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Article - critique sur la BD pour le Prix BD des étudiants France Culture-Inrockuptibles

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Article - critique sur la BD pour le Prix BD des étudiants France Culture-Inrockuptibles

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À l'occasion du Prix BD des étudiants France Culture et Inrockuptibles, la rédaction littéraire décortique les albums en lice. Après la BD allemande Anna, c'est au tour de La Fête est finie d'être passée au crible.

Après avoir réalisé des fanzines et revisité le conte des musiciens de Brêmes ( Les Animaux de Palm Spring co-écrit avec Iris Pouy aux éditions L'Agrume), Mathilde Payen réalise sa première BD en solitaire avec La Fête est finie. Elle y raconte la vie de Loane une ex-étudiante des Beaux-arts d'Angoulême perdue dans la " vie active " et nostalgique des fêtes d'école. Entre galères amoureuses et panne d'inspiration, le personnage principal nous fait part de ses états d'âme bicolores.

L'école est finie

Le code couleur de la BD est très simple : le violet renvoie au passé tandis que les planches vertes sont situées dans le présent de narration. Chaque chapitre alterne entre passé et présent. Si la période violette est insouciante, la verte est un peu plus morose, puisque Loane cherche sa voie (et aussi sa voix) en tant qu'artiste tout en travaillant dans une animalerie. Les échos entre les deux périodes permettent de nouer une continuité : si Loane n'est plus une ado, elle reste la même et ses galères amoureuses aussi.

La nostalgie est centrale dans La Fête est finie. Nostalgie des fêtes bien sûr, nostalgie des potes, nostalgie de l'enthousiasme aussi. En quittant son école d'Angoulême, Loane part s'installer à Paris. Comme Rastignac chez Balzac donc. Elle aussi fera face à ses illusions perdues : le collectif qu'elle a monté avec ses camarades de promo se délite et elle survit d'un job alimentaire. Même si elle tient à son mot d'ordre de jeunesse (" Tue-moi si un jour je deviens prof' ! "), elle a honte de faire face à ses professeurs qui poseront l'éternel question : que faites-vous à présent ? Elle n'a qu'une peur, échouer et devenir cynique aux dents longues comme beaucoup d'artistes (et comme Rastignac).

Bonbon pop

Malgré son titre déceptif, La Fête est finie reste une BD légère. Chaque chapitre s'ouvre ou se clôt par une page de pub parodique ou une référence à la pop culture. On y retrouve Scream, les Tortues Ninja, Ghostbusters, The Walking Dead etc. Même l'ambiance entre collègues au sein de l'animalerie rappelle parfois le film Adventureland (2009) avec Kristen Stewart et Jesse Eisenberg. Le contraste entre période passée et période présente est saisissant. Au présent Loane s'amuse moins même s'il elle essaie de conserver son âme de jeunesse. Avec un certain recul, l'autrice porte un regard à la fois nostalgique, lucide et critique sur les écoles d'art et ce qu'elles promettent.

Il est dommage qu'il n'y ai cependant rien de bien original dans ce récit d'apprentissage. Même s'il est plaisant de suivre la vie du personnage principal, on ne peut s'empêcher d'être déçu. Mathilde Payen revisite le thème inépuisable de la panne d'inspiration et du début de l'âge adulte. Son dessin énergique et son humour maintiennent la curiosité. Mais une impression de déjà-vu persiste. La principale qualité de cette BD reste son humour et son autodérision.
La Fête est finie par Mathilde Payen, éditions Sarbacane, 208 p.,26€

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Prix BD des étudiants France Culture-Inrockuptibles #4 - La Fête est finie - Maze.fr

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À l'occasion du Prix BD des étudiants France Culture et Inrockuptibles, la rédaction littéraire décortique les albums en lice. Après la BD allemande Anna , c'est au tour de La Fête est finie d'être passée au crible.

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Interview vidéo France Inter des auteurs

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"Des Vivants", une BD sur le réseau méconnu de Résistance du Musée de l'Homme #cultureprime

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Temps de lecture: 2 min - Repéré sur Smithsonian Magazine

La petite ville de Collodi est à seulement 72 kilomètres environ de Florence, en Italie. Au XIX e siècle, elle abrita, le temps de plusieurs séjours, un jeune garçon nommé Carlo Lorenzini. Plus tard, une fois devenu écrivain, il se fera appeler Carlo Collodi, en hommage à ce lieu et laissera derrière lui L'Histoire d'une marionnette, soit l'ancêtre du célèbre conte de Pinocchio. Le Smithsonian Magazine revient sur ce fascinant récit pour enfants aux résonances plus politiques qu'on ne le croirait.

L'Histoire d'une marionnette a d'abord été publié sous forme de série dans Le Journal des enfants (Giornale per i bambini), à partir de 1881. Dès le premier paragraphe, l'intention est claire: bousculer les codes traditionnels du conte de fée et envoyer un message politique. On pouvait y lire: "Il était une fois... "Un roi!", répondront en cœur mes petits lecteurs. Non les enfants, vous vous trompez. Il était une fois... un morceau de bois."

