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Mona Hatoum est née à Beyrouth de parents palestiniens qui n'ont jamais obtenu la nationalité libanaise.En 1975, Mona Hatoum part en Angleterre pour un séjour d'une semaine, mais elle ne pourra pas retourner au Liban car la guerre vient d'y éclater. Son exil, l'éloignement d'avec sa famille, l'oppression, sont des thèmes qui reviennent souvent dans son travail.

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Mona Hatoum est née à Beyrouth de parents palestiniens qui n'ont jamais obtenu la nationalité libanaise.En 1975, Mona Hatoum part en Angleterre pour un séjour d'une semaine, mais elle ne pourra pas retourner au Liban car la guerre vient d'y éclater. Son exil, l'éloignement d'avec sa famille, l'oppression, sont des thèmes qui reviennent souvent dans son travail.

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Mona Hatoum, 3D Cities, 2008, cartes imprimées, bois; cartes de trois villes meurtries par la guerre: Beyrouth, Bagdad, Kaboul.

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Mona Hatoum, Map Clear, 2015, billes de verre de 20mm de diamètre,  posées au sol. Lorsque les visiteurs approchent de l’œuvre, les billes de verre se déplacent, faisant référence à l'instabilité et aux conflits présents dans le monde que nous habitons.

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Cette cage d'acier sphérique, orientée selon le même angle que la Terre représente notre globe et ses zones de conflit.

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Mona Hatoum, Hot Spot, acier inoxydable, tube néon, 234 x234x 223cm, 2014

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Mona Hatoum est fascinée par les cartes.Selon elle "les cartes nous parlent d'intégration, d'exclusion, d'appartenance, de non appartenance, de frontières, de zones de conflits; les cartes nous permettent d'être ici et maintenant.Regarder une carte... transporte dans un autre endroit."                                     

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Mona Hatoum est fascinée par les cartes.Selon elle "les cartes nous parlent d'intégration, d'exclusion, d'appartenance, de non appartenance, de frontières, de zones de conflits; les cartes nous permettent d'être ici et maintenant.Regarder une carte... transporte dans un autre endroit."                                     

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Mona Hatoum, Suspendu, 2009-2010, installation, 40 balançoires en médium noir replaqué de faces stratifiées rouges, chaînes en métal.
Dans cette vidéo, nous découvrons le processus de création d'une œuvre, de sa conception, à sa réalisation.

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Mona HATOUM - A propos de « Suspendu », 2010, un film d'Alyssa Verbizh *

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14 min. Réalisation : Alissa Verbizh, image et montage : Thomas Lallier, son : Frank Hirsch. Extraits du film « L’Art et la manière/Mona Hatoum » (26 min). Une co-production MAC/VAL, Musée d’art contemporain du Val-de-Marne et Mirage Illimité (2010). 

Entretien avec Mona Hatoum, artiste en résidence au MAC/VAL entre novembre 2009 et mai 2010, à propos de « Suspendu », une installation composées de balançoires sur lesquelles sont gravées les cartes des capitales de différents pays d’origine d’habitants de Vitry-sur-Seine.

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Mona Hatoum, Hot Spot, 2018

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Classes de 5ème                 La représentation

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Michael Drucks                            Drucksland, physical and social, 15 january 1974, 11.30am                   1974                                  Lithographie                                  45 X 38 cm

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Michael Drucks                            Drucksland, physical and social, 15 january 1974, 11.30am                   1974                                  Lithographie                                  45 X 38 cm

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Michahl Drucks est un artiste israelien vivant en Angleterre.Il est très fortement marqué par la notion de territoire et de frontière. En 1973, il commence une série d'autoportraits sous la forme de cartes topographiques illustrant une pénisule: le Drucksland.                Drucks attribue les coordonnées aux détails de son histoire et de sa vie créant une carte de sa personnalité intime et privée,montrant les interrelations entre les lieux,les personnes, les secrets chiffrés, les sentiments et les rêves qui vibrent derrière la chair et la peau de son visage.

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Kim Dingle, United Shapes of America, Maps drawn from memory by Los Angeles teenagers 

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Un des processus en jeu est la mise à l'épreuve de la mémoire et de la construction mentale de l'espace. C'est ainsi que Kim Dingle fait dessiner en 1994 par des jeunes américains de Las Vegas, la silhouette des USA.Ceux-ci proposent des visions erronées ou excentriques aux contours contractés ou dilatés selon les cas, que l'artiste rassemble en une planche, United Shapes of America III.

