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O desta terça-feira (14) recebe o designer e estilista Ronaldo Fraga, um dos principais nomes da moda no Brasil. Durante a conversa, eles conversaram sobre moda, política e o passado do artista.

Sustentabilidade na moda foi um dos assuntos do programa. Apesar de ter estado na "moda no mundo da moda", Fraga explicou que as empresas nunca abraçaram a causa de fato e ainda revelou que é a indústria que mais polui no mundo.
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"Sustentabilidade foi uma palavra usada de uma forma muito promiscua durante muito tempo e já deu uma esvaziada sem ter sido colocada em prática. Você vê grandes marcas que tinham uma arara com roupas de uma malha feitas de um material sustentável. Isso é feito sem nenhum propósito, pois todo o material é químico e vai demorar muito tempo para se decompor num lixão. É a indústria que mais polui no mundo", explicou.
Dificuldades para implementar medidas sustentáveis
Ao longo da conversa, o estilista contou a história de uma coleção sustentável que fez e pode ser o caminho para grandes marcar. Ele utilizou uma fibra feita pela empresa Rodhia, que tinha como material base a poliamida e se decompunha em um tempo muito menor.

Na visão do estilista, a maior barreira que impede as marcas de produzir coleções mais sustentáveis é o preço. A poliamida, citada por ele, encarecia R$ 10 por peça.

"Nessa produção acelerada e enlouquecida dos países asiáticos, onde se briga pelo preço o tempo todo, R$ 10 ou R$ 20 numa produção em massa é muita coisa. Como as pessoas não são sensibilizadas por essas questões, a menina que quer a roupa nova para a balada do final de semana não vão ligar", disse.

No #Provoca, @ronaldofraga comenta sobre a indústria da moda e a sustentabilidade que muitas empresas julgam ter. @MarceloTas. pic.twitter.com/hEP7Uo9qNY
- TV Cultura (@tvcultura) June 15, 2022

Assista ao programa completo:
O Provoca é apresentado por Marcelo Tas e vai ao ar às terças, às 22h, na TV Cultura, site oficial da emissora e canal do programa no YouTube.

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Estilista Ronaldo Fraga critica falta de sustentabilidade da indústria da moda: “É a que mais polui no mundo”

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O desta terça-feira (14) recebe o designer e estilista Ronaldo Fraga, um dos principais nomes da moda no Brasil. Durante a conversa, eles conversaram sobre moda, política e o passado do artista. Sustentabilidade na moda foi um dos assuntos do programa.

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No ano passado, Ronaldo Fraga fez a sua apresentação digital na 50ª edição da São Paulo Fashion Week, com um vídeo em que recebia para um jantar. O estilista mineiro relembrava, ali, tanto a sua carreira de celebração a esta costureira, que em 2021 completa 100 anos de história e 45 de morte, como também usava o espaço para o que soou como um desabafo. No filme, ele contava à Zuzu a quantas anda o nosso país e já iniciava o curta dizendo: "as notícias não são tão boas".

O estilista mineiro sempre foi visto pela moda como um mestre na arte de sensibilizar e desbravar as riquezas do país. Sua últimas coleções, porém, eram uma sucessão de assuntos um tanto mais duros sobre o Brasil. Por telefone, dias antes de sua mais recente apresentação na semana de moda, no dia 23.06, pergunto se o sentimento do ano passado, que parecia de raiva, segue nessa coleção. Ele corrige, diz que a palavra mais adequada é indignado. "E sigo indignado, sim", afirma, num tom de voz que não deixa esconder.

O sentimento, de fato, é o mesmo, mas a maneira como isso aparece na nova coleção é diferente. Tem mais a ver com o jeito que Ronaldo sempre olhou para o mundo, quando este não estava, assim, tão desequilibrado: um olhar artístico, afetuoso, sem deixar de ser engajado. "Me perguntaram se, nesse momento político, eu vou fazer um desfile político. Os meus desfiles sempre foram políticos! Só que nessa coleção a política vem pelo viés poético. E eu carreguei bem na dose de poesia, porque de poesia eles não entendem nada", diz.

É com poesia, então, que ele apresenta a coleção Terra de Gigantes, um mergulho na grande riqueza que é a cultura popular do Cariri Cearense, região localizada na Chapada do Araripe, no sul do Ceará, com uma fortíssima tradição folclórica. Ronaldo conta que, para ele, o nordeste brasileiro é a "amálgama de nossa cultura" e, por isso, aceitou prontamente o convite do Sesc Ceará para explorar os Museus Orgânicos e dos Mestres da Cultura do Cariri, fundados em 2018, pelo próprio Sesc em conjunto com a Fundação Casa Grande.

"Muito mais do que um museu, este é um museu de afeto, porque está ali a cozinha, a memória, os objetos desses mestres." De fato, as próprias casas e oficinas da população local funcionam como espaços expositivos vivos, onde é possível ver objetos pessoais, fotografias, vestimentas, instrumentos, tudo o que marca o cotidiano das mestras e mestres do Cariri, como são chamados os artistas que mantêm vivas as tradições da região. Trata-se de uma rede formada sobretudo pela memória, um saber passado oralmente que preserva costumes, como os dos reisados, dos mestres e seus brincantes, além das danças de coco, que tomam as ruas anualmente.

"Esta é uma cultura extremamente fascinante, formada pela mistura dos povos originários, os índios Cariris, os cristãos-novos, que foram os judeus que vieram para o Brasil na época da Inquisição espanhola e portuguesa, além dos Malês, escravizados e que tinham influências muçulmanas, vindos do norte da África", conta Ronaldo.

Dos tais cristãos novos vieram os bordados. Já a música e a relação com o corpo, que está bem marcada no vídeo, é uma contribuição dos próprios indígenas Cariri, que, ao contrário de outras etnias daqui, não andavam nus e usavam adereços, que hoje chamamos de roupa. Toda essa influência multicolorida e multicultural aparece nas interpretações do estilista em uma coleção inteira feita de linho. As estampas, tão típicas do designer, ficaram de lado e deram lugar a um exercício de combinação de cores (apenas primárias e secundárias), além de rendas, fitas e bordados, que aparecem em vestidões e vestidinhos e remetem aos brincantes do Cariri. O estilista não só entrou de cabeça na história como também contou com a ajuda de 15 alunos e profissionais do Senac Ceará, todos do Cariri, que acompanharam o processo de montagem da coleção.

A modelo cearense Suyane Moreira é quem dá vida a todas as peças, inclusive as mais provocativas, explicadas por Ronaldo como uma reflexão sobre a maneira autoritária que o catolicismo foi inserido na região. Por isso, aparece também um vestido-batina, como o de Padre Cícero, cruzes vermelhas que são buracos pelos quais se vê o corpo desnudo da modelo e até mesmo um cinto de castidade, feito de couro, com direito a cadeado, mas com um buraco bem na região da vagina. "É necessário descatequizar o povo brasileiro para que ele encontre os seus verdadeiros deuses", afirma o estilista.

O filme, mais documental, é de Marcelo Belém, tem direção de Roberta Mazzola e Claudio Santana e foi todo filmado no Cariri. "É a oportunidade das pessoas verem as roupas dentro do universo que as inspirou", diz. O curta conta com uma cena de mesa farta e muitas dessas mestras e mestres presentes, em uma grande celebração.

A cena só reforça a resposta que Ronaldo deu, antes da apresentação, quando perguntado se ele se sente sozinho nessa indústria, quando se posiciona politicamente. "Já me senti bastante só. Mas sempre acabo encontrando a minha turma. Muita gente na moda faz papel de boba, de morta, fica só esperando uma elite submergir do caos para não perder venda. E eu sempre caguei para isso." E, realmente, a turma que ele encontra agora, nessa Terra de Gigantes, parece uma companhia e tanto.

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"Vou falar de poesia, porque disso eles não entendem", diz Ronaldo Fraga - ELLE Brasil

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No ano passado, Ronaldo Fraga fez a sua apresentação digital na 50ª edição da São Paulo Fashion Week, com um vídeo em que recebia para um jantar. O estilista mineiro relembrava, ali, tanto a sua carreira de celebração a esta costureira, que em 2021 completa 100 anos de história e 45 de morte, como também usava o espaço para o que soou como um desabafo.

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Pesquisa: A velhice na obra de Ronaldo Fraga

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Pesquisa: A velhice na obra de Ronaldo Fraga

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1. INTRODUÇÃO

"Eu detesto roupa muda. Então a minha roupa, por mais difícil que seja, ela tem que ter fala" (FRAGA, 2009).

Distante de atender ao modelo de beleza jovem imposto pelo segmento, os velhos foram excluídos da publicidade de moda até o início do século XXI, período no qual começa a se perceber a presença dessa faixa etária nos espaços divulgativos das marcas. Aliando-se as tendências mundiais de representatividade, os profissionais de marketing têm investido na incorporação dos modelos mais velhos, também denominados de modelos maduros, na publicidade de moda (LOPEZ Y ROYO, 2014; MACKINNEY-VALENTIN, 2014; MENDONÇA; FERREIRA, 2014; 2014; POLLINI, 2014). Ademais, pesquisas mostram que os consumidores com 60 anos ou mais tendem a concordar com a adoção de modelos representativos na publicidade de roupas para idosos (EUN-KYOUNG; EUN-YOUNG, 2009), bem como apresentaram maior predisposição em comprarem roupas divulgadas por eles (KOZAR; LYNN DAMHORST, 2008).

Nos mercados internacional e nacional verifica-se a atuação de modelos longevos nas principais semanas de moda e na publicidade. No São Paulo Fashion Week (SPFW), a presença de modelos em idade avançada foi observada a partir de 2004, na coleção da Zapping. O então diretor de marketing da marca, Dipa di Pietro, "justificou a campanha dizendo que a moda tem a obrigação de propor reflexões. É uma postura nossa aceitar as diferenças e quebrar padrões conservadores de comportamento" (REVISTA CLAUDIA, 2004, p. 131).

Nos anos de 2009, 2017 e 2018, Ronaldo Fraga apresentou modelos velhos em seus desfiles do São Paulo Fashion Week¹.

