# data[].attributes.body
Sabri me quedo resonando mucho la historia detras de esa teja en la casa de tus abuelos...

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Innovación

A lo largo del tiempo y a través de diversas culturas, el uso de la teja en la cubierta se ha limitado a menudo a sistemas de construcción con principios organizativos aparentemente estáticos, predecibles y planos. Este proyecto, diseñado por BASE, explora nuevos repertorios espaciales y formales que reimaginan y potencian el uso y las posibilidades de los materiales tradicionales mediante métodos globales de diseño contemporáneo.

De forma casi escultórica, los frágiles elementos cerámicos suspendidos en un techo de cables de luz revelan la capacidad inherente a su naturaleza cóncava para constituir estructuras geométricamente complejas. Así, la organización del sistema obedece a un comportamiento intuitivo entre las partes: distancia, peso, gravedad y tensión física, así como a la lógica de la proliferación masiva y la replicabilidad coordinada. En ese sentido, la propuesta del estudio chileno establece una aplicación particular dentro de las diversas variaciones que permite el sistema. Un diseño que invita a la gente a crear espacios comunes semiabiertos, convirtiéndolo esencialmente en un habilitador social que permita la inclusión y la generosidad espacial.

En ese sentido, y en el contexto de la Bienal de Venecia 2021, la instalación Flocking Tejas pretende desencadenar preguntas y evocar imágenes sobre el potencial espacial, social e identitario de la arquitectura y los materiales locales.

# data[].attributes.attachment_link.description
Innovación A lo largo del tiempo y a través de diversas culturas, el uso de la teja en la cubierta se ha limitado a menudo a sistemas de construcción con principios organizativos aparentemente estáticos, predecibles y planos.

# data[].attributes.headline
BORDADO CON CABELLOS EN LA CHINA IMPERIAL TARDÍA

# data[].attributes.subject
BORDADO CON CABELLOS EN LA CHINA IMPERIAL TARDÍA

# data[].attributes.body
Analía: El bordado del cabello es una técnica particular practicada por mujeres budistas laicas para crear imágenes devocionales. Las bordadoras utilizaban su propio cabello como hilo y lo aplicaban sobre seda para coser figuras.

# data[].attributes.body
Para Analía

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
The Avanos hair museum situated in Cappadocia in Turkey is notably one of the strangest museums that you will come across. The museum is located in a small cave, underneath a pottery shop and contains hair samples, names and addresses from more than 16,000 women from all around the world.

The museum was founded by Chez Galip, a talented potter in Avanos. According to Oddity Central, the museum was started over 30 years ago, when one of Galip's friends had to leave Avanos, and he was very sad. To leave him something to remember her by, the woman cut a piece of her hair and gave it to the potter. Since then, the women who visited his place and heard the story gave him a piece of their hair and their complete address. Throughout the years, he has amassed an impressive collection of over 16,000 differently colored locks of hair, from women all around the world.

# data[].attributes.attachment_link.description
The Avanos hair museum situated in Cappadocia in Turkey is notably one of the strangest museums that you will come across. The museum is located in a small cave, underneath a pottery shop and contains hair samples, names and addresses from more than 16,000 women from all around the world.

# data[].attributes.body
Lucila: Colectivo feminsta de Brasil que realiza intervenciones urbanas con poesías.

# data[].attributes.body
Lucila sobre lo que charlábamos ayer

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Complete Text:

I will not download things that get me into trouble. I will not download things that get me into trouble. I will not download things that get me into trouble. I will not download things that get me into trouble. I will not download things that get me into trouble. I will not download things that get me into trouble. I will not download things that get me into trouble. I will not download things that get me into trouble. I will download things that get me into trouble. I will download things that get me into trouble. I will download things. I will download things. I will download things. I will download things. I will download things. I will download things. I will download things. I will download things. I will download things.

# data[].attributes.attachment_link.title
all i know and then some - Addie Wagenknecht

# data[].attributes.attachment_link.description
Complete Text: I will not download things that get me into trouble. I will not download things that get me into trouble. I will not download things that get me into trouble. I will not download things that get me into trouble. I will not download things that get me into trouble.

# data[].attributes.body
Para Gaby: Proyecto gastronómico, fotográfico y social. Integrado por 10 colectivos: Buscadoras Guanajuato, ¿Dónde están? Acámbaro, Proyecto de Búsqueda, Luz y Justicia, Salamanca Unidos Buscando Desaparecidos, Justicia y Esperanza, A tu encuentro, Hasta Encontrarte, Buscando con el Corazón y Madres Guerreras de León.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Esta página web es apoyada por el Sistema
de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales (SACPC)

"A Adán le encantaban las quesadillas de flor de calabaza. Comerlas iba más allá del deleite del sabor delicado, casi imperceptible de la flor, combinado con esa amargura del epazote y lo crujiente de la masa dorada al comal. El sabor era sólo una parte del festín."

Un recetario
para accionar

Un recetario para aprender a cocinar.

Para alimentarnos la memoria.

Para resistirnos al olvido.

Para nutrirnos de resistencia.

Para que lo individual sea colectivo.

Una mesa puesta para sentarse a compartir.

"Que la cocina sea pretexto para hablar de lo indecible, para hacer presentes a los que se llevaron, para tejer acciones contra la ausencia."

Zahara Gómez Lucini

# data[].attributes.attachment_link.description
Esta página web es apoyada por el Sistemade Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales (SACPC) "A Adán le encantaban las quesadillas de flor de calabaza. Comerlas iba más allá del deleite del sabor delicado, casi imperceptible de la flor, combinado con esa amargura del epazote y lo crujiente de la masa dorada al comal.

# data[].attributes.body
Para Seba: Es argentino, una especie de artesano de episodios en pequeña escala. Con cierta propuesta lúdica y fantástica, recrea escenas de suspenso e incertidumbre en las que lo anormal se filtra en lo ordinario.

# data[].attributes.attachment_link.description
Oficina de entrenamiento de objetos vagos

# data[].attributes.body
Para Angie: Vi esta artista y se me vinieron tus piezas de cerámica y las transparencias de tu Trabajo Final en resina, aunque Leah usa porcelana es muy interesante todo su proceos y resultado, se basa en antiguas técnicas de construcción manual, como pellizcar, enrollar y construir losas

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
El Procedimiento:

Caminando sin rumbo
por ciudades, pueblos y comunidades rurales de América,
conozco a algunas personas.
Las invito a escribir.
Nos sentamos, me hablan y escribo a mano todo lo que dicen.
Cada vez que hacen una pausa para inhalar, paso a la línea que sigue.
No se graba
no se hacen preguntas
no se edita posteriorimente.

Al otro día, los poemas se imprimen en libros.
La persona que habló lee sus poemas en voz alta en una ronda de nueve sillas
que se emplaza en alguna plaza o alguna esquina del lugar donde vive.
Se invita a amigxs, vecinxs y familiares a escuchar,
se regalan los libros.

Una vez que el proyecto sigue camino
los libros se distribuyen en otros pueblos y ciudades.
Se eligen portavoces, por afinidad, para cada unx de lxs escritorxs.
Los portavoces leen en voz alta los poemas
en nuevas rondas de nueve sillas .

Al principio, en un encuentro,
la palabra hablada se transforma en palabra escrita.
Al final, los poemas hacen posible un encuentro
que se vuelve palabra oral.
Los poemas contentos:
están entre dos personas y no entre dos hojas.

(Dani Zelko. 2015-hoy)

Reunión son varios actos que involucran conversar, leer y escribir; actos cotidianos y a la vez extraños que implican siempre estar junto a otro. Dani Zelko escribe los poemas que otros le dictan. La conversación se prolonga un tiempo y luego se detiene. Después de cumplir su tarea como escucha y como escriba, edita los libros en los días siguientes y los imprime con su mochila-imprenta. Los libros son presentados ante lxs vecinxs, familia y amigxs en una ronda de nueve personas. La persona que habló lee sus poemas, se escucha y es escuchadx por los demás.
La segunda parte del procedimiento consiste en una prolongación de los primeros actos en otros lugares. Los poemas, ahora, son leídos por portavoces. Nuevas personas que prestan su cuerpo, ojos y voz para leer en una ronda de nueve sillas los poemas de lxs ausentes.
Una cadena de actos. Sujetos hablando y escribiendo, editando y leyendo, portavoces y escuchas, libros y poemas. Acciones y procedimientos para estar con lxs otrxs.

(Amanda de la Garza. 2018)

El recorrido de este procedimiento es indicativo de su apuesta y de su alcance. Empieza con las "Temporadas" (2015-2018), que hilvanan encuentros con distintas personas en ese "caminar sin rumbo" que va desde Entre Ríos en Argentina hasta la Selva Lacandona en México. En las siguientes efectuaciones del procedimiento, esta deriva empieza a enfocarse sobre situaciones social y políticamente críticas, reunidas en las "Ediciones urgentes", que arrancan desde el 2017 y se enfocan en situaciones de urgencia política surgidas en contextos diversos. Migrantes en las fronteras de EEUU (Frontera Norte), brutalidad policial en Argentina (Juan Pablo por Ivonne), violencia contra procesos de autonomía indígena en Argentina y Chile (¿Mapuche terrorista?), abandono de migrantes y luchas por la lengua en Madrid (Lengua o Muerte): El procedimiento descubre de manera creciente su potencialidad política, su capacidad para articular urgencias de los cuerpos y las comunidades en contextos de profundización de la desigualdad obligatoria que parece habitar el corazón de las sociedades neoliberales.

(Gabriel Giorgi, extracto de "La Respiración de lxs otrxs", 2021)

La Mochila Imprenta

# data[].attributes.attachment_link.description
El Procedimiento: Caminando sin rumbo por ciudades, pueblos y comunidades rurales de América, conozco a algunas personas. Las invito a escribir. Nos sentamos, me hablan y escribo a mano todo lo que dicen.Cada vez que hacen una pausa para inhalar, paso a la línea que sigue.

# data[].attributes.headline
Hola! Este texto me quedo sin leerles para acompañar a las maquinitas

# data[].attributes.subject
Hola! Este texto me quedo sin leerles para acompañar a las maquinitas

# data[].attributes.body
Cuando lo falso puede parecerse tanto a lo verdadero,

¿quién puede asegurar para sí una felicidad sincera?

Mary W. Shelley, Frankenstein, o el moderno Prometeo

# data[].attributes.headline
Documental sobre la obra de Ángela de la Cruz

# data[].attributes.subject
Documental sobre la obra de Ángela de la Cruz

# data[].attributes.body
Para Guadalupe: me acordé de esta artista el dia que mostraste, pero no recordaba su nombre. Ella es escultora y usa su cuerpo como referencia, su obra cambió totalmente a partir de una experiencia trágica personal. Creo que en tu trabajo hay mucho de la experiencia corporal.
Me parece interesante de esta artista como rescata la experiencia y genera objetos "abstractos", sin referencias corporales directas

# data[].attributes.body
Para Anyi: me parece interesante la relación que sucede en esta curaduría entre los objetos cotidianos y el arte, entre la cultura popular, conocida por las grandes masas y los diálogos de los artistas con ese contexto. También me interesa que prestes atención al montaje.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Como en un archivo de lo diario, la muestra reúne más de 600 piezas, entre objetos, obras de arte y documentos, que constituyen la vida cotidiana argentina. Apuesta por una mirada etnográfica que, más allá de la autoría o los procesos, invita a abordar la cultura material desde los usos, las costumbres, los rituales y los simbolismos que las cosas generan en una sociedad.

"El entramado de objetos, espacios de vida y obra, teje una red de sentido ampliada: nos conecta emocionalmente con lo propio a partir de una porción de ese archivo de la vida común en el que el diseño, el arte, la industria y la historia se hibridan. Nos convocan a viajar a un pasado cercano, para conjurar nuevamente los sucesos y anhelos de futuro que allí se inscribieron", destaca el equipo curatorial, un grupo multidisciplinario integrado por historiadores, diseñadores gráficos e industriales, arquitectos y editores a cargo del concepto y de la puesta de la exposición.

Una serie de constelaciones temáticas articula el recorrido donde las cosas se agrupan sin cronología, jerarquías, ni distinción de disciplinas, transgrediendo así los límites del uso y difuminando la frontera entre arte y diseño. La exhibición abarca tres grandes zonas: la identidad del territorio, el diseño por fuera de los cánones y las vicisitudes políticas, sociales y económicas de nuestro país.

Del cielo a casa no propone una historiografía del diseño argentino, sino un ensayo sobre la vida en común condensada en las cosas: de las grandes visiones utópicas a la vida cotidiana, de un helicóptero a una zapatilla, del Stent a la pelota Pulpo. "Cosas para la vida", según la definición del vanguardista proyectual Gerardo Clusellas (1929-1973).

Las piezas provienen de diferentes archivos y colecciones públicas y privadas del país. Se destaca la colección del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, institución pionera que en 1963 dio al diseño vida pública al exhibirlo como producción cultural y como herramienta de desarrollo. Se suma además la Fundación IDA (Investigación en Diseño Argentino), fundación sin fines de lucro creada en 2013 y dedicada a la investigación, recuperación, conservación, difusión y puesta en valor del diseño nacional.

Completa esta selección un conjunto de materiales audiovisuales: cortos institucionales, publicidades y filmes de época, pertenecientes a los archivos de la Filmoteca Buenos Aires, elegidos por Fernando Martín Peña (director de Malba Cine), y del archivo del Museo del Cine "Pablo Ducrós Hicken", seleccionados por los especialistas Raúl Manrupe y Andrés Levinson.

La apertura de Del cielo a casa se concreta a sesenta años de la primera muestra de diseño en la Argentina (CIDI, 1963), y coincide con el cuarenta aniversario del regreso de la democracia en el país, un punto de inflexión en nuestra vida social e institucional.

Equipo curatorial: Adamo Faiden, Leandro Chiappa, Gustavo Eandi, Carolina Muzi, Verónica Rossi, Juan Ruades, Martín Wolfson y Paula Zuccotti.