Les aventures de Pinocchio ont été adaptées à travers dix-huit films dans le monde. L'une des plus célèbres versions est celle de Walt Disney, datant de 1940. Le mensonge y est au centre de l'histoire, représenté par le nez du petit garçon de bois qui s'allonge chaque fois qu'il cache la vérité. Néanmoins, dans la version de Collodi, le mensonge n'est qu'un trait de caractère parmi d'autres de la marionnette: Pinocchio se comporte mal d'une manière générale, ce qui conduit d'ailleurs Geppetto, son créateur, à se faire arrêter.

Une ode à l'éducation universelle

Maria Truglio est professeure d'études italiennes à l'université de Pennsylvanie. Enseignant régulièrement la véritable histoire de Pinocchio à ses élèves, elle explique que les réactions auxquelles elle fait face sont souvent les mêmes: la première est de remarquer "à quel point elle est différente de la version Disney"; la deuxième est de trouver le livre plus complexe que prévu. C'est pour ces raisons, mais aussi pour rendre hommage à la richesse du texte original, qu' une nouvelle traduction anglaise du livre est parue en 2021, réalisée par Anna Kraczyna et John Hooper.

Dans le célèbre dessin animé, rien ne donne à voir les spécificités de la pauvreté italienne de l'époque. Pourtant, dans la version originale, lorsque Pinocchio fait arrêter Geppetto, il plonge dans une longue période durant laquelle la peur de la faim est omniprésente. La marionnette décrit cette sensation en ces termes: "Une faim si réelle qu'elle pourrait être coupée avec un couteau." On ressent aussi, tout au long des péripéties du petit garçon de bois, le poids du risque d'être dévoré, dans un monde où règne l'urgence de se nourrir. Un personnage tente ainsi à plusieurs reprises de faire frire ou rôtir le jeune garçon.

Plus tard, Pinocchio est transformé en âne pour avoir fait l'école buissonnière. John Hooper et Anna Kraczyna expliquent qu'à l'époque de Collodi, le mot "âne" avait un double sens: les gens qui devaient travailler dur étaient surnommés ainsi, tout comme les enfants qui refusaient de se rendre en cours. Le message de Carlo Collodi était donc le suivant: si les enfants font les "ânes" à l'école, ils finiront par vivre la vie des "ânes", soit celle d'ouvriers non qualifiés pour qui l'époque était dure.

Durant la période de l'unification italienne (seconde moitié du XIX e siècle), la salle de classe est devenue l'endroit privilégié de l'apprentissage de la citoyenneté italienne. Mais Carlo Collodi, qui avait grandi dans la misère, était conscient que les enfants, malgré l'éducation obligatoire, ne pourraient rien apprendre s'ils avaient faim. Selon lui, la seule échappatoire à un monde où le "manger ou être mangé" faisait loi était l'éducation. L'Histoire d'une marionnette en est la preuve.

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Temps de lecture: 2 min - Repéré sur Smithsonian Magazine La petite ville de Collodi est à seulement 72 kilomètres environ de Florence, en Italie. Au XIX e siècle, elle abrita, le temps de plusieurs séjours, un jeune garçon nommé Carlo Lorenzini.

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Vidéo France 3 sur l'ouvrage par un libraire BD

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Vidéo France 3 sur l'ouvrage par un libraire BD

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"La dernière comédie de Paolo Pinocchio" de Lucas Varela

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En savoir plus sur La Légende dorée de Jacques de Voragine, dont s'est librement inspiré Marcel Ruijters

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En savoir plus sur La Légende dorée de Jacques de Voragine, dont s'est librement inspiré Marcel Ruijters

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La Légende dorée ( Legenda aurea en latin) est un ouvrage rédigé en latin entre 1261 et 1266 par Jacques de Voragine, dominicain et archevêque de Gênes, qui raconte la vie d'environ 150 saints ou groupes de saints, saintes et martyrs chrétiens, et, suivant les dates de l' année liturgique, certains événements de la vie du Christ et de la Vierge Marie.

Si la plupart des saints sont des martyrs de l' Empire romain païen, Jacques de Voragine narre aussi des vies datant de l' Antiquité tardive ( saint Jérôme, saint Augustin...), du haut Moyen Âge ( Léger, Lambert...), voire de siècles proches de la vie de l'auteur ( saint Bernard de Clairvaux, saint François d'Assise, saint Dominique, Saint Thomas de Cantorbéry...).

Pour le médiéviste Philippe Walter, une mythologie chrétienne s'est ainsi constituée, " construite sur les croyances païennes que le christianisme dut assimiler dans le but de les contrôler ". Cet ouvrage a en effet inspiré prédicateurs et hagiographes du Moyen Âge tandis que les artistes médiévaux ont puisé leurs thèmes iconographiques dans le Speculum majus de Vincent de Beauvais.

Jacques de Voragine a puisé dans les textes classiques de la littérature religieuse du Moyen Âge ; leur bibliographie occupe presque trente pages de l'édition critique. On peut signaler en particulier les évangiles apocryphes de Jacques, de Nicodème, le Speculum historiale de Vincent de Beauvais, les œuvres des Pères latins Grégoire de Tours, saint Augustin, saint Jérôme et les Vitæ Patrum, Jean Cassien et de Pères grecs déjà traduits en latin comme saint Jean Chrysostome. Il s'est efforcé de ne pas recourir aux légendes de saints locaux.

Sainte Anne et les trois Marie (enluminure par Jean Fouquet du Livre d'heures d'Étienne Chevalier, inspirée par la Légende dorée.