O interesse de Fraga pela temática da velhice em interface com o universo da moda se deu em 2005, a partir de um evento ocorrido em uma das lojas de roupas do estilista, em Belo Horizonte, na qual ele presenciou o constrangimento de Magnnolia, uma cliente de 80 anos, ao perguntar sobre a existência de roupas para ela:

A partir daquele dia até a sua morte, no ano passado, Magnolia se tornou uma das minhas clientes mais fiéis, vestindo e desfilando pelo mundo as várias histórias das minhas coleções. A partir dali passei a pensar no manto da invisibilidade que era imposto às pessoas no Brasil depois de cruzarem a linha dos 60 anos. O pink e o verde-limão da juventude davam lugar ao salmão apastelado e ao verde-água-vovó, da mesma forma que os velhos se tornavam invisíveis aos olhos da sociedade (FRAGA, 2017).

Partindo do posicionamento de Ronaldo Fraga em visibilizar um público que, tradicionalmente, é negligenciado pelo mercado de moda, o objetivo do presente artigo é produzir uma análise a respeito da representação da velhice nos desfiles do estilista.

Metodologicamente, o artigo é constituído por uma reflexão teórica a respeito da representação da velhice na publicidade de moda², tendo como referência imagens extraídas de três desfiles de Ronaldo Fraga no São Paulo Fashion Week, nos quais o idoso apareceu como modelo: Tudo é risco de giz, Inverno 2009/SPFW; As praias desertas continuam esperando por nós dois, SPFW/2017 e A Colina da Primavera, 2018/SPFW.

Os desfiles foram selecionados pela representatividade da marca no cenário nacional, bem como a repercussão midiática das coleções. Ronaldo Fraga, estilista e empresário da marca homônima, representa uma das principais referências criativas³ do mercado de moda brasileiro. Fraga defende a noção de moda como manifestação cultural e utiliza suas coleções para suscitar a reflexão social crítica a respeito de temas relevantes em cada época e contexto, como um ato político.

A seleção das imagens atendeu ao critério de relevância para as discussões propostas nesse estudo e foram extraídas de fontes fornecidas pelo estilista, como sites e redes icnográficas: Flickr e Instagram.

Na análise das fotografias foram consideradas as mensagens emitidas pela comunicação não verbal dos corpos (pele, cabelos, forma, posicionamento corporal etc.), das roupas e dos acessórios utilizados pelos modelos (formas, comprimentos, volumes, referências de moda e materiais). Também foram considerados os textos produzidos pelo próprio estilista (releases e entrevistas), pela mídia especializada na cobertura do evento e pesquisas acadêmicas publicadas por estudiosos que se dedicaram ao estudo das coleções de Fraga, como Pereira (2012).

O referencial teórico mobilizado para análise partiu da perspectiva cultural, com enfoque nos estudos corporais: a Antropologia do Corpo, considerando autores como Le Breton (2010) e Goldenberg (2002, 2007, 2010). Adicionalmente, as obras de Beauvoir (1976) Debert (2003, 2004, 2012), Peixoto (2006) e Sibilia (2012), cujas temáticas tratam da velhice, ofereceram ferramentas analíticas capazes de contribuir para a compreensão dos desfiles selecionados.

2. COLEÇÃO TUDO É RISCO DE GIZ, INVERNO 2009/SPFW

No ano de 2009, a coleção de Ronaldo Fraga foi inspirada no espetáculo teatral Giz, do grupo Giramundo, sob direção de Álvaro Apocalypse. Tendo como referências o desamparo e o abando, o estilista julgou que modelos tradicionais não eram adequados para representar tais temáticas (FRAGA, 2009).

Tudo é risco de giz é uma coleção cujas roupas se destinam ao público adulto e infantil. Moletons, túnicas alongadas, blazers, peças em tamanho over, estampas tridimensionais e listras estiveram presentes como protagonistas. A cartela de cores, trazia, principalmente, o branco, preto e tons de cinza, bege, off white. Como afirma o estilista: (...) eu começo com um branco, que vai sujando, vai ganhando traço, que vai sendo rabiscado e a história vai sendo escrita (FRAGA, 2009).

O desfile contou com a participação de idosos (65 a 92 anos) e crianças (5 a 8 anos) como modelos e cenografia foi composta por bonecos-marionete do espetáculo Giz, que se moviam durante o desfile, como mostra a Figura 1:

Segundo o estilista, a passarela representaria a movimentação comum de pessoas, a vida acontecendo. Na release da coleção consta:

Atemporal, ele fala do novo e do velho como início e fim do traço. Universal, ele cria personagens-bonecos, espelhos do homem comum, pendurados como o velho vestido esquecido no cabide. (...) O tempo escorre e até as sereias envelhecem. (...) Nesta coleção, as roupas são desenhadas em volumes sombreados na tentativa de transportar do quadro negro para a vida real, personagens de giz. (...) Cordas e tecidos manipulam conceitos de feio e bonito, eterno e efêmero, improvável e irônico (RONALDO FRAGA FLICKR, 2009).

Com um casting diversificado, Fraga repensa a velhice e infância enquanto fases da vida humana: "na passarela, o peso dos anos de um ancião às vezes se via no andar de uma das crianças e a vitalidade infantil, no caminhar de uma das modelos de 80" (FRAGA, 2017).

Como um risco de giz, que tem início e fim do traço, o começo da vida foi representado pelas crianças, enquanto o final, pelos velhos, representações que se entrelaçam e se opõe. Segundo Pereira (2012), um clima teatral e, por vezes, mórbido, forçava a reflexão, potencializado pelo trafegar de modelos-idosos juntamente com as crianças. "Uma fina ironia, um delicado jogo com a temporalidade, marcava a passagem do tempo, através de caminhadas na passarela/palco" (PEREIRA, 2012, p.155).

Além dessa questão temporal sobre a passagem da vida e a finitude, Fraga escolheu grupos que considerou como vulneráveis para representarem as temáticas do desamparo e do abandono, como exposto no trecho: "Numa cartela em preto, branco e cinza, falávamos da velhice como a sensação de uma casa vazia, fechada, com os móveis cobertos por lençóis brancos" (FRAGA, 2017).

A partir do século XX, com o aumento significativo da população idosa, sobretudo em países ricos como a França e os Estados Unidos, a velhice foi retratada como sinônimo de incapacidade/invalidez, surgindo como um "problema social". O aspecto econômico impulsionou sobremaneira essa representação à medida que o aumento do número de velhos passou a ser interpretado como uma ameaça à estabilidade financeira das empresas e do Estado, o que impacta todo o sistema capitalista (BEAUVOIR, 1976, PEIXOTO, 2006).

Sob a ótica capitalista, o material humano só desperta interesse à medida que pode ser produtivo, sendo rejeitado quando não se faz. Nessa perspectiva, a representação social da velhice é caracterizada pela inserção do indivíduo no processo de produção, definindo como velhos aqueles incapazes de produzir e, por isso, miseráveis (BEAUVOIR, 1976, PEIXOTO, 2006).

Segundo Beauvoir (1976), nessa visão produtivista, a velhice surge como uma degradação temida, como um segredo vergonhoso, como um peso social, do qual o jovem/adulto deseja desvencilhar sua imagem. O velho não sou eu, o velho é o outro, pois, em uma sociedade que exalta a juventude, ser velho é ser indesejável, portanto, abandonado e rejeitado. Como "casa vazia", a velhice também aparece na fala do estilista como sinônimo de ostracismo e morte social. A morte social, para Cordeiro (2009), tem relação com isolamento e solidão decorrente do afastamento compulsório de atividades na família e na coletividade, comuns para uma parcela da população velha.

Dessa forma, a inclusão de velhos em lugares dominados pela juventude leva aos espectadores do desfile a repensarem os estereótipos negativos ligados à velhice, que invisibilizam os idosos e os impedem de alcançarem a efetiva participação social. Além das questões temporais e de vulnerabilidade, o desfile também provoca a reflexão sobre a mutabilidade das definições de belo/feio:

Eu quero chamar atenção pra coisas que eu acho lindo, eu acho lindo um bracinho enrugado, sabe? Eu acho lindo essa coisa da forma da boca que vai mudando, eu acho lindo o cabelo branco. E, principalmente, é uma beleza onde cada uma vai ser ela mesma. Eu não tô pegando mulheres e transformando essas mulheres para dar uma unidade na passarela: a que usa cabelo escovado vai estar de cabelo escovado, a que usa cabelo de coque vai estar com o cabelo em coque (FRAGA, 2009).

Assim, os conceitos de feio e bonito, eterno ou efêmero, ficavam evidentes quando os primeiros modelos-idosos lançavam o questionamento do irônico ou do improvável naquela passarela convertida em palco (PEREIRA, 2012).

Ao ver beleza nos signos do envelhecimento corporal, Fraga amplia as concepções do belo, rompendo com o ideal ligado aos seus padrões normativos de juventude e magreza. Suassuna (2008), em seu livro a Iniciação à Estética, afirma que a estética moderna procurava fazer do Belo apenas um dos tipos possíveis de algo mais amplo. Nessa perspectiva, o Belo estaria entre os vários tipos de Beleza existentes, e o velho e o gordo também seriam considerados sujeitos belos. No entanto, o body business, com auxílio da mídia, produziu um modelo único de beleza e impõs um padrão a ser seguido, no qual o consumo de produtos e serviços é o meio para atingir os chamados ideais de beleza. Nesse sentido, velhos e gordos passaram a ser sinônimos de feiura.

Fraga contrapõe-se a "moral da pele lisa": "No império da cultura audiovisual, hoje triunfante, a catástrofe se estampa nos traços visíveis do envelhecimento, que se consideram marcas de fraqueza ou sinais de uma derrota e, por tal motivo, seriam moralmente condenáveis" (SIBILIA, 2012, p.100). Assim, a "mora da pele lisa" impõe as tiranias do aspecto juvenil obrigatório e condena à invisibilidade tudo aquilo que se distancia dessa norma tão tenaz. Na era do culto ao corpo, novos tabus e pudores converteram a velhice num estado corporal vergonhoso (SIBILIA, 2012).

Nesse sentido, ao colocar velhos enrugados para desfilarem no principal evento de moda brasileiro e visibilizar os signos do envelhecimento corporal, como cabelos brancos, rugas e flacidez, Ronaldo Fraga marca seu posicionamento em relação à velhice, que afronta padrões únicos de beleza e desafia a "moral da pele lisa".

