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Una de las canciones que mas me hizo replantearme la realidad del pais es la siguiente. Al final se escucha una intervención del tan famoso Jaime Garzón
"Si ustedes los jóvenes no asumen la dirección de su propio pais nadie va a venir a salvarlos"

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TELEBIT - Ciegos Corazones (Ft. Lospetitfellas) (ft. LosPetitFellas)

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En noviembre de 2019 después de lo ocurrido con Dylan no sabia muy bien como sentirme al respecto, recuerdo salir de Universidades hacia el SD un día y encontrarme con este mural. De alguna parte de mi sentí dolor e impotencia por lo que había pasado a unos minutos de donde estaba parado. Por el y por muchos mas se debe luchar por justicia.

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De pequeño siempre escuche música de todo tipo. Alguna de la que menos me gustaba era la denominada Canción de protesta. No entendía la razón o el sentido de la letra, ni el impacto o contexto en el que se había producido. Mientras mas pasa el tiempo y me voy convirtiendo en un adulto con opiniones y perspectivas claras del mundo, me doy cuenta de la importancia de encontrar representación en el arte.
El reflejo de la protesta social en la música, en los murales, grafitis pinturas, esculturas y libros hacen parte de un registro histórico de gran importancia para entender las problemáticas y como pensaban las personas en el momento.

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La situación actual no ha sido ajena para nadie en Colombia y aunque no esta tan mal como hace unas semanas, lo que ha pasado ha tenido un impacto sobre todos nosotros. En mi caso ha creado un interés y motivación por luchar por las cosas que creo correctas y un deseo intenso de apoyar a mi pais desde mi disciplina. Espero poder hacer parte de momentos que cambien y mejoren la historia de Colombia.

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La obran nos muestra un uso interesante y constante de la linea, sea en las escaleras, el techo, los libros etc. que componen el espacio y nos muestran una representación de una biblioteca. Sin embargo estas mismas líneas se usan como puntos de corte para la imagen de la figura, dado que al analizarla mas detalladamente se puede notar que no hay una forma o organización del espacio clara y que pareciera que algunas de estos elementos se sobrepusieran a otros mostrándonos pedazos de un espacio que  reconocemos pero no podemos detallar (Escaleras no van a ningún lugar aparente, estanterías van en varias direcciones etc.)
Relacionado a lo anteriormente dicho se puede ver que la linea se relaciona directamente con el espacio y nos permite apreciar una representación de una biblioteca que se aleja de la realidad pero nos deja pensando y considerando la manera en que los colores, las posiciones de los elementos y super posición de figuras altera nuestra percepción de la realidad

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Maurizio Cattelan, 2008

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Ovitz's Library, Jonas Wood (2013)
Acrilico en canvas
(254.2 x 335.4 cm)

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Natascha Haghighian, 2007

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La visita al Guggenheim ha sido hasta el momento las mas interesante por su contenido y estilo de exhibición. Además de esto dada la arquitectura y el carácter espacioso de las presentaciones le permite al recorrido virtual ser intuitivo y fluido, en ningún momento me sentí torpe ni impedido de observar obras de interés. Además de esto me sorprendió el ambiente del museo ya que en habían exhibiciones donde los montajes resaltaban por su color, tamaño, material y especialmente por la manera en que se ubicaban dentro del espacio que se les proveía convirtiendo al uso de este espacio físico en parte de la obra y en algunos casos permitiéndonos entrar en ella.