Catálogo

En el marco de la exposición, Malba presenta esta publicación que despliega un repaso por la cultura material argentina del siglo XX en el mismo registro desprejuiciado de la muestra. Un texto especialmente comisionado a Martín Kohan abre la primera sección, que continúa con una compilación de imágenes, un ensayo visual de más de 400 páginas ideado por Gustavo Eandi y Juan Ruades. Verónica Rossi, curadora de Malba y parte del equipo curatorial del proyecto, escribe sobre los archivos y su relación con las obras de arte. La periodista e investigadora Carolina Muzi, también parte del equipo curatorial, rastrea una historia zizgagueante del diseño argentino en algunas de las microhistorias contenidas en la muestra. El volumen se completa con una exhaustiva lista de exposición, organizada según los núcleos de la sala, con textos introductorios y fichas ampliadas de piezas escogidas.

# data[].attributes.attachment_link.description
Como en un archivo de lo diario, la muestra reúne más de 600 piezas, entre objetos, obras de arte y documentos, que constituyen la vida cotidiana argentina. Apuesta por una mirada etnográfica que, más allá de la autoría o los procesos, invita a abordar la cultura material desde los usos, las costumbres, los rituales y los simbolismos que las cosas generan en una sociedad.

# data[].attributes.body
Para Victoria: me acordé de este artista a partir de tus dibujos de entornos más cotidianos

# data[].attributes.attachment_caption
Para Guadalupe: vi esta artista y obviamente la relacione con vos

# data[].attributes.headline
ATLAS. Entrevista con Georges Didi-Huberman

# data[].attributes.subject
ATLAS. Entrevista con Georges Didi-Huberman

# data[].attributes.body
Para varios! jeje

# data[].attributes.attachment_link.title
ATLAS. Entrevista con Georges Didi-Huberman

# data[].attributes.headline
Exposición curada por Didi Huberman "Atlas ¿Cómo llevar el mundo a cuestas? en Museo Reina Sofia

# data[].attributes.subject
Exposición curada por Didi Huberman "Atlas ¿Cómo llevar el mundo a cuestas? en Museo Reina Sofia

# data[].attributes.body
Para Lucila: esta muestra es muy interesante y está pensada a partir del Atlas Mnemosyne de Aby Warburg

# data[].attributes.body
Para Lucila y tal vez Sabrina... pensar con imágenes

# data[].attributes.attachment_link.description
La reciente edición del insólito y legendario Atlas Mnemosyne de Aby Warburg (1866-1929) y del imprescindible estudio de Georges Didi-Huberman

# data[].attributes.attachment_caption
Para Anyi: otra vuelta a los gabinetes de curiosidades. La relación con el dibujo

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Durante el mes de octubre de 2013 se desarrolló en Honda, Tolima, el proyecto Estación de campo Honda, un gabinete de dibujo realizado por el artista norteamericano Mark Dion en colaboración con Dana Sherwood y un grupo de ilustradores conformado por los artistas Diego Benavides, Margarita Besosa, Olga Lucía García, Juan Pablo Gaviria, María Paula Moreno y Eulalia de Valdenebro, luego de una expedición científico/artística en Honda, Tolima.

Mark Dion y el equipo permanecieron en Honda poco más de una semana. En las mañanas, Dion salía a realizar sus expediciones científicas armado de binoculares, un libro sobre las aves colombianas, un cuaderno de apuntes, redes para atrapar mariposas y otros insectos, y bolsas y frascos para guardar los especímenes que conseguía recolectar, los cuales eran llevados al taller de trabajo de los seis artistas, quienes asumieron el rol de ilustradores. Las postales realizadas en dibujo y acuarela eran marcadas con un sello que las identificaba como parte del proyecto, y firmadas con el nombre de quien las realizaba. El conjunto de postales fue enviado a Bogotá, en donde se habían fabricado previamente cinco gabinetes en cedro, con base en planos muy precisos entregados por Dion, inspirados a su vez en gabinetes de dibujo de museos de historia natural. Cada gabinete muestra postales de un conjunto diferente: animales, geología, plantas y etnografía. En una mesa contigua hay especímenes aún por ser ilustrados, labor que se realizará durante la exposición.

-

During October of 2013, Mark Dion developed his project Field Station Honda, a cientific/artistic expedition in Honda, Tolima, done in colaboration with Dana Sherwood and a group of artists that included Diego Benavides, Margarita Besosa, Olga Lucía García, Juan Pablo Gaviria, María Paula Moreno and Eulalia de Valdenebro.

Mark Dion and the group stayed in Honda more than a week. In the mornings, Dion went on scientific expeditions equipped with binoculars, a guide to Colombian birds, a notebook, butterfly nets, insect traps, and bags and jars to keep the specimens, which were trasported to a workshop where the six artists worked as illustrators. Each postcard, done in pencil and watercolor, was stamped with the logo of the project and signed by the illustrator who made it. All the postcards were brought to Bogotá, and displayed in five cedar cabinets based on Dion's diagrams (inspired in turn by drawing cabinets from Natural History Museums). Each cabinet shows postcards from a specific group: animals, geology, plants and ethnography. On a nearby table there are specimens which will be illustrated during the exhibition.

# data[].attributes.attachment_link.description
Durante el mes de octubre de 2013 se desarrolló en Honda, Tolima, el proyecto Estación de campo Honda, un gabinete de dibujo realizado por el artista norteamericano Mark Dion en colaboración con Dana Sherwood y un grupo de ilustradores conformado por los artistas Diego Benavides, Margarita Besosa, Olga Lucía García, [...]⟶

# data[].attributes.headline
Mark Dion. Cosas: cámara de curiosidades | Guggenheim Bilbao Museo

# data[].attributes.subject
Mark Dion. Cosas: cámara de curiosidades | Guggenheim Bilbao Museo

# data[].attributes.body
Para Anyi

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
[Nos sentimos] atraídos por la pura audacia de tratar de explicar la existencia, de crear una obra de arte que encarnase el microcosmos y explicase cómo sabemos lo que sabemos ¹.

En este "intervalo luminoso" entre el nacimiento y la muerte, luchamos por crear y por componer. Pero ¿qué significado se genera en esta lucha, y de qué forma? ¿Qué papel juega el mundo material en esta construcción de significado? ¿Qué puede aportar al mundo una colección de objetos (o demostrar determinadas teorías)? Con frecuencia, cuando se observan en conjunto, las colecciones pueden apelar a ideas más importantes. Como ha afirmado Dimitris Daskalopoulos, "Coleccionar es crear un todo en el que las obras de arte pueden entablar un diálogo y, por tanto, decir más de lo que dirían de forma individual". La palabra "colección", nos recuerda, se deriva de las palabras griegas "hablar" y "junto" ².

Algunos artistas de la colección de Daskalopoulos exploran específicamente cómo construimos significados a través de conjuntos de objetos físicos. Mark Dion (New Bedford, Massachusetts, EE.UU., 1961) y Robert Williams (Liverpool, Reino Unido, 1960) colaboraron en la creación de una obra que explora las formas en que los seres humanos han intentado estructurar y organizar el complejo y caótico mundo natural. Dion describe su pieza como "enciclopedia de metodologías sobre cómo organizamos las cosas para crear significado" ³. En Theatrum Mundi: Armarium (2001), basada en una colaboración con estudiosos y científicos de la Universidad de Cambridge, los dos artistas rellenaron dos vitrinas casi idénticas con objetos que representaban los respectivos sistemas de creencias de dos cosmólogos, Ramon Llull (Palma de Mallorca, 1232-Palma de Mallorca, 1315) y Robert Fludd (Kent, 1574-Londres, 1637). Cabe pensar que cada vitrina representa a uno de estos dos cosmólogos (un cosmólogo es un científico que estudia el universo en su conjunto) y que cada estante representa una categoría diferente de su teoría. Las baldas superiores se dejaron vacías para simbolizar la creencia de ambos hombres en la existencia de Dios. Las vitrinas están unidas mediante una tercera, que consta de una sola estantería que contiene un esqueleto humano. Éste apunta a la capacidad limitada que tiene el hombre de concebir el universo. Los artistas admiran la "pura audacia de tratar de explicar la existencia" ⁴, pero también reconocen lo inevitablemente antropocéntrico y deficiente de dicho intento.

Notas

¹Mark Dion, citado en El intervalo luminoso: D.Daskalopoulos Collection, cat. expo., Bilbao, Museo Guggenheim Bilbao; Nueva York, The Solomon R. Guggenheim Foundation, 2011, pág. 77.
²Dimitris Daskalopoulos, en "Organizando una galería en mi mente: Dimitris Daskalopoulos con Nancy Spector", El intervalo luminoso, op. cit., pág. 20.
³Mark Dion, citado en El intervalo luminoso, op. cit., pág. 77.
⁴ Ibid.

# data[].attributes.attachment_link.title
Cosas: cámara de curiosidades | Guggenheim Bilbao Museoa

# data[].attributes.attachment_link.description
atraídos por la pura audacia de tratar de explicar la existencia, de crear una obra de arte que encarnase el microcosmos y explicase cómo sabemos lo que

# data[].attributes.attachment_caption
Para Guadalupe: la cerámica y las partes del cuerpo...

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Current and Future Events

'The Intimate Series' in 'Esprits libres, Ceramiques en resistance', group exhibition, Fondation d'entreprise Bernardaud, Limoges, France

Opening this June in Limoge, France. MORE INFO

'Identity Matters', Benyamini Contemporary Ceramics Center, Tel-Aviv, Israel

'Identity Matters', group exhibition in Beit Benyamini, celebrating 10 years of activity. MORE INFO

Solo exhibition in Braverman Gallery! Tel-Aviv, October 2022

More details soon MORE INFO

Past Events

Solo Exhibition in Stoerpunkt Gallery, Munich, Germany

'The Puppet Theater', September 17 to October 30 in Størpunkt Gallery (Munich, Germany) MORE INFO

'Dream Bags and Jaguar Shoes', Group Exhibition, KIRK Gallery, Denmark

June 5, 2021, KIRK Gallery, Denmark MORE INFO

'The Tel Aviv Crafts and Design Bienalle 2020', group exhibition in the Eretz Israel Museum, Tel-Aviv, Israel

Running till May 2021, please check museum site for exact information. MORE INFO

'Lucid Dreaming: Curated by Beautiful Bizarre Magazine', Copro Gallery, Santa Monica, California

Group Exhibition in Copro Gallery, Santa Monica, California. April 24 to May 15
MORE INFO

Solo Exhibition: 'All Things Sweet and Painful', Beinart Gallery, Australia

My upcoming solo exhibiiton in Australia!
October 17 till November 8, Beinart Gallery, Brunswick VIC, Australia MORE INFO

'The Nude', group exhibition in Stoerpunkt Gallery, Munich, Germany

Opening September 11 in Størpunkt Gallery (Munich, Germany). MORE INFO

'Midnight Garden: Curated by Beautiful Bizarre Magazine', Modern Eden Gallery, San Francisco, California

Group Exhibition in Modern Eden Gallery, San Francisco, California. October 24 to November 13
MORE INFO

'Shades of Black', group exhibition in Stoerpunkt Gallery, Munich, Germany

Opening September 12, 2019 in Størpunkt Gallery (Munich, Germany). MORE INFO

Not All Doors Are the Same, Group Exhibition in Booth Gallery, NYC

Nov 9th to Dec 7th (2019)
A survey of contemporary Surrealism curated by Michael J Ruple and Rob Zeller MORE INFO

'Fake News - Fake Truth', group exhibition in Haifa Museum of Art, Haifa, Israel

Group exhibition in the Haifa Museum of Art, Haifa, Israel.
On display from March 30 till November 10, 2019.
MORE INFO

'And the Ship Still Sails', Artists' House, Tel-Aviv, Israel

Group exhibition curated by Dalia Danon. May 2 till May 25 (2019) MORE INFO

'Dark Art 2019', Group Exhibition, beinArt Gallery, Australia

July 13 till August 4 (2019), Beinart Gallery, Brunswick VIC, Australia MORE INFO

'HALF A POUND OF ART 2019', Group Exhibition in Stoerpunkt Gallery, Munich, Germany

Opening March 21st, 2019 in Størpunkt Gallery (Munich, Germany), the exhibition 'HALF A POUND OF ART 2019' will run until May 25th, 2019. MORE INFO

'Tea Party', solo exhibition in Beinart Gallery, Australia.

Solo Exhibition in Beinart Gallery, Brunswick VIC, Australia. September 8 to September 30 (2018)
MORE INFO

'Ephemeral: Curated by Beautiful Bizarre Magazine', Modern Eden Gallery, San Francisco, California

Group Exhibition in Modern Eden Gallery, San Francisco, California. September 15 to October 6 (2018)
MORE INFO

Demons' Playground, Solo Exhibition in Booth Gallery, NYC

April 27th to June 2nd (2018)
Opening Reception: April 27th at 7 pm [Facebook event]
MORE INFO

'HALF A POUND OF ART 2018', Group Exhibition in Stoerpunkt Gallery, Munich, Germany

Opening 8th of March 2018 in Størpunkt Gallery (Munich, Germany), the exhibition 'HALF A POUND OF ART 2018' will run from 9th of March until 13th of April 2018. MORE INFO

Group Exhibition: 2016 Israeli Ministry of Culture Awards

'We Hearby Declare', 2016 Ministry of Culture Awards for Visual Art and Design Exhibition, Dec. 27, 2017 to March 31, 2018, MoBY-Museums of Bat Yam, Bat-Yam, Israel MORE INFO

Group Exhibition in Mane-Katz Museum, Haifa, Israel

'Tree of Life', part of 'Chana Orloff: Feminist Sculpture in Israel'.
June 24, 2017 to Feb 18, 2018. MORE INFO

'Embraced', Solo Exhibition in Booth Gallery, NYC

'Embraced', Solo Exhibition in Booth Gallery, NYC. Opening August 19th! MORE INFO

Biennale internationale du lin de Portneuf (BILP), Quebec, Canada

'The Trap', part of BLIP 2017, International Group Exhibition, Quebec, Canada.
June 17 till October 1. MORE INFO

Group Exhibition in Haifa Museum of Art, Haifa, Israel

'Flying Baby', part of the Group Exhibition 'Rock Paper Scissors' in The Haifa Museum of Art Education Center.
November 12, 2016 till September 2, 2017 MORE INFO

# data[].attributes.body
Para Milagros: Composición tridimensional

# data[].attributes.attachment_caption
Para Sebastián: me interesa lo de la animación como recurso compositivo

# data[].attributes.attachment_link.title
BIG BANG BIG BOOM - the new wall-painted animation by BLU

# data[].attributes.attachment_caption
Para Sebastián: este es mas pariente tuyo ;)

# data[].attributes.attachment_caption
Para Sebastián: si bien ya son escenas "listas" me hizo acordar a tu obra

# data[].attributes.body
Para Sabrina, este es el proyecto que te conté de mi amiga chilena que trabaja con familiares de víctimas de la dictadura

# data[].attributes.attachment_link.description
desaparición, bordar, memoria, derechos humanos, operación colombo, los 119, Chile, dictadura militar, arte textil, arte colaborativo

# data[].attributes.body
Para Angie (y por qué no para Seba): Este es el artista argentino que junta cositas y guarda en cajas. Este link muestra una expo ampliada. También te recomiendo buscar "Cajas de Camembert"

# data[].attributes.attachment_link.title
Gabinete Heredia: Selección de obras del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires

# data[].attributes.attachment_link.description
A la manera de un gabinete de curiosidades, la exposición ofreció al público una nueva oportunidad de apreciar la obra del artista argentino Alberto Heredia.