3. COLEÇÃO AS PRAIAS DESERTAS CONTINUAM ESPERANDO POR NÓS DOIS, SPFW/2017

Na 44º Edição da São Paulo Fashion Week, de 2017, Ronaldo Fraga apresentou sua primeira coleção moda praia, cuja inspiração foi à década de 1920, período em que a elite brasileira descobriu o banho de mar. Com a proposta de "lançar luz sobre os invisíveis", o casting do desfile contou com deficientes, gordos e idosos, propondo uma reflexão a respeito do "corpo de praia", tido como corpo perfeito, sem rugas, sem marcas, sem gorduras e/ou flacidez. Dessa maneira, Fraga utilizou a imagem do velho para questionar as normas que incidem sobre o uso do corpo na atualidade (ALONSO; KODIK, 2017). Nas palavras do estilista:

Essa coleção fala de algo de que sempre falei: lançar luz sobre os invisíveis. O Brasil é um país em que os idosos, os deficientes, os gordos, os mestiços, todos são invisíveis. Invisíveis, porém humanos. Na moda praia, todas as pessoas têm o corpo perfeito. O homem tem a barriga sarada e a menina tem o bumbum redondo impecável, mas, na verdade, a perfeição não existe. Será que as pessoas ainda precisam cultuar essa imagem inatingível? (ALONSO; KODIK, 2017).

Na década de 1920, a moda praia tinha inspiração francesa, envolvia toucas, roupões, vestidos e comprimento controlado pela força policial. A proposta de Fraga é uma releitura, um o retorno "àquela época com outras lentes, de mãos dadas com as novas tecnologias de tecidos e construções de roupas". A coleção praia foi caracterizada por uma atmosfera de humor, sofisticação e transgressão, aliada à costura supersônica, tecnologia presente, pela primeira vez, nos uniformes do nadador Michael Phelps dos Jogos Olímpicos de 2008 (FASHION-FORWARD, 2019).

Ao falar sobre "corpo de praia", a proposta de Fraga vai ao encontro das afirmações do sociólogo e estudioso da corporeidade humana, David Le Breton (2010), que considera o corpo como um fato social e cultural, formado e educado pela cultura. Dessa forma, a perfeição exigida para o chamado "corpo de praia" reflete a cultura da "boa forma" presente nas sociedades ocidentais e, de sobremaneira, na sociedade brasileira contemporânea.

Goldenberg (2007, 2010) afirma que, mais do que em outras partes do mundo, a temática do corpo é central na vida e nos discursos dos brasileiros, sobretudo das mulheres. "No Brasil o corpo é um capital", um verdadeiro capital físico, simbólico, econômico e social (GOLDENBERG, 2010). Ser modelo é uma profissão almejada por grande parte das garotas do país e o principal "capital" de que dispõem essas profissionais "é o corpo magro, jovem, sarado e belo" (GOLDENBERG, 2007, p.27).

Devido a moral da "boa forma", a exposição do corpo, em nossos dias, não exige dos indivíduos apenas o controle de suas pulsões, mas também o (auto) controle de sua aparência física. O decoro, que antes parecia se limitar a não-exposição do corpo nu, se concentra, agora, na observância das regras de sua exposição (GOLDENBERG; RAMOS, 2002, p. 25).

Na contramão da cultura da "boa forma", a Figura 2 retrata um velho e uma velha apresentados de forma natural, com cabelos brancos, flacidez, rugas, sobrepeso e, ambos vestidos com roupas de praia.

A utilização de corpos velhos como modelos da moda praia quebra a expectativa do público consumidor à medida que o ideal de "corpo de praia" é o magro, sarado e jovem. Pode-se dizer que, "sob a moral da "boa forma", um corpo trabalhado, cuidado, sem marcas indesejáveis (rugas, estrias, celulites, manchas) e sem excessos (gorduras, flacidez) é o único que, mesmo sem roupas, está decentemente vestido" (GOLDENBERG; RAMOS, 2002, p. 29). Ao mesmo tempo, Fraga propõe um novo tipo de subversão, à medida que representa os idosos com corpos amplamente tatuados (algo não muito comum nos velhos mais tradicionais), sendo a tatuagem, uma forma de adorno e diferenciação corporal.

O maiô utilizado pela velha (Figura 2) sugere uma brincadeira com silhueta desenhada. A marcação de bicos de seios e da cintura e a amarração de espartilho criam um corpo diferente da conformação social do corpo velho, configurando um outro tipo de subversão apresentada pelo estilista.

Segundo Debert (2003), existe um conjunto de significados acionados pelos velhos na publicidade brasileira. Dentro dele, há um que remete à valorização de práticas inovadoras e subversivas de valores tradicionais, especialmente no que diz respeito à vida familiar, à sexualidade e ao uso de novas tecnologias.

Embora o estilista tenha se apropriado do conceito de subversão como estratégia de marketing, a utilização de modelos fora do padrão com peças menos reveladoras condiz com a expectativa do público e evita a rejeição da coleção, posto que as peças não evidenciam a flacidez, a gordura e outros elementos estigmatizadores censurados pela "moral da pele lisa" e pela "moral da boa forma".

4. COLEÇÃO A COLINA DA PRIMAVERA, 2018/SPFW

Durante a edição número 46 do SPFW, de Outubro de 2018, Ronaldo Fraga desfilou a coleção A Colina da Primavera, que tematizou o conflito entre Israel e o Estado da Palestina. Segundo a release da coleção, a inspiração para o seu desenvolvimento se deu durante uma viagem do estilista à Tel-Aviv, cidade na costa israelense do mar Mediterrâneo, em uma cafeteria que anunciava 50% de desconto aos clientes árabes e judeus que aceitassem compartilhar a refeição em uma mesma mesa. Ademais, a intolerância religiosa, fonte do conflito na região, não foi percebida em relação a outras minorias (MESQUITA, 2018; ALONSO; AMARAL, 2018).

Para Fraga, judeus e palestinos selam a paz quando se juntam em uma mesa, enquanto, no Brasil, a polarização política e a intolerância que vitima negros, travestis e gays (e idosos) configuram uma verdadeira guerra (MESQUITA, 2018). Nesse sentido, por meio de uma analogia, A Colina da Primavera teve como proposta a reflexão sobre a diversidade e intolerância (sexual, racial, etária, de classe, etc.) no Brasil.

No desfile, a passarela dividia-se ao meio pela presença de uma mesa. Ao redor dela, em paralelo, modelos desfilavam e, ao se encontrarem, davam-se as mãos e se beijavam. O primeiro casal apresentado foi composto por dois homens amputados, um deles com um lenço palestino e o outro com uma blusa jeans bordada com a estrela de Davi, símbolo do judaísmo. Além deles, o beijo se repetiu com um casal de velhos e duas mulheres jovens. Ao final de suas apresentações, os modelos sentavam-se a mesa e se serviam das comidas judaicas, árabes e sírias. No último ato, os modelos de pé, uniam às mãos, formando uma ciranda em torno da mesa.

Sobre as roupas, a coleção foi marcada pela presença do jeans como um material democrático, além do turquesa e das listras azuis, código reivindicado pelas duas religiões. Acessórios de inspiração étnica (óculos, cartolas, lenços, bolsas), efeitos de tapeçaria e motivos bordados faziam referência às culturas homenageadas. Outro destaque foi para as inscrições, em corrosão, com nomes de cristãos novos: Oliveira, Pereira, Moreira, Carvalho, Pinheiro, Figueira, Lima (ALONSO; AMARAL, 2018; MESQUITA, 2018; SCHNABL, 2018).

Além do casal, modelos velhos se fizeram presentes em outros momentos do desfile, como mostra a Figura 3.

A postura adotada pelo estilista com relação estética da velhice permaneceu semelhante às demais coleções: cabelos e barbas brancas, modelos acima do peso, rugas e flacidez.

Na Figura 3, o beijo do casal de velhos suscita a discussão em torno dos limites da velhice e da sexualidade na contemporaneidade. Em A Velhice, Simone de Beauvoir (1976, p.8) afirma que:

Os velhos provocam escândalo quando manifestam os mesmos desejos, sentimentos e reivindicações dos jovens: o amor e o ciúme, neles, parecem ridículos ou odiosos, a sexualidade é repugnante, a violência derrisória. Tem obrigações de dar exemplo de todas as virtudes.

Assim, o beijo proposto pelo estilista confronta a moral que impõe aos velhos um local de recolhimento e afastamento social, o que inclui as relações amorosas e o desejo sexual. Essa visão vem sendo questionada pelos estudiosos do envelhecimento.

Segundo Debert e Brigeiro (2012), durante as últimas três décadas, o discurso gerontológico vem atuando no sentido de desconstruir o mito que apregoa o fim da sexualidade juntamente com a chegada da velhice, ou seja, o "o mito da velhice assexuada". O intuito é o de demonstrar que, apesar haver uma redução do interesse e da atividade sexual, a libido pode permanecer por toda a vida, refutando, assim, a ideia de uma "assexualidade" na velhice, no sentido de falta de interesse ou de prática sexual.

Para esses autores, surgem novos discursos que se fundam na valorização e na centralidade da atividade sexual na velhice como parte das prescrições gerais para se alcançar envelhecimentos "saudáveis", "positivos" e "bem-sucedidos". Dessa maneira, esses discursos instaurariam um "processo de erotização da velhice". Portanto, partiríamos de um enfoque mais antigo e culturalmente disseminado ilustrado pela frase "os velhos não têm vida sexual" para um discurso mais contemporâneo: "os velhos precisam ou devem fazer sexo para que alcancem uma vida plena e positiva" (DEBERT; BRIGEIRO, 2012).

Os ideais de subversão e atividade, incorporados pelos desfiles de Fraga, estão em consonância com o discurso gerontológico contemporâneo e caminham ao encontro da noção de velhice que configura a constituição dos movimentos de terceira idade.