Disfrute bastante de la variedad de medios artísticos y representaciones sociales de algunas de las exposiciones, en otros casos me sentí confundido e inquietado por las piezas que se me presentaban. Algunas de mis exposiciones favoritas eran aquellas en las que se nos presentan elementos cotidianos (o que consideraríamos normales) siendo convertidos en declaraciones artísticas llenas de significado. Esperaba haber visto mas arte abstracto o cuadros inmensos llenos de trazos aleatorios o algo semejante sin embargo el museo me demostró que el termino de arte contemporáneo es bastante amplio

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El espacio de presentación y exhibición del museo esta conformado por una única rampa dividida en partes a lo largo de los seis pisos y uno que otro salón en algunos de estos. Se siente como un diseño moderno, espacioso y permite experimentar de manera (literalmente) fluida las exposiciones y la totalidad del museo.
La presentación de las exposiciones varia bastante en la técnica, mensaje y medio artístico utilizado generando un gran variedad de montajes, fotografías, esculturas y pinturas que ciertamente reflejan la inmensa variedad y creatividad del arte moderno. En algunos casos los montajes o esculturas invitan (u obligan) al visitante a acercarse y detallarlas, mientras que otras, vistas desde sus componentes, no nos permiten encontrar un mensaje claro ya que estos hacen parte de una composición mayor.  Para terminar en algunos casos podemos evidenciar la incorporación de obras dentro del espacio del museo de manera orgánica y que parecieran hacer parte intrínseca de este.

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Sentí una grata sorpresa al ver que en el museo habían varias exposiciones de fotografías ya que es uno de los medios de comunicación mas interesantes y versátiles; Nunca antes me había planteado la pregunta de si las fotos eran arte.
Además de esto pude encontrar un componente extenso de critica y representación social en obras de fotógrafas como Catherine Opie lo cual me parece muy interesante dado que los medios artísticos son una forma muy creativa de visualizar y representar comunidades y problemáticas ignoradas.

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Fundada en 1937, la fundación Solomon R. Guggenheim es un conjunto de museos e iniciativas que buscan el entendimiento y apreciación del arte moderno por medio de exhibiciones, clases e iniciativas de investigación. El Guggenheim en NY tiene uno diseño moderno y fuera de lo común

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Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation, New York, Estados Unidos

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Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation, New York, Estados Unidos

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3 de mayo, 2021

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Hasta el momento no había visto una obra tan cargada de simbolismo y mensajes políticos. Esto me sorprendió dado que en contraste con los museos y obras anteriormente analizadas hay un salto de una representación de cuerpos humanos o momentos de la cotidianidad/paisajes a una manifestación de expresión política y social por medio del arte y la simbología.
Es interesante ver como la obra y figura publica de la artista es una proyección directa de su vida privada, opiniones y posturas. Rodeada por algunos de los artistas mas importantes del siglo XX logra consolidarse a si misma, a su arte, su imagen y su vestimenta como un exponente de la cultura mexicana. Una mujer impresionante en todo sentido.

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La obra muestra el uso de un gran numero de colores pero en este caso no necesariamente se utilizan para contrastar con respecto a los demás elementos de la composición sino que son el medio por el cual la artista envía un mensaje. El fondo nos presenta con dos versiones de un paisaje donde la izquierda parece estar llena de praderas verdes llenas de vida y ríos, mientras que en la derecha parece presentarse un desierto desolado con lo que parecen ser ríos de lava recorriendo el territorio. Además de esto parece haber una representación del planeta, junto a un pájaro blanco (de la paz) en el que el rojo va tomando mas y mas territorio en los continentes. Por ultimo, los colores de elementos como el libro que sostiene Frida (El libro rojo de Mao/Manifiesto Comunista) y del sombrero del hombre ubicado en la esquina superior derecha nos permiten reconocer al personaje siendo ahorcado por Marx como "Uncle Sam".

