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Photographe plasticien qui invente des maquettes miniatures de décors, les photographies, puis les détruis.

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L'artiste allemand reproduit en papier des images issues de la presse. Ses clichés, à la frontière de la fiction et de la réalité, interrogent le pouvoir de l'image. Pour " M ", qui lui donne " carte blanche " jusqu'à fin mai, il dévoile des photos de détails inédites.

Par Roxana Azimi

Ce casier n'est pas un casier, cet escalier n'est pas un escalier. Depuis le milieu des années 1990, le photographe allemand Thomas Demand, qui réalise une " Carte blanche " pour M, trouble le monde de la photographie avec ses vraies fausses images. Elève indiscipliné, il a pris à rebours l'enseignement de ses professeurs de l'académie de Düsseldorf, Bernd et Hilla Becher, connus pour leurs austères portraits de châteaux d'eau. " L'objectivité, je l'ai jetée par-dessus bord, dit-il tout sourire. Je suis artiste, pas documentariste ! " Son travail, néanmoins, se situe dans cette fragile articulation entre réalité et fiction. Les photos de Demand sont le fruit d'un patient travail de construction. Le procédé n'a pas varié en vingt ans.

" La photographie n'est pas une réalité, mais une représentation qu'il faut déchiffrer. " Thomas Demand

A partir d'images d'archives de journaux, il réalise d'abord une maquette en papier et en carton - grandeur nature - d'un lieu dénué de présence humaine, et généralement chargé d'histoire. Au catalogue : l'atelier de Matisse, la salle de contrôle de la centrale de Fukushima, le bunker d'Hitler, le tunnel du pont de l'Alma fatal à Lady Di, mais aussi des " non lieux " familiers, des bureaux froids et anonymes qui rappellent les entreprises déshumanisées. Pour accentuer la vraisemblance du décor, l'artiste peaufine l'éclairage. Passée la prise de vue, la maquette si soigneusement confectionnée pendant deux à trois semaines est immédiatement détruite.

Est-ce du vrai ou du faux ? L'illusion est quasi parfaite. Si Thomas Demand aime ainsi instiller le doute, c'est que lui-même se méfie d'un média si souvent utilisé comme arme de propagande. " L'art doit vous rendre conscient que ce que vous voyez est toujours une construction, professe-t-il. La photographie n'est pas une réalité, mais une représentation qu'il faut déchiffrer. " Et de poursuivre : " Vous devez apprendre à douter de tout. Ce que représente une photo compte moins que la source. Qui vous l'envoie ? Dans quel but ? Voilà les bonnes questions ! " Une hygiène du regard précieuse à l'ère des fake news et des photomontages.

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Pour sa " Carte blanche ", Thomas Demand s'est concentré sur des détails qu'il ne montre habituellement jamais. " Avant de détruire une maquette, confie-t-il, je prends des photos avec un petit appareil, juste pour moi. C'est comme un ultime coup d'œil avant démolition. " Selon lui, les détails ont le pouvoir de raviver la mémoire immédiate. Des casiers anonymes ? Pour Demand, ils évoquent une école américaine, de celles qui sont régulièrement endeuillées et réveillent le sempiternel débat sur la vente libre des armes à feu. Un éboulement de pierres ? Il fait le lien avec les destructions quotidiennes en Syrie. Deux portes entrebâillées sont celles que tout journaliste doit forcer pour avoir accès à l'information. Quant aux violons suspendus chez un luthier, ils rappellent que la seule chose que l'intelligence artificielle ne peut façonner, c'est l'instrument de musique. Un escalier ? à vous de trouver...

Lire aussi : Les prouesses de Thomas Demand, illusionniste de la photo et de la vidéo

" The Complete Papers ",de Thomas Demand, MACK, 80 €, à paraître en mai.

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L'artiste allemand reproduit en papier des images issues de la presse. Ses clichés, à la frontière de la fiction et de la réalité, interrogent le pouvoir de l'image. Pour " M ", qui lui donne " carte blanche " jusqu'à fin mai, il dévoile des photos de détails inédites.

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Peintre historique de la Première Renaissance italienne.

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S andro di Mariano Filipepi dit Botticelli, est ne a Florence entre mars 1444 et mars 1445 ou son pere etait tanneur. Son surnom de Botticelli provient de "botticello" , qui signifiait "petit tonneau", nom qui semble t'il, avait ete donne a son frere Giovanni, ou peut etre a l'orfevre chez qui Sandro avait ete mis en apprentissage des le plus jeune age.