Initialement intitulée Legenda sanctorum alias Lombardica hystoria, qui signifie littéralement " Ce qui doit être lu des saints ou histoire de la Lombardie ", cette œuvre est rapidement appelée Legenda aurea car son contenu, d'une grande valeur, est dit aussi précieux que l'or. Outre les vies de saints, environ 40 % de la Légende dorée est consacré aux explications des fêtes religieuses principales, qui renvoient à la vie du Christ.

Le livre est divisé en 5 parties et 178 chapitres, organisés à la fois selon l'ordre du calendrier liturgique (de l' Avent à la fin novembre) et des âges de la grâce ou du salut : temps de la rénovation (5 chapitres), le temps de la réconciliation et de la pérégrination (25 chapitres), le temps de la déviation (21 chapitres), le temps de la réconciliation (20 chapitres), le temps de la pérégrination (107 chapitres).

L'abrégé d'histoire de l'Europe qu'il donne, commençant au siècle avec l'arrivée des Lombards, lui vaut également le nom d' Historia lombardica (" Histoire lombarde ").

Hauts en couleur, ces récits avaient pour vocation d'exalter la foi. Le véritable sujet de La Légende dorée est le combat que mène Dieu contre les esprits du Mal, s'exprimant notamment dans le courage des martyrs qui démontre finalement l'impuissance des persécuteurs. La Légende dorée est ainsi conçue comme un instrument de travail destiné aux prédicateurs, servant à la préparation de sermons. Elle fournit ainsi une collection de modèles de vie exemplaires, utiles pour émailler les prédications. Jacques de Voragine utilise également très souvent des raisonnements en plusieurs parties numérotées, destinées à convaincre ses lecteurs de la véracité des événements qu'il raconte.

Les vies de saints, et notamment des martyrs, utilisent régulièrement des schémas similaires, mettant en avant l'étape de la conversion, la modestie des saints (beaucoup, comme Augustin ou Martin, cherchent à éviter de devenir évêques), les miracles accomplis, avant ou après leur mort et, pour les martyrs, les tortures subies et qui sont sans effet jusqu'à la mort des saints. Il arrive aussi qu'elles ne soient que des prétextes pour parler d'autres sujets : ainsi la vie de saint Pélage, qui ne parle quasiment pas de lui, traite surtout des Lombards, des débuts de l' islam puis des Carolingiens et de l' Empire à partir de Charlemagne.

Si Jacques de Voragine reprend le plus souvent sans esprit critique les hagiographies de ses prédécesseurs et les événements qu'ils racontent, il lui arrive cependant de remettre en doute certains événements lorsqu'il lui en a plusieurs versions (pour la vie de Mahomet, par exemple) ou quand il lui semble qu'ils ne peuvent s'être déroulés comme le racontent les légendes du fait d'impossibilités chronologiques, liées par exemple à la succession des empereurs romains.

Jacques de Voragine, Legenda Aurea, manuscrit latin, vers 1290, Biblioteca Medicea Laurenziana, Florence

L'ouvrage connaît dès sa création, vers 1261- 1266, un succès considérable. Le plus ancien manuscrit conservé, datant de 1282, se trouve aujourd'hui à la Bayerische Staatsbibliothek de Munich. Très rapidement, la Légende dorée devient, avec la Bible et le psautier, une des œuvres les plus lues, les plus copiées mais peut-être aussi les plus augmentées : aux et siècles, il n'est pas rare d'en trouver des copies contenant pas moins de 400 histoires. On estime qu'il en existe plus de 1 000 manuscrits, du plus simple au plus enluminé. L'invention de l' imprimerie accroît encore sa diffusion. La Légende dorée est notamment le premier ouvrage imprimé en langue française, en 1476, à Lyon.

La popularité de la Légende dorée se mesure aussi par le nombre élevé de traductions dont l'œuvre a été l'objet. En français seulement, on dénombre au moins sept traductions différentes pour la seule période médiévale, dont la plus largement diffusée, celle de Jean de Vignay réalisée pour la reine Jeanne de Bourgogne. L'ouvrage fut aussi, dès le Moyen Âge, traduit en anglais, castillan, catalan, italien, néerlandais et en occitan.

Le culte des Trois Maries, par exemple, particulièrement développé en Bretagne sous l'influence de Pierre de Nantes qui fut successivement évêque de Léon, de Saint-Malo et de Rennes, provient de La Légende dorée.

Influence dans les arts visuels

La Légende dorée a influencé de manière très significative l'art depuis le Moyen Âge, et permit " bien souvent d'expliquer à elle seule la plupart des bas-reliefs d'une cathédrale " ( Émile Mâle).

Des peintres comme Giotto, Simone Martini, Jan van Eyck, Fra Angelico, Masaccio, Piero della Francesca, Antonello de Messine, Andrea Mantegna, Hans Memling, Gérard David, et bien d'autres encore, puisent largement - directement ou indirectement - dans cette œuvre, mettant en scène la vie des saints.