# data[].attributes.body
Cuando Mariano mostraba sus piezas, recordé esta obra de Pablo Suárez. Es el arte de tapa de " El origen de la tristeza" de Pablo Ramos, novelita que, de yapa, recomiendo.

# data[].attributes.body
Jo Spence fue una fotógrafa inglesa y feminista que, en esta serie, aborda a travpes de la fotografía su proceso al atravesar un cáncer de mama.
Para Guada.

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
MACBA Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Jo Spence fue una figura clave en los debates sobre fotografía, crítica de la representación y feminismo de los años setenta y ochenta. En 1973 fundó con Terry Dennett el Photography Workshop, una organización independiente dedicada a la educación, la investigación y la publicación, que incluía un espacio de exposiciones y recursos para la producción fotográfica. En 1982, cuando tenía 46 años, le diagnosticaron un cáncer de mama y, a partir de ese momento vital, su obra derivó hacia la autobiografía, con la fotografía como herramienta de rebelión y de terapia.

Como parte del trabajo del Photography Workshop, Beyond the Family Album comprende una serie de paneles en los que Jo Spence alterna textos de carácter autobiográfico, fotografías personales y recortes de prensa. Partiendo de la reconstrucción de aquellos acontecimientos traumáticos que suelen omitirse en los álbumes familiares -muertes, divorcios, conflictos, abusos y enfermedades-, la artista propone un nuevo enfoque de la imagen de sí misma y de los roles que se proyectan en sociedad. En palabras de Spence, los usos privados de la fotografía como los álbumes familiares son "construcciones visuales" que no representan al propio "yo" y que tienen implicaciones políticas que afectan nuestra manera de pensar y de comportarnos.

Remodelling Photo History, realizado conjuntamente con Terry Dennett, es un trabajo de remodelación y reestructuración de la historia de la fotografía, cuestionando sus géneros, las prácticas y los códigos normalizados e institucionalizados. Constituye una crítica al hecho de que el desnudo femenino en la historia del arte se muestre tradicionalmente desde la mirada masculina como objeto pasivo y de placer. La obra se enmarca en la práctica artística que Spence y Dennett denominan "fototeatro" y que parte de sus investigaciones en torno a la aportación del fotógrafo Frederick Holland Day. Sin alejarse de un impacto visual, son fotografías realistas preparadas previamente, imágenes escenificadas y construidas, teatralizadas.

Leer más

Visita la Muestra Permanente

Contenidos relacionados

Documentos de archivo relacionados

# data[].attributes.attachment_link.description
Jo Spence fue una figura clave en los debates sobre fotografía, crítica de la representación y feminismo de los años setenta y ochenta. En 1973 fundó con Terry Dennett el Photography Workshop, una organización independiente dedicada a la educación, la investigación y la publicación, que incluía un espacio de exposiciones y recursos para la producción fotográfica.

# data[].attributes.headline
El jardin de academus: proyecto compendio del saber vivido

# data[].attributes.subject
El jardin de academus: proyecto compendio del saber vivido

# data[].attributes.body
Para Gaby: fijate el proyecto "Compendio del saber vivido" (página 122)

# data[].attributes.headline
Muestra Costuras, hilvanes entre moda, costura e identidad. Museo Arte moderno Buenos Aires

# data[].attributes.subject
Muestra Costuras, hilvanes entre moda, costura e identidad. Museo Arte moderno Buenos Aires

# data[].attributes.body
Para Juan Amante. Fijate que en esta muestra hay muchas propuestas interesante de artistas que combinan la costura con el arte. Delia Cancela te la recomiendo especialmente

# data[].attributes.attachment_link.title
Costuras. Hilvanes entre arte, moda e identidad

# data[].attributes.attachment_link.description
Así, incluiremos contenidos para compartir con todos y tomamos como referencia insoslayable del arte argentino trabajos de artistas argentinos de los años 60 vinculados al Instituto Di Tella. Entre otros, Dalila Puzzovio, Delia Cancela y Eduardo Costa incorporaron poéticas y herramientas del diseño y la moda, pero también del lenguaje de los medios masivos y la publicidad, para expresar sus visiones vanguardistas y los modos de vida de la juventud.

# data[].attributes.body
Para Juan Amante. Me interesa sobre todo el proceso de bordado y como van trabajando su identidad como pareja, familia y artistas

# data[].attributes.attachment_link.description
chiachio&giannone 2023 - Todos los derechos reservados

# data[].attributes.headline
Libro La inteligencia de las flores de Maurice Maeterlinck

# data[].attributes.subject
Libro La inteligencia de las flores de Maurice Maeterlinck

# data[].attributes.body
Para Susi y tal vez Anyi?

# data[].attributes.headline
Lali Martínez Spaggiari. Idilio de resistencia

# data[].attributes.subject
Lali Martínez Spaggiari. Idilio de resistencia

# data[].attributes.body
Para Susi

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
serie

"Idilio de resistencia" forma parte de un conjunto de obras compuestas por instalaciones y objetos escultóricos realizados con objetos semi-cubiertos por tierra y vegetación. Son escenas cotidianas conformadas por menaje familiar sobre el que crecen plantas mediante un dispositivo de cultivo led. La naturaleza en su potencia se nos resiste: los árboles que crecen en las esquinas de los techos de las casas, las plantas entre las rendijas de las baldosas, el moho de las paredes, el césped en los baches de las calles, nos presentan verdaderas prácticas de resistencia.

En lo adverso, lo imposible, lo inútil, la potencia de cambio y de acción sobre el entorno empodera a la naturaleza sobre el medio humano. Estas plantas en su avance corroen, destrozan, sintetizan lo que absorben. Esta obra conforma un espacio en un tiempo otro, en el que la resiliencia ecológica, se hace presente en la capacidad de absorber las perturbaciones del pasado sin alterar características biológicas. La potencia modificadora, reincidente en el crecimiento del paisaje natural sobre el urbano, la persistencia del deseo y el ánimo de avanzar del paisaje son inspiradores en el acto mismo de resistir.

_

# data[].attributes.attachment_link.title
Idilio de Resistencia - Lali Martínez Spaggiari

# data[].attributes.headline
Mariela Richmond. La cosecha, con certeza, un día llegará

# data[].attributes.subject
Mariela Richmond. La cosecha, con certeza, un día llegará

# data[].attributes.body
Para Susi. Tuve la oportunidad de escuchar a esta artista costarricense, desarrolla un proyecto que aúna arte, ciencia y saberes ancestrales, para conservar un archivo de semillas. Estará en Asunción del Paraguay, a fines de agosto, en un evento de artes vivas.

# data[].attributes.body
Para Gaby: me pareció curiosa esta artista y su obra comestible ;)

# data[].attributes.attachment_link.description
Visual artist, cook, and cultural manager who currently lives between Helsinki, Quito and Berlin.

# data[].attributes.headline
Rirkrit Tiravanija. La comida en el arte

# data[].attributes.subject
Rirkrit Tiravanija. La comida en el arte

# data[].attributes.body
Para Gaby

# data[].attributes.attachment_link.title
Rirkrit Tiravanija | Untitled (Free/Still)

# data[].attributes.body
Para Vicky: La ilustración modernista

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
In his short life, Aubrey Beardsley (August 21, 1872-March 16, 1898) became a pioneer of the Art Nouveau movement and forever changed the course of the graphic arts. He was an artist of elegant and unsentimental exaggeration, and yet beneath his grotesque aesthetic lay a subtle sensitivity to human fears, longings, and relationships. Susan Sontag placed him in the canon of camp, but Beardsley's significance radiates far beyond what she called "stylization." In addition to influencing generations of artists - his unmistakable aesthetic reverberates through Harry Clarke's striking 1925 illustrations for Dante's Divine Comedy and even William Faulkner's little-known Jazz Age drawings - he championed the poster and large-scale print work as a modern medium of graphic art. Born under the tyranny of oil painting as the only acceptable form of "picture," he rebelled against the notion that a picture is "something told in oil or writ in water to be hung on a room's wall" and tirelessly defied the conceit that the poster artist is somehow a lesser, lighter artist than the painter.

In her terrific 1968 treatise Black and White: A Portrait of Aubrey Beardsley (public library), British novelist, critic, music scholar, and social reformer Brigid Brophy calls Beardsley "the most intensely and electrically erotic artist in the world" and "perhaps the only artist of any kind practicing in [that period] who was never sentimental." She writes:

Live (love) now: die sooner or later.

That, classically, is the purport of lyrical art. Aubrey Beardsley was above all a lyrical artist - but one who was pounded and buckled into an ironist by the pressure of knowing, which he did virtually from the outset, that for him death would be not later but sooner.

A scholar of Mozart and an astute cross-pollinator of the arts, Brophy - a lyrical genius herself - writes:

Beardsley is lyrical by virtue of his gift of line, which resembles the gift of melodic invention. Sheerly, Beardsley's lines, like great tunes, go up and down in beautiful places... A Beardsley sequence is like a sonnet sequence. Yet it is never the literary content of an image that concerns him. His portraits, including those of himself, are less portraits than icons. He is drawing not persons but personages; he is dramatizing not the relationships between personalities but the pure, geometric essence of relationship. He is out to capture sheer tension: tension contained within, and summed up by, his always ambivalent images.

And yet Beardsley's images are very much a sacrificial offering to tension, to the contradictory forces by which the human heart is pulled asunder - loneliness and longing, dread and desire, sadness and sensual delight. His stark black-and-white aesthetic - like his life, like all life - is one of violent and vitalizing contrasts, nowhere more so than in his drawings for Oscar Wilde's play .

In February of 1893, a British magazine commissioned Beardsley to create a single drawing based on the original French publication of Salomé. But the gorgeously grotesque piece he submitted - Salomé reveling in the severed head of John the Baptist - was too daring and the magazine rejected it. In April, a new art publication included the drawing in its inaugural issue and it made its way to Wilde, who was so taken with it that he offered Beardsley a contract for ten full-page illustrations and a cover design for the English edition. Beardsley was twenty-one and Wilde, whom he had met three years earlier at an artist's studio, thirty-eight.

Originally, Beardsley had wanted to translate rather than illustrate Wilde's play - but the honor fell to Lord Alfred "Bosie" Douglas, Wilde's longtime lover and the recipient of those breathtakingly beautiful love letters. Instead, Beardsley approached his art as an act of complementary interpretation rather than literal visual translation - his drawings are in intimate dialogue with Wilde's text, often talking back with their own subversive symbolism. Wilde himself likened Beardsley's drawings to "the naughty scribbles a precocious boy makes on the margins of his copybook," which he meant as admiring praise rather than belittlement.

The combined force of these two tradition-defying geniuses resulted in nothing short of a creative revolution - the play was already targeted by censors for its depiction of Biblical characters and Beardsley's intensely erotic drawings subverted the era's gender norms by portraying women as sexually empowered, even predatory, rather than the docile and demure creatures Victorian society expected them to be.

Brophy, who was heavily influenced by Freud, writes:

It is the characteristic of precocious children that, in childhood, they are astonishing because they resemble adults. In adulthood, they are often - like Mozart and Beardsley - astonishing because they resemble children.

[...]

[Beardsley's] vision is permanently that of a child lying in bed watching his mother dress for a dinner-party. His fantasy hangs this here, tries the effect of that there: everything is a jewel, and everything is a sexual organ. He is allured, yet afraid to touch: driven back on a cold minuteness of detailed attention, and yet passionately curious, with the emotional and involved curiosity children give to sex. The very fastidiousness of his line demonstrates the importance of touching and the fear that has to be overcome in order to do it... The child's protest against his inexperience, against the ban on touching, is to glory in his ignorance. He does not know which sexual organs are appropriate to which sex; he makes deliberate howlers in order to howl against his exclusion from adult knowledge.

Brophy considers Beardsley's depictions of women, deeply defiant of sexual classification:

Are they female fops, these personages of Beardsley's: female dandies: female effeminates, even? Or are they male hoydens, male tomboys, boy butches?

Indeed, it's hardly surprising that androgyny and a profound ambivalence about sexuality should permeate Beardsley's work - he was a young gay man himself who, biographers believe, died a virgin.

His collaborator's fate not only exacerbated Beardsley's private terrors but decimated his professional life. A year after the English publication of Salome, Wilde was arrested for homosexual conduct. He had with him a copy Pierre Louÿs's Aphrodite at the time of the arrest, bound in yellow paper as French novels were at the time. The media, in their perennial propensity for scandal-mongering falsehoods, misreported that Wilde was carrying the Yellow Book - the literary quarterly for which Beardsley served as art director. Immediately, a mob descended upon the publisher's offices and broke the windows. Several prominent Yellow Book authors threatened to withdraw from the journal unless Beardsley was fired, even though his sole collaboration with Wilde had been Salome and Wilde himself had never contributed to the journal.

Under the combined abominations of bad journalism, bullying, and cowardice, Beardsley lost his job and his income. He and his sister Mabel had to vacate the house they shared.

Fortunately, a few months later, Beardsley was hired as an art director at a new periodical called Savoy for a weekly salary of £25, or around £2,600 in today's money - a respectable amount given that Wilde, at the height of his fame as the twentieth century's first pop celebrity, was earning only four times as much from his plays.

Beardsley died just as he was becoming one of the most prominent graphic artists of his day, his brilliance and promise cut short - like Simone Weil and Franz Kafka 's - by tuberculosis at a heartbreaking age. He was only twenty-five.

