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Un film sulla negazione della propria identità, destinata comunque ad affermarsi

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Un film sulla negazione della propria identità, destinata comunque ad affermarsi

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Boy Erased è un film del 2018 diretto da Joel Edgerton.
Il film è tratto dalla storia vera raccontata da Garrard Conley nelle sue memorie omonime dove racconta le sue esperienze nella terapia di conversione (guarigione dall’omosessualità) che naturalmente terminarono con la ferma convinzione della propria identità.

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Un film su un adolescente che nasconde un grande segreto che lo rende inquieto.

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Un film su un adolescente che nasconde un grande segreto che lo rende inquieto.

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Charlie è un ragazzo con un grande talento per il calcio. Una delle squadre più importanti, il Manchester City, gli offre un ingaggio da sogno, ma l'adolescente nasconde un segreto che lo rende inquieto: è felice solo quando può vestirsi da ragazza.

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La metamorfosi di Narciso di Salvador Dalì

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La metamorfosi di Narciso di Salvador Dalì

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Il pittore catalano reinterpreta il mito greco di Narciso perdutosi nell'amore per la sua stessa immagina specchiata.
Ecco un'interpretazione del mito tramandatoci da Ovidio: https://www.treccani.it/magazine/chiasmo/lettere_e_arti/Riflesso/CSB_Il_riflesso_di_Narciso.html

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William Dorsey Swann era una persona afroamericana nata in schiavitù, e fu la prima a rivendicare il diritto della comunità queer a riunirsi in uno spazio libero da minacce o violenze

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William Dorsey Swann era una persona afroamericana nata in schiavitù, e fu la prima a rivendicare il diritto della comunità queer a riunirsi in uno spazio libero da minacce o violenze

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Durante una retata della polizia a una festa, fu arrestato mentre indossava uno «splendido abito di raso color crema». La decisione di William Dorsey Swann di non sottomettersi passivamente all’arresto rappresenta uno dei primi casi noti di resistenza attiva per i diritti delle persone LGBT+.

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La prima drag queen autoproclamata della storia si chiamava William Dorsey Swann: era una persona afroamericana, nata in schiavitù, e visse nella seconda metà del Diciannovesimo secolo. Fu anche la prima persona a fare delle azioni legali e politiche per difendere il diritto delle persone queer a radunarsi in uno spazio condiviso senza la minaccia di criminalizzazioni o repressioni.

La storia di William Dorsey Swann è stata raccontata dal giornalista e storico Channing Gerard Joseph che per primo l'ha scoperta durante una ricerca d'archivio e poi raccontata in un libro: "Sebbene la rivolta di Stonewall del 1969 venga spesso considerata come l'inizio della lotta per la liberazione delle persone omosessuali, il coraggioso esempio di Swann ci costringe a ripensare la storia del movimento: quando è nato, da dove è venuto e chi erano i suoi leader", dice Gerard Joseph.

L'articolo che attirò l'attenzione di Gerard Joseph nel 2005 durante le sue ricerche era stato pubblicato sul Washington Post nell'aprile del 1888 e raccontava come durante la retata della polizia a una festa, un uomo con uno "splendido abito di raso color crema" addosso si precipitò verso gli agenti cercando di impedirne l'irruzione, mentre gli altri cercando di liberarsi da vesti, nastri e lunghe parrucche provavano a scappare dalla porta sul retro o dalle finestre.

Nella rissa che ne seguì, quell'abito di raso color crema fu fatto a brandelli e William Dorsey Swann ("The Queen", per il giornale) venne portato in prigione con altri dodici uomini afroamericani. Com'era abitudine i loro nomi comparivano nell'articolo e quegli atti di vergogna pubblica sono anche l'unico motivo per cui oggi sappiamo chi fosse Swann. La retata del 12 aprile del 1888 non fu né la prima né l'ultima, ma la decisione di William Dorsey Swann di non sottomettersi passivamente all'arresto rappresenta uno dei primi casi noti di resistenza attiva per i diritti delle persone LGBT+.

Swann era nato a Hancock, nella contea di Washington, Maryland, intorno al 1858. Era, molto probabilmente, il quinto di tredici fratelli e sorelle. La madre si chiamava Mary Jane Younker, il padre Andrew Jackson "Jack" Swann ed entrambi, come i loro figli, erano "di proprietà" di una donna bianca di nome Ann Murray. Nel 1865, dopo la fine della guerra civile americana e l'abolizione dello schiavismo, i genitori di Swann rimasero nella contea di Washington e comprarono un pezzo di terra avviando una loro azienda agricola.

Swann, come molti bambini precedentemente ridotti in schiavitù, non frequentava la scuola e non appena fu in grado cominciò a lavorare. Fece il cameriere per un po' e poi, nel 1880, si trasferì a Washington per trovare un lavoro che gli desse uno stipendio più alto e contribuire così al mantenimento della famiglia.

A quel tempo Washington era un centro importante per i movimenti di emancipazione delle persone nere: rappresentava uno spazio di maggiori libertà e occasioni economiche. L' Emancipation Proclamation con cui nel gennaio del 1863 il presidente degli Stati Uniti Abraham Lincoln abolì la schiavitù negli stati sudisti era stato infatti anticipato, nel 1862, dal D.C. Compensated Emancipation Act che concedeva, in cambio di un rimborso, la libertà per tutte le persone schiavizzate della capitale. Anche grazie a questo Washington divenne un luogo significativo per la comunità nera, tanto che tra il 1860 e il 1870 la popolazione nera della città triplicò, passando da 14.136 a 43.404.

Qui, a partire dal 1882, Swann cominciò a organizzare dei balli privati ​​​​conosciuti come "drags", che possono essere considerati oggi la prima espressione documentata nella storia americana di "drag balls". Ai balli di Swann gli ospiti erano soprattutto suoi conoscenti e molti di loro, come Swann, erano nati in schiavitù e lavoravano per le ricche famiglie di Washington. Indossavano abiti femminili, a volte anche dei costumi maschili, ma sempre volutamente eccessivi per estremizzare femminilità e mascolinità.

Le feste si svolgevano in case private, c'era da bere e da mangiare, ma soprattutto si facevano delle sfide di ballo a ritmo di cakewalk, una danza nata nelle comunità afroamericane schiavizzate come parodia dei balli tra bianchi. Gli schiavisti, apparentemente inconsapevoli, facevano da giudici di queste performance e consegnavano come premio ai vincitori una torta.

A questa tradizione Swann ne unì un'altra. Partecipando alle parate per commemorare l'emancipazione delle persone ridotte in schiavitù negli Stati Uniti, rimase colpito dalle cosiddette "regine della libertà": donne che impersonavano la libertà delle persone nere e che, durante i festeggiamenti, sfilavano su carri coperti di fiori con una corona. Ispirato da queste regine, Swann iniziò a incoronare le persone che vincevano le gare di ballo nelle sue feste e si autoproclamò, a sua volta, una regina drag: una drag queen, appunto.

Ben presto queste feste attirarono l'attenzione della polizia e cominciarono le retate. Nel gennaio del 1887 il Washington Critic raccontò come gli agenti che fecero irruzione in uno di questi balli furono sorpresi nel trovare sei uomini neri "vestiti con eleganti abiti femminili", con strascichi, corsetti e collant. L'aprile successivo l' Evening Star diede notizia di un'altra retata contro uomini con "sgargianti costumi di raso e seta".

Con la pubblicazione di queste notizie dell'argomento si cominciò a parlare per le strade, tra politici e psichiatri. Il dottor Charles Hamilton Hughes descrisse il gruppo di Swann in una rivista medica del 1893 come una "banda lasciva di pervertiti sessuali" e come "un'organizzazione di erotopati neri", cioè persone con un'alterazione patologica dell'impulso sessuale. Jen Manion, storica all'Amherst College, ha spiegato come ci fosse pochissima tolleranza per gli uomini che sovvertivano le norme di genere e che gli arresti di Swann e dei suoi compagni crearono uno scandalo ancora maggiore perché, per la maggior parte, erano neri e in quanto tali associati a una retorica estrema della virilità.