L'œuvre a aussi inspiré la série de tapisseries des Scènes de la vie de la Vierge présentée dans la nef de la cathédrale Notre-Dame de Strasbourg.

saint Abdon ; saint Adrien ; saint Augustin ; saint Barthélémy ; saint Bernard ; saint Calixte ; saint Celse ; saint Christophe ; saint Come et saint Damien ; saint Corneille et saint Cyprien ; saint Crisant ; saint Cyriaque ; Saint Denys ; Saint Dominique ; saint Donat ; saint Etienne ; saint Eusèbe ; saint Faustin ; saint François d'Assise ; saint Félix ; saint Fursy ; saint Germain ; saint Gilles ; saint Gorgon ; saint Hippolyte ; saint Jean Chrisostome ; saint Jérôme ; saint Jean-Baptiste ; saint Lambert ; saint Laurent ; saint Léger ; saint Léonard ; saint Loup ; saint Luc ; saint Mamertin ; saint Matthieu ; saint Maurice ;; saint Michel archange ; saint Nazaire ; saint Savinien ; saint Pierre aux liens ; ; saint Rémi ; Saint Sennen ; saint Simplice ; saint Sixte ; saint Symphorien ; saint Timothée et Apollinaire ; saint Prote et saint Hyacinthe

sainte Marthe ; sainte Savine ; sainte Dorothée ; sainte Euphémie ; sainte Justine ; sainte Pélagie ; sainte Margherite ; sainte Thaïs ; sainte Daria ;

Legenda Aurea en italien, fin d'impression le 5 décembre 1499.

Éditions imprimées latines

Iacopo da Varazze, Legenda aurea. Édition critique (du texte latin) par Giovanni Paolo Maggioni, Firenze, Sismel - Ed. del Galluzzo, 1998 [accompagnée d'un CD-ROM avec version électronique].

1476 (français) : Jacques de Voragine, La Légende dorée. Édition critique dans la révision de 1476 par Jean Batailler, d'après la traduction de Jean de Vignay (1333-1348), publiée par Brenda Dunn-Lardeau, Paris, Éditions Champion, 1997.

1483 (moyen anglais) : William Caxton, 1483, Edinburgh, reprint Temple Classics, 1900, en ligne sur le site de Paul Halsall, Internet History Sourcebooks Project, Fordham University [texte fortement interpolé, modifié et enrichi par rapport à la version originale de Jacques de Voragine].

1843 (français) : La Légende dorée par Jacques de Voragine, traduction de Pierre-Gustave Brunet (1843). Classiques Garnier, 2014.

1902 (français) : La Légende dorée de Jacques de Voragine, J.-B. M. Roze, 3 vol., Paris, Édouard Rouveyre, 1902 [Texte intégral traduit en français et numérisé ; édition historiquement dépassée.]

1911 (français) : Jacques de Voragine (trad. Teodor de Wyzeva), La Légende Dorée, traduite du latin d'après les plus anciens manuscrits, avec une introduction, des notes et un index, Paris, Librairie académique Perrin, (lire en ligne) [peu fidèle au latin].

2000 (français) : Jacques de Voragine, La Légende dorée, édition en deux volumes chez Diane de Selliers. Paris, , 349 & 324 p. très abondamment illustrée (près de 400 œuvres - fresques, polyptyques, retables, peintures sur bois - peintes essentiellement en Italie entre la parution du manuscrit vers 1260 et les premières versions imprimées vers 1470. Traduction du latin et introduction de Teodor Wyzewa.

2004 (français) : Jacques de Voragine, La Légende dorée, édition sous la direction d'Alain Boureau, Paris, éd. Gallimard, " Bibliothèque de la Pléiade ", , 1664 p. [accompagnée de notes historiques explicatives et illustrée de gravures sur bois ; traduction établie à partir de l'édition critique du texte latin].

1. Philippe Walter, Mythologie chrétienne. Fêtes, rites et mythes du Moyen Âge, éd. Imago, 2003, page 9.

2. " De l'octave de la Pentecôte jusqu'à l'Avent ", texte explicatif p. 411, édition de La Pléiade.

3. (fr) De la sainteté à l'hagiographie : genèse et usage de La Légende dorée par Barbara Fleith, Franco Morenzoni, p. 75.

4. Iacopo da Varazze 1 042 manuscrits selon le recensement de B. Fleith (1991, p. 55-331) : n° 16.

5. Traduction de Jean de Vignay, Traduction de Jean Batallier et cinq autres traductions anonymes.

6. Laurent Brun et al., " Jean de Vignay ", section : "La legende des sains", sur ARLIMA - Archives de littérature du Moyen Âge, (consulté le ) : au moins 42 manuscrits et 39 éditions avant 1600

7. Laurent Brun et Irène Fabry-Tehranchi, " Iacopo da Varazze O. P. ", section Legenda aurea, sous-section "Traductions", sur ARLIMA - Archives de littérature du Moyen Âge, (consulté le ) .

Sur les autres projets Wikimedia :

Pierre Saintyves, En marge de la Légende dorée, Paris, Émile Nourry, 1931.

La Légende dorée de Jacques de Voragine illustrée par les peintres de la Renaissance italienne (400 peintures et fresques des et siècles italiens), Paris, édition Diane de Selliers, 2000.

Barbara Fleith et Franco Morenzoni, De la sainteté à l'hagiographie. Genèse et usage de la "Légende dorée", Genève, éd. Droz, 2001.