His visionary genius is perhaps best captured by Wilde's inscription on the copy of the original French edition of Salome he gave Beardsley:

For Aubrey: for the only artist who, besides myself, knows what the Dance of the Seven Veils is, and can see that invisible dance.

# data[].attributes.attachment_link.title
How Aubrey Beardsley's Visionary Illustrations for Oscar Wilde's "Salome" Subverted Victorian Gender Norms and Revolutionized the Graphic Arts

# data[].attributes.attachment_link.description
"He is drawing not persons but personages; he is dramatizing not the relationships between personalities but the pure, geometric essence of relationship."

# data[].attributes.body
Para Sole: este es el artista brasileño que charlamos el otro día, me pareció interesante esta nota sobre su obra más reciente

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
"Solamente la muerte es la compuerta que deja salir del mundo el dolor".
M. Yourcenar

Hay artistas que exageran hasta la extenuación la necesidad de explicarse, de decirse todo el tiempo, de exponer los recursos secretos de sus gramáticas de ejecución. Hay otros que, en cambio, hiperbolizan un cripticismo conceptual que esconde la deformación y la carencia. Pero también existen otros, como el caso del brasileño Éder Oliveira (1983), que sin la exposición exagerada de la intimidad del proceso ni la apelación a argumentos cifrados, consigue el diagrama -diáfano y contundente- de una realidad cultural atravesada por las retóricas del poder y de la profanación.

Éder es un relator de lo latinoamericano que habla en primera persona. Al contrario de los malentendidos que desde siempre ha generado la mirada occidental como lógica extensión de su "benevolencia", la obra de este artista evita la ficción en nombre de lo real, rechaza la imagen disociada del texto en función del juicio clarividente y preciso, apuesta por el territorio y no por la cartografía. Mientras que el occidente colonial cuenta la historia de los otros, el artista cuenta su propia historia. Una narración que sustantiva los signos de lo étnico, lo periférico, lo mestizo y lo lateral. La obra, por tanto, deja de ser un texto de corte antropológico para convertirse en la radiografía de una experiencia de vida tan íntima como colectiva.

Éder Oliveira, S/T, de la serie Puertos, 2022, óleo sobre tela, 150 x 380 cm. Cortesía: Galerie Voss

Éder Oliveira, S/T, de la serie Puertos, 2022, óleo sobre tela, 150 x 200 cm. Cortesía: Galerie Voss

La pintura de Éder Oliveira se articula sobre dos inequívocos ejes de actuación: el contexto de la violencia en el espacio cultural latinoamericano y el de la dialéctica del subalterno. Se trata de una narrativa pictórica que gestiona, con igual grado de lucidez, los principios activos del drama y de la seducción. Hablamos de una pintura que sangra, que advierte de los síntomas del desasosiego humano y que señala las heridas del malestar social. Una pintura que activa la búsqueda del despertar y cuestiona la ingravidez de la política. El ámbito de lo pictórico se traduce así en un espacio de autoafirmación y de autoconciencia. Sus piezas disfrutan de una perspectiva especular y proyectiva. Especular porque medita, sin ánimo teórico alguno, sobre las particularidades de una identidad poliédrica y harto compleja; proyectiva porque expande los rasgos de esa misma identidad en un espacio de consagración menos pervertido y menos jerárquico.

No es casual que el término oposición sea el título de esta primera exposición suya en Galerie Voss. La obra de Oliveira, precisamente, constituye una gran infracción, un gesto de oposición y un acto de denuncia. El activismo no solo es programático como tampoco el arte político se reduce a la performance y al uso del cuerpo en sus variantes expandidas. Su pintura entraña la gramática de resistencia al tiempo que afronta una interpelación sistémica. Habla en nombre del otro (y del yo) sin que el dolor ajeno se convierta en panfleto o en garantía de éxito mediático. De hecho, el autorretrato se ensaya como imagen expansiva y de consenso. No habla de ese costado narcisista o de esa fragilidad del yo asociada a ciertos discursos estructurales, sino de una identidad cubista de signo periférico. El rostro de Éder es el rostro de muchos actores sociales con los que el artista comparte hoja de vida y parecidos (o cercanos) itinerarios afectivos y emocionales.

Éder Oliveira, S/T, 2021, óleo sobre tela,, 135 x 190 cm. Cortesía: Galerie Voss

Éder Oliveira, S/T, 2022, óleo sobre tela, 90 x 140 cm. Cortesía: Galerie Voss

Éder Oliveira, S/T, 2021, óleo sobre tela, 150 x 100 cm. Cortesía: Galerie Voss

El retrato, en época de selfie, se ha convertido en el centro de atención de su propuesta. Éder entiende el género del retrato como materia poliédrica, como un espacio facultado para hablar del yo y de los otros, un ámbito de investigación que permite -desde el asombro y la curiosidad- indagar en la arbitrariedad de los cánones y en los regímenes de lo permisible/aceptable. Sus obras revelan una preocupación por esos rostros contemporáneos de ascendencia amazónica e indígena que integran el panteón de la subjetividad lateral. Se trata de superficies punzantes, de una versatilidad casi arrogante y de un sentido libertario fuera de serie. Es, en definitiva, un canto a la soberanía y al impulso poscolonial de la historia.

Desde sus intervenciones en el muro urbano, pasando por sus sugestivos site-specific, hasta las pinturas de caballete, sus piezas todas denotan algo que conmueve y es el vértigo confesado de la violencia expandida. Sus piezas advierten de una belleza que es política y afirmativa, pura vehemencia necesaria. La perplejidad de esos rostros agigantados y su cualidad reflectante hablan de una cultura anclada en el éxtasis de la banalidad que extravía el sentido de lo verdadero y de lo oportuno. Esos planos rojos enormes se traducen como las venas abiertas de un hemisferio cultural que ha sido siempre el otro, la cuna de la alteridad, el sitio en el que la sonrisa y el llanto pueden ser la misma cara de la moneda de cambio. La obra de Éder bien podría ser un monumento a la legalidad de lo alterno y de lo marginal.

En obras recientes el artista introduce la barca como metáfora del desplazamiento y epítome de la contemporaneidad, pero también como extensión corporal, otra suerte de instancia muscular que nos define como eternos sujetos migrantes. La barca relata la conexión; también, y mucho, el aislamiento, la soledad y el exilio. La barca es el espacio heterotópico por excelencia en el que se cumple la realidad dramática del viaje. Ella es la reina simbólica de una cultura que, como la latinoamericana, se instala desde el fragmento, la superposición y la discontinuidad. La barca de Éder es física, alegórica y ritual. Es, de algún modo, ese no lugar en el que las búsquedas y los encuentros alcanzan una transparencia que va desde la mirada al cuerpo. Ella abre otros interrogantes y estimula otras lecturas.

En cualquier caso, tanto en sus retratos habituales como en estas nuevas piezas, se reitera la hegemonía del color rojo y sus cualidades discursivas. Color del martirio y del poder que entraña todas las contradicciones y paradojas. El rojo, indiscutiblemente, tiene una gran importancia en el proyecto estético general de este artista, lo mismo que en el pensamiento de una historia crítica sobre la violencia estructural y el castigo. Su polivalencia simbólica es infinita: representa la vida, la alegría y la fertilidad, al tiempo que refiere la muerte, el desastre, la guerra y el inframundo. En su justa medida puede ser veneno y elixir. En el conjunto de prácticas religiosas y rituales de ascendencia popular, el color rojo adquiere un significado espiritual relacionado con los ritos de sanación y purificación. Seguramente sea esta acepción la que interese más al artista. Las superficies de Éder resultan la crónica de una denuncia en la misma medida en que ejercitan una performance de restitución y de dignificación. Acontece en ellas la demanda de la protesta y con ella -creo- se otorga sentido a la reconciliación.

Éder Oliveira, S/T, 2022, óleo sobre tela, 100 x 160 cm. Cortesía: Galerie Voss

Oposición, de Éder Oliveira, se presenta del 24 de junio al 30 de julio de 2022 en Galerie Voss, Mühlengasse 3, Düsseldorf, Alemania.

# data[].attributes.attachment_link.description
Mientras que el occidente colonial cuenta la historia de los otros, el artista brasileño Éder Oliveira cuenta su propia historia. Una narración que sustantiva los signos de lo étnico, lo periférico, lo mestizo y lo lateral. La obra, por tanto, deja de ser un texto de corte antropológico para convertirse en la radiografía de una experiencia de vida tan íntima como colectiva.

# data[].attributes.headline
Eder Oliveira en Bienal de Sao Paulo 2014

# data[].attributes.subject
Eder Oliveira en Bienal de Sao Paulo 2014

# data[].attributes.body
Para Sole: Esta es la obra que hablamos en Viernes

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Como costuma fazer na cidade em que mora, Belém do Pará, Éder Oliveira realizou para a 31ª Bienal pinturas murais de retratos em grandes proporções. Pode-se afirmar que os retratos são monumentais, em detrimento do uso do termo monumento como algo relativo a eventos e personagens hegemônicos na história. O artista torna monumentais justo aqueles personagens que a dinâmica social estigmatiza: envolvidos em crimes e cujas imagens são estampadas de modo sensacionalista nas páginas policiais de jornais paraenses. Transpostos para os muros de Belém, e agora também de São Paulo, eles se tornam amplamente visíveis, embora ainda anônimos. A despeito de detalhes da sua identidade e do lugar onde são originalmente fotografados - dados dos quais Éder Oliveira abre mão -, a pintura evoca uma reflexão sobre como os direitos civis são desrespeitados socialmente, aqui de modo mais evidente na cobertura fotojornalística.

Chamados corriqueiramente pela imprensa de bandidos ou criminosos, a maior parte desses retratados são caboclos, com traços de índios e negros. O dado demográfico denota, além de problemas éticos nas coberturas policiais, a abordagem racista com que a mídia divulga os problemas de insegurança e violência no Brasil e sua conversão em um dos agentes de discriminação racial no país.

Deslocado para o Pavilhão Ciccillo Matarazzo no Parque Ibirapuera, endereço nobre de São Paulo, a retratística de Éder Oliveira assume novas questões. Nessa metrópole cosmopolita, mas extremamente excludente, o caboclo paraense personifica o outro, aquele que destoa dos padrões socioeconômicos dominantes e, por isso, vive nas margens físicas e cívicas da sociedade, como vivem nordestinos, haitianos, bolivianos e tantos outros em São Paulo. Indiretamente, os murais do artista os tornam todos centros para os quais a atenção do público da 31ª Bienal deve convergir. - AMM

# data[].attributes.attachment_link.description
Como costuma fazer na cidade em que mora, Belém do Pará, Éder Oliveira realizou para a 31ª Bienal pinturas murais de retratos em grandes proporções. Pode-se afirmar que os retratos são monumentais, em detrimento do uso do termo monumento como algo relativo a eventos e personagens hegemônicos na história.

# data[].attributes.body
Para Victoria: fijate en las composiciones, las mujeres y sus poses, los tocados...

# data[].attributes.attachment_link.title
Alfons Mucha - 171 obras de arte - pintura

# data[].attributes.body
Para Sole: en esta página hay varias obras para ver

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Sillas colgando de la pared de un edificio de gobierno, camisas apiladas y cuidadosamente dobladas atravesadas por una barra de acero, un armario relleno de hormigón, o una gran manta de pétalos de rosa cosidos a mano son algunas de las obras que integran la primera retrospectiva de la reconocida escultora colombiana Doris Salcedo en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (MCA). La exposición, que abre este 21 de febrero, reúne obras de las principales series realizadas por Salcedo a lo largo de sus 30 años de carrera y presenta, por primera vez en Estados Unidos, su instalación Plegaria Muda (2008-2010).

Las esculturas y proyectos site-specific de Doris Salcedo (Bogotá, 1958), elegantemente creados con materiales comunes, revelan su compromiso con la forma en que el arte puede abordar el tema de la violencia política en el mundo de hoy. Basándose en extensas conversaciones con testigos y sobrevivientes de conflictos, Salcedo hace palpable, a través de su obra, las pérdidas del pasado y las ausencias fantasmales.

Co-curada por la directora del MCA, Madeleine Grynsztejn, y la curadora del MCA, Julie Rodrigues Widholm, la exposición ofrece una visión actual de los métodos de trabajo de Salcedo, desde su oficio formal e innovaciones como artista hasta las distintas formas en que su obra aborda tanto la pérdida individual como la opresión sistémica.

Su trabajo inquiere al público no sólo a recordar, sino también a resistir el olvido. Su obra se basa en el trabajo de campo riguroso, incluyendo testimonios de las víctimas que han sufrido traumas y pérdidas debido a la guerra y otras circunstancias injustas, y está profundamente arraigada en el paisaje social y político de Colombia, incluyendo su larga historia de conflictos civiles. Sin embargo, sus esculturas e instalaciones abordan sutilmente estas duras circunstancias con elegancia y una sensibilidad poética. Sus trabajos -a menudo hechos de materiales de uso cotidiano, tales como muebles, ropa y otros objetos vernáculos- sugieren vías para un duelo colectivo que, en palabras de la artista, "intentan devolver el sentido, el significado y la forma que la violencia quitó a sus víctimas".

La muestra comienza con una selección de las primeras obras de Salcedo hechas a partir de muebles y pilas de camisas blancas de algodón encontrados en hospitales. Para el MCA, la artista recrea la instalación original de estas obras tal y como fueron mostradas por primera vez en Bogotá en 1990. Las esculturas de su serie más extensa (1989-2008), hechas con armarios, sillas, camas y otras piezas de muebles que han sido llenados con concreto -y, a veces, fusionados e integrados con ropa-, han sido dispuestas in situ por la artista.

Otras instalaciones importantes en la muestra son La Casa Viuda (1993-1995), un grupo de esculturas que abordan las experiencias de viudas desplazadas y que se componen principalmente de puertas encontradas que han sido removidas de sus cimientos arquitectónicos; Unland (1995-1998), una serie de tres obras que combinan partes de diferentes mesas aparentemente unidas y cosidas con pelo humano y seda; Atrabiliarios (1992-2004), zapatos abandonados encapsulados en un material translúcido y luego "cosidos" a la pared; la ya mencionada Plegaria Muda, una gran instalación de esculturas hechas con mesas colocadas una encima de la otra de forma invertida, con hojas de pasto que crecen a través de agujeros en su superficie; y A Flor de Piel (2014), una extensa escultura tipo sudario hecha de pétalos de rosas tratados y suturados a mano.