Ubicada en el centro de la obra se tiene a Frida liberándose del peso de las muletas siendo recibida o acogida por el amparo/protección de unas manos provenientes de la figura de Karl Marx. Demostrándonos en el énfasis a su figura y los colores utilizados el mensaje (reflejado también en el titulo de la obra) de apoyo y esperanza en esta corriente pensamiento para el socorro de los mas necesitados (Se muestra a Frida como una figura vulnerable y con algunos de los elementos que debía utilizar en su cotidianidad).
Por ultimo la proporción utilizada en las manos que rodean la figura de Frida nos envían el mensaje de la grandeza, alcance y poderío del Marxismo. Todos estos mensajes de derecha e izquierda, del amparo a los necesitados, los colores utilizados en el globo terráqueo, el estrangulamiento a Uncle Sam y la paloma blanca son utilizados única y exclusivamente para mostrarnos la opinión y postura política de Frida. Es una obra con una gran variedad de mensajes y símbolos que en ultimas nos envían un único mensaje demostrando la unidad en la variedad de elementos representados.

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El recorrido me demuestra a grandes rasgos el estilo de Frida Kahlo, su imagen publica, su modo de pensar, su vida personal y el espacio en el que vivía. Poco conocía de ella mas de su gran reconocimiento e impacto en la cultura latina.

Es una experiencia increíble que nos presenta y adentra tanto en su vida como en su obra, ya que nos deja ver lo que era, lo que pensaba, como y donde vivía y por encima de todo, nos demuestra como plasmaba /representaba todo esto en su arte y modo actuar/vestir. Se puede evidenciar como su arte va representando partes y sucesos de su vida, su imagen del mundo, sus creencias y hasta sus relaciones con sus contemporáneos.

El museo virtual en si esta bien organizado y contiene obras de todo tipo llenas de significado e historia en alta definición. Es fácil de recorrer y a pesar del reducido tamaño de las salas se puede disfrutar de un espacio acogedor lleno de historia.

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Repleto de utensilios, libros y arte, con una vista al patio. Nos presenta con el espacio en el que la artista trabajaba, las herramientas que utilizaba y el entorno en el que creo algunas de sus obras mas famosas

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El marxismo dara salud a los enfermos - Frida Kahlo (1954)

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"A la niña Fridita Kahlo la maravillosa. El 7 de julio de 1956 a los dos años que duerme en cenizas, viva en mi corazón."
Escrito después de la muerte de Frida

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La arquitectura del museo nos muestra el espacio que alguna vez fue un hogar en uno de los vecindarios típicos de Coyoacán ahora convertido en museo, la estructura de los pasillos, puertas, patio y salones retrata un estilo tradicional latino. El museo se divide en la estructura principal de la casa, el estudio de Frida y una exposición sobre su forma de vestir y algunas de sus discapacidades físicas. El espacio se ve clásico, casi viejo, es pequeño y lleno de pinturas, bocetos y fotografías, sin embargo este se siente cálido, acogedor e intimo. Es en su máxima expresión una mirada en la vida de dos de los mas grandes artistas mexicanos
La presentación de las obras es simple y llenan las paredes de los cuartos de la casa con marcos de madera y una breve descripción de la pieza sin estar amontonados y variando entre retratos, bocetos, fotografías, recortes de periódicos, frases celebres de Frida y hasta mensajes escritos por Diego. La eventual exposición de lo que parecen ser los cuartos intactos de la pareja (esquina inferior derecha e izquierda de la imagen) termina dejando un sentimiento del gran legado y la inmensa historia que se vivió dentro de lo que ahora es el museo.
La presentación de las obras es simple y llenan las paredes de los cuartos de la casa con marcos de madera y una breve descripción de la pieza sin estar amontonados y variando entre retratos, bocetos, fotografías, recortes de periódicos, frases celebres de Frida y hasta mensajes escritos por Diego. La eventual exposición de lo que parecen ser los cuartos intactos de la pareja (esquina inferior derecha e izquierda de la imagen) termina dejando un sentimiento del gran legado y la inmensa historia que se vivió dentro de lo que ahora es el museo.
La exposición "Las apariencias engañan" muestra un lado de Frida poco conocido enlazando su característico modo de vestir con sus discapacidades físicas y una hermosa resignificación y apropiación de elementos como muletas y corsés. Muestran la realidad escondida bajo su vestimenta y como su arte se relaciona con esta.