Florent Coste, Gouverner par les livres : Les Légendes dorées et la formation de la société chrétienne (XIIIe-XVe siècles), 2021 (thèse 2013), Brepols, 2021

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La Légende dorée ( Legenda aurea en latin) est un ouvrage rédigé en latin entre 1261 et 1266 par Jacques de Voragine, dominicain et archevêque de Gênes, qui raconte la vie d'environ 150 saints ou groupes de saints, saintes et martyrs chrétiens, et, suivant les dates de l' année liturgique, certains événements de la vie du Christ et de la Vierge Marie.

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Interview de l'autrice Mia Oberländer pour le prix France Culture des étudiants

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Interview de l'autrice Mia Oberländer pour le prix France Culture des étudiants

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Entretien avec Mirion Malle sur le site de la FNAC

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Entretien avec Mirion Malle sur le site de la FNAC

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Après le très remarqué C'est comme ça que je disparais (2020), qui racontait la dépression avec justesse et délicatesse, Mirion Malle revient avec Adieu triste amour, une tendre histoire d'émancipation. Rencontre.

C'est l'histoire d'une jeune femme qui réalise que son conjoint a traumatisé une autre femme. Elle ne savait pas ça de lui, donc elle se demande si elle le connaît vraiment. Elle essaie de démêler ses émotions par rapport à ça, de comprendre comment elle se sent, comment elle peut le gérer.

Mais, plus globalement, j'avais vraiment envie d'écrire un livre qui parlerait des différentes dynamiques de groupe. C'est un livre en deux parties, où il y a deux différentes dynamiques de groupe : une plutôt négative et une positive. Parce que ce qui m'intéresse beaucoup, c'est le groupe, les relations sociales. C'est aussi un livre sur le fait de prendre soin de soi et de se choisir. Et sur le fait de choisir, justement, dans quel groupe on veut être, dans quel groupe on veut exister.

Vous dénoncez à demi-mots, dans Adieu triste amour, le machisme qui règne encore dans le milieu de la bande dessinée. Vous faites aussi partie du Collectif des créatrices de bande dessinée contre le sexisme, et vous revenez tout juste du festival d'Angoulême - vivement critiqué en 2016 pour le sexisme de ses sélections. Avez-vous le sentiment que les choses ont évolué, depuis 2016 ?

Oui, je pense qu'avoir un collectif - un groupe, justement ! - ça permet d'avoir enfin une sorte de portée : il y a eu des changements. D'ailleurs, cette année, trois autrices étaient nommées, et Julie Doucet a gagné le Grand Prix - alors que la première fois que le Collectif a été pris en compte, aucune femme n'avait été mise dans la sélection.

C'est drôle, parce qu'on en parle forcément entre autrices, et je suis peut-être un peu pessimiste, mais j'avoue que de me retrouver dans ce milieu-là me rappelle justement ces dynamiques de pouvoir que j'essaie moi-même d'évacuer de ma vie. Je ne sais pas si les hommes nous voient différemment, si les boys clubs changent vraiment. Par contre, j'ai l'impression qu'ils sont de moins en moins nombreux. Il y a de plus en plus d'autrices, et c'est de plus en plus difficile de faire comme si elles n'existaient pas.

Ça fait dix ans que je suis dans ce milieu, et depuis dix ans, il y a de nouveaux noms, mais il y a aussi toujours les mêmes qui reviennent : parfois, c'est un peu désespérant. Après, dès qu'on fait un livre de fiction quand on est une femme, j'ai l'impression que tout le monde se dit que c'est autobiographique. Mon livre précédent, tout le monde me disait que c'était une autobiographie, alors que c'était une fiction.

Dans Adieu triste amour, il est question de ruptures et de renouveau. Vous dites vous-mêmes que c'est un livre de printemps, quand C'est comme ça que je disparais (2020) était un livre d'hiver. Mais c'est aussi un livre de son temps, qui parle de quitter la ville, de quitter les relations qui font du mal, de revenir à une vie plus simple. La pandémie a-t-elle joué un rôle dans la conception de cette histoire ?

Oui, clairement ! Dans la communauté lesbienne, ou la communauté queer en général, il y a toujours eu ce rêve de " partir à la campagne fonder une petite communauté entre nous " - un peu sur les traces des communautés séparatistes des années 1970. C'est toujours un peu un fantasme aussi, de se retrouver justement dans ce groupe, de se retrouver dans l'entre-soi. Ça fait des années qu'on se dit avec mes amies que ce serait super de pouvoir partir pas trop loin de la ville, mais quand même à la campagne, dans la nature, de faire notre petit potager, avoir des animaux, faire des dessins et créer.

Je pense clairement que la pandémie a eu un impact, parce que j'ai commencé à écrire ce livre en août 2020. Comme beaucoup de gens, la pandémie m'a vraiment coupée de toute inspiration - j'avais l'impression de ne plus savoir rien faire. J'imagine qu'il y a eu une volonté de chercher quelque chose de plus doux, et en même temps d'accessible. Cléo (l'héroïne d' Adieu triste amour, ndlr) n'habite pas dans un gros immeuble au milieu de la ville, c'est quand même relativement safe, en plein air, avec beaucoup de diffusion d'air pour éviter le Covid. J'ai choisi aussi de ne pas mettre de masques dans mon livre. J'avoue que j'ai hésité, mais je trouvais que c'était possible de se permettre de fantasmer un moment où il n'y avait pas de masques. Mais c'est sûr qu'il y a un peu ce truc... Moi je viens d'une très petite ville et je n'avais qu'un rêve à l'époque : rejoindre une grande ville. Maintenant que j'habite une grande ville, je me dis que c'est quand même bien, les arbres !

