de París, hizo la división del Antiguo Testamento y Nuevo Testamento en capítulos sobre el texto latino de la Vulgata de San Jerónimo, hacia el año 1226.
De la Vulgata, pasó al texto de la Biblia hebrea, al texto griego del Nuevo Testamento y a la versión griega del Antiguo Testamento.

Estableció una división en capítulos, más o menos iguales, muy similar al que tenemos en nuestras Biblias impresas.

Hacia el 1226, los libreros de París, introducen estas divisiones en capítulos en el texto bíblico, dando lugar a la que se conoce como la Biblia Parisina. Desde entonces, esta división se hizo universal.
División en versículos
Santos Pagnino (1541), judío converso, después dominico, originario de Luca, (Italia) dedicó 25 años a su traducción de la Biblia, publicada en 1527, y fue el primero en dividir el texto en versículos numerados.

Se imprimió en Lyon. Era una versión muy literal que constituyó un punto de referencia entre los humanistas de la época y que fue reimpresa varias veces.

Roberto Estienne, prestigioso impresor, realizó la actual división en versículos del Nuevo Testamento en 1551. En 1555 hizo la edición latina de toda la Biblia.

Para los versículos del Antiguo Testamento hebreo tomó la división hecha por Santos Pagnino. Para los restantes libros del Antiguo Testamento, elaboró una propia y empleó para el Nuevo Testamento la que pocos años antes él mismo había realizado.

El recurso de dividir el texto bíblico en capítulos y versículos numerados permite, desde entonces, encontrar inmediatamente un pasaje, sea cual sea la puesta en página adoptada por la edición.

Es una herramienta fundamental para los investigadores y para poder emplear todos una misma referencia.
Biblia impresa con capítulos y versículos
La primera Biblia impresa que incluyó totalmente la división de capítulos y versículos fue la llamada Biblia de Ginebra, que se publicó en 1560, en Suiza.

Los editores de la Biblia de Ginebra optaron por los capítulos de Stephen Langton y versículos de Robert Estienne, conscientes de la gran utilidad que tenían para la memorización, localización y comparación de pasajes bíblicos.

En 1592, el papa Clemente VIII, hizo publicar una nueva versión de la Biblia en latín para uso oficial de la Iglesia católica, y en ella se incluyó la división actual de capítulos y versículos.

Así que finalizando el siglo XVI, los judíos, los protestantes y los católicos habían aceptado la división en capítulos introducida por Stephen Langton y la subdivisión en versículos introducida por Robert Estienne.

De manera que desde entonces, estas divisiones en capítulos y versículos ganaron aceptación como una forma estándar para localizar los versículos de la Escritura y se aceptaron universalmente.

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¿Quién dividió la Biblia en capítulos y versículos?

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¿Cómo se llegó a dividir la Biblia en capítulos y versículos? En los "originales" no había separación entre las palabras, ni vocales, ni signos de puntuación, ni títulos de cabecera que ayudasen a localizar los pasajes bíblicos. Desde muy antiguo, y sobre todo en orden a la lectura litúrgica, se vio la necesidad de dividir el texto sagrado.

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CONCILIO DE TRENTO
(doctrinal)
4 puntos fundamentales:
- Sagradas Escrituras. Importancia a Todos los libros de la Biblia son inspirados y deben ser interpretados a la luz de la Tradición.
- Pecado original

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-La JUSTIFICACIÓN. punto central. Abordado en texto
-Sacramentos en general, fundamental la Eucaristia como presencia real de 🤬

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BATALLA DE MUHLBERG

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PAZ DE AUGSBURGO

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PIO V
(Santo) fiel al concilio, gran ejemplo del papado,  Hizo imprimir el "Catecismo Romano", escrito anteriormente por unos Padres dominicos, para los sacerdotes y fieles.

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BATALLA DE LEPANTO