Na França, a partir dos anos 1960, com a nova política social para a velhice, houve uma mudança na estrutura social e a elevação das pensões fez aumentar o prestígio dos aposentados. A expressão "terceira idade" no contexto francês a partir de 1962, em virtude da introdução de uma política de integração social da velhice visando à transformação da imagem dos jovens aposentados, que desejavam seu deslocamento com a imagem de "problema social" (PEIXOTO, 2006). O uso corrente do termo entre os estudiosos da velhice não é explicado pela referência à idade cronológica precisa, mas por ser esta uma forma de tratamento das pessoas de mais idade, que não adquiriu ainda uma conotação depreciativa (DEBERT, 2004, p.138).

A criação do termo "terceira idade" não é uma simples substituição terminológica, mas uma difusão ideológica que liga a velhice a uma nova etapa da vida capaz de oferecer novas oportunidades e experiências, marcadas pelo envelhecimento ativo e independente. Nessa perspectiva, surgiram instituições e agentes especializados no tratamento da velhice, como também foi criada uma gama de produtos e serviços destinados a esse público, além de profissionais especializados no fornecimento de orientações a quem não deseja tornar-se velho (PEIXOTO, 2006).

Como a moda é "é o reflexo de uma época, da cultura de um povo, uma denunciadora de períodos e locais, verdadeiramente, uma sinalizadora dos tempos" (BRAGA, 2005, p. 22) e, por ela, podemos compreender os fenômenos e as representações sociais, torna-se legítimo afirmar que essas mudanças na imagem que se tem dos velhos também tenham sido incorporadas pela moda e foram refletidas nos desfiles analisados, que apresentaram um velho ativo, subversivo, que se interessa pela moda, tatua o corpo, vai à praia e namora.

No geral, historicamente falando, o velho na moda tem sido sinônimo de desatualizado. Entretanto, percebe-se, desde o final do século XX, um movimento da publicidade de moda no sentido de se confirmar uma determinada variedade de ideais de beleza (gordos, deficientes, albinos, velhos etc.). Considerando a obsessão juvenil na sociedade contemporânea, o paradoxo de celebrar os idosos fisicamente parece prematuro para ser classificado como combate ao envelhecimento (MACKINNEY-VALENTIN, 2014).

Existem idosos que participam de publicidade de moda e se sentem valorizados e incluídos. No entanto, Mackinney-Valentin (2014) destaca os casos de modelos mais velhos que integraram desfiles de grandes nomes da moda e se sentiram usados por uma estratégia comercial que articula questões de identidade e significação para fins de vantagens competitivas. Nesse sentido, trata-se mais de um mecanismo para alcançar ganho comercial, do que promover a tolerância social ou cultural.

Há, ainda, marcas que se utilizam da tendência da diversidade em seus materiais divulgativos, sem efetivamente criar mecanismos de inclusão em suas coleções. Para Aires (2019a; 2019b), esse tipo de inclusão performativa atinge outros públicos excluídos do mercado da moda, como no caso dos gordos, no qual algumas as marcas de moda se posicionam como inclusiva na publicidade, mas na prática, continuam mantendo a grade de numeração restrita a tamanhos menores e/ou adota posturas gordofóbicas em seu ambiente de varejo.

Pelo posicionamento político e pela preocupação em incluir em suas coleções roupas que atendam ao público mais velho (FRAGA, 2017), percebe-se que a marca Ronaldo Fraga busca a realização de uma inclusão efetiva, contribuindo para o rompimento de estereótipos negativos que associam à velhice à inatividade, ao ostracismo social, ao abandono das questões estéticas, da sexualidade, dentre outros.

Por naturalmente se propagar via imagens, a moda faz-se elemento crucial para criar esta visibilidade que somente se dará de forma construtiva e inclusiva quando abraçar a diversidade, optando por exaltar o diverso, o multifacetado e o incomum em vez de padrões definidos de estilo, de corpos e de modelos de beleza (POLLINI, 2014, p.23).

5.CONSIDERAÇÕES FINAIS

Pela análise da obra de Fraga, pode-se verificar a participação do público mais velho em diferentes momentos dos desfiles de sua marca homônima, seja como modelo ou na composição do cenário. A inclusão desse público na publicidade de moda tem sido recorrente em outras marcas do cenário nacional e internacional, o que comprova a incorporação dos movimentos de inclusão como uma das macrotendências contemporanêas.

Embora seja uma estratégia de marketing acertada frente às demandas sociais por representatividade e, mediante ao envelhecimento população e as previsões de crescimento exponencial das faixas etárias mais velhas, o estilista Ronaldo Fraga, manteve um posicionamento político e de enfrentamento das representações negativas da velhice. Em um movimento contrário, os desfiles analisados mostraram possíveis subversões dessas representações e apresentaram velhos ocupando espaços dominados pelo público jovem, como a passarela. Em outro momento o corpo velho foi tido como "corpo de praia", questionando o conceito de beleza ligado à estética jovem. O beijo do casal velho foi utilizado como uma proposta de tolerância e, ao mesmo tempo, de ruptura dos limites de sexualidade na velhice, representados pela máxima "velho não faz sexo!".

Assim, os velhos que, até então eram orientados a consumirem roupas de seus filhos e netos a fim de camuflarem a velhice e parecerem mais jovens, são convidados por Fraga a assumirem seus símbolos do envelhecimento e encontrarem beleza neles.

O posicionamento de Ronaldo Fraga pode inspirar outras marcas a ultrapassarem a inclusão performativa e a promoverem sua inclusão efetiva como público-alvo, pois, há estudos recentes que evidenciam a inclinação do idoso em consumir itens de moda e, ao mesmo tempo, as dificuldades que eles encontram na busca de roupas que consideram adequadas no atendimento de suas necessidades.

NOTAS

1 Além dos desfiles citados, em 2015, em A fúria das sereias, 35 mulheres, entre 18 e 86 anos, vestidas de sereias e com os seios expostos, compunham a cenografia viva para a apresentação de uma coleção que falava da força do feminino em diferentes fases da vida (FRAGA, 2017).

2 A partir da década de 1960, os desfiles de moda deixaram de ser mera apresentação das coleções ao público consumidor final, passando a ser considerados como ferramentas de publicidade (SANT'ANNA; ROCHA JR.; GARCIA, 2009).

3 Mundialmente conhecido pelos seus trabalhos e o caráter inovador de suas coleções, no ano de 2014, Fraga foi indicado para a Designs of the Year do Design Museum de Londres que contempla os trabalhos mais inovadores e originais apresentados no cenário mundial em um ano.

4 FLICKR RONALDO FRAGA. Disponível em: https://www.flickr.com/photos/ronaldo_fraga/3275936241/in/photostream/. Acesso em: 20 mai. 2019.

5 INSTAGRAM. Ronaldo Fraga. Disponível em: <https://www.instagram.com/fragaronaldo/?hl=pt-br>. Acesso em: 20 de outubro de 2017.

6 INSTAGRAM. Ronaldo Fraga. Disponível em: <https://www.instagram.com/fragaronaldo/?hl=pt-br>. Acesso em: 20 de outubro de 2017.

REFERÊNCIAS

ALONSO, Maria R.; AMARAL, Sérgio. Moda reage à realidade com poesia e inovação na São Paulo Fashion Week. O Estado de São Paulo. 23 out. 2018. Disponível em: https://cultura.estadao.com.br/noticias/geral,moda-reage-a-realidade-com-poesia-e-inovacao-na-sao-paulo-fashion-week,70002560789. Acesso em: 20 de jan. 2019.

AIRES, Aliana Barbosa. Diversidade e inclusão na moda: um mercado em transformação. Webinar Senac. Disponível em: https://www.eventials.com/SenacSP/webinar-senac-moda-inclusiva/?utm_campaign=webinar_diversidade_e_inclusao_na_moda&utm_content=confirmacao_de_inscricao&utm_medium=rd_station&utm_source=email_GCR. Acesso em: 05 nov. 2019a.

AIRES, Aliana Barbosa. De gordas à plus size: a moda do tamanho grande. São Paulo: Estação das Letras. 2019b.

BEAUVOIR, de Simone. A velhice: a realidade incômoda. Rio de Janeiro: Nova Fronteira. 1976.

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FRAGA, Ronaldo. Entrevista concedida ao canal BOL VÍDEOS. SPFW Inverno 2009 - Entrevista com Ronaldo Fraga. BOL VÍDEOS, 2009. Disponível em: https://videos.bol.uol.com.br/video/spfw-inverno-2009--entrevista-com-ronaldo-fraga-04023066DCB95326. Acesso em: 20 mar. 2020.

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FRAGA, Ronaldo. Desfile Tudo é Risco de Giz- Ronaldo Fraga - SPFW Inverno 2009. FLICKR. Disponível em: https://www.flickr.com/photos/ronaldo_fraga/3275936241/in/photostream/. Acesso em: 20 mai. 2019.

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PEIXOTO, Clarice. Entre o estigma e a compaixão e os termos classificatórios: velho, velhote, idosos, terceira idade. BARROS, M. M. L. (Org.). Velhice ou terceira idade? Rio de Janeiro: FGV. 2006.

POLLINI, Denise. O envelhecimento e a moda: tecendo reflexões. Mais 60 Estudos sobre o Envelhecimento, v. 25, n. 61, p. 8-25, Nov. 2014. Disponível em: https://www.sescsp.org.br/files/edicao_revista/4744d5f9-3c12-44ec-82e3-c9a847474c80.pdf. Acesso em: 20 de jan. 2019.

REVISTA CLAUDIA. O novo velho; o idoso se reinventou e leva a vida sem monotonia. Revista Claudia, n. 3. a. 43, mar. 2004, p. 131.

SANT'ANNA, Armando; ROCHA JR., Ismael; GARCIA, Luiz F. D. Propaganda: teoria, técnica e prática. 8. ed. rev. e ampl. São Paulo: Cengage Learning, 2009.

SCHNABL, Alexandre. SPFW: Ronaldo Fraga e a mensagem de tolerância. O Fluminense, 24 out. 2018. Disponível em: https://www.ofluminense.com.br/pt-br/revista/spfw-ronaldo-fraga-e-mensagem-de-toler%C3%A2ncia. Acesso em: 20 de jan. 2019.

SIBILIA, Paula. O corpo velho como uma imagem com falhas: a moral da pele lisa e a censura midiática da velhice. Comunicação, mídia e consumo, São Paulo, a.9, v.9, n.26, p.83-114, nov. 2012. Disponível em: http://revistacmc.espm.br/index.php/revistacmc/article/view/345. Acesso em:20 de jan. 2019.