Alla fine del 1895 Swann venne arrestato di nuovo e accusato di essere il gestore di "una casa di disordinata moralità", cioè di un bordello. Condannato a 300 giorni di carcere, dopo averne scontati circa 90 Swann presentò una petizione per richiedere la grazia al presidente Grover Cleveland. In suo sostegno firmarono una trentina di persone, ma il procuratore degli Stati Uniti A.A. Birney si oppose dicendo che Swann era stato condannato "per i reati più orribili e disgustosi noti alla legge".

Cleveland respinse la petizione. Tuttavia quello fu il primo esempio documentato di un'azione legale e politica intrapresa per difendere il diritto della comunità queer a riunirsi in uno spazio libero da ogni forma di minaccia o violenza.

Nel 1900 Swann si ritirò dalle scene e tornò a Hancock dove morì nel dicembre del 1925. La sua casa venne incendiata e qualsiasi cosa potesse contenere fu distrutta. I drag balls proseguirono a Washington, si diffusero anche in altre città e diventarono eventi pubblici all'inizio del XX secolo. Uno dei fratelli minori di Swann, Daniel J . Swann, faceva il sarto e continuò per altri cinquant'anni a confezionare costumi per la comunità drag di Washington. Di Swann non esiste alcuna fotografia.

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Si chiamava William Dorsey Swann: era una persona afroamericana nata in schiavitù, e fu la prima a rivendicare il diritto della comunità queer a riunirsi in uno spazio libero da minacce o violenze

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Come sono evoluti i canoni di bellezza nella storia?

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Come sono evoluti i canoni di bellezza nella storia?

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Un podcast che descrive l'evoluzione dei canoni di bellezza nella storia, dalla Venere di Willendorf al contemporaneo Body Positivity

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Storia - Il canone di bellezza nei secoli

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Come è cambiato il concetto di bellezza femminile nella storia? In questa pillola ripercorriamo il modo in cui è stata intesa la bellezza dall’età preistorica fino ai giorni nostri.
Se vuoi approfondire, puoi farlo qui: https://www.studenti.it/canone-di-bellezza-nella-storia-ideale-bellezza-femminil…

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Il mito di Ermafrodito raccontato da Publio Ovidio Nasone nelle sue Metamorfosi

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Il mito di Ermafrodito raccontato da Publio Ovidio Nasone nelle sue Metamorfosi

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Ovidio racconta il mito di Ermafrodito, un ragazzo molto bello che venne trasformato in un essere androgino dall'unione fisica soprannaturale avvenuta con la ninfa Salmace.
Infatti un essere umano ermafrodito, detto anche ermafrodita, può presentare contemporaneamente organi sessuali femminili o maschili ben definiti.

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Mostra tutti gli articoli di lartedeipazzi

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State ora a sentire come mai la fonte Salmacide abbia cattiva fama e perché con le sue acque lente snervi e rammollisca le membra di chi vi si bagna. Sono pochi a saperne la causa, mentre a tutti è…

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Un percorso di stimolo alla riflessione per approfondire la consapevolezza del rapporto tra immagine corporea e identità

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Un percorso di stimolo alla riflessione per approfondire la consapevolezza del rapporto tra immagine corporea e identità

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Un articolo su come Publio Ovidio Nasone descrive alcuni personaggi che hanno in vario modo vissuto la transessualità, tra questi l'indovino Tiresia.

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Un articolo su come Publio Ovidio Nasone descrive alcuni personaggi che hanno in vario modo vissuto la transessualità, tra questi l'indovino Tiresia.

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Nelle “Metamorfosi”, Ovidio descrive la trasformazione transessuale di Tiresia, l'indovino che fu prima uomo, poi donna e poi ancora uomo.

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Iscrivendosi a social network e altro di matrice anglosassone ci si imbatte nella possibilità di definire la propria identità di genere, il proprio orientamento sessuale, il proprio sesso biologico, tutte espressioni di recente conio che tuttavia rivelano bisogni preesistenti alla corrispondente tassonomia. Un nuovo significato hanno così assunto quei prefissi essenzialmente geografici che si incontrano nello studio della storia romana e poi napoleonica: dalla Gallia Cisalpina e Transalpina o dalla Repubblica Cispadana e Transpadana, i latini cis- e trans-, in opposizione fra loro, sono passati a designare l'identità di genere. Cisgenere è colui o colei che si riconosce nel genere attribuitogli/le o nel proprio sesso; transgenere è colui o colei che invece non si riconosce nel genere attribuitogli/le né nel proprio sesso e può dunque richiedere l'aggiornamento anagrafico (a prescindere dal tipo di percorso che si voglia intraprendere per farlo). Si tratta di definizioni complicate dal concetto di genere e di sesso (più o meno legati alla sfera culturale o biologica e usati in italiano talvolta come sinonimi) e alle quali va aggiunto un terzo prefisso, inter-: intersessuale è infatti la persona che possiede, alla nascita, caratteri sia maschili sia femminili.

Se volessimo cercare nella letteratura classica traccia di queste considerazioni, ci imbatteremmo in diversi personaggi che le hanno realizzate in sé. Ovviamente gli antichi non erano così precisi dal punto di vista terminologico, ma già avevano intuito tutte queste possibilità, rimanendo comunque ancorati al piano sessuale-biologico (l'oscillazione di genere è semmai realizzata attraverso travestimenti, trucchi, maschere). In questo percorso, in quattro tappe, ci concentreremo su altrettanti personaggi transessuali della letteratura antica e moderna.

L'intersessualità era invece rispecchiata nella figura di Ermafrodito; questi si innamorò così tanto, ricambiato con la medesima se non superiore intensità, della ninfa Salmaci, che gli dèi ne fecero un'unica creatura, cambiando membra, aspetto, voce, proprio come negli interventi ormonali e chirurgici di oggi: "non si poteva dire se fosse femmina o fanciullo, non assomigliando né all'una né all'altro ma sì a entrambi" (Ovidio, Metamorfosi, IV, vv. 328-29). Inoltre, chiunque berrà dall'acqua della fonte in cui Ermafrodito con Salmaci è diventato ermafrodito, subirà la stessa trasformazione.