Adieu triste amour, de Mirion Malle. En librairie depuis le 1er avril 2022.

Adieu triste amour, de Mirion Malle, La Ville Brûle, 224 p., 20 €. En librairie depuis le 1er avril 2022.

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Trois questions à Mirion Malle ("Adieu triste amour")

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Après le très remarqué C'est comme ça que je disparais (2020), qui racontait la dépression avec justesse et délicatesse, Mirion Malle revient avec Adieu triste amour, une tendre histoire d'émancipation. Rencontre. C'est l'histoire d'une jeune femme qui réalise que son conjoint a traumatisé une autre femme.

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Mirion Malle, autrice BD d’“Adieu triste amour” : “Il y a du politique dans la banalité du quotidien”

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Qu’est-ce qui nous fait nous assumer ? Après avoir traité de la dépression dans “C’est comme ça que je disparais”, l’artiste féministe (“Commando culotte”, “La ligue des super féministe”) publie l’histoire d’une séparation, et d’un tournant vers une nouvelle orientation sexuelle.

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vidéo de l'auteure Mirion Malle pour "Adieu triste amour"

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vidéo de l'auteure Mirion Malle pour "Adieu triste amour"

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Adieu triste amour : La nouvelle BD de Mirion Malle qui parle de renaissance de soi | Dans sa nouvelle bande dessinée, " Adieu triste amour", l'autrice et dessinatrice Mirion Malle aborde avec délicatesse le pouvoir de l'émancipation... | By Period. | Facebook

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10K views, 207 likes, 70 loves, 6 comments, 72 shares, Facebook Watch Videos from Period.: Dans sa nouvelle bande dessinée, " Adieu triste amour", l'autrice et dessinatrice Mirion Malle aborde avec...

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Mensuel numérique alternatif CQFD

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CQFD, mensuel de critique et d'expérimentation sociales

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" Un peu de conscience s'éveillait çà et là, une minuscule et vacillante protestation qui ne savait pas quelle forme elle pourrait bien prendre. On se cherchait à tâtons, dans l'obscurité." L'homme qui s'exprime ainsi 1 s'appelle Jean Cassou. Romancier, poète, critique d'art, il fait partie des quelques rares personnalités françaises à avoir choisi la voie de la résistance dès l'été 1940, quand dans le vent brun de l'histoire tout était à bâtir. Pas d'expérience concrète, pas de véritable structure clandestine, pas d'aide extérieure, simplement l'expression d'un non viscéral proclamé par quelques hommes et femmes regroupés au sein d'un petit cercle, le réseau dit du musée de l'Homme (en référence à ce lieu consacré à l'ethnographie où travaillaient celles et ceux qui ont posé les premiers jalons du réseau).

D'abord centré sur Paris avant de lancer des ramifications là où d'autres non s'élevaient, comptant dès octobre 1940 une centaine de membres plus ou moins impliqués, le réseau plante sur le vif les premières graines de sédition : propagande clandestine (notamment via le journal Résistance), évasion de prisonniers, renseignement à destination des Anglais... Mais ces vivants jouent gros : leur vie. Dès janvier 1941 et suite à une trahison, les premières arrestations frappent le groupe, vite décimé. Un procès tenu en janvier 1942 viendra sceller le sort de ses principaux organisateurs et organisatrices : dix peines capitales (les trois femmes condamnées seront finalement déportées). Et le 23 février 1942, à 17 heures, sept hommes sont fusillés au Mont-Valérien : Jules Andrieu, Georges Ithier, Anatole Lewitsky, Léon-Maurice Nordmann, René Sénéchal, Boris Vildé et Pierre Walter.

C'est sur une terrible évocation de cette macabre scène que se clôture Des vivants (éditions 2024, octobre 2021), magistrale mise en scène graphique et orale d'un histoire trop peu connue. Au scénario, les auteurs Raphaël Meltz et Louise Moaty, qui ont écumé les bibliothèques et les archives pour réaliser ce tour de force : tous les dialogues structurant le long récit correspondent à des paroles ou à des écrits de feu les acteurs de cette histoire. Quant au dessin, signé Simon Roussin, il offre une atmosphère onirique au déploiement des voix, peignant un Paris aux couleurs vives et au ciel strié de lourdes menaces. Les nuages s'accumulent, les vivants les défient. Formulé par l'une des pionnières du réseau, Sylvette Leleu 2 : " C'était ça, la Résistance, tout simplement : le refus des choses que l'on ne pouvait pas admettre sur le plan moral. Le refus d'une certaine forme de vie inadmissible pour des gens libres. Le refus, et après : beaucoup d'actes. "

Pour cet entretien, les trois auteurs de Des vivants ont choisi de mêler leurs voix en une seule. Sans doute par souci de cohérence avec leur démarche : laisser toute la place à ces autres voix, humbles et si puissantes, qu'ils et elle ont entrepris de sortir de l'oubli.