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Ubicado en el centro de Coyoacán en Cuidad de México, ''La casa azul' fue el lugar de nacimiento, vida y muerte de Frida Kahlo . Fue llenada de color y piezas de folclor por Frida y su esposo Diego Rivera

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Museo Frida Kahlo, Ciudad de México, México

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Museo Frida Kahlo, Ciudad de México, México

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28 Abril, 2021

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La Siesta - Vincent Van Gogh (1890)

La pintura por analizar nos muestra lo que parece ser una pareja  tomando un descanso despues de un caluroso y soleado dia de trabajo.
La obra nos muestra un uso de la linea bastante marcado, donde la mayoria de las formas (pasto, heno, cielo) estan compuestos por pinceladas marcadas en lineas rectas y curvas, dandole una sensacion de movimiento y fluidez (como si fuese movido por el viento). El uso de color e iluminacion complementa bastante bien la unidad del cuadro, donde se tienen amrillos, dorados y azules que se complemetan y generan una sensacion de calidez y paz.
Ademas de esto, el cuadro nos presenta un balance (no simetrico) importante donde ademas de los colores e iluminacion presentada, el cuadro por su fondo y su uso del espacio, nos muestra un campo enorme siendo golpeado por el sol en un dia despejado; no hay muchos elementos que resalten o llamen la atencion. Por esto mismo en terminos de enfasis y subordinacion no se encuentra un contraste importante diferente al de la posicion de los elementos en la piuntura (primer plano de la pareja, animales en el fondo, herramientas en la esquina inferior)

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La visita al museo me enseñó algunas de las técnicas y estilos que mas me han gustado hasta el momento, principalmente el impresionismo. Además de esto me sorprendió la facilidad con la que una obra puede evocar sentimientos y recuerdos, pues hace al rededor de un año empecé a hablar con mi novia y antes de poder siquiera vernos recibí un sobre de su parte. Una de las cartas incluida tenia de fondo una obra de Monet y al verla en el recorrido virtual la reconocí casi instantáneamente, me recordó el sentimiento y la esperanza de un nuevo amor. Por ella estoy viendo esta clase.

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El recorrido del Musée d'Orsay fue una experiencia agradable con un sorprendente grupo de artistas de gran renombre y fama (Van Gogh, Monet, Degas) que muestra un variado numero de técnicas y corrientes del arte dentro del periodo de 1848-1914. La mayoría de las obras y esculturas estaban organizadas según el autor, la técnica y/o el periodo de manera en que el paso por las salas se siente natural. Además de esto, me sorprendió que la mayoría de los cuadros del mismo autor tenia un mismo estilo de marco (Como lo muestra el contorno de color de algunos de los cuadros en la imagen) facilitando al espectador la transición entre un pintor y otro. En algunos casos esperaba obtener mas información sobre la obra u autor de la pintura (Técnica, nombre del cuadro, intención del autor, etc.) por medio de la herramienta virtual, sin embargo la mayoría de imágenes se ven claramente y permiten disfrutar de la obra en si.

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La estructura principal del museo demuestra un pasillo central espacioso, iluminado y con un techo lleno de detalles y decoraciones el cual es utilizado como el espacio de presentación un gran numero de esculturas de todo tipo con una amplia combinación de materiales. La mayoría de salones con exposición de pinturas tienen un fondo azul oscuro que le da una sensación de unidad que nos permite/invita a concentrarnos en el arte y demás elementos presentados. En la parte superior izquierda se demuestra el diseño, tamaño y posición de algunas de las bancas ubicadas a lo largo del museo cuyo propósito parece ser el de obligar al mayor numero de gente posible a disfrutar el arte que los rodea. Por ultimo en la esquina superior derecha se tiene lo que parece ser la cafetería/restaurante la cual también parece ser una obra de arte mas

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El museo es instalado en la estación de tren Orsay para la Exhibición Universal de 1900 y fue diseñado por el arquitecto Victor Laloux. Presenta colecciones de arte de 1848 a 1914.