In questa prospettiva di amplesso-fusione Dante fa dire ai lussuriosi da lui incontrati sul Purgatorio "nostro peccato fu ermafrodito" ( Purgatorio, XXVI, v. 82): cioè sfrenatamente "eterosessuale" (per distinguerlo da quello dei vari tipi di sodomiti), proprio come il desiderio di Salmaci per Ermafrodito. L'ermafrodito è richiamato anche dall'essere androgino (uomo+donna) che Platone nel Simposio immagina all'origine dell'umanità insieme con gli altri esseri doppi: uomo+uomo (a cui il filosofo attribuisce la massima considerazione) e donna+donna. A un episodio simile si richiamano le statue semoventi e compenetrantisi dell'artista georgiana Tamara Kvesitdaze, ispirate alla storia d'amore contrastato della principessa cristiana Nino e del nobile musulmano Ali.
Il mito di Tiresia
Quello che si può considerare l'archetipo della transessualità occidentale è Tiresia.
Il racconto del transessuale Tiresia è inserito dal poeta latino Ovidio nel contesto di una disputa tra Giove e Giunone su chi, fra uomini e donne, provi maggior piacere nel sesso. La questione viene sottoposta all'indovino tebano in quanto esperto di entrambi e da questa constatazione inizia il racconto del suo passaggio di genere, letteralmente, per un colpo di bacchetta, anzi di bastone. Siamo nel terzo libro delle Metamorfosi: Tiresia, in un bosco, inciampa nell'accoppiamento tra due serpenti e, per una sua malizia moralistica, lo interrompe. È trasformato all'istante in donna e tale rimane per sette anni. All'ottavo, assiste alla stessa scena e questa volta, memore dell'esperienza precedente, colpisce i due rettili avvinghiati confidando nell'esito opposto. Detto fatto, riacquista forma e imago originarie (v. 331).
Il racconto occupa pochi versi e poi ritorna sulla questione del piacere, dando ragione a Giove, per il quale le donne godrebbero di più. La dea Giunone, per tutta risposta, si vendica (aveva evidentemente preso il responso per l'ennesimo oltraggio misogino), condannando Tiresia alla cecità; Giove interviene allora non per annullare l'azione della moglie, ma per controbilanciarla e fa di Tiresia un indovino. In questa veste di transessuale non vedente ma preveggente Tiresia, ormai canuto, sforna i più implacabili vaticini: prevede la triste fine di Narciso; è consultato da Odisseo nell' Odissea, unico morto ad aver conservato intatta la propria razionalità; profetizza lo sbranamento di Penteo, che irride la sua cecità come una sciagura; indica a Edipo l'origine dei mali di Tebe e, sempre a Tebe, sarà da lui maltrattato, per poi rispecchiarne la condizione (Edipo, riconosciutosi colpevole, si accecherà); ha infine un ruolo importante come negromante nella guerra tra Eteocle e Polinice cantata da Stazio nella Tebaide.

Nei racconti, il ruolo di Tiresia come indovino, spesso apostrofato in malo modo dagli interlocutori che pure necessitano dei suoi responsi, prevale sulla sua storia passata di transessualità. Eppure Tiresia si appoggia con coraggio alla propria conoscenza, anche se dolorosa, come quando a un Edipo incredulo rinfaccia di poter contare sulla "forza della verità" (Sofocle, Edipo re, v. 356). Il dono che gli dèi gli hanno concesso non sembra dunque solo la possibilità di attingere a conoscenze misteriose e inaccessibili, che possono apparire persino intermittenti e fallaci ai profani e ai miscredenti; Tiresia, in forza del proprio duplice passaggio di genere, ha sperimentato il nucleo essenziale dell'identità umana, ha varcato quella soglia che il Dio biblico aveva precluso a Eva e Adamo: "Puoi mangiare il frutto di qualsiasi albero del giardino, ma non quello dell'albero che infonde la conoscenza di tutto. Se ne mangerai sarai destinato a morire!" ( Genesi II, 16-17). Assaggiati i suoi frutti, i disobbedienti Adamo ed Eva avvertono anche loro una diversa percezione del proprio corpo: certo non cambiano sesso, per carità, ma lo scoprono per la prima volta e si foderano le nudità con le celebri foglie di fico. Anche l'altra versione eziologica della cecità di Tiresia, presentata da Callimaco come conseguenza della "visione proibita" della dea Atena al bagno, pone la nudità all'origine della punizione divina. La "conoscenza di tutto" ha un prezzo e come un fuoco ardente non lascia indenni; avendola sperimentata, Tiresia deve sacrificare una parte materiale di sé. Imparare, apprendere è soffrire, secondo un antico adagio greco.

La cecità e la transessualità di Tiresia non si traducono in infecondità (come la domanda di Zeus aveva lasciato intendere). L'indovino ha infatti una figlia, Manto, indovina come lui e, cacciata da Tebe, destinata a mille peregrinazioni, finché si recherà in Italia e, secondo una tradizione accolta da Dante, si rifugerà, isolata, nella sede della futura Mantova, patria di Virgilio. Dante pellegrino incontra padre e figlia nella quarta bolgia dell'ottavo cerchio dell'Inferno, dove gli indovini e le indovine sono punite con una rotazione corporale: la testa è retroversa, i capelli coprono il petto e l'addome anziché la schiena. Il dannato Tiresia è ricordato come colui che "mutò sembiante / quando di maschio femmina divenne, / cangiandosi le membra tutte quante" ( Inferno, XX, vv. 40-42); Manto è vista in tutta la sua impressionante torsione (i capelli sciolti, come si riteneva portassero le streghe, sui seni nudi) e Virgilio commosso ricorda che Mantova era sorta nel luogo della sua tomba, invitando il discepolo a non credere a racconti diversi da quello. Il nome di Manto quale "figlia di Tiresia" (l'unica nota a Dante) ritorna nel Purgatorio, dove si ricorda la sua presenza nel Limbo (XXII, v. 113), ma si tratterà di una svista (o di un lapsus?) del poeta.

Proprio appellandosi all'antica sapienza di Tiresia, transessuale e indovino, la poetessa contemporanea Giovanna Cristina Vivinetto ha così spiegato il cammino di transizione: "Quando nacqui mia madre / mi fece un dono antichissimo, il dono dell'indovino Tiresia: / mutare sesso una volta nella vita" (dalla raccolta Dolore minimo). Anche il suo io lirico approfondisce una conoscenza di sé che va oltre il "dono" più evidente e ambivalente, quello della preveggenza, per risalire al "mistero che non si può dire" incarnato dalla sua metamorfosi.

Oggi che il percorso di transizione, se affrontato anche dal punto di vista medico-chirurgico, oscilla tra la richiesta di una diagnosi e la declassificazione della "disforia di genere" dall'elenco dei disturbi psichiatrici (dal 2018, secondo l'Oms), evocare Tiresia significa anzitutto illustrare la potenza della sua mente razionale, quella che Omero assicura intatta anche dopo la morte. Lungi dall'essere frutto di un colpo di magia, la trasformazione è una strada complessa, che richiede tempo e sacrifici. Circe aveva raccomandato a Odisseo di immolare al solo Tiresia, nell'Ade, un montone tutto nero, il migliore del gregge ( Odissea, X, vv. 524-25); abbeveratosi del suo sangue scuro, con ancora in mano lo scettro distintivo del suo ruolo sacerdotale, Tiresia profetizza a Odisseo il suo futuro di viaggiatore che, dopo il ritorno a Itaca, non si fermerà, ma si imbarcherà di nuovo per terre sconosciute. Ben consapevole di sé e della propria forma, Tiresia continua a illuminare gli altri, a diffondere verità, a patrocinare itinerari di conoscenza. Dal pozzo della sua sapienza non smettiamo di attingere doni.

[Leggi il secondo articolo, su Ifi, il terzo, su Zinevra-Sicurano, e il quarto, su Ricciardetto e Fiordispina.]

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Trans-letteratura #1: Tiresia - La ricerca

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Iscrivendosi a social network e altro di matrice anglosassone ci si imbatte nella possibilità di definire la propria identità di genere, il proprio orientamento sessuale, il proprio sesso biologico, tutte espressioni di recente conio che tuttavia rivelano bisogni preesistenti alla corrispondente tassonomia.

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Un articolo su come Publio Ovidio Nasone descrive la rinascita transessuale di Ifi

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Un articolo su come Publio Ovidio Nasone descrive la rinascita transessuale di Ifi

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Nelle “Metamorfosi”, Ovidio descrive con una consapevolezza analitica degna di un contemporaneo la rinascita transessuale di Ifi, un’adolescente che, per l’intervento della dea Iside invocata dalla madre, ottiene di trasformare il suo corpo di donna in corpo di uomo per coronare il suo sogno d'amore

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Non solo Tiresia. Ovidio dedica uno spazio più ampio a un altro, forse meno noto, mito di metamorfosi transessuale. Protagonista è una fanciulla dell'isola di Creta, terra di emancipazione femminile e di pratiche non conformi (come la zooerastia della regina Pasifae, invaghitasi di un toro e ispiratrice di uno degli affreschi pompeiani che, insieme con i priapi, periodicamente animano mostre sull'eros al tempo dei Romani, come la recente Arte e sensualità nelle case di Pompei).