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Votre récit accorde beaucoup de place au musée de l'Homme et au milieu de la recherche ethnologique. Pourquoi était-ce si important pour vous d'insister sur ce musée en tant que tel, alors que les ramifications hors de ses murs sont vite très nombreuses?
"Ce qui nous a attiré au début du projet, c'était ce mélange entre deux histoires : d'une part celle d'un musée d'ethnographie de la fin des années 1930, porteur des ambiguïtés mais aussi des avancées de l'époque dans la vision de ce qu'est l'humanité, et d'autre part celle des tout premiers résistants. Ce musée et les gens qui y travaillent sont passionnants : à la fois architecturalement (d'où la grande présence du bâtiment tout au long du livre, mais aussi des objets qu'il présente), intellectuellement (ce sont les grandes heures de l'ethnographie française, et le musée offre une pensée novatrice, car transversale, de l'humanité), politiquement (son directeur Paul Rivet est un pionnier de l'union de la gauche qui aboutira au Front populaire, et l'un des fondateurs du Comité de vigilance des intellectuels anti-fascistes) et internationalement (lutte explicite contre le nazisme, accueil de chercheurs réfugiés).

Et en même temps - c'est toute la complexité de cette période - le musée s'appuie sur le ministère des Colonies, et la classification scientifique par "race" n'est pas remise en cause, même s'il s'agit d'expliquer au public que toutes lesdites "races" sont égales entre elles : le musée est explicitement présenté comme un " rempart face à la vague raciste qui menace le monde ". Il y avait donc une évidence à ce que beaucoup de personnes du musée soient résistantes. Mais c'est vrai que les ramifications du réseau se sont très vite étendues à toute la France, et c'est d'ailleurs une de ses particularités : plus d'un an avant l'intuition de Jean Moulin, il s'agit déjà de raccorder des gens agissant dans des lieux parfois très lointains les uns des autres. Reste que le musée a servi pendant très longtemps de centre névralgique : c'est ici que le réseau a été conçu dans son ensemble, et c'est ici aussi que travaillait le trio fondateur, Yvonne Oddon, Boris Vildé, et Anatole Lewitsky."

Ces premières heures de la Résistance, 1940-1942, ne sont pas les plus connues. Or c'est un moment très fort, car il s'agit alors de tout inventer, d'improviser les premières esquisses de réseau et d'action...
"C'est en partie pour ça que ce sujet s'est imposé à nous. Il faut s'imaginer l'été 1940 : la résistance, on ne sait pas comment la pratiquer, on ne sait même pas comment la nommer. C'est d'abord une simple impulsion, une " douleur physique", comme dit Boris Vildé quand il voit des soldats allemands, une réaction au " spectacle irréel " qu'est Paris occupé (Jean Cassou). De ces réactions primaires naît l'invention du passage à l'acte, et c'est ce qui nous a tout de suite semblé passionnant, quand nous avons plongé dans les souvenirs des différents personnages. C'est pour ça que la notion d'"invention de la Résistance" est si présente dans le livre : les rencontres, les discussions, les premiers actes un peu maladroits parfois, le futur aussi (ils commençaient déjà à programmer des actions armées). On a voulu faire partager au lecteur ce mouvement allant de la conviction intime au projet collectif, de la notion au geste - mais aussi de la prise de risque à la condamnation finale."
En parallèle, il y a aussi une forme de maladresse, de naïveté. Comme le dit Germaine Tillion : "En se reliant les unes aux autres, les équipes accroissaient leur part de danger. Ce manque d'étanchéité constituait une grande faiblesse. On recrutait trop pour vivre longtemps." Par moments, il y a même cette impression de sacrifice, bien représentée par Boris Vildé. Comme s'il avait fallu une première génération non-professionnelle de la Résistance pour qu'ensuite viennent d'autres vagues, plus aguerries...
"Le côté sacrificiel est en effet important chez Boris Vildé - mais dans son cas, c'est plus une histoire de caractère personnel (on retrouve cette étonnante relation à la mort dans son très beau journal, écrit en prison 3). Ce qu'on peut dire plutôt, c'est que certains des premiers résistants n'avaient pas vraiment conscience du danger - lequel était moindre, de fait, au tout début. Dans une lettre de 1942, Yvonne Oddon rappelle que pour un même acte (en l'occurrence, publier un journal clandestin), on est passé en quelques temps d'une peine de six mois de prison à la peine de mort. L'enthousiasme des débuts, qui était une sorte d'instinct vital et qui parfois en effet se traduisait par une forme de naïveté, s'est transformé petit à petit en une sorte de professionnalisation (choix de pseudos, cloisonnement, etc.). C'est par exemple notable lorsque Pierre Brossolette entre dans le réseau (un des passages qu'on n'a pas pu garder dans le livre, on l'évoque seulement dans les notes). Malheureusement, pour beaucoup de nos personnages, ça arrivera trop tard. Et la génération suivante, à partir de 1941, sera beaucoup plus attentive aux menaces."