SUASSUNA, Ariano. Iniciação à Estética. 9 ed. Rio de Janeiro: José Olympio. 2008.

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1. INTRODUÇÃO "Eu detesto roupa muda. Então a minha roupa, por mais difícil que seja, ela tem que ter fala" (FRAGA, 2009). Distante de atender ao modelo de beleza jovem imposto pelo segmento, os velhos foram excluídos da publicidade de moda até o início do século XXI, período no qual começa a se perceber a presença dessa faixa etária nos espaços divulgativos das marcas.

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Página da sua nova marca , com seus clientes corriqueiros !

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Conrado Segreto, desenhou exclusivos vestidos para Barbie com todo luxo da alta costura em comemoração aos 10 anos de Barbie no Brasil.

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Nascido em São Sebastião do Paraíso, no sul de Minas Gerais, o estilista consolidou sua carreira em São Paulo, numa trajetória que começou com roupas femininas, partiu para a experimentação com o traje masculino e, agora, parece caminhar na direção de um guarda-roupa não apenas unissex, mas que simplesmente não tenha a questão do gênero como sua linha-guia principal.

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Moda Para Homens - Homem também tem que ter estilo!

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Dessa vez o MPH Entrevista conta com a participação do estilista mineiro João Pimenta, responsável pela marca que leva seu nome e que sempre faz desfiles marcantes no SPFW.

1) João a sua carreira começou diferentemente da carreira da maioria dos estilistas? Pode nos contar um pouco do começo dela?

Acredito que sim, pois no início da minha carreira tinha um grande problema de auto estima. Achava que dentro do universo que nasci e fui criado, numa família humilde do interior de Minas Gerais, não pudesse criar dentro de um segmento tão elitizado como a moda.

2) Você tem alguma graduação em moda? Como aprendeu a costurar?

Não, mas o meu interesse pela moda começou aos 7 anos de idade onde sempre tive o interesse pelos tecidos e até hoje faço do meu aprendizado um grande laboratório. Aprendi a costurar, principalmente na alfaiataria, desmanchando roupa para entender como foram construídas.

3) Suas coleções são predominantemente masculinas, o que o levou a focar nesse público?

Logo no começo do meu trabalho percebi que o masculino era um nicho importante é completamente abandonado pelas marcas, estilista e indústria.

4) Você tem optado por um casting de modelos bem diversificado (ao contrário de muitas marcas da SPFW), desde quando isso começou e as suas roupas são para todes?

Desde a primeira coleção percebemos que a diversidade é extremamente importante num país com a etnia tão diversa. Olhar para os nichos e criar pra quem precisa de criação tornou nosso trabalho mais consistente.

5) Como a sua marca está driblando a pandemia? E a ausência de uma semana de moda como a SPFW te afetou?

Entendemos que o reaproveitamento de materiais e modelagens era uma boa forma de conseguir produzir sem sair de dentro do ateliê. Entendemos que a moda é desumana e ampliamos nossas modelagens para tamanhos maiores. E sobre o formato que iremos apresentar agora a coleção em desfile virtual é extremamente positiva, uma vez que o formato que sempre usamos não fazia mais sentido.

6) Pós-COVID como você enxerga a moda? Você acha que as coisas realmente mudaram?

A mudança é individual, será uma grande pena quem não aproveitar essa situação para fazê-la.

7) O que você acha que uma marca tem de ter nesse período de pandemia?

Resiliência, afetividade, humanização e pé no chão.

9) Há algum trabalho diferenciado que a marca João Pimenta vem desenvolvendo e não saibamos? Como vocês estão trabalhando no momento?

O que temos feito de mais importante é deixar de lado os padrões de modelagem imposto pela moda até hoje, trazendo mais diversidade de corpos para nossa roupa.

10) Para quem está começando na moda, quais seriam as suas dicas? O que você teria a dizer?

Surpreender, mais importante do que ser bonito ou feio, real ou irreal, é causar surpresa.

As pessoas precisam ser surpreendidas e ter um olhar para os nichos.

Curtiu a entrevista? Até a próxima!

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MPH Entrevista: João Pimenta | Moda Para Homens

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Dessa vez o MPH Entrevista conta com a participação do estilista mineiro João Pimenta , responsável pela marca que leva seu nome e que sempre faz desfiles marcantes no SPFW. 1) João a sua carreira começou diferentemente da carreira da maioria dos estilistas? Pode nos contar um pouco do começo dela?

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Em 2004, fez seu primeiro desfile na Casa de Criadores, onde temporada após temporada lapidou seu conhecimento e sua técnica. Em 2010, aos 43 anos, estreou na São Paulo Fashion Week.

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Moda Notícias Street Style Red Carpet Shooting

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Entrevista: Lilian Pacce + Hildegard Angel

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Entrevista: Lilian Pacce + Hildegard Angel

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ZUZU ANGEL: A ESTILISTA QUE USOU A MODA PARA DENUNCIAR A DITADURA | LILIAN PACCE

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Chico Buarque fez a música "Angélica"  em homenagem a Zuzu Angel após sua morte em um "acidente" saindo do Tunel do Rio de Janeiro que mais tarde foi nomeado "Túnel Zuzu Angel"

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Com o desenvolvimento de sua carreira, a confusão de corpos femininos e masculinos em seu processo criativo está dando origem a uma silhueta híbrida, unissex (ou, como ele define, "sem gênero"), que não só fala de um guarda-roupa unificado como também aponta para outras tendências de comportamento e identificação sexual.

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Conrado tinha diversas inimizades no mundo da moda, era contra todo pensamento que fosse contrário ao seu. Foi bastante criticado por seu temperamento difícil e gostava dessas críticas, pra ele a rejeição que recebia das pessoas era sinal de que seu trabalho estava dando certo. Para ele apenas o luxo deveria ser valorizado.

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A Grendene anunciou que, a partir de fevereiro do próximo ano, assumirá a gestão e administração do Sistema de Franquias Clube Melissa e Clube Mini Melissa em todo o Brasil.

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Ronaldo Fraga foi o primeiro representante da moda brasileira a receber a medalha da Ordem do Mérito Cultural,em 2007, concedida pelo ministro da cultura Gilberto Gil. A comenda se destina a personalidades que dão corpo à cultura brasileira por de seu trabalho. Em 2009, recebeu a Medalha da Inconfidênciapelo governo de Minas Gerais.

Em seus desfiles, privilegia histórias ligadas à identidade cultural brasileira, bem como personalidades nacionais de destaque. Em 1997, a vida e obra do artista plástico Arthur Bispo do Rosário serviu de inspiração para a coleção Em Nome do Bispo. Em 2001, o engajamento político e a biografia da estilista Zuzu Angel, assassinada pela ditadura militar, foi o ponto de partida do desfile Quem Matou Zuzu Angel? Os escritores Guimarães Rosa,
Em seus desfiles, privilegia histórias ligadas à identidade cultural brasileira, bem como personalidades nacionais de destaque. Em 1997, a vida e obra do artista plástico Arthur Bispo do Rosário serviu de inspiração para a coleção Em Nome do Bispo. Em 2001, o engajamento político e a biografia da estilista Zuzu Angel, assassinada pela ditadura militar, foi o ponto de partida do desfile Quem Matou Zuzu Angel? Os escritores Guimarães Rosa, Mário de Andrade, Carlos Drummond de Andrade, os artistas plásticos Athos Bulcão e Cândido Portinari, os cantores Lupicínio Rodrigues, Noel Rosa e Nara Leão estão entre os nomes de brasileiros lembrados em coleções do estilista.

Quanto às diferentes localidades do regiões do país Ronaldo Fraga mostra ter especial interesse no Brasil profundo. O desfile Costela de Adão, de 2003, foi inspirado no cotidiano do Vale do Jequitinhonha e nas artesãs que moldam as bonecas de barro, que são criações típicas e fonte de renda da região. Em 2008, apresentou a coleção Rio São, inspirado no Rio São Francisco, um local sobre o qual ouvira falar constantemente, graças a seu pai. Em 2010, voltou ao tema, dessa vez com uma exposição Rio São Francisco Navegado por Ronaldo Fraga, que percorreu diferentes capitais brasileiras, como Rio de Janeiro, São Paulo, Recife e Belo Horizonte. Na cidade mineira, em dois meses, a exibição atraiu mais de 40 mil visitantes, entre os quais, pelo menos 18 mil alunos da rede pública de ensino.

A Amazônia foi parte da inspiração do desfile Turista Aprendiz na Terra do Grão-Pará, de 2012, dedicado ao Estado do Pará, e o semi-árido foi lembrado na coleção Carne Seca, de 2013. "Foi Fraga quem aproximou o público da estilista Zuzu Angel, do pintor Athos Bulcão, das festas e dos poetas populares do Brasil. Num meio repleto de referências a culturas e estilos distantes, como é o da moda brasileira, isso é muita coisa."

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Vestido que integrou o desfile-protesto feito por Zuzu em Nova York com detalhes bordados a mão que mostravam tanques, canhão e anjos, fazendo referência a morte de seu filho Stuart e ao regime militar.

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João Pimenta tira suas inspirações das tradições de família, já que ele é mineiro onde se tem um pouco de folclore africano.
No universo do estilista ele sempre coloca Jagunços, sertanejos, príncipes e dândis em releituras surpreendentes e contemporâneas.

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O nome mais promissor de sua geração, Vitorino Campos nascido em Feira de Santana, na Bahia, Vitorino aos 18 anos foi para Salvador estudar designer de moda. O desejo de fazer roupas começou cedo aos 16, ele abriu sua primeira loja, chamada Tap Rumbeira.
Suas primeiras clientes foram as coleguinhas do colégio ☺️, e sua primeira sócia foi a mãe do estilista.
Em 2008, criou marca Vitorino Campos e começou a desfilar em Salvador, em 2009, fez sua primeira apresentação no Rio Moda Hype e em 2012 entrou para o line-up da São Paulo Fashion Week.