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Ghost in the Shell è un manga scritto e disegnato da Masamune Shirow, pubblicato in Giappone dal 1989 al 1991.

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Ghost in the Shell è un manga scritto e disegnato da Masamune Shirow, pubblicato in Giappone dal 1989 al 1991.

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"People love machines in 2029 A.D. Who are you? Who slips into my robot body and whispers to my ghost? It's found its voice... now it needs a body."

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Robert Mapplethorpe e l'immagine del corpo perfetto

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Robert Mapplethorpe e l'immagine del corpo perfetto

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Robert Mapplethorpe è stato uno dei grandi maestri della fotografia d’arte, le sue opere principali hanno riguardato scatti in bianco e nero, nudi e nature morte.

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Robert Mapplethorpe (New York, 4 novembre 1946 - Boston, 9 marzo 1989) è stato un fotografo statunitense.

Nasce nel Queens lunedì 4 novembre del 1946. La famiglia è cattolica osservante di origini irlandesi, Robert è il terzo di sei fratelli. Cresce a Floral Park, a Long Island. A soli 16 anni, nel 1963, è sorpreso mentre tenta di rubare da un negozio di Times Square un giornaletto pornografico gay che è troppo giovane per poter comperare. Parlando di quella esperienza spiegherà che ne era ossessionato: "Erano sigillati, il che li rendeva anche più sexy; perché non li potevi vedere" e ancora "Pensavo che se avessi potuto in qualche modo renderli arte, se avessi potuto mantenere quella sensazione, avrei creato qualcosa di unicamente mio". Nel 1963 si iscrive al Pratt Institute di Brooklyn, frequentato già del padre ingegnere e fotoamatore. Si iscrive inizialmente al corso per pubblicitario. Si iscrive anche alla associazione paramilitare "National Honor Society of Pershing Rifles", di cui aveva fatto parte anche il padre. L'associazione è legata al programma del Reserve Officers Training Corps (ROTC), il programma di formazione per ufficiali delle forze armate attivo in numerosi istituti scolastici.

Sono gli anni in cui ostenta un machismo di maniera nel tentativo di rifiutare le sue inclinazioni omosessuali. Sono, quelli fra il 1963 e il 1969, anni particolari per gli Stati Uniti, il vietnam, le rivolte studentesche, i movimenti di liberazione delle donne e degli omosessuali stanno cambiando rapidamente la società. Il giovane Robert stringe amicizia con gli studenti del corso di arte e sospende gli studi. Inizia a consumare droghe: marihuana, LSD, speed-ball. Consumo che durerà per tutta la sua vita. Nella primavera del 1967 conosce Patti Smith, all'epoca una giovane ragazza spiantata appena arrivata a New York, con la ferrea intenzione di diventare una poetessa, e se ne innamora. Va a vivere con Patti prima in un appartamento in Hall Street, e successivamente al Chelsea Hotel. I due condivideranno la stanza dell'albergo per alcuni anni, prima come amanti, poi come semplici amici. Il rapporto intimo con Patti è uno dei più importanti per Robert, che la fotograferà spesso negli anni fra il 1970 e il 1973. È di Mapplethorpe la celebre copertina dell'album di Patti Smith Horses.

Riprende gli studi, più per attingere ad un prestito per studenti che per altre ragioni, e si iscrive ad arti grafiche ma nel 1970 abbandona il Pratt Institute definitivamente senza aver completato gli studi. Dal 1970, inizia ad utilizzare immagini fatte con una Polaroid. L'idea è quella di risparmiare tempo e denaro utilizzando immagini prodotte espressamente invece di dover cercare quella più idonea nelle riviste. I lavori in polaroid saranno dimenticati negli anni del grande successo per essere poi riscoperti dopo la sua morte. Esiste, forse, un punto nodale nella vita di Mapplethorpe che segna definitivamente il suo interesse per la fotografia, lo riporta Patti Smith nel suo libro "Just Kids" : "John (McKendry) aveva accesso alle camere blindate che custodivano l'intera collezione fotografica del museo (il MOMA), in gran parte mai esposta al pubblico. Avere il permesso di sollevare la velina dalle fotografie, di toccarle, e farsi un'idea della carta e della mano dell'artista fece un'enorme impressione su Robert; studiò tutto con la massima attenzione - la carta, lo sviluppo, la composizione e l'intensità dei neri. "È tutta questione di luce," disse.

Nelle sue prime immagini polaroid, Mapplethorpe tende apparentemente a tralasciare le raffinatezze tecniche che lo renderanno famoso. Nel 1970 inizia la sua prima relazione omosessuale seria con David Crowland. Un modello del New Jersey che lo presenterà al suo primo benefattore, Il curatore della sezione fotografica del MOMA John McKendry. Ma la svolta è del 1972, quando conosce e diventa l'amante di Sam Wagstaff, che avrà una parte importante nel far conoscere il lavoro di Mapplethorpe. È grazie a lui infatti che Robert ottiene finalmente l'accesso agli ambienti della buona società e una certa stabilità economica. Nell'ottobre del 1972 Robert lascia l'appartamento della 23ª strada che aveva condiviso con Patti Smith per andare a vivere nel loft di Bond Street comperato con i soldi di Sam Wagstaff. Il rapporto com Wagstaff sarà duraturo e i due rimarranno insieme come amanti fino alla morte di Sam per AIDS.

Nel 1973 la prima mostra personale, "Polaroids", presso la Light Gallery di New York. Sempre nel 1973 Robert acquista una Graflex 4×5 pollici con dorso Polaroid. È sempre Sam Wagstaff che regala a Robert la prima Hasselblad, nel 1975. La nuova macchina consente a Mapplethorpe il controllo della scena che stava cercando. È con l'Hasselbald che produce le centinaia di capolavori che lo renderanno famoso, prima il controverso "The X portfolio", una serie di fotografie sadomaso poi gli innumerevoli ritratti di personaggi famosi, di Lisa Lyon e infine le nature morte. Non contento delle qualità formali ottenute con il medio formato e il sapiente uso della luce, Robert stampa le sue foto in grandi formati e con tecniche raffinate e costose stampa al platino e le inserisce in inserti che completano l'effetto di grande lusso. Mapplethorpe muore di AIDS il 9 marzo 1989, ancora una volta non ci sono parole migliori per ricordarlo di quelle che gli dedica la sua amica di sempre, Patti Smith: "Ci salutammo e lasciai la stanza. Qualcosa mi spinse a tornare indietro. Era scivolato in un sonno leggero. Restai a guardarlo. Così sereno, come un bambino vecchissimo.

Aprì gli occhi e mi sorrise. "Sei già tornata?" Poi si riaddormentò. L'ultima immagine di lui fu come la prima. Un giovane che dormiva ammantato di luce, che riapriva gli occhi col sorriso di chi aveva riconosciuto colei che mai gli era stata sconosciuta". Tratto da Just Kids. Come accade ai grandi maestri della storia dell'arte la sua importanza continua a crescere negli anni successivi alla sua morte. La Fondazione Robert Mapplethorpe si occupa di gestire il suo patrimonio e di promuovere la fotografia e la lotta contro l'AIDS. La serie di esposizioni dei suoi lavori ne accresce la notorietà, e il suo modo di fare fotografia è quello che maggiormente influenza le generazioni di fotografi dagli anni novanta in poi. Di tutte le sue mostre deve essere assolutamente citata La perfezione nella Forma che si tenne a Firenze nel 2009, e dove i lavori di Mapplethorpe furono accostati ai capolavori di Michelangelo nella Galleria dell'Accademia di Firenze.