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Kim Dingle, Map of the US on emergency blanket, 72X 48 inch,oil on emergency blanket

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Kim Dingle Over Wood with bullets hammered into a blue sky over maps in th US, 72 X 84 inches, oil on canvas

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En 1903, Liebes-Râthsel a publié dix cartes postales illustrant les poèmes du poète allemand Henrich Heine.Les mots et les vers du poème deviennent des terres et des îles.La carte devient un récit.

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En 1903, Liebes-Râthsel a publié dix cartes postales illustrant les poèmes du poète allemand Henrich Heine.Les mots et les vers du poème deviennent des terres et des îles.La carte devient un récit.

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Voici la traduction de ce poème:          "Je t'ai aimé et t'aime encore!                  Et si le monde s'écroulait,                   De ses ruines s'élèverait toujours         Les flammes de l'amour."

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Robert Louis Stevenson,         "Mon premier livre: l'île au trésor", Août 1894.

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Robert Louis Stevenson,         "Mon premier livre: l'île au trésor", Août 1894.

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Voici ce que dit l'auteur de L'île au trésor, Robert Louis Stevenson:                            "Les aventures de l'île au trésor ne sont pas encore finies.J'avais écrit le texte d'après une carte.La carte était l'élément clé de mon intrigue...Pays réel ou imaginaire, l'auteur doit le connaitre comme sa pioche.Distances, points cardinaux, coucher du soleil, course de la lune..."

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Alighiero e Boetti                             Carte du monde                             1982, tapisserie                         115 x 170cm

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Alighiero e Boetti                             Carte du monde                             1982, tapisserie                         115 x 170cm

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L'artiste italien Alighiero e Boetti, au cours d'un voyage, a découvert la culture orientale.Fasciné par le travail des brodeuses d'Afghanistan, il leur commande la réalisation de planisphères.Il fera de même au Pakistan.Durant une vingtaine d'années, sur la base de ses dessins,plus de cinquante Mappe seront ainsi exécutées, aux couleurs des drapeaux concernés.

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Philippe Favier, Géographie à l'usage des gauchers,exposition organisée pour le Musée d'art contemporain de Lyon, 2004.

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Philippe Favier, Géographie à l'usage des gauchers,exposition organisée pour le Musée d'art contemporain de Lyon, 2004.

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Philippe Favier réalise en 2004 une exposition pour le musée d'art contemporain de Lyon, intitulée Géographie à l'usage des gauchers. Cette exposition est l'occasion d'un travail préparatif sur une durée d'un an environ, que l'artiste présente comme un voyage, comme une expédition faisant partie intégrante de l'exposition. Philippe Favier introduit un jeu de cadavre exquis sur des contours d'îles imaginaires en collaboration avec d'autres artistes autour de la thématique de la carte.La géographie est liée pour Philippe Favier à l'idée de Voyage et d'évasion. Et il utilise depuis le début de sa carrière des symboles évocateurs: le timbre, la carte postale, les phares, les bateaux et la figure du capitaine Cook qui provient de son enfance.

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Géographie à l'usage des gauchers, 2004-2005
Production dans le cadre de l'exposition, Musée d'art contemporain de Lyon, juin 2005
Collection Musée d'art contemporain de Lyon, 2007
Photos : Blaise Adilon

Installation sur 700m ² composée de deux espaces : un espace lumineux où prédomine la cartographie composée de 396 petits cadres, un hémisphère sombre accueillant un ensemble hétéroclite d'objets évoquant le voyage et l'exploration.
+ Lire la légende complète

Diaporama 7 photos

Planisphère imaginaire, avec ses continents, îles, archipels, océans, baptisés des noms donnés par ceux qui, au long de l'expédition, ont répondu aux Cartographie, 2005
396 cadres (32 x 32 cm chacun), 11,7 x 4,80 m
Peinture blanche sous verre, dessin stylo-bille, fond aluminium blanc, éléments découpés et collés

questionnaires envoyés par Philippe Favier.

+ cliquer sur l'image pour voir des détails

Libération, 2005
17 coupures de presse encadrées du feuilleton mensuel Expédition Favier par Henri-François Debailleux, paru dans Libération pendant l'expédition.
+ Lire Planète Favier, Henri-François Debailleux, www.liberation.fr, 1er août 2005
+ Voir une sélection d'articles extraits de l'édition des Cahiers Intempestifs, 2005

Courriers, 2005
Série épistolaire, 22 lettres envoyées par Philippe Favier à Éric Darragon et Éric Holder pour qu'ils les complètent.