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Alceu Penna: O ilustrador da moda brasileira

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Alceu Penna: O ilustrador da moda brasileira

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A exposição online na plataforma Google Art & Culture, retrata a vida e os trabalhos de Alceu, no qual foi figurinista, ilustrador, desenhista, designer e lançador de tendências que irá impactar não somente a moda nacional mas também na criação da identidade do povo brasileiro.
Alceu de Paula Penna nasceu em Minas Gerais, entretanto muda-se para o Rio de Janeiro para cursar arquitetura na Escola Nacional de Belas Artes. O seu primeiro trabalho no "O jornal" foi como desenhista e esse contato irá alavancar seu contato na moda através de artigos sobre moda e comportamento.
Outros trabalhos serão com a criação de cenários e figurinos para shows em cassinos, teatro, cinema e aliás, fantasia para escolas de samba e estamparia na indústria têxtil com Rhodia, em que na década de 60 teve a coleção inspirado no café brasileiro.

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Costume designer, illustrator, artist, and designer, Alceu Penna was a trendsetter who influenced generations with his daring designs and vibrant colors. In the years between the 1930s and 1970s he become a Brazilian fashion icon, making history and influencing not just the country's fashion but the very identity of the Brazilian people.

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Alceu Penna: the illustrator of Brazilian fashion - Google Arts & Culture

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Costume designer, illustrator, artist, and designer, Alceu Penna was a trendsetter who influenced generations with his daring designs and vibrant colors. In the years between the 1930s and 1970s he become a Brazilian fashion icon, making history and influencing not just the country's fashion but the very identity of the Brazilian people.

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É a dupla de irmãos soteropolitanos Céu e Junior Rocha que comanda a Meninos Rei (@meninosrei). Fãs de carteirinha de roupas vibrantes que desafiam o lugar-comum, lançaram a marca seis anos atrás, quando viram no mercado uma falta de etiquetas masculinas que oferecessem looks impactantes. Mas a proposta agradou também as mulheres, e hoje dedicam uma parte das criações para este público, além de fazerem peças sob medida, sejam elas para artistas (como Gaby Amarantos, Margareth Menezes e Carlinhos Brown) e anônimos.

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Vestido de luto de Zuzu usado no desfile em Nova York

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Reflexões sobre gênero e raça são o que dão vida aos trabalhos de Carol, que une o amor pela moda ao mundo acadêmico. A baiana é designer, professora e pesquisadora da Universidade Federal da Bahia e seus produtos são voltados para a construção de representações conscientes no consumo de moda. A estilista já participou de eventos internacionais renomados como a Dakar Fashion Week, no Senegal, e a Black Fashion Week, em Paris. Lançou recentemente o EduDoc Moda.Devir, um vídeo de Claudio Manoel que envolve modelos das comunidades Quilombolas da sua região, mais um passo para o que se pode chamar de ModAtivismo antirracista

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A FARM começa a partir de uma barraca na Babilônia Feira Hype, do Rio de Janeiro. Essa foi responsável pelo começo do seu sucesso como empreendedora e estilista. Num espaço limitadíssimo e com um investimento de mil e duzentos reais, Kátia Barros montou o pequeno negócio que deu origem ao império que possui hoje: trinta e cinco lojas espalhadas em todo o Brasil.

Não foram necessários anos a fio de trabalho na Babilônia Feira Hype para que a primeira loja de Kátia Barros tomasse forma. Possuindo uma identidade visual de muita força, a FARM cresceu e a loja foi gerada depois de dois anos. As estampas, desde sempre, foram o chamariz da marca, que desenvolveu peças inspiradas no lifestyle carioca: roupas despojadas, que lembram férias e um fim de semana alegre. De lá pra cá, o crescimento foi ligeiro e não parou mais.

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A foz nasce da necessidade de reunir a ancestralidade e cultura do artesanato tradicional brasileiro a um produto de moda contemporânea que torne o tangível a memória e afetividade do feito à mão sem deixar de lado a qualidade das fibras naturais e os processos de produção focados em sustentabilidade, com modelagem descomplicada  e foco na interferência têxtil, a fibra do linho é protagonista na produção das camisas que recebem bordados em técnicas “boa- noite” e “ rendê”, tecidas pelas artesãs de Entremontes, região ribeirinha do Rio São Francisco em Alagoas.
A marca tem o foco em roupa para o dia - a -dia.

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Com muita garra e sem medir esforços, a quebrada tem conseguido se fazer notada e ouvida dentro da moda nacional, ou melhor, feito a sua própria moda ser impossível de ser ignorada. Gabriel Alves, 25 anos, mais conhecido como Da Silva, é uma das novas vozes desse movimento. N ascido e criado na Zona Norte da cidade de São Paulo, ele chamou atenção no final do ano passado, ao participar - e ganhar - do reality show Design Vision, do canal FashionTV em parceria com o Instituo Focus Têxtil.

Com uma estética única, pensada por e para a quebrada, Gabriel "Da Silva" conversou conosco sobre seu trabalho, inspirações e futuro.
C omo começou seu interesse por moda? Para a construção dessa trajetória na moda, chegou a fazer algum curso ou graduação na área?
Tudo começou quando eu tinha 9 anos. Eu já desenhava e uma amiga da minha mãe viu que eu gostava de desenhar, me apresentou o desenho de moda e eu continuei. Com 9 anos já tinha decidido que iria fazer isso, mas na época ninguém acreditou em mim. Mas estou aqui.
Como surgiu o projeto Da Silva?
Ninguém me explicou nada até os 18 anos, fiz tudo sozinho. Aos 18 eu estudei para ingressar na Santa Marcelina com bolsa pelo ProUni e me formei em 2019 em estilismo.

A Da Silva surgiu mesmo como meu projeto de TCC (Trabalho de Conclusão de Curso), inspirado no meu irmão, a partir de uma experiência que ele teve com a polícia, que me fez perceber que a moda era muito além daquela minha bolha da faculdade. Quando eu converso com meu irmão ele me mostra a direção e que eu estou no caminho certo.
Me conta mais sobre essa situação do seu irmão?
Criações da "Da Silva" Foto: Caodenado

Meu irmão estava dirigindo um carro em uma das avenidas mais importantes da Zona Norte, chamada Parada Pinto e foi parado três vezes consecutivas, no mesmo dia, no início, no meio e no fim desta avenida, fazendo com que ele chegasse em casa muito bravo, e ainda por ele ser uma pessoa preta, infelizmente tem essas abordagens como algo 'comum', mas mesmo estando com os documentos certos, também tinham signos estereotipados que também motivaram as abordagens, como por exemplo estar vestindo camisa polo, usando correntes, com o penteado 'blindado' e ouvindo Racionais, somavam um significado negativo para os policiais, já ligando ele à um ladrão, e resultando nas três abordagens consecutivas.
Seu trabalho bebe muito das estéticas da periferia, dos crias e dos mandrakes, que são estilos criados nas quebradas a partir de combinações de marcas. Mas você realmente criou peças e toda uma estética já pensada para essa galera, como é isso para você?
Isso me fez perceber que essas abordagens também são motivadas pelas roupas. Falar disso foi extremamente importante no meu TCC, porque foi contra tudo o que esse povo [da faculdade] entendia como moda.

Cara, para mim isso é natural. Tem uma estampa nova em um dos trabalhos que fiz no reality, que chama Mano, que foi algo que eu criei só de ouvir no metrô alguém falando "mano, mano, mano" várias vezes. Ele foi da Luz até Santana falando. Aquilo ficou na minha cabeça e eu tinha esse trabalho da faculdade para fazer e criei essa estampa. São coisas nossas, que já existem, mas a gente ainda não aplicou. As marcas de fora não vão olhar para gente.
Me conta um pouco sobre o reality que você participou?
Estampa Tipográfica "Mano" de Gabriel da Silva | Foto: Caodenado
Essa sua fala me lembra muito o desfile da Mile Lab na São Paulo Fashion Week.
Então (risos) eu não ia entrar no programa, nem achei que eu iria passar da primeira fase. Ganhei três provas, sem entender direito, fiz a coleção e levei todo mundo junto comigo. O cabeleireiro que faz meu cabelo e do meu irmão tava lá junto, os muleque que faz a trilha tavam junto(sic), os MCs, Rony e RD5 na hora abraçaram e toparam a ideia. Todos estavam desfilando pela primeira vez, fora meu irmão, que já tinha desfilado para mim no TCC. Essa imagem não é minha, não fui eu que criei, é uma imagem coletiva, somos nós que criamos.

Com certeza! Ela é um ícone pra gente, foi o desfile mais importante da semana. Ela conseguiu fazer na primeira vez coisas que pessoas que estão há 20 anos lá não conseguem. Ela representou muita gente, essas marcas tem que começar a olhar para a periferia para ontem.

Grande parte da moda quer falar de sustentabilidade mas não entende sobre coletividade. Acho que a moda realmente só vai mudar quando pararmos de verticalizar e começarmos a horizontalizar. Chamar as pessoas para colaborar, para fazer parte. Se não tem coletivo, não tem sentido fazer moda para mim, é só o ego do estilista. A costureira tem muito mais a me ensinar do que eu ensinar a ela, por exemplo.
O reality show foi um ponto de virada?
Peças "Da Silva" Foto: Caodenado

O programa terminou em novembro do ano passado, eu só fui me tocar que ganhei em fevereiro desse ano, quando caiu a ficha. Nunca achei que meu trabalho iria se conectar com tantas pessoas com quem eu queria conectar.
Sobre o momento atual, como você se encontra, pós reality, já com uma imagem de moda robusta, quais são os planos atuais?
Eu tive o momento em que meus sobrinhos vinham aqui em casa, olhavam pro desenho e falavam "Olha o papai!". Naquele momento que meus sobrinhos falam que meu irmão é bonito, estiloso, eu vejo que consigo distanciar a imagem negativa da polícia sobre pessoas como ele. Ele sai do papel de vilão e se torna herói, se torna uma referência. E tudo aquilo que está a volta deles, eles começam a olhar de uma outra forma, e lá na frente, que eles vejam beleza neles mesmos.
Me conta um pouco sobre a frase que tá na sua bio do Instagram: "Jacaré Parado Vira Bolsa de Madame".
Hoje eu estou trampando com uma marca que tá começando, onde estou aprendendo muita coisa mesmo. A Da Silva não é um plano, é uma coisa que já tá acontecendo, e eu tô vendendo tudo (risos), se quiser, tá à venda, ficar na minha mão não faz sentido. A Da Silva só funciona quando está na rua. Mas a marca pode ser que surja nesse ano, no próximo ano, estou me movimentando, já tá acontecendo.