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Sculpteur plasticien americain au style kitsch néo-pop, qui vise à transformer en œuvre d’art les plus banales, ne laisse pas indifférent.

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L’un des artistes africains les plus célèbre. Ses toiles figuratives, tirent leurs motifs du quotidien, illustrent la satires sociales et jouent constamment entre vraie et fausse naïveté.

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Chéri Samba est né en 1956 à Kinto M'Vuila, en République Démocratique du Congo. En 1972 il s'installe à Kinshasa, la capitale, où il gagne sa vie comme peintre d'enseignes publicitaires tout en réalisant des bandes dessinées pour sa revue Bilenge Info. Trois ans plus tard, il transpose ses bandes dessinées sur la toile, inaugurant ainsi la peinture à bulles. Il met en scène les faits de société, moeurs, sexualité, maladie, inégalités sociales, corruption, etc., et atteint rapidement une grande popularité locale. Le Tout Kinshasa connaît désormais Chéri Samba, grand maître de la peinture populaire.
A partir de la fin des années 1980, il devient lui-même commentateur au coeur de ses tableaux afin " qu'on me connaisse non plus seulement de nom mais aussi de visage comme un présentateur de journal télévisé ". Pour lui l'art n'a pas de frontière. Ses tableaux les plus récents traitent de l'actualité mondiale. Ils sont toujours peints dans une palette chromatique riche, vive, contrastée et le plus souvent pailletée comme pour en dédramatiser le sujet afin que le spectateur puisse les pénétrer sans appréhension et même les trouver beaux quel qu'en soit le message.

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république démocratique du congovit et travaille à kinshasa

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république démocratique du congochéri samba est né en 1956 à kinto m'vuila

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en république démocratique du congo. en 1972 il s'installe à kinshasa

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où il gagne sa vie comme peintre d'enseignes publicitaires tout en réalisant des bandes dessinées pour sa revue bilenge info. trois ans

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Chéri Samba Né en 1956 à Kinto M'Vuila, République Démocratique du CongoVit et travaille à Kinshasa, République Démocratique du CongoChéri Samba est né en 1956 à Kinto M'Vuila, en République Démocratique du Congo. En 1972 il s'installe à Kinshasa, la capitale, où il gagne sa vie comme peintre d'enseignes publicitaires tout en réalisant des bandes dessinées pour sa revue Bilenge Info.

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Land-artiste connu pour avoir emballé dans un drap blanc le Pont-Neuf à Paris. Couple incontournable du Land-Art et des installations éphémères in situ.

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Œuvres d’art contemporain exposées dans des lieux historiques

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C'était il y a 30 ans, durant le mois de septembre 1985 que Christo, figure emblématique du Land Art1 , emballa le pont le plus vieux de Paris pour lui redonner un nouveau souffle. Cette initiative peu commune de recouvrir le pont par une toile géante lui vient d'une ambition de mieux le " révéler ". L'artiste a exprimé son idée ainsi: "Recouverts par la toile, tous les détails d'architecture, les éléments anecdotiques étaient unifiés. Ne restait que l'essence du Pont-Neuf".
En savoir plus sur l'artiste...
Christo Vladimiroff Javacheff (1935 -), de son nom complet, est un artiste américain d'origine bulgare travaillant au sein de l'espace urbain. On le met toujours en rapport avec sa compagne, Jeanne-Claude Denat de Guillebon (1935-2009) qui participa activement à tous ses projets artistiques. Il était l'artiste, elle était l'organisatrice.

Faisant parti du Nouveau Réalisme et étant également répertorié dans le Land Art, l'essentiel de la production de l'artiste consiste en des objets divers emballés dans une toile. Impressionnantes, monumentales, curieuses, parfois incomprises, les œuvres de Christo suscitent toujours autant de réactions. Ce qui important dans ses œuvres, c'est l'aspect éphémère et nomade. L'empaquetage serait une forme de prise de possession de l'espace en tant que dimension esthétique.

Le site personnel du couple ici.
Un projet complexe à réaliser
La réalisation de cette œuvre a été très technique: en tout plus de 40 000m 2 de toile, 13 000 mètres de corde ont été utilisés ainsi que 11 kilomètres de câbles pour faire tenir le tout. Très précautionneux, Christo avait choisit une toile qui changeait de teinte en fonction de la lumière du soleil. De plus, 300 personnes ont été employées pour mener à bien la construction de cette œuvre: des alpinistes, des élagueurs, des hommes-grenouilles, des charpentiers, etc.