All'estero Mapplethorpe è noto soprattutto per la sua serie "Portfolio X" che fece scandalo per i contenuti erotici, compreso un autoritratto di spalle con una frusta inserita nell'ano. In queste immagini il fotografo spezzava deliberatamente il confine tra foto d'arte e foto commerciale destinata al mercato pornografico, adottando soggetti e temi tipici della "pornografia" nel contesto di immagini d'arte. Come soggetti della sua arte Mapplethorpe scelse ad esempio coppie autentiche della scena S&M gay di New York, ritraendole in pratiche erotiche "estreme" (fist-fucking, bondage ecc.). Ciò che non poteva essere neppure discusso, ora veniva rappresentato in immagini ed esposto nelle gallerie d'arte.

Oltre a questo, Mapplethorpe scelse per modelli celebrità del mercato della pornografia omosessuale, con una particolare predilezione per i neri, ritraendole in pose classiche e statuarie, o al contrario in pose sessualmente esplicite. Come ha scritto di lui Adriano Altamira:" l'operazione che sta dietro al mondo figurativo e all'imagerie di Robert Mapplethorpe è piuttosto trasparente: trasporre soggetti omoerotici nel territorio eletto e squisitamente formale della classicità, usare la natura morta come un genere allusivo, e infine fare del nudo - indifferentemente maschile o femminile - una forma di studio botanico. "

Questa rottura deliberata di confini codificati da decenni fu la principale ragione dell'ostilità nei confronti del suo lavoro. Fu però soprattutto per merito suo se in fotografia è caduta la barriera artificiale fra "arte" e "pornografia". Al punto che oggi l'imitazione mimetica dei codici e delle convenzioni della fotografia pornografica nella foto d'arte non sorprende più nessuno, tanto da essere ormai utilizzata perfino in campagne pubblicitarie di moda. In Italia Mapplethorpe è invece, prudentemente, ricordato soprattutto per le serie di primi piani di fiori[6]. Queste foto estremamente raffinate e stilizzate ripetevano in senso inverso il lavoro già fatto col corpo umano, sottolineando il fatto spesso dimenticato che i fiori sono gli organi sessuali delle piante, e che anche nel loro caso Bello Artistico e Sesso non possono essere arbitrariamente separati e collocati in due sfere separate. Le foto di Mapplethorpe mostrano quindi in dettaglio, con grande creatività e spesso anche ironia, gli organi riproduttivi delle piante, richiamando i suoi più convenzionali lavori omo-sessuali.

Verso la fine della sua vita l'aperta natura erotica ed omosessuale di molti dei suoi lavori fece scattare una controversia più generale sui finanziamenti pubblici per opere provocatorie (o, secondo altri, pornografiche). Molte organizzazioni conservatrici e religiose si opposero a finanziamenti pubblici dei suoi lavori e delle loro esposizioni, ed egli divenne una sorta di cause celebre per entrambe le parti nel dibattito sul futuro del National Endowment for the Arts (Sovvenzione nazionale per le arti). L'allestimento della sua mostra The Perfect Moment nel 1990 a Cincinnati (che comprendeva sette ritratti sadomaso) portò al processo contro il Cincinnati Contemporary Arts Center e contro il suo direttore Dennis Barrie con l'imputazione di induzione all'oscenità. Barrie e il museo furono in seguito prosciolti, ma questo non riuscì a spegnere l'infuocato dibattito sull'opera di Mapplethorpe.

Robert Mapplethorpe morì di complicazioni conseguenti all'AIDS nel 1989.

Robert Mapplethorpe (November 4, 1946 - March 9, 1989) was an American photographer, known for his sometimes controversial large-scale, highly stylized black and white photography. His work featured an array of subjects, including celebrity portraits, male and female nudes, self-portraits and still-life images of flowers. His most controversial work is that of the underground BDSM scene in the late 1960s and early 1970s of New York. The homoeroticism of this work fuelled a national debate over the public funding of controversial artwork.

Mapplethorpe was born and grew up as a Roman Catholic of English and Irish heritage in Our Lady of the Snows Parish in Floral Park, Queens, New York City. His parents were Harry and Joan Mapplethorpe, and he grew up with five brothers and sisters. He studied for a Bachelor of Fine Arts from the Pratt Institute in Brooklyn, where he majored in Graphic Arts, though he dropped out in 1969 before finishing his degree. Mapplethorpe lived with his close friend Patti Smith from 1967 to 1974, and she supported him by working in bookstores. They created art together; and, even after he realized he was homosexual, they maintained a close relationship.

From 1977 until 1980, Mapplethorpe was the lover of gay writer and Drummer magazine editor Jack Fritscher.,

Mapplethorpe took his first photographs in the late 1960s or early 1970s using a Polaroid camera. In the mid-1970s, he acquired a Hasselblad medium-format camera and began taking photographs of a wide circle of friends and acquaintances, including artists, composers, and socialites. During this time, he became friends with New Orleans artist George Dureau, whose work had a profound impact on Mapplethorpe, so much so that he restaged many of Dureau's early photographs. By the 1980s his subject matter focused on statuesque male and female nudes, delicate flower still lifes, and highly formal portraits of artists and celebrities. Mapplethorpe's first studio was at 24 Bond Street in Manhattan. In the 1980s, his mentor and lifetime companion art curator Sam Wagstaff bought a top-floor loft at 35 West 23rd Street for Robert, where he lived and used as his shooting space.[4] He kept the Bond Street loft as his darkroom. In 1988, Mapplethorpe selected Patricia Morrisroe to write his biography, which was based on more than 300 interviews with celebrities, critics, lovers, and Mapplethorpe himself.

Mapplethorpe died on the morning of March 9, 1989, 42 years old, in a Boston, Massachusetts, hospital from complications arising from AIDS. His body was cremated and his ashes were buried at St. John's Cemetery, Queens in New York, in his mother's grave, marked "Maxey".

Nearly a year before his death, the ailing Mapplethorpe helped found the Robert Mapplethorpe Foundation, Inc. His vision for the Foundation was that it would be "the appropriate vehicle to protect his work, to advance his creative vision, and to promote the causes he cared about".Since his death, the Foundation has not only functioned as his official estate and helped promote his work throughout the world, but it has also raised and donated millions of dollars to fund medical research in the fight against AIDS and HIV infection.The Foundation also determines which galleries represent Mapplethorpe's art. The Robert Mapplethorpe Foundation donated the Robert Mapplethorpe Archive to the Getty Research Institute. The archive spans from 1970 - 1989.

Mapplethorpe worked primarily in a studio, and almost exclusively in black and white, with the exception of some of his later work and his final exhibit "New Colors". His body of work features a wide range of subjects, but his main focus and the greater part of his work is erotic imagery. He would refer to some of his own work as pornographic, with the aim of arousing the viewer, but which could also be regarded as high art. His erotic art explored a wide range of sexual subjects, depicting the BDSM subculture of New York in the 1970s, portrayals of black male nudes, and classical nudes of female bodybuilders. Mapplethorpe was a participant observer for much of his erotic photography, participating in the sexual acts which he was photographing and engaging his models sexually.