+ Lire une sélection de courriers

Dessins de Philippe Favier et Jean-Michel Alberola, 2004-2005
70 dessins encadrés, stylo bic et encre, réalisés sur un principe de cadavre exquis.

diaporama 14 photos

Pellucidar, 2005
Installation d'objets hétéroclites évoquant le voyage et l'exploration.

+ cliquer sur l'image pour voir des détails

Planches de figures, 2005
60 dessins au stylo bic et encre encadrés, pupitre, livre

+ Voir Géographie à l'usage des gauchers - Carnets d'une exposition
Édition des Cahiers intempestifs, Saint-Étienne, 2005

Diaporama 2 photos

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Géographie à l'usage des gauchers , 2004-2005Production dans le cadre de l'exposition, Musée d'art contemporain de Lyon, juin 2005Collection Musée d'art contemporain de Lyon, 2007 Photos : Blaise Adilon Installation sur 700m 2 composée de deux espaces : un espace lumineux où prédomine la cartographie composée de 396 petits cadres, un hémisphère sombre accueillant un ensemble hétéroclite d'objets évoquant le voyage et l'exploration.

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Dans notre monde mû par des contradictions, des tensions géopolitiques, des esthétiques diversifiées, Mona Hatoum nous offre un œuvre qui atteint une universalité inégalée, un œuvre devenu " modèle " pour de nombreux artistes contemporains. L'artiste britannique, d'origine palestinienne, est l'une des représentantes incontournables de la scène contemporaine internationale. Son œuvre s'impose par la justesse de son propos, par l'adéquation entre les formes et les matériaux proposés, par la pluridisciplinarité de son travail et finalement par sa relecture originale et engagée des mouvements d'art contemporain (performance, cinétisme, minimalisme). Après avoir réalisé, voilà vingt ans, la première exposition muséale dédiée à l'œuvre de Mona Hatoum, le Centre Pompidou lui consacre aujourd'hui une première grande monographie qui réunit une centaine d'œuvres et rend compte de la pluridisciplinarité de son travail, de 1977 à 2015. Sans chronologie, comme une " cartographie " de la trajectoire de Mona Hatoum, l'exposition offre au public une traversée de son œuvre par affinités formelles et sensibles. Ainsi les performances des années 1980, qu'elles soient documentées en photos, dessins ou vidéos, sont mises en relation avec des installations, des sculptures, des dessins, des photographies et des objets datant de la fin des années 1980 à aujourd'hui.

Mona Hatoum, née au Liban en 1952 de parents d'origine palestinienne, quitte ce pays en 1975 pour un court séjour à Londres au moment où la guerre éclate au Liban. Elle reste dans la capitale britannique où elle commence des études d'art. Deux grandes périodes divisent son travail. Durant les années 1980, Mona Hatoum explore le territoire de la performance et de la vidéo. Son œuvre est alors de nature narrative et se penche sur des questions sociales et politiques. Depuis les années 1990, sa production est caractérisée par des œuvres plus " permanentes ", des installations, des sculptures ou des dessins. Se plaçant désormais dans des perspectives d'avant-garde, Mona Hatoum explore des installations influencées par le cinétisme et les théories phénoménologiques, ou d'autres installations qu'on pourrait définir comme postminimalistes, utilisant des matériaux trouvés dans le monde industriel (grilles et fils de fer barbelé) ou dans son propre environnement (cheveux). Certaines de ses installations et de ses sculptures, engagées pour la plupart, sont orientées par le féminisme. Autour d'elles gravitent des objets plutôt surréalistes, des travaux sur papier réalisés avec des matériaux du quotidien inhabituels ou des photographies prises lors de voyages, et en lien avec d'autres œuvres de l'exposition.

Entretien avec l'artiste.