Votre récit est basé sur un parti pris radical concernant les dialogues, que vous résumez ainsi : "Tous les mots [que les personnages] prononcent sont les leurs : paroles trouvées dans leurs lettres, journaux, témoignages, entretiens, souvenirs." Pourquoi ce choix, appuyé par un appareil critique rigoureux en fin d'ouvrage resituant chaque dialogue? Est-ce qu'il y avait la peur de toucher à quelque chose de "sacré"?
Ce n'était pas du tout notre choix à l'origine. C'est venu en commençant vraiment le travail scénaristique, d'une part en plongeant dans les textes des différents personnages, d'autre part en nous interrogeant sur le type de dialogues que nous cherchions. Il est apparu soudain inimaginable de remplacer ces paroles qui existaient déjà (et qui étaient souvent très fortes), par des dialogues bricolés qui risquaient de sonner faux. Lorsque nous avons eu l'idée de ce dispositif, la question principale était, finalement, technique : était-il possible de faire une bande dessinée de 250 pages sans narrateur, sans voix off, et sans inventer le moindre dialogue, même quand nous n'avions pas de matière? Sachant que plusieurs des membres les plus importants du réseau n'ont laissé quasiment aucune trace... Nous avons fait des essais à trois pour voir si c'était envisageable (esquisse de scénario et de découpage), puis nous avons avancé à deux (scénaristes), en cherchant souvent de nouveaux stratagèmes pour arriver à nos fins. Et au moment du dessin, l'ellipse et les séquences muettes ont joué un grand rôle, justement pour pallier les manques. C'était bien sûr une forte contrainte, avec un côté un peu oulipien 4 qui rajoutait un plaisir d'écriture et de dessin, mais cela permettait de satisfaire un désir de rigueur morale et d'honnêteté vis-à-vis de ceux dont on racontait l'histoire, dont nous n'oubliions pas qu'ils l'avaient véritablement vécue.

" Il est apparu soudain inimaginable de remplacer ces paroles qui existaient déjà (et qui étaient souvent très fortes), par des dialogues bricolés qui risquaient de sonner faux. "

C'est peut-être à cet endroit-là que résidait pour nous le "sacré" : dans le fait qu'ils avaient été ces "vivants", et que nous ne voulions pas les trahir. Mais cela ne nous empêche pas d'être conscients que, par le simple fait de choisir certaines scènes, certains mots, certaines personnes, certains cadrages, plutôt que d'autres, cette bande dessinée comporte une part de fiction. C'est pourquoi les notes cherchent, autant que faire se peut, à préciser la vérité historique de façon la plus rigoureuse possible."
Question graphisme et illustrations, il y a des choix très forts, notamment au niveau des couleurs, avec l'omniprésence du vert et du violet. Mais il y a aussi cette quasi-absence de la soldatesque SS, un côté non-martial dans la représentation de la Résistance. Avec notamment cette citation de Paul Rivet, observant des troupes allemandes depuis le parvis du musée : "Soldats de plomb... Je les supprime de mon champ visuel." Pourquoi ce choix?
"C'était un choix de Simon à l'origine : sortir des représentations classiques de la Seconde Guerre mondiale, avec les sempiternels nazis dans leurs imperméables et leurs tractions avant... On a d'ailleurs choisi de ne jamais donner la parole aux nazis, alors qu'on avait de quoi écrire leurs dialogues (notamment avec les notes du juge allemand en charge du procès du réseau). C'est pourquoi en effet cette phrase de Paul Rivet est une belle métaphore du projet du livre : raconter la Résistance du point de vue de ceux qui la font, pas de ceux contre qui ils luttent.

" Raconter la Résistance du point de vue de ceux qui la font, pas de ceux contre qui ils luttent. "

Notre livre est construit sur un double mouvement en apparence contradictoire : puisque nos dialogues sont entièrement construits à partir des mots réellement utilisés par nos personnages, nous avions sans doute besoin de plus de distance par rapport au réalisme dans le dessin. Les couleurs non réalistes (et limitées, puisqu'il n'y a que trois teintes en plus du noir) permettent de créer un décalage important : ce que nous proposons, c'est une représentation du réel, et non pas un pseudo-réel présenté comme tel. Ce qui est renforcé par le dessin de Simon, dans une ligne claire précise mais poétique : les personnages réels deviennent des héros de bande dessinée, des sortes d'archétypes qui nous permettent d'échapper à un simple travail documentaire."
Une citation de Germaine Tillion revient deux fois dans l'ouvrage, au tout début et en conclusion : "J'ai répété ce que j'ai entendu. L'histoire est finie"...
"Là encore, c'est une métaphore qui nous plaît : de la même façon que Germaine Tillion cite dans cette phrase un conteur des Aurès 5, nous faisons un livre en citant d'autres voix que les nôtres (c'est pourquoi, à la fin, nous adaptons sa formule : "Nous avons répété ce que nous avons entendu"). Le livre donne une place importante à des moments que nous avons appelés "effets de mémoire" : un des personnages, dans une scène donnée, se détache du présent et commence à se souvenir de cette même scène. Il parle soudain au passé de ce qu'il a vécu; et dans le dessin, tout ce qui l'entoure mute vers une forme fantomatique. Ce n'est qu'à la fin de notre travail que nous nous sommes rendu compte qu'en réalité le livre en entier était une mise en abyme de cette question des souvenirs, des traces, en incarnant la façon dont la mémoire, celle des survivants, puis la nôtre, se structure face à quelque chose qui nous échappe toujours."
Propos recueillis par Émilien Bernard

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Résistance : " L'invention du passage à l'acte "

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" Un peu de conscience s'éveillait çà et là, une minuscule et vacillante protestation qui ne savait pas quelle forme elle pourrait bien prendre. On se cherchait à tâtons, dans l'obscurité." L'homme qui s'exprime ainsi 1 s'appelle Jean Cassou.