Comme tous les projets artistiques d'art contemporain mêlés à des lieux historiques, l'empaquetage du Pont Neuf a dû être négocié pendant... 10 ans! En effet, de fortes réticences administratives mais également des problèmes éthiques, esthétiques et même politiques ont retardé cette création. Le Pont Neuf est un symbole, il est vieux, fragile... La décision de l'emmailloter a été difficile a prendre.

Cependant, il est important de noter que ce projet ne portait pas atteinte à la vie des parisiens: en effet les bateaux pouvaient continuer à passer en dessous du pont et les piétons et voitures pouvaient encore traverser la Seine dessus.

Entièrement financé par l'artiste lui-même, ce projet a été conservé 15 jours. Après cela, le Pont Neuf a retrouvé son aspect habituel, sans que la toile ai égratigné une seule pierre centenaire.

Pour de plus amples informations, un petit reportage ici.

1 Tendance de l'art contemporain utilisant le cadre et les matériaux de la nature, dont les œuvres sont en plein air, soumises aux contraintes naturelles.

A.D.

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C'était il y a 30 ans, durant le mois de septembre 1985 que Christo, figure emblématique du Land Art1 , emballa le pont le plus vieux de Paris pour lui redonner un nouveau souffle. Cette initiative peu commune de recouvrir le pont par une toile géante lui vient d'une ambition de mieux le "révéler".

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Artiste plasticien japonais qui crée des œuvres accumulant couleurs et illustrations florales stylisées.

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Artsper | Vente d'Oeuvres d'Art en Ligne | L'art vous Appartient

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Takashi Murakami | Japon | Achat d'Oeuvres et Biographie - Artsper

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Découvrez les meilleures oeuvres de Takashi Murakami. Paiement en ligne sécurisé. Retours gratuits.

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Issu de la scène graffiti, il concilie les références aux icônes de la culture pop, l'énergie frontale des peintres urbains et des moyens de production à grande échelle typiques du pop art.

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Retrouvez les œuvres d'art en vente et toutes les informations sur KAWS (américain, 1974). Pour en savoir plus sur KAWS, parcourez ses œuvres dans les galeries, ses lots mis aux enchères, son actualité et bien plus encore.

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Photographe portraitiste français qui nous raconte des histoires et nous fait voyager à travers ses clichés de personnages marginaux

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" La zone la plus intéressante dans le monde est le visage humain "
Pierre Gonnord

Partant de ça, dans mon club photo, nous avons voulu en savoir plus sur ce photographe et tenter de nous inspirer de son œuvre.

Pierre Gonnord, né à Cholet en 1963, réside depuis une vingtaine d'année en Espagne, à Madrid.

Son travail est reconnu par la critique comme étant une des approches contemporaines les plus intenses du portrait. Il aime les gens, il aime les
montrer, les exalter, sans concessions, mais aussi sans jugement : au travers de ses photos apparaissent les profils psychologiques des différents groupes humains.

Depuis sa première série l'objectif est constant : saisir l'humanité derrière les photos de marginaux, qu'ils soient immigrant, sans-abri, tsigane...

" J'ai soif de rencontres avec des gens à part ou les oubliés de notre société. J'en ai besoin. Ils m'aident à avoir un comportement juste, sans faux-fuyants ni hypocrisie. Avec eux, inutile de tricher. On doit se présenter tel qu'on est, sans fausse compassion, ou c'est le rejet. Surtout les Gitans. Ils ont l'art de vous gratter la peau pour voir ce qu'il y a dessous. Si la photographie ne me permettait pas cela, je ferais autre chose. " Pierre Gonnord

Les personnages de Gonnord nous imposent leur présence - tranquille, sans agressivité ni colère - et semblent évoluer dans un temps suspendu.
Comme dans la peinture religieuse du XVIIe siècle, avec ses fonds noirs, ses clairs-obscurs, son traitement des couleurs, qu'on croirait couvertes d'un glacis, Gonnord en fait des personnages bibliques - Christ, larrons, aveugles, martyrs et saints - échappés d'une toile de Zurbarán ou du Caravage.
D'autres images évoquent des portraits de Soutine ou ceux des daguerréotypes du XIXe siècle.