La exposición también presenta por primera vez en Estados Unidos su más reciente serie, Disremembered (2014), esculturas tipo túnicas cosidas completamente con seda cruda, sus hilos conectados con unas 12.000 agujas.

Como lo evidencian estos trabajos, la obra de Salcedo transmite el sentido del cuerpo faltante, ausente, y evoca una sensación colectiva de la pérdida en lugar de crear representaciones literales de los efectos de la guerra. Sus trabajos tiene que ver con dualidades -fuerza y fragilidad, lo efímero y lo duradero- y evocan nociones de curación y reparación a través del proceso cuidadoso y laborioso de su factura.

En los últimos quince años, Salcedo también ha creado una serie de instalaciones site-specific de gran escala en varios países, entre ellos Turquía, Italia, Inglaterra y su natal Colombia. Como parte de la retrospectiva, el MCA está produciendo un corto documental sobre sus instalaciones públicas y site-specific, obras que ya no existen o que son imposibles de mostrar en el museo, como Noviembre 6 y 7 (2002), una instalación al aire libre en el Palacio de Justicia, y Acción de Duelo (2007), una intervención en la Plaza de Bolívar, ambos en Bogotá.

También se incluyen Sin título, un encargo de la 8ª Bienal de Estambul (2003) en el que Salcedo apiló unas 1.550 sillas en un terreno baldío ubicado entre dos edificios, y Shibboleth (2007), su gran proyecto comisionado para la Turbine Hall de la Tate Modern de Londres, una grieta que recorre el suelo de hormigón a todo lo largo de la sala en una suerte de meditación sobre la inmigración y el racismo.

La exhibición, que estará abierta hasta el 24 de mayo de 2015, itinera luego por el Museo Guggenheim de Nueva York (26 de junio al 14 de octubre de 2015) y el Pérez Art Museum de Miami (6 de mayo al 23 de octubre de 2016).

Para acompañar la exposición, el MCA está co-publicando con la University of Chicago Press un catálogo de 240 páginas con ilustraciones a todo color y una visión general de la carrera de la artista escrita por destacados académicos y curadores. El libro está editado por Julie Rodrigues Widholm y Madeleine Grynsztejn, con contribuciones de Elizabeth Adan, Katherine Brinson, Helen Molesworth, Julie Rodrigues Widholm y la propia artista.

Los ensayos proporcionan una nueva perspectiva académica sobre las estrategias e influencias estéticas de Salcedo, su acercamiento filosófico a la representación y la metáfora, su reinterpretación del readymade de Duchamp, así como sus construcciones poéticas y evocaciones de temas religiosos. También cuenta con un ensayo escrito por Salcedo sobre su trabajo.

Paralelamente, el MCA produjo un cortometraje que documenta las instalaciones efímeras y site-specific de la artista -aquellas que ya no existen o son imposibles de mostrar en el museo- con el fin de establecer su importancia y contribución al resto de su obra. La realización del documental, en la que la propia artista comenta sobre estos trabajos, contó con el apoyo de la Fundación Stefan Edlis y Gael Neeson.

# data[].attributes.attachment_link.title
EL MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE CHICAGO ACOGE UNA RETROSPECTIVA DE DORIS SALCEDO

# data[].attributes.attachment_link.description
Sillas colgando de la pared de un edificio de gobierno, camisas apiladas y cuidadosamente dobladas atravesadas por una barra de acero, un armario relleno de hormigón, o una gran manta de pétalos de rosa cosidos a mano son algunas de las obras que integran la primera retrospectiva de la reconocida escultora colombiana Doris Salcedo en...

# data[].attributes.body
Para Soledad. Creo que toda la obra de Doris es muy interesante para que investigues.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
El proceso de investigación y reflexión que subyace detrás de esta obra ha sido dispendioso. Comienza en el 2004 con un recorrido por los ghettos de Los Ángeles y el hecho que en un informe oficial se habla de más de diez mil muertes violentas de jóvenes en un periodo de veinte años. Centré mi atención en la violencia generada por las pandillas juveniles y especialmente en esa relación gris que se establece entre el rol de la víctima y el del victimario, roles que se intercambian con una facilidad asombrosa. Después de reflexionar al respecto me di cuenta que este intercambio perverso y fluido en los roles era posible debido a que ambos habitaban una zona indefinida, que algunos autores han denominado como la de "muerte social o muerte en vida".

Cuando se convive en zonas marginales bajo condiciones precarias, se empieza a ver la correlación que existe entre dicha muerte social o muerte en vida y la posterior muerte violenta, anónima e invisible. La muerte social o muerte en vida que percibí en Los Ángeles me hizo comprender que a pesar de los entornos diferentes, esta no era muy disímil a lo que vivían los jóvenes en las áreas marginales de las ciudades colombianas.

En Plegaria Muda intento articular diferentes experiencias e imágenes que forman parte de la naturaleza violenta del conflicto colombiano. También deseo conjugar una serie de eventos violentos que determinan la imparable espiral de la violencia mimética y fratricida que distingue los conflictos internos y guerras civiles en todo el mundo.

Plegaria Muda busca enfrentarnos al duelo represado y no elaborado, a la muerte violenta cuando es reducida a su total insignificancia y que forma parte de una realidad silenciada como estrategia de guerra. También responde a un hecho particular que tuvo lugar en Colombia entre los años 2003 al 2009 en donde 2500 jóvenes provenientes de zonas marginales fueron asesinados por el ejército colombiano sin motivos aparentes. Sin embargo, era claro que había un sistema de incentivos y prebendas por parte del gobierno colombiano al ejército, si ellos demostraban un mayor número de guerrilleros muertos en combate. Ante este sistema de prebendas e incentivos, el ejercito comenzó a contratar a jóvenes de zonas remotas y marginales ofreciéndoles trabajo y transportándolos luego a otros sitios donde los asesinaban y luego presentaban como "guerrilleros N.N.: dados de baja en combate".

Durante meses entrevisté a un grupo de madres acerca de la búsqueda de sus hijos desaparecidos, y del terrible proceso de reconocerlos en las fosas donde habían sido enterrados por los asesinos. Posteriormente, estuve con ellas en el doloroso y arduo proceso de elaboración del duelo y vano intento de lograr justicia, ante la barbarie cometida por el Estado. es un intento de elaboración de dicho duelo, un espacio demarcado por el límite radical que impone la muerte. Un espacio fuera de la vida, un lugar aparte, que recuerda a nuestros muertos.Considero que Colombia es el país de la muerte insepulta, la fosa común y los muertos anónimos. Por ello es importante destacar cada túmulo de manera individual para así articular una estrategia estética que permita reconocer el valor de la cada vida perdida y la singularidad irreductible de cada tumba. Cada pieza, a pesar de no estar marcada con un nombre, se encuentra sellada y tiene un carácter individual, como indicativo de un ritual funerario que tuvo lugar. La repetición implacable y obsesiva del túmulo, enfatiza la dolorosa repetición de estas muertes innecesarias. Y creo que la repetición también enfatiza el carácter traumático de estas muertes que son consideradas irrelevantes por la mayoría de la población.
La muerte de cada joven genera una ausencia y cada ausencia demanda una responsabilidad con respecto a los ausentes, ya que su única posibilidad de existir es dentro de nosotros, en el proceso mismo de la elaboración del duelo. Plegaria Muda

Al individualizar la experiencia traumática, por medio de la repetición, espero que esta obra en alguna medida logre evocar y restituirle a cada muerte su verdadera dimensión y así permitir el reingreso a la esfera de lo humano, de estas vidas desacralizadas. Espero que a pesar de todo, incluso en condiciones difíciles la vida prevalezca... como sucede en Plegaria Muda.

Doris Salcedo, Enero 2011

-

Doris Salcedo, Silent Prayer

Silent Prayer 2008/2010

The process of investigation and reflection that sublies behind the work has been tough.

It began in 2004 with a trip to the ghettos of Los Angeles and an official report about more than ten thousand young people death by violent during a twenty-year period. I focused my attention on the violence made by youth gangs and especially on the unclear relation that has been established between the part of the victim and the killer, parts that can be exchanged by amazing simplicity. After reflecting this thoughts, I realized that this perverse and fluid exchange was possible because both (victim and killer) were living in a indefinite zone, which some people call "social death or death in life".

When somebody lives in marginal areas under precarious conditions, he begins seeing the interrelation that exists between the mentioned "social death or death in life" and the violent, anonymous and invisible death. The "social death or death in life", which I perceives in Los Angeles, made me understand that in spite of the different environments, this was very similar to the young people who live in the marginal areas of the Colombian cities.

In Silent Prayer I try to articulate different experiences and images that are part of the nature of the violent conflict in Colombia. Also, I like to combine a series of violent incidences that determine the unstoppable spiral of the mimetic and fratricedal violence that distinguises the internal conflicts and civil wars in the whole world.

Silent Prayer investigates about how to face the supressed and not elaborated legal proceedings of the violent death, when its limited to its total insignificance and how its shapes parts of a silenced reality, like a strategy of war. Also, it answers to a particular event that took place in Colombia between 2003 and 2009, where 2500 young people from marginal areas were mudered without clear motives by the Colombian army.

Nevertheless, it was clar that there was a system of incentives and dowries from the Colombian government to the army, in case that they could demonstrate a high number of guerillas which "died in combat". Before this system existed, the army began to hire young people from remote and marginal areas, offering them work. Later, they transported them to other places where they were mudered and they bodies were named as "guerillas, no name: dismissed in combat".

For months, I interviewed a group of mothers, who were searching their missing children and participated to the terrible proceedings of recognizing the corpses in the graves, were they had been burried by the killers. Later, I joined them to the painful and arduous legal proceedings that treated the grief and vain for achieving justice, when the barbarism was made by the State.

The death of every young man generates an absence and every absence demands a responsibility with regard to the absent ones. The only possibility to exist for them, is inside of us, as well as in the legal proceeding itself as in coping the fight. Silent Prayer has a intention for coping the mentioned proceeding, a space that is differt to the radical limit that foces the death on us. It is a space out of life, a separate place, which reminds us to the people who died.

I think that Colombia is the country of the unburied death, the mass graves and the anonymous dead persons. For them it is important to emphasize every grave, to articulate this in an individual way. To articulate it in a way of an esthetic stategy, that allows us to recognize the value of every lost life and the uncompromising singularity of every grave.

Every piece, to accentuate that it is not marked by a name, is loaded and has its individual character, like an description of a funeral ritual that tooks place. The implacable and obsessive repetition of the graves, empasizes the painful repitition of these unnecessary deaths. I believe that the repitition also emphasizes the traumatic character of these deaths that are considered to be irrelevant by most of the population.

On having individualized the traumatic experience by the medium of the repetition, I hope that this work should achieve to evoke and to return to every death to its real dimension and to allow them to return to the sphere of the living humans.

I also hope that, in spite of everything, even in difficult situations, life should triumph ... as it happened in Silent Prayer.

Doris Salcedo, Enero 2011

# data[].attributes.attachment_link.description
El proceso de investigación y reflexión que subyace detrás de esta obra ha sido dispendioso.

# data[].attributes.body
Para Lucila

# data[].attributes.body
A partir de una convocatoria en un aviso clasificado, Mariela fotografía hombres con rasgos similares al de Moisés, su papá.

# data[].attributes.body
Para Juan Pablo Amante.Effy Beth es una artista de la performance de cuya obra te hablé.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Identidad de género

Con las leyes de Matrimonio Igualitario y de Identidad de Género vigentes y organismos antidiscriminación funcionando, el ejército de defensores de la lengua que definen al "hombre" y a la "mujer" según sus genitales continuan la batalla atacando con la teoría biologicista. Hoy, las etiquetas también son discutidas desde el pensamiento queer. Effy, una performer del lenguaje, puso en tensión las categorías identitarias. Al cumplirse un año de su muerte, Anfibia le rinde homenaje en este ensayo que se pregunta: ¿Hay tantas identidades como existencias?

Effy fue una performer del lenguaje: cuando le dijeron que ser "mujer" era menstruar, mostró que sin ovarios igual podía. Y cuando le marcaron que el género estaba en la ropa, se cambió más de cuarenta prendas para mostrar que seguía siendo ella. Effy disputó el capital simbólico de las palabras y habló desde el reino de las sirenas, a las que llamó "criaturas míticas con las cuales fácilmente se podría asociar a las mujeres trans: mitad mujer, mitad monstruo. Una mujer sin vagina. Femenina, pero para muchos, inexistente". El primer aniversario del día en que Effy se quitó la vida, a los 25 años, es una buena excusa para hablar de lenguaje, género y biología.

En 2010 hubo un debate político, mediático, por la Ley de Matrimonio igualitario y en el Senado se escuchó que la palabra matrimonio significaba algo sagrado e inmodificable. Que en todo caso lo llamen unión civil si se quieren desviar de orden. Hilda González de Duhalde, después de decir las frases "orden natural" y preguntar "¿por qué no aceptamos el adulterio?" (y algo más coherente: "¿por qué no aceptamos la poligamia?"), se basó en falsas referencias y dijo que "los países que se toman la libertad de declarar el matrimonio homosexual no tienen chicos para adoptar; nosotros sí. Y ellos van a venir a llevarse a nuestros chicos. Cuidado, porque somos responsables de lo que aquí salga, de lo que aquí suceda a partir de esta ley". Todavía no vemos el apocalipsis anunciado, ni la masiva convocatoria en los registros civiles para "llevarse a nuestros chicos".

La Ley de Identidad de Género en 2012 armó otro ejército de defensores de la lengua: ahora no aceptan que se llame "hombre" a quien tenga vagina ni "mujer" a la que tenga pene. Incluso, a la persona que se haya operado para una reasignación genital -con tetas, vagina o pene y mastectomía-, la "real academia de los biologicistas" no está dispuesta a entregarle su dominio del lenguaje, basado en su interpretación recortada de la ciencia.