Other subjects included flowers, especially orchids and calla lilies, children, statues, and celebrities, including Andy Warhol, Louise Bourgeois, Deborah Harry, Richard Gere, Peter Gabriel, Grace Jones, Joan Armatrading and Patti Smith. Smith was a longtime roommate of Mapplethorpe and a frequent subject in his photography, including a stark, iconic photograph that appears on the cover of Smith's first album, Horses. His work often made reference to religious or classical imagery, such as a portrait of Patti Smith from 1986 which recalls Albrecht Dürer's 1500 self-portrait.
Robert took areas of dark human consent and made them into art. He worked without apology, investing the homosexual with grandeur, masculinity, and enviable nobility. Without affectation, he created a presence that was wholly male without sacrificing feminine grace. He was not looking to make a political statement or an announcement of his evolving sexual persuasion. He was presenting something new, something not seen or explored as he saw and explored it. Robert sought to elevate aspects of male experience, to imbue homosexuality with mysticism. As Cocteau said of a Genet poem, "His obscenity is never obscene." - Patti Smith, Just Kids
The Perfect Moment (1989 solo exhibit tour)

In the summer of 1989, Mapplethorpe's traveling solo exhibit brought national attention to the issues of public funding for the arts, as well as questions of censorship and the obscene. The Corcoran Gallery of Art in Washington, D.C., had agreed to be one of the host museums for the tour. Mapplethorpe decided to show his latest series that he explored shortly before his death. Titled Robert Mapplethorpe: The Perfect Moment, the show included photographs from his X Portfolio, which featured images of urophagia, BDSM and a self-portrait with a bullwhip inserted in his anus. The show was curated by Janet Kardon of the Institute of Contemporary Art (ICA).The hierarchy of the Corcoran and several members of the U.S. Congress were upset when the works were revealed to them, due the homoerotic and sadomasochistic themes of some of the work. Though much of his work throughout his career had been regularly displayed in publicly funded exhibitions, conservative and religious organizations, such as the American Family Association, seized on this exhibition to vocally oppose government support for what they called "nothing more than the sensational presentation of potentially obscene material."

In June 1989, pop artist Lowell Blair Nesbitt became involved in the censorship issue. Nesbitt, a long-time friend of Mapplethorpe, revealed that he had a $1.5-million bequest to the museum in his will, but publicly promised that if the museum refused to host the exhibition, he would revoke the bequest. The Corcoran refused and Nesbitt bequeathed the money to the Phillips Collection instead. After the Corcoran refused the Mapplethorpe exhibition, the underwriters of the exhibition went to the nonprofit Washington Project for the Arts, which showed all the images in its space from July 21 to August 13, 1989, to large crowds.In 1990, the Contemporary Arts Center in Cincinnati, and Dennis Barrie, were charged with obscenity. They were found not guilty by a jury.

According to the ICA, "The Corcoran's decision sparked a controversial national debate: Should tax dollars support the arts? Who decides what is "obscene" or "offensive" in public exhibitions? And if art can be considered a form of free speech, is it a violation of the First Amendment to revoke federal funding on grounds of obscenity? To this day, these questions remain very much at issue." Mapplethorpe became something of a cause célèbre for both sides of the American culture war. However, prices for many of the Mapplethorpe photographs doubled and even tripled as a consequence of all the attention. The artist's notoriety supposedly also helped the posthumous sale at Christie's auction house of Mapplethorpe's own collection of furniture, pottery, silver and works by other artists, which brought about $8 million.

Anna

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Robert Mapplethorpe (New York, 4 novembre 1946 - Boston, 9 marzo 1989) è stato un fotografo statunitense. Nasce nel Queens lunedì 4 novembre del 1946. La famiglia è cattolica osservante di origini irlandesi, Robert è il terzo di sei fratelli. Cresce a Floral Park, a Long Island.

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La presenza del corpo come richiamo alla realtà

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La presenza del corpo come richiamo alla realtà

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Ulay, pseudonimo di Frank Uwe Laysiepen, è stato un artista e fotografo tedesco, considerato una delle figure chiave della performance art degli anni settanta.

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Marina Abramovi&cacute; e Ulay sono stati la coppia di performer più nota e tra le più importanti del Novecento. La vita, le opere, le performance.

Marina Abramovi&cacute; (Belgrado, 1946) e Ulay, pseudonimo di Frank Uwe Laysiepen (Solingen, 1943 - Lubiana, 2020) sono stati una coppia di artisti che si è concentrata sulla performance art, sia in sodalizio tra gli anni Settanta e gli anni Ottanta del Novecento che separatamente. La coppia è stata legata anche da un legame affettivo durato molti anni, e nelle loro collaborazioni insieme hanno esplorato alcuni aspetti delle relazioni tra le persone, a volte portandoli all'estremo. Si sono incontrati molti anni dopo la fine del loro legame durante una performance in solitaria di Abramovi&cacute;, dando vita ad un momento che ha riscosso molto consenso nell'epoca dei primi social network come Facebook.

Marina Abramovi&cacute; e Ulay hanno acquisito notorietà internazionale, oltre che successo di pubblico e di critica, fin dagli anni Settanta grazie a performance spesso sconcertanti, tutte centrate sul corpo, utilizzato come materiale, come mezzo artistico per condurre un'approfondita indagine su dinamiche sociali e relazionali. "Insieme", ha scritto la critica d'arte Martina Corgnati, "i due mettono in scena molte posizioni limite ed esplorano sistematicamente diverse relazioni chiave: uomo-donna, maschio-femmina, corpo-corpo, persona-persona, in moltissime varianti, fra cui possibili simbiosi, osmosi, complicità, antagonismo, distanza, intrusione, violenza, tenerezza, passione e complementarietà. Spesso implicitamente si 'sfidano', utilizzandosi come terreno di confronto e di scontro aperto, campo di prova".

Marina Abramovi&cacute; e Ulay

Biografia di Marina Abramovi&cacute; e Ulay

Marina Abramovi&cacute; è nata a Belgrado, in Serbia, il 30 novembre 1946 ed è nipote di un patriarca della chiesa ortodossa Serba, che in seguito è stato proclamato santo. I genitori, Vojin Abramovi&cacute; e Danica Rosi&cacute;, furono entrambi partigiani della seconda guerra mondiale. Studia all' Accademia di belle arti di Belgrado dal 1965 al 1973. Successivamente, per qualche anno ha a sua volta insegnato all'Accademia di Novi Sad, e nel 1976 si trasferisce ad Amsterdam. Qui incontrerà l'artista tedesco Ulay.

Ulay (Frank Uwe Laysiepen) è nato a Solingen nel pieno della Seconda guerra mondiale, il 30 novembre del 1943. Si trasferisce ad Amsterdam alla fine degli anni Sessanta, lasciando moglie e figlio, attratto dal movimento artistico "Provo" di ispirazione anarchica. Inizia ad interessarsi alla fotografia sperimentando con le prime macchine fotografiche istantanee, fino a portare questa arte anche nella performance dal vivo. I due si incontrano nel corso del 1976 alla Galleria d'arte Appel di Amsterdam, dove Abramovi&cacute; era stata invitata per un programma televisivo dedicato alla performance art, ambito in cui si era già fatta notare per alcuni happening molto forti. Iniziano da subito un rapporto personale ed artistico molto intenso, accomunati dallo stesso interesse per le sperimentazioni riguardanti l'uomo e le sue relazioni. L'indagine su questi aspetti viene portata fino a livelli estremizzati, nel tentativo di suscitare riflessioni profonde nel pubblico. Degno di nota è il particolare per cui la coppia ha scelto per tre anni di portare le loro performance in giro per l'Europa vivendo in modo nomade ed essenziale su un vecchio furgone della polizia, riadattato all'uso e ridipinto di nero. Numerose fotografie documentano l'esperienza.

Resteranno insieme sia nella vita che nel campo artistico per 12 anni, fino al 1988, quando annunciarono al mondo la loro separazione tramite una celebre performance avvenuta sulla Grande muraglia cinese. Quando i due riprendono a lavorare in solitaria, Ulay torna a dedicarsi esclusivamente alla fotografia mentre Abramovi&cacute; prosegue nella performance art, raggiungendo grande popolarità. Negli anni Novanta si aprono tra i due alcune controversie legali riguardo i diritti d'autore dei lavori effettuati insieme. I dibattimenti si concludono con l'obbligo da parte di Abramovi&cacute; di versare all'ex compagno una somma in denaro come risarcimento per aver venduto opere di entrambi in autonomia. Abramovi&cacute; nel frattempo aveva preso a viaggiare moltissimo in tutto il mondo, per poi stabilirsi definitivamente a New York, dove ha creato un punto di incontro dedicato ad artisti performativi.