Photographies à mettre en regard de ces exemples de peintures du XVIIe siècle :

" Je choisis mes contemporains dans l'anonymat des grandes villes parce que leurs visages, sous la peau, racontent les histoires remarquables de notre époque. Parfois hostile, presque toujours fragile, et très souvent blessé derrière l'opacité de leurs masques, ils représentent des réalités sociales spécifiques et, parfois, un autre concept de la beauté. " Pierre Gonnord

Gonnord a un sacré culot. Sa démarche s'apparente à celle d'un vendeur au porte-à-porte. L'artiste cherche ses modèles au hasard de ses déambulations. Lorsqu'il croise " quelqu'un qui tranche sur le troupeau des urbains ", il l'aborde. C'est ainsi qu'il a fait la connaissance, au Japon, de Yum, une moine bouddhiste ; à Madrid, d'Antonio, un ancien boxeur " tout droit sorti d'un roman de Tchekhov ". Ou encore d'Ali, un dealer parisien de la Goutte-d'Or derrière lequel il a dû " cavaler ", celui-ci l'ayant pris, avec sa veste de cuir et son crâne chauve, pour un flic.

Ses projets le poussent vers les prisons, les hôpitaux, les refuges sociaux, centres de réadaptation, des monastères, ou dans des cirques. " Parce que notre société est là aussi " dit-il.

" L'essentiel : le visage et les yeux. Regarder dans les yeux, c'est entrer dans une dimension intime de l'autre, c'est plonger dans la vérité de celui qui nous fait face. " Pierre Gonnord

De tout ce qui a été écrit sur le portrait, on ne retiendra que deux conceptions qui se font face et parfois s'entremêlent : l'introspection et la description. L'oeuvre de Pierre Gonnord ne peut être saisie que dans un va et vient entre ces deux notions. Dans un premier temps, les apparences qui marquent une différence l'attirent. Pourtant, il les dévêt et ne garde que ce qu'il considère déjà comme essentiel : le visage et les yeux.

" Le visage de l'homme n'est pas le miroir de l'âme, c'est une histoire, une oeuvre qui appartient à l'inconscient collectif. Chaque individu est une part de l'humanité. Et c'est cette part d'humanité commune à tous que je recherche dans mes rituels photographiques. " Pierre Gonnord

Plus tard, alors qu'il s'intéresse d'avantage à l'appartenance à un groupe social, familial ou historique avec les geishas, les yakuza, les personnes vivant dans la rue et les gitans, c'est encore l'individu qu'il place au centre de ses recherches. Car sa conception du portrait est mixte et s'inscrit aussi bien dans ce qui définit la place d'un individu en marge de la société que dans ce qui fait qu'il existe par lui-même.

De tailles imposantes, les photographies de Pierre Gonnord obligent le spectateur à une confrontation directe avec le modèle, à une rencontre avec ceux auxquels, sans lui, nous n'aurions peut-être jamais eu accès. Le spectateur voit des visages presque aussi grands que lui, dont il peut percevoir les plis et les rides, les plaies et les fentes, lui permettant d'accéder à ce qui palpite sous la peau.

" Pour moi, la règle du portrait, c'est la rencontre, dans le silence et la pénombre du studio. La personne est debout devant moi, raide, figée. Je la laisse à ses libres pensées et j'essaie de capter avec la plus grande économie de moyens ce qu'il y a sous son regard, sous sa peau, de percer le mystère. Les séances de prises de vue sont courtes pour éviter de la transformer en modèle. " Pierre Gonnord

Il ne photographie quasiment qu'en studio, sur fond noir. Il cadre en laissant un peu d'épaule, ce qui laisse voir que ces modèles torses-nu, majoritairement de sexe masculin.

Les modèles sont pris de face ou de trois quart, bien souvent du profil gauche, toujours regardant l'objectif.

Les quelques femmes photographiées sont le plus souvent prises habillées.

Certains modèles sont pris plus large, toujours torse nu. Ce sont souvent les enfants ou les adolescents.

Mais pas que...

Ses images ne sont jamais retouchées. Et si elles évoquent de la peinture, c'est presque à son corps défendant.