Christine van Assche Vous avez passé vingt-trois ans au Liban où vous êtes née, et vous vivez depuis quarante ans entre la Grande-Bretagne et Berlin. Comment vous situez-vous entre ces différentes cultures, entre le Moyen-Orient et l'Occident, ou plutôt comment situez-vous votre travail ?
Mona Hatoum - Je ne crois pas qu'il faille penser à mon travail en ces termes. Je trouve dommage que les gens approchent mon travail dans l'idée de le connecter à mes origines. Cela limite leur lecture et élude les subtilités formelles et l'expérience complète que peuvent offrir mes œuvres. Mon travail utilise la géométrie, l'abstraction et le langage formel de l'art. Les grandes installations que j'ai créées depuis le début des années 1990 font référence à l'architecture, aux structures du pouvoir et du contrôle que j'ai observées en Occident. Mes racines sont au Moyen-Orient. Toute ma scolarité s'est déroulée à Beyrouth, ville cosmopolite où j'ai étudié dans une école française avant de terminer mes études dans une école italienne, pour ensuite rejoindre une université américaine. Bien avant de quitter le Liban, j'étais donc déjà exposée à des influences très diverses et éclectiques. C'est une situation typique de la condition postcoloniale dans les régions arabes et nord-africaines, où la conjonction de multiples influences culturelles nourrit la psyché de sa complexité, de sa richesse. J'ai désormais passé les deux tiers de ma vie en Angleterre, et, depuis plus récemment, je partage mon temps entre Londres et Berlin. J'ai donc vécu une expérience culturelle hybride, une existence plurielle, et je pense que cela se reflète clairement dans la diversité formelle et les approches multiples qui se font jour dans mon travail.

CVA - Qu'entendez-vous par la référence aux " structures du pouvoir occidentales " ?
MH - La surveillance permanente exercée sur la société est une des premières choses qui m'a frappée lorsque je suis arrivée en Angleterre. À la fin des années 1970, mon engagement auprès de groupes féministes m'a conduite à examiner les relations de pouvoir qui existaient, d'abord à travers le prisme du fossé entre les genres, puis à travers celui des relations entre les races. J'ai également observé que l'institution bureaucratique dont je faisais partie à l'époque (University College London) était un microcosme de pouvoirs coloniaux. Cette observation m'a poussée à analyser la relation entre l'Occident et le tiers-monde. À l'époque, je lisais Foucault et Bataille et me suis intéressée de près aux concepts de Panopticon et de surveillance, ainsi qu'à d'autres mécanismes de contrôle étatique.

CVA - Tout votre travail engage le spectateur dans une relation complexe, différente néanmoins dans les performances, les sculptures et dans les œuvres d'installation. Comment avez-vous fait évoluer cet engagement ?
MH - J'aime entraîner les gens vers une approche visuelle et physique, de sorte que les associations ou les interprétations jaillissent de cette première rencontre physique avec l'œuvre. Dans mes performances, j'avais une relation directe avec le public, mais lorsque j'ai commencé à créer des installations, j'ai souhaité que le corps du spectateur supplante mon propre corps. Au sein des grandes installations, qui peuvent être assez imposantes en surface, le spectateur fait peu à peu corps avec l'espace et les éléments formels de l'œuvre, afin d'expérimenter un sentiment d'instabilité ou de menace par exemple. Concernant les sculptures et en particulier lorsqu'elles prennent la forme d'objets domestiques et de mobilier le spectateur peut projeter son propre corps sur une œuvre et s'imaginer en train d'en user. Le fait que ces œuvres aient été transformées en objets inutilisables et menaçants nous pousse à remettre en cause la sécurité du monde dans lequel nous vivons.

CVA - Comment sont présentées les performances dans l'exposition ?
MH - Une sélection de performances dix au total est présentée, documentée à travers des photographies, carnets de croquis et textes descriptifs. Quatre vidéo-documentations de performances sont également montrées dans l'exposition, représentant, avec les travaux-vidéos, la majorité de ce que j'ai réalisé tout au long des années 1980. Le tout est dispersé dans l'exposition, offrant ainsi une perspective et une expérience de visite différentes, à côté d'installations plus formelles, expérientielles, et de sculptures.

CVA - Vous avez réalisé plusieurs vidéos, non liées aux performances. Celles-ci correspondent-elles à une certaine période de votre carrière ? À certaines recherches spécifiques ?
MH - Dans les années 1980, aux côtés de mon travail de performances qui incluait souvent un élément de vidéo live, j'ai produit plusieurs vidéos qui étaient une extension de ce que je faisais à l'époque, basé sur la temporalité et la narration. La première de ces vidéos, So much I want to say, consistait en une performance avec une transmission satellite à balayage lent ( slowscan), réalisée entre Vancouver et Vienne en 1983. J'ai également utilisé des séquences filmées en Super 8 pendant la performance Under Siege (1982), pour introduire un chaos dans la seconde partie de l'œuvre Changing Parts (1984). En outre, j'ai totalement reconfiguré certains éléments issus d'un extrait d'une performance complexe, intitulée Mind the Gap (1986), pour créer en 1988 la vidéo Measures of Distance. Depuis, j'ai produit des installations-vidéos qui traitent du problème de la surveillance, telle que Corps étranger (NDLR : une œuvre produite en 1994 pour le Centre Pompidou et entrée dans sa collection la même année), ainsi qu'une série d'installations pour laquelle j'ai projeté sur l'espace d'exposition des sons et des images live captés dans la rue, en utilisant une caméra de surveillance.