Con leyes y organismos antidiscriminación instalados, en 2014 el showman Jorge Lanata una vez más atacó con la teoría biologicista. "Flor de la V dice soy mujer, soy madre. En todo caso 'sos padre'", dijo en la edición de "Lanata sin filtro" del 12 de agosto. Después de ver a Florencia Trinidad llorando con su documento en mano (que dice "mujer"), Lanata fue denunciado en la Defensoría del Público y debió dedicar unos minutos de su programa para publicitar spots de Identidad de Género. De todas formas, dijo que no se arrepentía, que a él no le iban a decir qué era qué: "Si digo que soy Napoleón me tienen que tratar como tal". No, Lanata.
El lenguaje como performance
Hablar un lenguaje es una forma de conducta gobernada por reglas, y si es así, tiene características formales que admiten un estudio independiente. El filósofo del lenguaje Austin (Cómo hacer cosas con palabras), plantea que los enunciados performativos son esos que no se limitan a describir un hecho, sino que por el mismo hecho de ser expresados lo realizan. Algunos enunciados performativos necesitan que sus protagonistas cumplan con lo que Austin llama "criterios de autenticidad". Para que la expresión "te bautizo" pueda ser performativa (o sea transforme a la persona que es bautizada en miembro de la comunidad religiosa en la que ese acto tiene un sentido), es necesario que quién la pronuncie sea sacerdote y el destinatario una persona ajena a dicha comunidad. Sin esta condición, esa frase dicha mientras se derrama un vaso de agua encima de una persona quedaría sin su carácter performativo, entraría una vez más en otra categoría de enunciados.

La teoría de los actos de habla propone que los enunciados lingüísticos no solamente significan sino que también funcionan como acciones: al momento del diálogo ya sea oral o escrito, la intencionalidad del hablante dependerá del contexto de situación comunicativa.

Si estamos de acuerdo que la realidad es una construcción del lenguaje -y el lenguaje es entendido como un sistema performativo-, pensemos otra vez a Effy. En el período que abarcó desde la sanción de la Ley de Matrimonio Igualitario hasta la Ley de Identidad de Género, Effy expresó de manera artística su controversia con las construcciones lingüísticas que la ponían "de hecho" en un lugar donde no quería estar.

Effy estudiaba en el Instituto Universitario Nacional de Artes y no construyó su obra desde un limbo solitario: tenía referentes y guías artísticos. En septiembre de 2010 entró al baño de mujeres del IUNA con el torso desnudo y la espalda tatuada en fibrón, con los nombres de sus inspiraciones: Valie Export, Judy Chicago, Abramóvic y Meret Oppenhein, entre otras. Effy lo tituló "Una nueva artista necesita usar el baño", y lo hizo al cumplirse un año del inicio de su tratamiento hormonal con estrógenos.

"Siendo yo mujer transexual y artista conceptual he pensado en una manera de hacer una presentación digna de mi persona que me reafirme en estos aspectos de mi identidad. Las mujeres transexuales aún estamos invisibilizadas como mujeres ante la cultura donde aún rige el pensamiento machista y falocéntrico. Creo que el arte tiene el poder de incluir y problematizar cuestiones de género y conceptos relacionados al cuerpo y la realidad. Todos los elementos de la fotografía, incluida la frase, son una sutil crítica a preguntarse ¿qué son las necesidades de las mujeres (artistas y/o transexuales)?, ¿con quién se construye la identidad propia? y ¿desde dónde se construye el reconocimiento propio como mujer y como artista?", dijo.

En diciembre 2010 Effy presentó un foto-registro-performance llamado "Mi ropa no es mi sexo" en el que posó con 40 combinaciones de prendas diferentes como un anti homenaje a Cindy Sherman, una artista estadounidense que en 1977 presentó la serie "Fotogramas Sin Título", en la que monta una escena que remite visual y narrativamente al cine de los '40 y los '50. Según Effy, "Sherman recuperó los modelos cinematográficos de representación de la mujer, para ofrecer una lectura, a través de sus autorretratos, en torno a la condición femenina en el mundo contemporáneo".

Las discusiones de Effy con el lenguaje siguieron una y otra vez. Por ejemplo en su puesta "Mi disfraz", disputó con la ropa socialmente relacionada con lo masculino que usaba para ir a trabajar, estudiar y presentarse en sociedad. La exhibió sobre una silla como un ready made que todo lo resignificaba con una frase: "Mi disfraz". "Existen mujeres transexuales que viven su transición en el trabajo, y también otras que deben disfrazarse de hombre para continuar con su tarea", dijo.

También expresó su disyuntiva con que cierto uso del lenguaje relacione "de hecho" el sexo biológico -y sus funciones- con el género. En su proyecto "Nunca serás mujer" (donde se extrajo medio litro de sangre y simuló menstruaciones) mostró que sin ovarios y sin DNI podía performatizar una función propia de la biología de las hembras.

En abril de 2012 todavía no se había sancionado la Ley de Identidad de Género y Effy había conseguido que en su pasaporte israelí dijera Elizabeth, pero no lograba conseguirlo en su documento argentino, por lo que se estaba asesorando para obtenerlo vía judicial. A dos años de iniciado su tratamiento de reasignación hormonal presentó "Proyecto Visible". Según ella, cuando comenzó a hormonizarse varios amigos y familiares dejaron de hablarle o verla. "Aunque no creo que hayan dejado de verme sino que en realidad nunca me vieron directamente, dijo.

Effy acompañó "Proyecto visible" con un texto: "Soy invisibilizada tanto por gente que quiero como por un país del cual me siento parte, pero al cumplirse dos años de iniciado este compromiso con mi cuerpo y mi identidad, no quise enfocarme en quienes no me ven sino en los otros, en aquellos amigos y familiares que se quedaron y procesaron lo mismo que yo tuve que procesar, y gente nueva que fui conociendo y me ve, realmente me ve, y fotografiar a cada una de estas personas que me hacen visible, haciéndome visible a través de ellos. Las fotos fueron tomadas en la oscuridad y quienes me hicieron visibles nunca pudieron verse hasta el momento de revelar las fotos".

Durante tres días consecutivos abrió las puertas de su casa ("para todo aquel que dice verme y quiere hacerme visible") y una vez adentro avisaba que tomaría tres fotografías individuales en el baño a oscuras. Hacía ingresar uno por uno al espacio con los ojos cerrados y mientras les ponía una peluca, los maquillaba y los vestía con su ropa, compartía una y otra vez un relato sobre su visibilidad.
El viaje de las palabras
La performance del lenguaje es un viaje de ida que se puede empezar, para reducir una larga historia, con Nietzsche. A él ya no le importaban los ideales platónicos donde una mesa acá era también una mesa en algún lugar del espacio. El lenguaje para él es la fórmula para llegar a un objetivo: si tengo hambre y soy bebé grito o lloro. Si crecí y estoy en el devenir de mi género me nombro como se me canta el deseo. "La verdad y mentira en sentido extramoral". Dice Nietzche: "Dividimos las cosas en géneros, caracterizamos el árbol como masculino y la planta como femenino: ¡qué extrapolación tan arbitraria! ¡A qué altura volamos por encima del canon de la certeza! Hablamos de una "serpiente": la designación cubre solamente el hecho de retorcerse; podría, por tanto, atribuírsele también al gusano. ¡Qué arbitrariedad en las delimitaciones! ¡Qué parcialidad en las preferencias, unas veces de una propiedad de una cosa, otras veces de otra!".

Hablar un lenguaje es tomar en parte una forma de conducta gobernada por reglas: dominar una lengua es la coherencia en el uso de tales reglas, aunque de la disidencia con lo que ese lenguaje presupone también puede comunicarse. En la construcción del género, por ejemplo, Foucault abre una puerta para plantear su significado desde la visión social y no desde una perspectiva biologicista. Quien tiene derecho a un lenguaje para su género en la época victoriana aparece como disputa. En "La historia de la sexualidad" dice: "Lo que no apunta a la procreación o está transfigurado por ella ya no tiene sitio ni ley. No puede expresarse. Se encuentra a la vez expulsado, negado y reducido al silencio. No sólo no existe sino que no debe existir y se lo hará desaparecer a la menor manifestación -Actos o palabras-".

A partir del análisis de los enunciados y las posibilidades de nombrar lo que nos rodea aparecen preguntas de aquello que no se nombra. Si la materialidad del cuerpo está demarcada en el discurso, esta demarcación producirá un ámbito de "sexo" excluido y no legitimado. Porque la relación entre cultura y naturaleza supuesta por algunos modelos de "construcción" del género implica una cultura o una acción de lo social que obra sobre una naturaleza. Judith Butler dice que concebido de forma abstracta, el lenguaje alude a un sistema de signos abiertos mediante el cual se genera y se rechaza de forma insistente la inteligibilidad. Butler invita a "replantearse la figura del cuerpo como mudo, anterior a la cultura, en espera de significación".

La performatividad de la que habla Butler es tomada, frotada y sacudida por Preciado, que discute con los territorios asignados para el deseo en los cuerpos y propone ejercicios y juegos para estimular la contrasexualidad; que es "un análisis crítico de la diferencia de género y de sexo, producto del contrato social heterocentrado, cuyas performatividades normativas han sido inscritas en los cuerpos como verdades biológicas".
Los innombrables
Preciado dice sobre el perfomativo en el lenguaje que las expresiones aparentemente descriptivas "es una niña" o "es un niño", pronunciadas en el momento del nacimiento (o incluso en el momento de la visualización ecográfica del feto) no son sino invocaciones performativas -más semejantes a expresiones contractuales pronunciadas en rituales sociales tales como el "sí, quiero" del matrimonio, que a enunciados descriptivos tales como "este cuerpo tiene dos piernas, dos brazos y un rabo".

Cuando a Mauro Cabral, Co-director de Gate - Global Action for Trans* Equality, le preguntaron qué reivindica cuando dice ser un "activista intersex", respondió: básicamente detener la práctica de cirugías que normalizan el cuerpo de niños y niñas intersex: "La intersexualidad históricamente ha designado a todas esas personas que tienen un cuerpo que varía respecto al promedio femenino o masculino. Antes se hablaba de hermafroditismo. Éste fue un lenguaje gonadal, es decir, la identidad sexual se basaba en si había testículos u ovarios, la genética aún no se había descubierto, tampoco la anestesia. Estas personas eran hombres o mujeres, aunque tuvieran cuerpos ambiguos, hasta que una vez muertos una autopsia veía qué tenían dentro del cuerpo".

Marlene Wayar, activista trans directora del Periodico el Teje, dijo en el Suplemento Soy (apenas sancionada la Ley de Identidad de Género): Ok con el escalón cultural y el logro de articular entre organizaciones para conseguir el nuevo derecho, pero planteó otra hipótesis: "Si muero y mi lápida coincide con los datos que hoy figuran en mi DNI, sería un hombre y mi identidad estará vulnerada seriamente; si hago el cambio en mi DNI y tanto en mi lápida como en él figuran los nuevos datos Marlene Wayar sexo femenino, estarían vulnerando mi identidad travesti (trans) de modo no menos serio".

Marlene después se pregunta:"¿Cuál es el problema con legitimar las categorías H y M? Que una identidad queda finalmente cancelada, no existe lo travesti o trans. ¿Qué nos solicita esta ley? Que dejemos de ser eso que somos y que debería ser reconocido como nuestra identidad. Si lo pasáramos a otras identidades colectivas, sería como si a las personas afrodescendientes se les pidiera que maquillen su negritud para evitar el racismo o si personas judías tuvieran que parecer cristianas y vivir de modo oculto su religión para no ser víctimas del antisemitismo".

Las personas que se definen lesbianas tampoco tienen ganas de estar en los casilleros Hombre y Mujer, porque el significado de lo que representan esas categorías las deja fuera. "Me identifico como lesbiana. No soy mujer, no entro dentro de ninguna de las características que se supone componen a una mujer. Cada publicidad que supuestamente involucra a 'la mujer' me es absolutamente ajena: sus vestidos, carteras, maquillajes, formas de hablar y gustos. Soy lesbiana, me construyo día a día como tal, y desde que pude pensarme así me sentí en un lugar mucho más cómodo, feliz y auténtico para conmigo. Ser lesbiana es escapar a todo lo que alguna vez se me impuso y entregarme a todas las cosas que alguna vez de me negaron por ser de 'marimacha'. Soy lesbiana y dentro de esa construcción soy chonga y gorda", dijo Mariana Spagnuolo de la agrupación de activistas lesbianas y bisexuales La Fulana.

El paradigma contemporáneo en el género es quién se impone en el lenguaje para nombrar los cuerpos y las identidades más que unx mismx. Porque si el lenguaje es una performance y el género el resultado de la construcción performativa que es comunicarse, ¿a quién afecta ser hombre o mujer, lesbiana, transexual, bisexual, homosexual, intersexual o travesti en su documento? Naturalmente al que no tiene la posibilidad, porque está en desventaja de derechos frente al que sí la tiene y la tuvo históricamente.

¿Cuánto ata al devenir identitario tener que estar en uno de los casilleros? En una de su últimas presentaciones públicas en la Marcha del Orgullo 2013, con una sonda vesical conectada por una infección urinaria post reasignación genital, Effy sostenía un cartel que decía "No existen dos géneros, existe solo uno: ¡el de cada cual!". Las preguntas se multiplican y se visiblizan tantas identidades como existencias ¿Será tiempo de salirse de las casillas del género?

# data[].attributes.attachment_link.title
Effy, biología y lenguaje - Revista Anfibia

# data[].attributes.attachment_link.description
Effy fue una performer del lenguaje: cuando le dijeron que ser "mujer" era menstruar, mostró que sin ovarios igual podía. Y cuando le marcaron que el género estaba en la ropa, se cambió más de cuarenta prendas para mostrar que seguía siendo ella. Effy disputó el capital simbólico de las palabras y habló desde el ...

# data[].attributes.headline
Sin cura: heredar los restos y apoderarse de la soledad. Una lectura de la obra "Curar al padre" (2017) de Juan Der Hairabedian

# data[].attributes.subject
Sin cura: heredar los restos y apoderarse de la soledad. Una lectura de la obra "Curar al padre" (2017) de Juan Der Hairabedian

# data[].attributes.body
Para Lucila: Este artículo intenta articular dos reflexiones en torno a la problemática del archivo y la herencia. Una forma de tramitar la herencia, a partir de lo que el artista denomina un procedimiento curatorial como disposición corporal que le permite, el montaje de un archivo en torno al padre.

# data[].attributes.attachment_link.title
SIn cura. Heredar los restos y apoderarse de la soledad. Juan Der Hairabedian

# data[].attributes.headline
El tiempo y la existencia. El uso del cabello en la escultura contemporánea.

# data[].attributes.subject
El tiempo y la existencia. El uso del cabello en la escultura contemporánea.

# data[].attributes.body
Para Ana: La tesis enmarcada en el arte contemporáneo tiene una bibliografía interesante y también referencia vari@s artistas que trabajan con ese recurso.