Mentre la carriera dei due artisti prosegue in parallelo, nel 2009 ad Ulay viene diagnosticato un cancro, poco tempo dopo essersi trasferito a Lubiana. Utilizza la diagnosi della malattia come fosse un altro progetto artistico, tramite il quale interrogarsi sui grandi temi della vita e dell'arte, visitando i luoghi più importanti della sua vita e andando a salutare tutti gli amici. Da questo progetto verrà poi tratto un documentario nel 2013.

Abramovi&cacute; ed Ulay si incontrano nuovamente nel 2010, e l'incontro avviene sotto gli occhi di tutti. Ulay, infatti, decide di recarsi a New York e partecipare alla performance The Artist is Present della Abramovi&cacute; al Museum of Modern Art, che consisteva nella possibilità data al pubblico di sedersi di fronte all'artista e guardarla. L'artista avrebbe dovuto rispondere allo sguardo del partecipante fissandolo, senza interagire con lui o lei, per guardarne la reazione, ma quando Abramovi&cacute; si accorge che davanti a lei c'è proprio Ulay non può trattenere la commozione e prende le mani dell'ex compagno, anch'egli emozionato. La scena è stata ripresa in video e in poco tempo si è diffusa sui principali social network come Facebook e Youtube, condivisa da migliaia di persone anche a distanza di diversi anni.

La battaglia di Ulay contro il cancro dura per circa dieci anni, tra cure, remissive e infine un linfoma che gli risulterà fatale il 2 marzo del 2020. Marina Abramovi&cacute; continua tutt'oggi la sua ricerca artistica.

Le performance in coppia di Marina Abramovi&cacute; e Ulay

Sin dalle sue prime performance sul finire degli anni Settanta, Marina Abramovi&cacute; si è concentrata sul portare all'estremo i limiti riguardanti la resistenza fisica del corpo e l'emotività, indagando la reazione del pubblico davanti a situazioni potenzialmente molto pericolose. Spesso, infatti, è il pubblico il reale protagonista della performance, aspetto che ad una prima analisi sembra emergere meno rispetto all'attenzione verso le forti azioni compiute dall'artista. Abramovi&cacute; in quegli anni dunque dà vita a numerosi happening in cui arriva a perdere i sensi volutamente dopo aver appiccato un fuoco, si ferisce il corpo creando immagini specifiche (come una stella a cinque punte incisa sul ventre con un rasoio) e compie altri atti autolesionistici che costringono lo spettatore ad intervenire per salvare l'artista, creando un rapporto diretto con lei.

Anche durante il sodalizio artistico ed umano con Ulay, Abramovi&cacute; ha proseguito su questo versante, ampliando le sue sperimentazioni insieme al compagno. Ulay, del resto, aveva svolto in precedenza alcuni lavori innovativi sul tema dell'unione tra maschile e femminile (in una serie di fotografie istantanee dal titolo Auto Polaroid del 1974 si ritrae mentre si trucca per metà da donna) promulgando l'importanza di riconoscere la parte femminile degli uomini e invitando a valorizzarla per ritrovare se stessi e creare una connessione profonda con la persona amata. Inoltre, Ulay aveva utilizzato la fotografia anche per lanciare una provocazione, per cui le persone ritratte nelle foto sono in realtà un loro duplicato meccanico privo di identità. Nella sua performance Fototot (1976), Ulay fotografava con la Polaroid la silhouette di un partecipante chiamato tra il pubblico, ponendolo davanti ad un lenzuolo di lino reso fotosensibile. In seguito, proiettava la Polaroid sovrapponendosi egli stesso all'immagine, dimostrando quindi che davanti ad una fotografia non è più possibile stabilire l'identità specifica di una persona.

Tra il 1976 e il 1988, i due artisti danno vita a numerose performance insieme, raggruppate sotto il titolo Relation works. Nella prima performance insieme, nel contesto della Biennale di Venezia, Abramovi&cacute; ed Ulay sono chiusi in una stanza per un'ora ( Relation space). Completamente nudi, vagano per la stanza sfiorandosi e scontrandosi, aumentando velocità e violenza con il passare dei minuti. In questo caso, obiettivo per la coppia era portare il pubblico a chiedersi chi fossero i protagonisti e quale rapporto avessero tra di loro, se di amore o di odio. La Abramovi&cacute; disse in seguito che fosse piuttosto semplice per il pubblico capire quanto la loro relazione amorosa fosse intensa. Sempre del 1976 è Relation in time: all'interno della Galleria - studio G7 di Bologna, i due artisti sono seduti schiena contro schiena per sedici ore, con i capelli stretti insieme in un'unica pettinatura. Solo nell'ultima ora viene fatto entrare il pubblico, che trova davanti a loro un essere creato dall'insieme di maschile e femminile come fosse una terza entità fatta di entrambi. Il sottotesto della performance riguardava il legame tra due innamorati, che pur se intimamente legati (i capelli intrecciati insieme) possono non necessariamente riuscire a comunicare (non si guardano mai in volto).

Risale al 1977 Breathing in/Breathing out (1977): realizzata a Belgrado, i due artisti vengono ripresi mentre si scambiano i respiri tramite le loro bocche per venti minuti. Alla fine della performance, i due artisti svengono per mancanza di ossigeno. Qui, la coppia di artisti intendeva suggerire come spesso la morte aleggia con la sua presenza nei giochi collaborativi. Nello stesso anno i due eseguono Imponderabilia : nella Galleria d'Arte Moderna di Bologna, Abramovi&cacute; ed Ulay sono nudi e si dispongono uno di fronte all'altra ai lati dell'ingresso della Galleria. A quel punto, il pubblico deve per forza passare attraverso i due corpi nudi, decidendo se rivolgersi verso il nudo femminile oppure il nudo maschile. Il significato intrinseco della performance riguarda il dover prendere delle decisioni alla svelta, spesso senza saperne il motivo. La performance venne interrotta dopo un'ora a causa dell'arrivo dei carabinieri, chiamati per oltraggio al pudore.

Nel 1978 è la volta di AAA-AAA (1978). Avvenne in uno studio di registrazione senza pubblico a Liegi. I due artisti urlano l'uno contro l'altro, dapprima emettendo suoni monotoni, poi iniziando a gareggiare su chi avrebbe urlato più forte e più a lungo. Ulay è il primo ad arrendersi. Il significato di questa performance è il voler rappresentare due amanti che all'inizio si trovano allo stesso livello, ma con il passare del tempo cercano di prevaricare l'uno sull'altra. Si tratta del proseguimento di una precedente performance di Abramovi&cacute;, Freeing the voice, in cui l'artista urla per molto tempo fino a perdere la voce. È invece del 1980 Rest energy : si tratta di una performance registrata su video. Marina Abramovi&cacute; e Ulay assumono una posizione tale che il bilanciamento del peso dei propri corpi mantenga in tensione un arco con una freccia. Lui tiene la corda tirata, con la freccia che punta al cuore della Abramovi&cacute;, la quale con il braccio si aggrappa all'arco. Un movimento errato potrebbe risultarle fatale, per questo deve affidarsi completamente all'altra persona, indagando quindi il tema della fiducia nell'altro. La coppia resta in questa posizione per quattro minuti mentre un microfono amplifica i battiti dei loro cuori e la respirazione, accelerati e irregolari all'inizio e poi sempre più distesi con il passare dei minuti. Il video si interrompe proprio quando la tensione sta scemando. Abramovi&cacute; dirà che questa fu la performance più difficile da affrontare.