CVA - L'exposition propose un certain nombre d'installations impressionnantes et minimalistes par leurs matériaux, leur relation à l'espace et au spectateur. Que représentent ces installations dans l'ensemble de votre travail ? Comment les situez-vous dans le mouvement minimaliste ?
MH - Dans les grandes installations, j'ai eu recours à des grilles, à la géométrie du cube, ainsi qu'à la sérialité et à la répétition, comme autant de dispositifs formels minimalistes. Mais quand le cube se transforme en une cage et que la grille devient une barrière, ils cessent d'être abstraits : ils font référence au confinement, au contrôle, et, finalement, à l'architecture de la prison. Certaines de ces installations, telle Light Sentence (1992), sont performatives et utilisent la lumière, les ombres et le mouvement afin de déstabiliser l'espace. D'autres, telle Map (clear) (2015), intègrent un matériau instable - les billes de verre - afin de transformer le sol sous nos pieds en une surface trompeuse. Ce travail n'est donc minimaliste qu'à un niveau formel et esthétique. Il n'est pas autoréférentiel, mais il est ouvert à l'interprétation et fait souvent référence à l'instabilité et aux conflits présents dans le monde que nous habitons.

CVA - Vous réalisez également des objets qui semblent davantage relever du surréalisme et laissent filtrer une touche d'humour. Est-ce une intention délibérée de votre part ?
MH - L'humour a toujours joué un rôle important dans mon travail. Je l'ai souvent associé à une touche de surréalisme afin de contredire ou de dégonfler certains thèmes sérieux évoqués dans mes premiers travaux. Comme avec Roadworks, une performance de 1985 dans laquelle je marchais pieds nus dans les rues de Brixton, en traînant derrière moi de lourdes bottes de policier, ou bien dans le tableau intitulé Over my dead body (1988), où le symbole de masculinité était réduit à un jouet représentant un petit soldat. L'humour est aussi évident dans les sculptures telles que Jardin Public (1993), Untitled (wheelchair) (1998-99), T42(gold) (1999). On le retrouve également dans les séries de sculptures où j'agrandis, dans des proportions surréalistes, des ustensiles de cuisine inoffensifs, et les transforme en paravents ou en lits menaçants. Je suis intéressée par le surréalisme car je le conçois comme une visualisation des contradictions et des complexités qui nous habitent, et une manière de faire de l'art à partir de la réalité intime plutôt qu'à partir de notre esprit logique. Le concept de l'étrange, ou celui de la chose familière qui devient inquiétante voire menaçante parce qu'elle est associée à un certain traumatisme, a souvent figuré d'une manière ou d'une autre tout au long de mon travail.

CVA - Quels sont les artistes modernes ou contemporains dont vous vous sentez le plus proche ?
MH - Les artistes qui m'ont inspirée aux différentes étapes de mon parcours sont Marcel Duchamp, René Magritte, Meret Oppenheim, Agnès Martin, Eva Hesse, Felix Gonzales-Torres et bien d'autres encore...
Propos recueillis par Christine van Assche, commissaire de l'exposition.

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Dans notre monde mû par des contradictions, des tensions géopolitiques, des esthétiques diversifiées, Mona Hatoum nous offre un œuvre qui atteint une universalité inégalée, un œuvre devenu " modèle " pour de nombreux artistes contemporains. L'artiste britannique, d'origine palestinienne, est l'une des représentantes incontournables de la scène contemporaine internationale.

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2009-2010
40 balançoires en medium noir recouvert de stratifiées rouges, chaînes en acier, dimensions variables.
Production MAC/VAL.
Collection MAC/VAL,
musée d'art contemporain
du Val-de-Marne.
Acquis avec la participation
du FRAM Île-de-France.
Photo © Jacques Faujour.

Notice

Mona Hatoum est une des plus grandes artistes qui soient aujourd'hui. Artiste nomade, le monde est son territoire, elle le parcourt sans cesse, redessinant ses frontières au fil de ses voyages, le domestiquant au fil du temps passé à le parcourir, elle dont la famille a dû apprendre à vivre sur une autre terre que la sienne. Dans son périple incessant, Mona Hatoum a répondu à notre invitation et a passé quelques mois en résidence au MAC/VAL, de novembre 2009 à mai 2010.