# data[].attributes.attachment_link.title
El tiempo de la existencia. El uso del cabello en la escultura contemporánea

# data[].attributes.headline
Emma, Reinaldo y yo. El cabello en el arte, la teoría y la vida cotidiana. Marcelo Nusenovich

# data[].attributes.subject
Emma, Reinaldo y yo. El cabello en el arte, la teoría y la vida cotidiana. Marcelo Nusenovich

# data[].attributes.body
Para Ana: Este ensayo propone un recorrido por la representación de la cabellera en la cultura occidental.

# data[].attributes.body
Para Vicky: Cuenta la historia real del británico Louis Wain, un artista, inventor y empresario obsesionado con los gatos.
P.D.: No se si estará para ver online, pude verla en la plataforma de Prime Video.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Some films can firmly claim to be one-of-a-kind, such as; 'The Life of Pi', then there's this one, about a painter I had not heard of from the late eighteen hundreds. Louis was a tortured fellow bordering on several psychotic spectrums while being extremely gifted in the arts, etc - leaving behind his remarkable (and much copied) Cat paintings that took the era by storm. Its style is dazzling all the way, and impresses on many levels - it starts off with a rather convoluted opening, that may not suit viewers with a short attention span or an impatience for understanding what drives a character's actions.

This is a fact-based story running the gamut of human emotions - seeking to open doorways into the lives of troubled souls who existed during unsympathetic, and rather medically ignorant times (think also of Van Gogh). Production design, performances, cinematography and, music are exemplary, leaving patient audiences with a unique and precious gift.

Director, co-writer, Japanese/English Will Sharp is no stranger to Bipolar disorders being type 11, and injects powerful understandings into Louis's character. Will's brother, Arthur Sharp, imparts wonderful emotional support supplying a stand-out Theremin based music score. Story writer Simon Stephenson has created a rich human experience giving us much to feel and think about (perhaps there's also a nod to Australian pop artist Martin Sharp here).

One aspect that created a little disappointment was the decision to photograph in a variation of the old 4 x 3 frame. It added nothing to the story, in fact gave the film a cramped, claustrophobic feel, that can be better achieved in production design. Modern movie makers sometimes, mistakenly, think they need to go backward - away from the vast improvements in aspect ratios, this can sacrifice vital elements within their work. The end credits were neat but why so small? Otherwise, it's quite a special experience from Studio Canal and Amazon Studios.

# data[].attributes.attachment_link.title
The Electrical Life of Louis Wain (2021) - IMDb

# data[].attributes.attachment_link.description
The Electrical Life of Louis Wain: Directed by Will Sharpe. With Benedict Cumberbatch, Claire Foy, Andrea Riseborough, Toby Jones. English artist Louis Wain rises to prominence at the end of the 19th century for his surreal cat paintings that seemed to reflect his declining sanity.

# data[].attributes.body
Para Analía: específicamente, te queria nombra la obra "Beatriz", acción donde la artista lava los pies de su abuela. Pero pienso que es interesante toda la obra de ella, como acciones que activan la memoria o como conjuros...

# data[].attributes.body
Para Analía. El pelo como herramienta en el dibujo

# data[].attributes.attachment_link.title
querido diario - TAMARA VILLOSLADA / artwork

# data[].attributes.headline
Lucas Di Pascuale. Apunte Daleo, Apunte Jouvé del Barco (2004-2015)

# data[].attributes.subject
Lucas Di Pascuale. Apunte Daleo, Apunte Jouvé del Barco (2004-2015)

# data[].attributes.body
Para Lucila. La transcripción de textos ajenos

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Apunte Daleo, Apunte Jouvé del Barco (2004-2015) son transcripciones manuscritas de otros textos. Realicé Apunte Daleo entre 2004 y 2005, copiando uno de los interrogatorios efectuados a testigos en el Juicio a las Juntas que se llevó a cabo en Argentina una vez recuperada la democracia. Con estos escritos armé un cuaderno que fotocopié y engrampé. En 2015 continué aquel trabajo con un segundo volumen que llamé Apunte Jouvé del Barco. Por un lado transcribí textos publicados en la revista La intemperie (Córdoba, 2004) donde Héctor Jouvé y Oscar del Barco hacen una autocrítica a partir de la experiencia en el Ejército Guerrillero del Pueblo (EGP), primera guerrilla organizada en el país. Por el otro, hice lo mismo con una conversación que mantuve con Laura del Barco en relación a lo que las declaraciones públicas de su padre significaron para la familia.

Related Posts

# data[].attributes.attachment_link.description
Apunte Daleo, Apunte Jouvé del Barco (2004-2015) son transcripciones manuscritas de otros textos. Realicé Apunte Daleo entre 2004 y 2005, copiando uno de los interrogatorios efectuados a testigos en el Juicio a las Juntas que se llevó a cabo en Argentina una vez recuperada la democracia.

# data[].attributes.body
Para Lucila y Analía. El archivo fotográfico familiar, la cerámica, el taller barrial y el padre

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Yerba mala (2013) fue una exposición que realicé en el Museo Genaro Pérez de Córdoba. Luego de trabajar durante dos años en un taller de cerámica de mi barrio, coloqué en una mesa de mi propio taller todas las piezas allí elaboradas, cada una sobre una de las fotos familiares que teníamos colgadas en nuestra casa. Como si a la historia de cada imagen le correspondiera uno de esos pequeños objetos. En la muestra presenté una mesa de madera cubierta con las fotografías y otra de vidrio, con mis cerámicas. Pensé que los vínculos entre cerámicas e imágenes deberían quedar por cuenta de lxs expectadorxs. Las mesas convivían con cerámicas hechas por mi mamá dispuestas en el piso de la sala pisando una fotografía de mi padre; un estante con cerámicas que mi hermano Facundo hizo de niño; y cerámicas apoyadas sobre libros dispuestos en el piso. Además, formaba parte del proyecto una publicación, la cual contine fotografías, carteles y un texto de Fabhio di Camozzi.

//////////////

Related Posts

# data[].attributes.attachment_link.description
Yerba mala (2013) fue una exposición que realicé en el Museo Genaro Pérez de Córdoba. Luego de trabajar durante dos años en un taller de cerámica de mi barrio, coloqué en una mesa de mi propio taller todas las piezas allí elaboradas, cada una sobre una de las fotos familiares que teníamos colgadas en nuestra casa.

# data[].attributes.body
ParaJuan Amante

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Nascido em Japaratuba, Sergipe, em 1909, Arthur, filho de carpinteiro, tem sobrenome de batismo "Bispo" - cargo eclesiástico - e "Rosario" - padroeira dos negros. Um paradoxo que amalgama a hierarquia e a complacência da Igreja Católica presente na sua vida e obra.

Pouco se sabe sobre sua infância, mas há registro de seu ingresso na Escola de Aprendizes Marinheiros, em Aracaju, no ano de 1925. No ano seguinte Bispo vai à cidade do Rio de Janeiro, onde se alista na Marinha de Guerra e permanece por nove anos.

Na Marinha, Bispo conhece o boxe e logo se torna campeão dos pesos-leves. Seu envolvimento com o esporte causa muitos atritos e acaba por levá-lo a solicitar seu desligamento. Passa a trabalhar na empresa Light and Power como vulcanizador no setor de transportes e, paralelamente, investe na sua carreira como pugilista.

Ele sofre um acidente em 1936, quando seu pé é esmagado pela roda de um bonde, o que o deixa manco e o faz abandonar o boxe. Apesar de poucas vitórias na sua carreira de pugilista, Bispo foi muito admirado pelos amantes do esporte por sua resistência no enfrentamento dos adversários.

Por conta do processo que moveu contra a Light, Bispo conhece Humberto Leone, advogado na sua causa trabalhista. Passa, então, a residir na casa do advogado, em Botafogo, e torna-se um "faz-tudo" da família.

É no casarão dos Leone, na rua São Clemente, que Bispo tem a revelação que modifica sua vida. Na noite do dia 22 de dezembro de 1938 , ele se vê descendo do céu, acompanhado por sete anjos que o deixam na "casa nos fundos murados de Botafogo", segundo o bordado que relata o acontecimento em um dos seus estandartes. Bispo sai, madrugada adentro, pela rua deserta até chegar ao Mosteiro de São Bento, no Centro do Rio. Lá, se apresenta aos frades como "aquele que veio julgar os vivos e os mortos". Encaminham-no, então, para o hospício da Praia Vermelha, de onde é transferido para a Colônia Juliano Moreira.

Esse processo de aceitação do delírio que lhe sucedia foi conflituoso para Bispo: fugiu algumas vezes das internações e, em outras vezes, ao receber alta, tentou se readaptar no mundo. Apaziguado consigo mesmo, em 1964, permanece definitivamente na Colônia. É neste ano que Bispo vai preso por três meses, em uma das celas do Pavilhão 10 do Núcleo Ulisses Vianna, por ter errado a dose no uso da força ao conter um paciente - um pedido constante dos funcionários. Ao sair do confinamento, relata que "ouviu vozes que lhe diziam que chegara a hora de representar todas as coisas existentes na Terra para a apresentação no dia do juízo final".

Decide, por sua conta, trancar-se por sete anos numa das celas para, com agulha e linha, bordar a escrita de seus estandartes e fragmentos de tecido. As linhas azuis, desfiava dos velhos uniformes dos internos, e objetos tais como canecas, pedaços de madeiras, arame, vassoura, papelão, fios de varal, garrafas e materiais diversos que ele obtinha em refugos na Colônia.

Após 18 anos da revelação de sua missão, Bispo desperta o interesse da mídia e de críticos de arte, o que leva, em 1982, a expor pela primeira vez seus quinze estandartes na mostra " Margem da Vida", no Museu de Arte Moderna (MAM) do Rio de Janeiro. Após o sucesso da sua participação, recebe vários convites para novas mostras. No entanto, a coletiva foi a única exposição que ele integrou em vida. Bispo não aceitava se separar de sua obra e não se considerava artista. Para ele, tudo era fruto de uma missão que um dia seria revelada no dia do juízo final.

Arthur Bispo do Rosario, que carregava todos os estigmas de marginalização social ainda vigentes em nossa sociedade - negro, pobre, louco, asilado em um manicômio - consegue, na sua genialidade, subverter a lógica excludente propondo, a partir da sua obra, a ressignificação do universo, para ser reunido e apresentado no dia do juízo final. Sua missão chegou ao fim aos 80 anos, no dia 5 julho de 1989, dia da sua morte.

"É aqui no hospício que eu vou me apresentar, que eu devo ser apresentado a humanidade. Por seus diretores até aqui, frades cardeais, ninguém conseguiu ver Cristo, mas agora vão encontrá-lo porque eu vou me apresentar. Vou me transformar a fim de me apresentar a Ele que é meu vigário, mais nada" - Arthur Bispo do Rosario in "O prisioneiro da passagem" de Hugo Denizart.

Vida e Obra

(Japaratuba, 1909-1911 - Rio de Janeiro, 1989)

# data[].attributes.attachment_link.description
Nascido em Japaratuba, Sergipe, em 1909, Arthur, filho de carpinteiro, tem sobrenome de batismo "Bispo" - cargo eclesiástico - e "Rosario" - padroeira dos negros. Um paradoxo que amalgama a hierarquia e a complacência da Igreja Católica presente na sua vida e obra.

# data[].attributes.body
Para Juan Amante: el bordado y la vida

# data[].attributes.attachment_link.title
Manto da apresentaçao, sin fecha. Arthur Bispo do Rosário

# data[].attributes.attachment_link.description
Su complejo universo creado a lo largo de 50 años de internación en un asilo cerca de Rio de Janeiro. Con fotos de obras en la Bienal de Venecia 2013

# data[].attributes.body
Para Juan Amante: las máscaras y el indumento. Fijate que son dediferentes artistas

# data[].attributes.attachment_link.embed_code
View this post on Instagram

A post shared by fashion for bank robbers (@fashion_for_bank_robbers)

# data[].attributes.body
Para Juan: el indumento como creación artistica

# data[].attributes.attachment_link.embed_code
View this post on Instagram

A post shared by IWAJLA KLINKE (@iwajlaklinke)

# data[].attributes.body
Para Juli: lo mínimo

# data[].attributes.attachment_link.embed_code
View this post on Instagram

A post shared by Antje Damm (@antje.damm)

# data[].attributes.body
Para Susi

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
NEWS:

Dog Save the People podcast: the story of how Dog Walk Diary came to be!

My Deconstructed Bouquets show is at Abroad Modern in Cambridge, MA, April 30-June 30.

Forthcoming: A collection of framed limited-edition prints at the Munder-Skiles showroom in Madrid.

# data[].attributes.attachment_link.description
Dog Save the People podcast: the story of how Dog Walk Diary came to be! My Deconstructed Bouquets show is at Abroad Modern in Cambridge, MA, April 30-June 30. Forthcoming: A collection of framed limited-edition prints at the Munder-Skiles showroom in Madrid.

# data[].attributes.body
Para Susi: unidad/variedad

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
×click on a image to see a fullscreen slider. To learn more about Multiples (Múltiplos) series click here.
About Multiples

Multiples (2009-2011) is yet another facet of Vasconcello's poignant artistic drive and constant creative struggle to bring forth innovative photographic concepts. Since he began his career in 1981, his innate restlessness has impelled this talented Brazilian professional to experiment in different genres of photography. The result is over 200 exhibitions to his name in more than 20 countries and his work published in books such as "The World Atlas of Street Photography" (Thames & Hudson, 2014). The Multiples series is a modulated visual tapestry that merges two of his obsessions: the geometric composition and urban life.

Cynthia Garcia
Art Historian / Art Critic

# data[].attributes.attachment_link.description
Confira as fotografias da série Múltiplos, que o fotógrafo Cássio Vasconcellos realizou entre 2009 e 2011. Veja mais.