La performance Nightsea crossing conjunction (1981 - 1987) è stata realizzata numerose volte in diverse ambientazioni, sia all'aperto che in musei o altri ambienti al chiuso. I due artisti digiunano e restano in silenzio sia prima che durante la performance. Si siedono ad un tavolo per sette ore e si guardano, completamente immobili ed in silenzio. Il messaggio di fondo riguarda il prendere coscienza del fatto che la mente continua a lavorare anche mentre il corpo è immobile, e lo stesso sforzo di non muoversi per tutto quel tempo è, a tutti gli effetti, un lavoro che il cervello compie incessantemente. Nel 1985 giunge Modus vivendi : la coppia assume le tre posizioni in cui solitamente si trovano gli esseri umani, ovvero in piedi, sdraiati o seduti, per poi includerne una quarta ovvero muoversi o camminare. Vuole essere, questa, una metafora delle fasi della vita che ognuno di noi attraversa. Infine, l'ultima performance della coppia è Lovers: The Great Wall Walk (1988). Anche la fine della storia d'amore tra Abramovi&cacute; e Ulay diventa una performance. I due artisti percorrono a piedi la Grande muraglia cinese, partendo ognuno dai due estremi diversi del percorso. Dopo novanta giorni si incontrano a metà strada, e si dicono addio. A quel punto si incamminano nuovamente allontanandosi ognuno per la propria strada.

Dove vedere le opere di Abramovi&cacute; e Ulay

Trattandosi, chiaramente, di performance art, è possibile visionare video o fotografie tratte da queste. Alcune sono conservate nelle videoteche di alcuni musei, come un video tratto da Relation in Time (1976) che risulta presente nell'archivio video della Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea di Torino.

Opere di Ulay sono custodite nei Paesi Bassi, dove ha vissuto molti anni: ad Amsterdam (Stedelijk Museum), Eindhoven (Van Abbemuseum), Groninga (Groninger Museum). Altre opere sono presenti a Parigi (Centre Pompidou), Berna (Kunstmuseum Bern), Stoccolma (Moderna Museet).

Negli Stati Uniti, è possibile vedere alcune opere a New York (MoMA - Museum of Modern Art) e a San Francisco (Museum of Modern Art).

In Italia, dove i due hanno dato vita ad alcune celebri performance negli anni Settanta, sono state organizzate alcune mostre, tra cui una dedicata ad Abramovi&cacute; (in cui erano presenti anche le performance con Ulay) nel 2018 al Palazzo Strozzi di Firenze. La mostra in questione era stata anticipata dall'esposizione del furgone in cui la coppia aveva vissuto per tre anni, parcheggiato nel cortile del palazzo. Una partecipazione della Abramovi&cacute; in Italia è stata organizzata molto di recente, nel luglio 2021 al MAXXI di Roma, nell'ambito della mostra Più grande di me. Voci eroiche dalla ex-Jugoslavia. In questo caso l'artista era presente attraverso le immagini della performance Rhythm 0, in più ha partecipato ad alcuni focus attraverso un'intervista in streaming.

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Marina Abramović e Ulay, le performance principali, la vita, le opere

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Marina Abramović e Ulay sono stati la coppia di performer più nota e tra le più importanti del Novecento. La vita, le opere, le performance. Marina Abramović (Belgrado, 1946) e Ulay, pseudonimo di Frank Uwe Laysiepen (Solingen, 1943 - Lubiana, 2020) sono stati una coppia di artisti che si è concentrata sulla performance art, sia in sodalizio tra gli anni Settanta e gli anni Ottanta del Novecento che separatamente.

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Listen to this episode from Due chiacchiere con Unobravo on Spotify. Con le temperature estive abbiamo la necessità di scoprirci, cosa che può incidere sulla nostra percezione corporea, influenzata anche dal contesto sociale. I canoni estetici della società possono provocare bassa autostima e problemi anche più complessi.

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Erikson e la tensione tra identità e diffusione dell'identità

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Erikson e la tensione tra identità e diffusione dell'identità

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Un video in cui è spiegato il processo di sviluppo psicosociale per stadi illustrato da Erik Erikson

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Un video in cui è spiegato il processo di esplorazione dell'identità in età adolescenziale secondo James Marcia

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Il corpo e il suo sviluppo dalla pubertà all'età adulta

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Il corpo e il suo sviluppo dalla pubertà all'età adulta

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Le linee guida dell'Unesco per l'insegnamento dell'educazione sessuale nelle scuole

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Le linee guida dell'Unesco per l'insegnamento dell'educazione sessuale nelle scuole

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The analysis resulted in various publications:

1. a comprehensive report, including key findings, conclusions, and recommendations;

2. a summary brief;

3. factsheets for each country surveyed (25 in total);

4. various scientific articles published in different journals.

Key findings of the analysis include:

In most surveyed countries (21 out of 25), there is a legal framework for sexuality education in the school system: 18 countries have a respective law, 2 countries have adopted a policy, and 1 a strategy.

Sexuality education is mandatory in less than half of the countries (11 out of 25); in the remaining countries, it is either optional or mandatory in some regions or in particular schools.

In most countries, sexuality education is integrated into broader subjects, such as biology, religion, life-skills education, or social sciences. It can also be taught as a workshop/"advisory hour" outside regular school hours.

Teacher training to deliver sexuality education is a challenge in many countries. Only a handful of countries (e.g., Estonia and Finland) have strengthened their teachers' competencies and skills by making the teaching of sexuality education part of the teacher-training curriculum at colleges and universities.

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Sexuality Education in Europe | BZgA WHO-CC

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The analysis resulted in various publications: a comprehensive report, including key findings, conclusions, and recommendations; a summary brief; factsheets for each country surveyed (25 in total); various scientific articles published in different journals.

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Un video in cui Umberto Galimberti illustra la sua concezione dell'identità come dono sociale

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Il movimento Body Positivity si rivolge alle sole persone grasse?

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Il movimento Body Positivity si rivolge alle sole persone grasse?

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Il primo episodio di una docuserie in cui si ricerca il vero significato di questo movimento

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BODY POSITIVE - È così come sembra? EP. 1

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“Bella Così” è un progetto contro la violenza, il cyberbullismo e il body shaming.

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“Bella Così” è un progetto contro la violenza, il cyberbullismo e il body shaming.

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Bella Così, un brano di Chadia Rodriguez del 2020.
“È un progetto importantissimo per me. Ho raccolto storie di ragazze con una forza incredibile che possono essere un esempio per tutti” ha dichiarato Chadia. Le storie di tutte le ragazze coinvolte nel progetto sono disponibili sul suo profilo Instagram ufficiale

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Chadia Rodriguez feat. Federica Carta - Bella Così (prod. Big Fish)

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La forza dell'amore può dare il coraggio per superare un "difetto" di bellezza?

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La forza dell'amore può dare il coraggio per superare un "difetto" di bellezza?

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La donna cannone, un brano del 1983 di Francesco De Gregori.
La protagonista ha bisogno di portare avanti un sogno per provare a rendere la propria vita unica, seppur nella semplicità. L’amore che la donna prova è troppo forte e risulta essere la spinta decisiva per avere una vita differente dal normale.

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Francesco De Gregori - La donna cannone (Official Audio)

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E' socialmente accettabile che una persona su carrozzina desideri voler fare l'amore?

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E' socialmente accettabile che una persona su carrozzina desideri voler fare l'amore?

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Un esperimento sociale condotto dal noto sito di informazione Fanpage

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Disabile con accompagnatrice compra prodotti per il sesso, le reazioni [Esperimento sociale]

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Insegnare a vivere la disabilità a una persona con disabilità

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Insegnare a vivere la disabilità a una persona con disabilità

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Scoprire la propria affettività e sessualità: non è un male se non è come per tutti gli altri

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Anna, prima assistente sessuale per disabili in Italia: "Così insegno a vivere l'intimità"