Les parents de Mona Hatoum sont originaires d'Haïfa, en Palestine, terre qu'ils ont dû quitter en 1948 en raison du conflit avec Israël. Ils se sont alors installés à Beyrouth, où Mona est née, a grandi et suivi ses études secondaires, en français. Mais c'est l'anglais qu'elle choisit, langue que son père parlait à l'ambassade britannique où il travaillait. En 1975, elle part en vacances à Londres où elle envisageait de faire ses études. Ce sera le cas : la guerre civile du Liban a commencé et elle ne peut rentrer. Toute une histoire familiale marquée au fer rouge par l'exil, les départs, la perte, les souvenirs emmenés ou perdus. Toute une vie à vérifier et à situer sa propre existence, par des performances d'abord, avec son corps (Mona Hatoum est dès lors rattachée à un courant féministe de l'art), puis en rejoignant l'univers symbolique des objets. Avec eux, et par eux, elle entraîne le spectateur dans des expériences sensibles, mais aussi conceptuelles.

L'oeuvre de Mona Hatoum touche car elle a de prime abord ce caractère familier et émouvant de ce que l'on (re)connaît, de ce qui fait mémoire. Son vocabulaire plastique est celui du vivant et du vécu, des objets du quotidien, de ce qui nous entoure et nous compose : lits, ustensiles de cuisine, cartes géographiques, oreillers et cheveux en boule... Des objets qui nous touchent et que nous touchons. Avec ce vocabulaire de formes connues, Mona Hatoum nous emporte dans un univers étrange, une terra incognita ; après le temps de la familiarité et des retrouvailles, les objets échappent à leur sens premier et s'élèvent contre l'état des choses. Hors échelle, fabriqués de matériaux étrangers à leur nature initiale, ils nous deviennent méconnaissables ou inconnus, chargés d'une histoire autre.
Parce que le monde est en fusion, parce que les frontières sont artificielles, créations des enjeux géopolitiques qui dominent les hommes, parce que ceux-ci souffrent des ambitions économiques et politiques, parce qu'il y a deux mondes qui s'envisagent et s'affrontent, le Nord et le Sud, l'Occident et l'Orient, Mona Hatoum interroge la situation impossible de l'être humain. Placé sur le fil de l'histoire, l'individu tente de créer son chemin et de s'installer, de se faire une place dans un monde instable.

C'est la situation qu'évoque Suspendu, oeuvre unique créée par Mona Hatoum pour le musée. L'artiste dit avoir accepté l'invitation du MAC/VAL car elle retrouve à Vitry des destins individuels résonant avec sa propre histoire familiale, et des destins aujourd'hui retenus dans une architecture dont l'utopie d'autrefois ne rencontre plus en rien la réalité contemporaine. Surtout, Mona Hatoum possède ce désir de créer toujours, et de rencontrer de nouvelles situations, de nouveaux savoir-faire.

Ces destins suspendus, encore en devenir, instables, sont évoqués par une forêt de balançoires qui dessinent dans l'espace une cartographie impossible et mouvante du monde. Chaque assise est gravée du plan d'une capitale ou d'une ville liée à l'origine des nouveaux arrivants. Découpés net dans le bois, les plans représentent par leur tracé autant de stigmates de l'histoire : des plans géométriques et modernes, des plans aux lignes brisées, des plans sans plan... Le contraste avec les chaînes est brutal ; lourdes, épaisses, celles-ci retiennent plus qu'elles n'évoquent l'envol et la liberté. L'assise est ici comme clouée au sol, emprisonnée. Alors que la balançoire, elle-même facteur de vertige, est le signe de l'enfance, du jeu, voire en France de la rencontre amoureuse, elle devient dans cet environnement le symbole du poids des souvenirs et des contraintes à décider de sa vie.

La force de l'oeuvre de Mona Hatoum est dans cette implication physique du visiteur qui, sans repères ni boussole, cherche à retrouver le nom des villes, à comprendre cette géographie imaginaire. Mais il cherche aussi à se frayer son propre chemin dans cet univers instable et dangereux qui semble se défaire à peine abordé, invitation, sous couvert du jeu, à vivre l'expérience glaçante de l'exilé.

A.F.

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2009-201040 balançoires en medium noir recouvert de stratifiées rouges, chaînes en acier, dimensions variables. Production MAC/VAL.Collection MAC/VAL, musée d'art contemporain du Val-de-Marne. Acquis...