Ela surgiu no TCC, quando eu ouço Mc Daniels, "Tô de Bis" e se não me engano ele fala "Fala DJ Max, Jacaré Parado Vira Bolsa de Madame". Essa frase é muito importante. Se eu paro eu me torno aquilo que as pessoas já montaram de mim, a imagem que já está estabelecida de mim pelo outro. Quando eu tô no corre, fazendo as coisas acontecerem, eu não me torno bolsa de madame.
Fazer moda no Brasil sem investimento não é das tarefas mais fáceis. Como é isso para você? Algum "perrengue" que quer contar?
Peças "Da Silva" Foto: Caodenado

Nossa eu ouvi esses dias uma frase totalmente diferente de uma pessoa, falando que 'abriu uma marca no meio da pandemia e só não ganha dinheiro com moda quem não quer', acredita? É o oposto, é uma pessoa que tem dinheiro e consegue se movimentar. Por isso que temos que enaltecer demais a Mile Lab, não é todo mundo que apoia, não é fácil vender roupa. Não tenho dinheiro para abrir a marca no mês que vem, tá ligado?
E como você vê o futuro da Da Silva, daqui a 5, 10 anos?
Até porque eu quero trazer todo mundo comigo, chamar a galera e pagar a galera, para girar o dinheiro entre nós. Se for só eu ganhando, cai por terra aquela ideia do coletivo que eu tava falando.

Não curto pensar utopicamente, porque me tira do chão, não gosto de sair do chão. Eu quero fazer a Da Silva acontecer mesmo [como marca], provavelmente no próximo ano. E eu quero que as pessoas para quem eu faço roupa vistam a roupa, possam comprar essa roupa, não quero que a pessoa da Paulista compre minha roupa mas a galera da quebrada não consiga.

Peças "Da Silva" Foto: Caodenado

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Ficha técnica das fotos:

Assistente de fotógrafo : Erick

Assistência: Érica Sena @ericailustraefazsapatos e Marlon Motta @mottamarlon

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Conheça Gabriel "Da Silva": uma das novas vozes da quebrada na moda // FFW

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Por Luxas Assunção e Guilherme Rocha Com muita garra e sem medir esforços, a quebrada tem conseguido se fazer notada e ouvida dentro da moda nacional, ou melhor, feito a sua própria moda ser impossível de ser ignorada. Gabriel Alves , 25 anos, mais conhecido como Da Silva , é uma das novas vozes desse movimento.

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É Artista plástica formada pela Universidade Federal da Bahia, estudou designer na Itália, A designer tem o dom de desenvolver um padrão de estamparia que tem personalidade própria, um trabalho autoral que dialoga com as raízes africanas, indígenas e passeia com leveza pelo universo da cultura europeia e a brasileira.

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Harper's Bazaar " Moda, beleza e estilo de vida em um só site

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Gabriel Alves da Silva foi o vencedor da primeira temporada do primeiro reality show de moda sustentável da TV Nacional, o "Design Vision", com a Bazaar como media partner.

Durante 10 episódios, os participantes vivenciaram uma experiência com desafios surpreendentes, oferecendo uma imersão em moda sustentável, com ações de conscientização através do upcycling, onde eles produziram peças com reaproveitamento de resíduos têxteis. Eles tiveram a mentoria de três grandes nomes do mundo da moda: Alexandre Herchcovitch, Haynará Negreiros e Walter Rodrigues.

Gabriel apresentou uma coleção com seis looks completos. Veja mais fotos:

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Gabriel Alves da Silva vence o "Design Vision" - Harper's Bazaar " Moda, beleza e estilo de vida em um só site

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Gabriel Alves da Silva foi o vencedor da primeira temporada do primeiro reality show de moda sustentável da TV Nacional, o "Design Vision", com a Bazaar como media partner. Durante 10 episódios, os participantes vivenciaram uma experiência com desafios surpreendentes, oferecendo uma imersão em moda sustentável, com ações de conscientização através do upcycling, onde eles produziram peças com reaproveitamento de resíduos têxteis.

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Fernanda Yamamoto

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https://youtu.be/IacAoRWFmwQ

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Moda & Beleza - O Trabalho da Estilista Fernanda Yamamoto

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Isabela Capeto

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Estilista Isabela Capeto - Moda e Decoração

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Considerado o maior nome brasileiro da alfaiataria de luxo para homens. Participou de diversas edições do São Paulo Fashion Week, fazendo a moda masculina ganhar espaço no circuito dos desfiles e alta moda local.
Ricardo assinou os trajes off-game da seleção brasileira na Copa do Mundo de 2018 na Rússia.

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Desfile de estreia do estilista Igor Dadona no SPFW 2022.

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Desfile da coleção Relo

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Valores das peças produzidas !!

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MODA COM PROPÓSITO, FEITA NO BRASIL

Criada em 2006 pela estilista Gabrielle Meirelles, a Santa Costura de Todos os Panos é uma marca de moda feminina que existe para criar peças atemporais e confortáveis que tragam impactos positivos para pessoas, comunidades e para o mundo. Nós acreditamos em simplificar o consumo para exaltar a identidade. Por isso, trabalhamos com peças minimalistas de qualidade e modelagem inclusiva, que vai do PP ao GG, para vestir mulheres diferentes nas mais diversas ocasiões.

Nosso propósito é ser uma marca de moda ética, que visa abraçar a singularidade feminina, valorizar o local e desenvolver consciência socioambiental em cada etapa do processo de produção. Todas as nossas peças são feitas em Campinas, interior de São Paulo, em parceria com ateliês e costureiras locais que trabalham de maneira segura e justa, apenas com tecidos de qualidade. O processo de produção é acompanhado de perto para garantir o respeito às pessoas e recursos envolvidos. Na Santa, a produção local é valorizada em todas as etapas de criação, por isso sempre buscamos trabalhar com fornecedores e parceiros nacionais que adotem iniciativas sustentáveis e éticas dentro do mercado de moda.

Possui loja fixa em Araraquara e em Campinas.

A Gabi é uma mulher extraordinária. Ela é empreendedora, fashionista, mãe de 3 filhos adotados com muito amor, esposa, pastora da igreja Sal, dona da cafeteria No Café (em Araraquara), e, possui uma história forte e linda como base.

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Criada em 2006 pela estilista Gabrielle Meirelles, a Santa Costura de Todos os Panos é uma marca de moda feminina que existe para criar peças atemporais e confortáveis que tragam impactos positivos para pessoas, comunidades e para o mundo. Nós acreditamos em simplificar o consumo para exaltar a identidade.

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Como é feita a sua roupa – Santa Costura de Todos os Panos

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Gilberto Gil, Lulu Santos, Carlinhos Brown, Toni Garrido, Margareth Menezes, Paula Lima, Iza, Mariene de Castro, Gaby Amarantos, Fernanda Paes Leme, Astrid Fontenelle. Nos armários de todas essas personalidades têm pelo menos uma peça da Meninos Rei, marca baiana comandada desde 2013 pelos irmão Júnior e Céu Rocha, criadores de moda de mão cheia, com almas de stylist, o que deixa tudo ainda mais interessante. Com pegada streetwear e vibrante estamparia vinda diretamente de países africanos, a marca tem na alfaiataria sua aliada e na elegância dos homens e mulheres negras a inspiração para criações únicas e marcantes. Adeptos do slow fashion e da moda com conceito e com propósito, os irmãos lançam apenas duas coleções por ano e trabalham sob encomenda, atendendo os desejos de sua interessante clientela.

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Carol Barreto é brasileira e faz muito pela sustentabilidade na indústria. Designer de moda, professora do departamento de estudo de gênero e feminismo da UFBA e uma das estilistas que integrou por muitos anos o time do Afro Fashion Day, Carol está há anos na linha de frente da sustentabilidade. Idealizadora do método Modativismo, a empresária tem além do pilar da sustentabilidade, a perspectiva de romper com os estereótipos da negritude.

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Vive em Icoaracy, distrito de Belém do Pará, na Amazônia brasileira. É artista visual e stylist. Seu trabalho fala sobre a potência da cultura amazônica e a importância do repasse dos saberes ancestrais em sua família, que se refletem nas técnicas que usa ao realizar suas obras. Trabalha com plantas, palhas e sementes de árvores, ressignificando os materiais e transformando-os em roupas e acessórios.

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Linn da quebrada veste a marca no BBB 22.
Dando una visibilidade maior a marca!
Entre outros artistas como Emicida e Lazaro Ramos também já vestiram.

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Junior Rocha: "Quero dividir com todos que curtem, admiram e respeitam o trabalho da marca @Meninosrei.
Uma marca de dois afro empreendedores nascido no subúrbio ferroviário de Salvador e que estão fazendo história contando a sua própria história.
Estamos alcançando espaços que sempre foram negados.
Vai ter marca preta na semana de moda de Milão SIM!"

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Gabriela Cruz

Gabriela Cruz é jornalista, ilustradora e escreve para o Alô Alô Bahia.

Criadores da Meninos Rei, Júnior Rocha e Céu Rocha estão nos últimos preparativos para seguir viagem até a Itália, onde participam, dia 20, da fashion week de Milão. Nas malas vão levar 15 looks, a maioria deles da coleção "Meu Ori é minha Voz", desfilada na edição mais recente da São Paulo Fashion Week, além de outros ainda inéditos.

Os irmãos e estilistas baianos foram convidados pela plataforma de modaBrasil Eco Fashion (BEC) e pela Fashion Vibes, que promoverão desfiles e showroons de moda sustentável na Itália. "O convite partiu depois do desfile na SPFW. Vamos poder mostrar nossa ancestralidade, representatividade e personalidade ao mundo", destaca Céu Rocha.

Junto com as roupas de modelagens ousadas e criações afro-urbanas, a Meninos Rei levará consigo os balangandans da casaIlê de Odé - direto da feira de São Joaquim; os colares assinados pelo designerWagner Obara, da Obara Design, feitos com exclusivamente para o desfile; os brincos e anéis por Luana Rodrigues, da LR Atelier; as sandálias de Lucas Lemos, da Tsuru; e as bags, pochetes e buckets idealizados por Vinícius Carmezim, da Ziê.