# data[].attributes.body
Para Mariano: el artista chamánico, alquímico, crítico. La relación con la sustancia y el medio

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Organiza: Fundación Proa
Patrocina: Instituto Plano Cultural, Brasilia - Galerie Thomas Modern, Munich
Curaduría: Silke Thomas. - Rafael Raddi
Auspicia: Tenaris - Organización Techint

Fundación Proa presenta la exhibición del artista alemán Joseph Beuys(Krefeld, 1921 - Düsseldorf, 1986). El conjunto de más de 110 obras realizadas entre las décadas de 1955 y 1985, seleccionado por los especialistas Silke Thomas y Rafael Raddi, componen un amplio panorama del universo estético del artista. Prosiguiendo su itinerancia por Latinoamérica, con el apoyo de la Embajada de Brasil en Argentina, esta muestra es organizada por la Galerie Thomas Modern, el Instituto Plano Cultural y Fundación Proa; la exhibición cuenta con el auspicio de Tenaris-Organización Techint.

Joseph Beuys, el revolucionario artista de la segunda mitad del siglo XX, nace en Alemania, en el seno de una familia de origen holandés. Realiza sus estudios en la Academia de Bellas Artes, donde descubre su interés por las ciencias naturales y la religion, problemáticas que continúan vigentes en el transcurso de su vida.

Considerado uno de los artista imprescindibles para comprender el desarrollo del arte contemporáneo, el pensamiento de Joseph Beuys se caracteriza por la confianzaen el ser humano y una mirada multifacética del mundo. El cuestionamiento a la educación oficial, su iniciativa para recuperar la conversación como parte del pensamiento y la defensa del medio ambiente son algunas de sus principales preocupaciones. En 1972, para la Documenta Kassel V, instala la "Oficina de la Organización para la Democracia Directa por Referéndum Libre" , un espacio de discusión con el público donde expone sus principios mediante conversaciones performáticas a lo largo de 100 días.

Joseph Beuys. Obras 1955-1985 reúne dibujos, objetos, esculturas, instalaciones, videos y performances. El panorama comienza en 1955 cuando se relaciona con el grupo Fluxus y produce piezas en colaboración, entre las que se destacan las de construcción musical. Después, a lo largo de toda su carrera, Beuys reflexiona y cuestiona diversas problemáticas. Su pregunta sobre si es posible la educación del arte está documentada en una legendaria acción en la cual le explica a una liebre muerta el arte contemporáneo.

En 1974, su preocupación por el elitismo en el arte y la idea conservadora de la institución lo llevan a fundar la "Universidad Libre Internacional", organización que se afirma en el compromiso del cuerpo social en el arte, la creatividad como ciencia de la libertad y el sentido revolucionario del arte como mecanismo transformador de la sociedad. Estas propuestas lo llevan a enunciar "Todo hombre es un artista", a la vez que propone convocar a la propia intuición para "así entendernos a nosotros mismos como centro de escolarización e información(...)".

Otra de sus grandes preocupaciones es la defensa del medio ambiente. En 1970 participa como co-fundador del Partido Verde Alemán, donde milita varios años. Estos intereses lo vinculan al artista argentino Nicolás García Uriburu. En 1981, realizan una acción en conjunto en la que colorean las aguas del río Rhin en Düsseldorf, Alemania. De esta experiencia se conservan una serie botellas que contienen el agua contaminada del río, presentes en la exhibición. Al año siguiente, para la Documenta Kassel VII, ambos artistas realizan una segunda acción en conjunto que consistió en plantar 7 mil robles junto a bloques de concreto, tarea que se completa en el transcurso de 5 años.

Junto a otros intelectuales, en la Alemania de posguerra, Beuys investiga y reflexiona sobre filosofía, alquimia, chamanismo y antroposofía acercándose a los grandes pensadores de la época, como Rudolf Steiner y Martin Heidegger, y a artistas como Marcel Duchamp. Estos pensamientos están presentes en muchas de sus obras y escritos.

Con Joseph Beuys. Obras 1955-1985, Proa vuelve a ofrecer la oportunidad de conocer la obra de uno de los artistas emblemáticos del siglo XX. La célebre pregunta de Duchamp por si un objeto, que tuviera su firma y se expusiera en un museo, podía considerarse una obra de arte, funciona como punto de partida para acceder a la obra Beuys.
Esta exhibición es producto de un trabajo de colaboración entre la Galerie Thomas Modern, Alemania, junto con el Instituto Plano Cultural, Brasil, y la gestión de la Embajada de Brasil en Argentina; la misma es producida por Fundación Proa y cuenta con el auspicio de Tenaris- Organización-Techint.

# data[].attributes.attachment_link.title
Presentación - Joseph Beuys - Exhibiciones | Fundación PROA

# data[].attributes.attachment_link.description
Centro de arte contemporÃ¡neo ubicado en La Boca, Buenos Aires. Exhibiciones, conciertos, ciclos de cine, librerÃ­a, auditorio, restaurant y actualidad del mundo del arte.

# data[].attributes.body
Para Caro: lo liminal

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Art Basel Miami Beach

2016 Impresión Inkjet sobre papel texturado Hahnemühle William Turner Edición de 5 75,30 x 62,20 cm (Disponible)

Suscribite a nuestro Newsletter

Ruth Benzacar Galería de Arte
Juan Ramírez de Velasco 1287
(1414) Buenos Aires, Argentina

Martes a Sábado de 14 a 19hs.
Teléfono: +54 11 4857-3322

# data[].attributes.attachment_link.title
Art Basel Miami Beach-RUTH BENZACAR 4 - RUTH BENZACAR

# data[].attributes.body
Para Caro: lo cinematográfico, los detalles, los guiños..

# data[].attributes.attachment_link.title
Wes Anderson Midjourney style | Andrei Kovalev's Midlibrary 2.0

# data[].attributes.attachment_link.description
Wes Anderson style in Midjourney AI (V5.1, V5, V4, niji 5) | Filmmakers | Movie Directors | | | Andrei Kovalev's Midlibrary

# data[].attributes.body
Para Susi: el lenguaje de otras ciencias aplicados al arte, lo morfológico, lo estético, la variedad...

# data[].attributes.attachment_link.description
Mark Dion The Texas Cabinet, 2020 Wooden cabinet filled with objects from Dion's travels 114 x 113 x 43 inches; 289.6 x 287 x 109.2 cm (overall) 72 x 113 x 18 inches; 182.9 x 287 x 45.7 cm (upper cabinet) 42 x 113 x 43 inches; 106.7 x 287...

# data[].attributes.body
Para Susi: lo comunitario en las plantas

# data[].attributes.attachment_link.description
Inspiring Guerrilla Gardening since 2004.

# data[].attributes.body
Para Susi: lo morfológico, estético, variado

# data[].attributes.attachment_link.embed_code
View this post on Instagram

A post shared by Anastasia Kolesnichenko (@vaasialis)

# data[].attributes.body
Para Juli: el sello como pequeña matriz

# data[].attributes.attachment_link.embed_code
View this post on Instagram

A post shared by SELLOS ANCESTRALES (@sellosancestrales)

# data[].attributes.body
Para Juli: relicario como objeto, enigma, dispositivo

# data[].attributes.body
Para Caro: lo cinematográfico

# data[].attributes.body
Para Sonia: el dibujo y el movimiento

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
© 2019 Heather Hansen. All rights reserved. Any reproduction, downloading or commercial use of any text, still or video imagery or other artistic elements featured on this website is strictly prohibited and may not occur without the prior written permission of artist.

# data[].attributes.attachment_link.description
Emptied Gestures is an experiment in kinetic drawing. In this series I am searching for ways to download my movement directly onto paper, emptying gestures from one form to another. Documented by Photographer / Director Bryan Tarnowski. (bryantarnowski.com) Music provided by Nick Principe of Port St. Willow.

# data[].attributes.body
Para Sonia: relación dibujo-sonidos

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
_

Image credits:

01. Pouch Cove Foundation - Residency - Pouch Cove, Newfoundland, Canada- 2022
02. SIM Residency Project - Reykjavik, Iceland - 2022
03. "The end of a landscape" - Jewett Gallery, Wellesley College, Wellesley, Massachusetts, United States - 2021
04. SIM Residency Project - Reykjavik, Iceland - 2022
05. "A guide for the observation of the skies" - Banff Centre for the Arts and Creativity - Banff, Alberta, Canada - 2020
06. "Claiming for the end of an afternoon, and a storm" - Genaro Pérez Fine Arts Museum - Córdoba, Argentina - 2019

# data[].attributes.attachment_link.description
Guillermo Mena - Artista Visual - Argentina

# data[].attributes.body
Para Sonia: la relación con lo espiritual. Aquí hay una obra de Christian Roman

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La exposición A 18 minutos del sol aborda la observación astronómica y el acceso al espacio exterior como ejes para activar un diálogo entre la imaginación artística y la exploración científica. Se accede al espacio exterior desde tres perspectivas diferentes e interconectadas: la ciencia, las cosmologías indígenas y la espiritualidad. En torno de cada uno de estos centros de interés orbitan más de noventa artistas argentinos de territorios y generaciones distintas que establecieron conexiones profundas con las cosmovisiones del cielo, desde perspectivas y objetivos propios. La exposición propone una investigación abierta a lo largo de todo el territorio argentino, desde el Chaco salteño hasta la Patagonia, y toda la historia del arte de nuestro país, abarcando a artistas tanto históricos como contemporáneos, para entender cómo es el mapa que creamos, desde el sur, con el fin de acercarnos a las estrellas y sus reflejos.

La exhibición subraya los lazos populares, espirituales y científicos que vincularon la producción visual de nuestro territorio con las grandes preguntas sobre el espacio exterior, lo que ha dado lugar a una reescritura de las narrativas coloniales sobre la historia política y social de nuestros cielos. Tomando como eje fundamental la perspectiva indígena local, para la cual el cielo es un reflejo de la Tierra y viceversa, la exposición se sumerge en la potencialidad de sentir los cielos que nos cubren como una forma de entender el planeta en el que vivimos.

Curaduría: Javier Villa y Marcos Krämer

# data[].attributes.attachment_link.description
La exposición A 18 minutos del sol aborda la observación astronómica y el acceso al espacio exterior como ejes para activar un diálogo entre la imaginación artística y la exploración científica. Se accede al espacio exterior desde tres perspectivas diferentes e interconectadas: la ciencia, las cosmologías indígenas y la espiritualidad.

# data[].attributes.body
Para Sonia: las obras de Mendieta muestra la experiencia con el entorno y con ella misma

# data[].attributes.attachment_link.title
Untitled (Imagen De Yagul), 1973 - 1977 - Ana Mendieta - WikiArt.org

# data[].attributes.body
Para Sonia. Buscá tambien la pintura de caballete de este artista

# data[].attributes.body
Para Gaby. Busca las obras"Que vivan los campos libres" y "Sin intención, proposito ni finalidad"

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
The works of Antonio Ballester Moreno (b. 1977, Madrid) point to a world of primary colours and childish forms where materials like unprocessed jute or clay yield an oeuvre of singular beauty and austere shapes. Ballester Moreno's artistic practice is a convergence of various themes, including that of the education and learning that has enabled him to create a symbolic world where everything is connected. Ballester Moreno creates process-oriented works - paintings, collages and ceramics - that materialise through the repetitive gesture of handcrafted geometries. Through his application of simplistic yet determined shapes and colors, he develops a personal vocabulary, upon which he builds a world of subtle variances and symbolic compositions. While his approach is rooted in abstraction, his works evoke histories of pattern, craft and folklore culture, which are all tied to the field of nature.

Antonio Ballester Moreno lives and works in Madrid. His work has been exhibited at La Casa Encendida, Madrid; Museo de Arte de Zapopan, Guadalajara, Mexico; and Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M), Móstoles, Spain; among others. In 2018 Ballester Moreno co-curated and participated in the 33rd Bienal de São Paulo. His work is in the collections of the Museo Reina Sofía, Madrid; Art Situacions, Barcelona, Spain; DKV Collection, Spain; Banco de España Collection, Spain; Olor Visual Collection, Barcelona, Spain; CA2M-Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles, Spain; MUSAC-Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, León, Spain; Olbricht Collection, Berlin; Collection Reydan Weiss, Essen, Germany; and the Jerry Speyer Collection, New York; among others.

# data[].attributes.attachment_link.title
Antonio Ballester Moreno | Galeria Pedro Cera

# data[].attributes.attachment_link.description
The works of Antonio Ballester Moreno point to a world of primary colours and childish forms where materials like unprocessed jute or clay yield an...

# data[].attributes.body
Para Gaby: Pensé en esta obra cuando hablamos de cómo mostrar el proceso cocina-barro

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La razón del gourmet
Instalación en vitrina del C.C.E.B.A. 2007

Detalle de objetos construidos por Luis Baggio. Ca. 1945

Detalle cortador de lechuga. Luis Baggio. Ca. 1945

Otros objetos de la colección: agarraderas tejidas al crochet

Otros objetos de la colección: bolsa para pan

(-) Ocultar texto

La idea se me ocurrió como un rayo, fulgurante del sitio donde se hallaba: en los limbos, la memoria del niño que fui. Mi mejor recuerdo gastronómico fue una frutilla en el huerto de mi padre. La jornada había sido calurosa, un verano. Las frutillas estaban impregnadas de ese calor que quema los frutos hasta el corazón, donde son tibios. Las hojas no bastaban para hacer una sombra que los protegiera lo suficiente. Desprendí una de ellas. Mi padre me invitó a pasarlas bajo el agua, según su expresión, para limpiarla y refrescarla. El chorro que bajaba de la canilla era glacial, ya que procedía de las fuentes que dormían bajo los jardines. Cuando me puse la frutilla en la boca, estaba fresca en su superficie y caliente en su alma, piel suave casi fría, carne temperada. Aplastada bajo mi paladar se convirtió en líquido que inundó mi lengua, mis mejillas, y luego descendió al fondo de mi garganta. Cerré los ojos. Mi padre estaba allí, a mi lado, trabajando la tierra, encorvado bajo los arrietes del huerto. Durante un instante -una eternidad-, yo fui esa frutilla, un puro y simple sabor derramado en el universo y contenido en mi piel de niño. Con su ala, la felicidad me había rozado antes de partir a otra parte. Desde entonces acecho el retorno de ese ángel hedonista cuyas plumas y hálito tanto amé. No cabe duda alguna de que lo busco con ardor y que él se evade, apareciendo cuando ya no lo espero, surgiendo cuando ya no tengo esperanzas de que vuelva. Mi Razón del gourmet es una elegía para él.

Michel Onfray. La razón del gourmet. 1995.

(-) Ocultar texto

# data[].attributes.attachment_link.description
Sitio web de Gabriel Baggio / Gabriel Baggio´s web site.