Son protocole photographique est on ne peut plus simple : l'artiste gomme le décor en tendant un drap de couleur (noir ou gris-vert) derrière son modèle et éclaire avec délicatesse la face de son sujet ou le pli d'une robe avec les moyens du bord. Parfois en laissant filtrer un faible rayon de lumière par l'embrasure d'une fenêtre. La séance avec son Hasselblad posé sur un trépied ne dure jamais longtemps. Les bonnes photos, dit Pierre Gonnord, surgissent " juste avant l'apprivoisement mutue l ", lorsqu'il reste encore une distance entre lui et son sujet.

Le clair-obscur d'abord détache en une apparition lumineuse, le sujet de l'obscurité. Ce qui apparait primordial, c'est la volonté de rendre le détail majeur, de repositionner la marge au centre., comme les marginaux que Gonnord replace au centre de la société, dans une salle d'exposition.

Eclairer au maximum la peau pour la faire devenir matière, c'est mettre en avant une autre vérité du portrait.

Les lumières sont faibles mais suffisantes, les cadrages rapprochés mais pas trop, et les tissus sculptés par les ombres : juste ce qu'il faut. Les couleurs, les éclairages subtils, la neutralisation du fond par le choix du noir font jaillir sur le devant de la toile la moindre ride de chaque visage éclairé sans violence.

Le site Internet de Pierre Gonnord : http://www.pierregonnord.com/
Cet artiste nous a touché par ses portraits... La réunion hebdomadaire du CIA63 (Collectif Images Auvergne) du 4 mai 2010 avait pour objectif de faire quelques photos " à la manière de " Gonnord...

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" La zone la plus intéressante dans le monde est le visage humain " Pierre Gonnord Partant de ça, dans mon club photo, nous avons voulu en savoir plus sur ce photographe et tenter de nous inspirer de son œuvre. Pierre Gonnord, né à Cholet en 1963, réside depuis une vingtaine d'année en Espagne, à Madrid.

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Frank Shepard Fairey - 1970 - Street Art

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Frank Shepard Fairey - 1970 - Street Art

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Artiste américain célèbre pour ses stickers André the Giant has a posse et la campagne Obey Giant.

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OK, these images may not mean much to most, but they mean a huge amount to me! Amanda and I were in DC for the Kennedy Center Honors, and coincidentally, my friends Glen E. Friedman and Ian MacKaye were doing a talk about Glen's Black Flag book, " What I See," at the MLK Library. The talk was great, and though friends and fans surrounded him, I got a minute to say hello to Ian, one of my idols as a teenager (unintentional Teen Idles reference, but I'm lettin' it ride) and still an idol to this day. Ian is a musician who has created powerful and thoughtful music with his many bands, including Minor Threat, Fugazi, Evens, and Corky. All that said, I most admire his integrity and commitment to fierce independence and scene-building through Dischord records, the label he and Jeff Nelson founded in 1980. No other label has defined and manifested DIY ideals as powerfully as Dischord has. Ian generously invited Amanda and me to tour Dischord to have a look at and listen to the archives. Ian has meticulously preserved the art and recordings, including original album art, flyers, EVERY Fugazi show recording, and many practice sessions. I was able to see original art and 7" sleeves for Minor Threat, as well as the original art for the sole Rites of Spring album. The black roses from the Rites of Spring cover are my wife Amanda's only tattoo, and she held the original art in her hands! These photos on the front steps are a homage to the Minor Threat "Salad Days" 7" EP, the cover of which was shot by Glen E. Friedman (last slide in the sequence). I bought that record the year it came out in 1985. Amanda shot me with Ian, and Ian shot me with Amanda on the steps of what endures Dischord House over 40 years later. You can see the wheel of the same lawnmower from the Salad Days cover in the lower left of my shot with Ian! It was a very emotional visit for me. Thank you, Ian, for the hospitality, the decades of music and inspiration, and for being such a truly relatable role-model!
-Shepard

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OK, these images may not mean much to most, but they mean a huge amount to me! Amanda and I were in DC for the Kennedy Center Honors, and coincidentally, my friends Glen E. Friedman and Ian MacKaye were doing a talk about Glen's Black Flag book, " What I See," at the MLK Library.

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Photographe plasticien américain qui réalise des oeuvres sur l'envers du décor.

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Gregory Crewdson - 83 Artworks, Bio & Shows on Artsy

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Find the latest shows, biography, and artworks for sale by Gregory Crewdson. In suburban settings or on elaborately detailed sets of American homes, interior...