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26 de Abril, 2021

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La obra me llamo la atención por su uso de colores y la forma tan semejante a la realidad en la que las flores van cayendo y se marchitan. Además de esto sentí cierta familiaridad entre la pintura y un cuadro típico de un jarrón de flores en la casa de mis abuelos.

En lo personal la obra me hace reflexionar sobre la forma en que la vida va pasando cambiando todo a su paso, pero manteniendo la esencia de lo que alguna vez fuimos

PD: Algunas de las imágenes encontradas de la obra demuestran una tonalidad mas oscura y apagada que resalta aun mas los colores llamativos de las flores

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La obra presenta un uso interesante de la linea en cuanto a que hay elementos que las muestran de manera directa (la mesa, jarrón, tallos) pero resaltan las líneas implícitas generadas por los pétalos y las hojas. Además de esto se puede ver un uso de la iluminación que demuestra un foco ubicado en la parte superior izquierda de la obra y que ilumina parte de la mesa, flores y una parte de la lagartija de lado del jarrón que genera una ilusión de profundidad en el espacio.

En cuanto a los Principios de Composición hay un componente bastante fuerte de énfasis y subordinación donde la posición, caída y color de las flores  (pinceladas de color rojo o morado) contrastan con el blanco de la mayoría de la flor. Estos componentes de los elementos llaman la atención y conducen la mirada a través de la obra. El uso de la iluminación termina por darle aun mas importancia a las flores en el centro de la obra mientras que también nos muestra la presencia de animales (lagartija, caracol, lombriz) cuya ubicación en la luz parece darles o quitarles el protagonismo

Por otro lado el balance que presenta la obra nos presenta con una gran cantidad de elementos (flores, tallos, hojas, pétalos) con colores, tonalidades, posiciones, tamaños y formas diferentes que nos da una gran variedad de detalles para admirar. A pesar de esto, la gran cantidad de elementos se encuentran contenidos de manera natural y poco forzada en una obra que genera una sensación de amontonamiento pero de balance en contraste a su fondo apagado y plano.

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La visita y el recorrido general del museo fue interesante, es de las primeras veces que encuentro una visita a un museo interesante (gracias a que analizo y comprendo algunos de los elementos que lo componen). En su mayoría los salones abiertos y espaciosos eran fáciles de navegar mostrando todo tipo de obras llenas de técnica y en alta definición, mientras que los salones mas pequeños no podían disfrutarse de tal manera ya que navegar la plataforma era un poco mas complicado y las obras o artefactos no se veían con mucho detalle.
En algunos momentos me pregunte como seria la experiencia de observar las obras en persona, que colores o tonos se verian diferentes o llamativos? O que tan pequeño me sentiría al pararme en el centro de algunos de estos inmensos pabellones? Que tanto mas disfrutaría la visita al museo al hacerla en persona?

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Floral Still Life - Hans Gillisz Bollongier (1639)
Titulo Original: Stilleven met bloemen

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20 de Abril 2021

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En general se puede ver una organización bastante espaciosa y llena de obras en algunos de los pabellones. Por otro lado algunas cámaras son mucho mas pequeñas y aglomeradas de artefactos, vajillas, muebles, estatuas y pinturas. Hay una gran variedad de exposiciones obras, técnicas y piezas de muchos estilos formas y tamaños (además de diferentes paises y culturas de procedencia). Hay algunas partes del museo que se ven antiguas/clásicas mientas que otras se ven modernas lo cual me sorprendió dado que la fachada del edificio envía un mensaje diferente. En algunos momentos me sentí perdido o confundido en algunas de las salas llenas de exhibiciones ya que la sucesión de obras/artefactos que se presentan parecen no tener relacion entre ellas; Debería verlas por separado y no como un montaje?

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Diseñado por Pierre Cuypers,1876