"Sempre levamos os nossos conosco. Temos que pensar na moda de um jeito coletivo, para todos", destaca Júnior Rocha. "Somos uma marca de dois afro-empreendedores filhos do Subúrbio Ferroviário de Salvador que está alcançando os espaços que sempre nos foram negados e abrir esses espaços inclusivos só nos fortalece e mostra que estamos no caminho certo", completa.

Confira como foi o mais recente desfile da Meninos Rei na São Paulo Fashion Week:

Foto: Divulgação. Também estamos no Instagram (@sitealoalobahia), Twitter (@aloalo_bahia) e Google Notícias.

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Marca baiana Meninos Rei leva coleção desfilada no SPFW para fashion week de Milão

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Gabriela Cruz Gabriela Cruz é jornalista, ilustradora e escreve para o Alô Alô Bahia. Criadores da Meninos Rei, Júnior Rocha e Céu Rocha estão nos últimos preparativos para seguir viagem até a Itália, onde participam, dia 20, da fashion week de Milão.

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Confira como foi o mais recente desfile da Meninos Rei na São Paulo Fashion Week:

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O estilista Igor Dadona já mostrou a coleção da sua marca duas vezes como fashion filmes no calendário do São Paulo Fashion Week, dessa vez ele se apresenta com um desfile presencial pela primeira vez no evento. Além disso, esse é um trabalho especial por que ele encerra uma trilogia que faz uma relação entre o período de quarentena e o mar, pra debater como a gente sobreviveu até agora e como vai viver daqui pra frente. Antes ele falava de marinheiros, mas agora ele usa a figura do mergulhador pra representar alguém que lida com certa dose de perigo para conseguir seus objetivos.

O nome da coleção é "Bronte", um nome grego que significa trovão. Ou seja, profundo como o mar e forte como um trovão. Mas para Igor, a tempestade está terminando e podemos ver alguns raios de luz passarem por elas. E da imagem de um mergulhador emergindo, ele representa algas que foram presas na roupa, ilustradas sobre alfaiataria que ele desconstrói com volumes, bolsos e camadas sobrepostas feitas com sobras de tecidos em camisas e paletós.

A silhueta é normalmente maior na parte de cima e mais reta e ajustada na parte de baixo. Os tecidos têm um pouco de brilho: cetim bucol, sarja acetinada, seda à num aprimoramento de seu trabalho de alfaiataria. Ele faz uma mistura com looks esportivos em neoprene, tricoline e o moletom, no hibridismo que dá tônica da moda masculina atual. Uma coleção escura, de pretos, marinho e verde-musgo, com detalhes em tons de coral que colorem pedras e cascos de navio.
FICHA TÉCNICA
Direção artística: Igor Dadona
Direção do desfile: Luiz Henrique Costa
Styling: Flávia Pommiaanosky e Davi Ramos
Trilha: Eduardo Viveiros
Beleza: Vale Saig
Adereços: Davi Ramos
Modelagem: Ivani Rodrigues
Fotos: Charles Naseh

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O estilista Igor Dadona já mostrou a coleção da sua marca duas vezes como fashion filmes no calendário do São Paulo Fashion Week, dessa vez ele se apresenta com um desfile presencial pela primeira vez no evento.

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Jalaconda é um projeto artístico multidisciplinar, focado no corpo como suporte e meio, que pretende colocar em discussão o lugar do trabalho manual e pessoal e do adorno no ato de decoração do mundo.

Fundada em 2020 em São Paulo, a marca se propõe a pesquisar o uso de materiais não convencionais, como látex, aço e pedras naturais brasileiras, e a criação de novas técnicas artesanais para tal. É essencial para nós, também, pensar tanto no que se veste quanto em quem se veste, tendo em vista que todo corpo é político e que moramos em um país historicamente repleto de traumas e complexidades.

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Conhecida por produções sob medida. Sempre misturando estampas, bordados e trabalhos artesanais, transitam entre o girly e o sofisticado.
Peças em rendas, padronagem delicada e tecidos fluidos são comuns em suas coleções. Sempre com muitos adornos e detalhes marcantes.

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Desfile da Casa de Criadores 50

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https://www.revistalofficiel.com.br/moda/lino-villaventura-70-anos-poesia-visual

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Estilista propõe o que chamou de obra imersiva no primeiro dia da 48ª Casa de Criadores, para a qual mixou frases de anônimos, explorou traços da natureza e costurou resíduos têxteis.

https://elle.com.br/amp/ellias-kaleb-funde-poesia-e-biomimetica-em-colecao-2654002493

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Idealizadora do conceito de transmutação têxtil

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Artista, ativista e estilista, Vicenta Perrotta é um dos nomes mais representativos da atual moda brasileira e do ativismo no país. Ela produz roupas não binárias através do que nomeia de transmutação têxtil, ressignificando o conceito do upcycling, em que tudo é criado a partir de alguma peça que já existe, flertando com a precariedade e a desconstrução. A potência de todas as vivências de Vicenta no espaço público se materializa também em um espaço físico e colaborativo. Junto com as manas Rafa Kennedy e Antonia Moreira, ela coordena o Ateliê TRANSmoras, um espaço de produção de arte, cultura e renda voltado à comunidade transvestigênere, que desde 2013 constrói residências artísticas e se mantém como ponto de convívio de pessoas e grupos, entre universitários, ativistas, artistas e público LGBTQIA+. O ateliê - localizado na Moradia Estudantil da Universidade Estadual de Campinas, a Unicamp, uma das mais conceituadas da América Latina - é o espaço físico onde acontecem todas as construções (e desconstruções) coletivas entre Vicenta e todas as manas que passam por lá. Um espaço de resistência e reexistência.

Vicenta Perrotta nasceu em Campinas e iniciou seu trabalho com o reaproveitamento de tecidos e de roupas, descartadas ou não. Sua trajetória soma quase 15 anos, desde que, em meados de 2007, produziu acessórios construídos com sementes. "Foi onde começou o meu contato com as questões de localidade, etnia, racialidade, ancestralidade, consumo. A partir daí, passei a comercializar as peças e a observar os modos de produção na sociedade capitalista". A estilista logo percebeu como a indústria da moda pode ser predatória do meio ambiente "e uma grande armadilha para ações que visem sua conservação e manutenção dos seus níveis de biodiversidade e diversidade de gênero e expressão".

Dos acessórios para as roupas foi um passo natural. O tecido surgiu no momento no qual Vicenta entendeu que "não somos as mesmas pessoas, e os retalhos me proporcionaram perceber como são construídas as corpas e suas subjetividades, observando que não somos seres homogêneos como o capitalismo nos coloca, e, sim, indivíduos formados por partes, elementos diferentes. Na busca de construção de minha identidade enquanto artista independente, e nessa busca de trabalho que não seja genocida, do indivíduo e do coletivo, tive contato com comunidades e coletivos de pessoas ditas corpos dissidentes que me acolheram e me proporcionaram uma outra visão, a de que existem outras possibilidades de vida e existência".

Foi somente em 2013 que surgiu o Ateliê TRANSmoras, já com a proposta de questionar a moda e seus padrões hegemônicos que se estabeleceram durante séculos no mundo. Isso foi possível quando Vicenta conheceu um artista visual e aluno do Instituto de Artes da Unicamp. Ele deu a ela a chave de um espaço inutilizado pela moradia, onde iniciou uma residência artística e uma pesquisa de moda e gênero.

A partir daí, Vicenta se utiliza de roupas que são colocadas em um ponto de doação na Moradia Estudantil e resolve criar peças de roupas sem gênero e sem numeração, entendendo que ocupar um espaço público não é mais um processo individual. Para ela, a criação se dá coletivamente.

Ateliê TRANSmoras no Sesc Itaquera. Foto: Rafa Kennedy/Divulgação
"É um processo de acolhimento e residências artísticas que culminam na construção coletiva, consolidada através de vários dos meus processos e projetos importantes na cidade de Campinas, apoiando projetos de pessoas trans que se articulam formando outros coletivos, formando multiplicadoras desses processos de construção que hoje é denominado de transmutação têxtil. Junto a mim, a fotógrafa Rafa Kennedy e Antônia Moreira, coordenadora de planejamento e produtora, foram fundamentais na construção do Ateliê."

Acompanho o trabalho de Vicenta Perrotta há mais de 10 anos, quando nos conhecemos em Campinas, numa das três vezes em que morei na cidade. Em nosso mais recente encontro, no final de 2020, em uma visita ao ateliê e seguindo os protocolos de segurança, conversamos junto à sua amiga e colaboradora Rafa Kennedy e à residente Xãtana Xãtara.

Durante nossa conversa, Vicenta reforçou sua visão crítica da indústria da moda. Em detrimento disso, para ela e suas colaboradoras, a moda pode ser usada como uma ferramenta de transgressão: "ressignificando e desenvolvendo uma educação e consciência de consumo, construindo um pensamento no qual uma estética questionadora valorize o indivíduo e que destrua as opressões e violência legitimada pela moda hegemônica".

Esse processo, segundo a estilista e ativista, é atravessado por oficinas e processos de formação compostos por diversas subjetividades. Por intermédio de prêmios e editais, esse coletivo criativo se consolida como espaço legítimo "de ocupação e resistência". De acordo com Vicenta, em 2019, o ateliê impactou direta ou indiretamente cerca de cinco mil pessoas através de suas ações.

Em 2020, durante a pandemia e a quarentena dela resultante, a estilista aproveitou para articular com alcance uma rede de coletividades no país. "Uma corpa transvestigênere é alvo de opressão constante e do isolamento social permanente, e a quarentena nos proporcionou um processo de articulação com outras coletividades transvestigênere no Brasil, o que gerou uma produção artística muito importante para o atravessamento da pandemia."

Neste 2021, os projetos do Ateliê TRANSmoras se iniciaram com o espaço sendo contemplado com recursos da Lei Aldir Blanc, em um projeto que unifica e fortalece comunidades de travestis no entorno do ateliê, além de estarem participando de um projeto de mapeamento e formação de líderes transvestigênere na região de Campinas e entorno.

CRIATIVIDADE NA PANDEMIA
Em novembro de 2020, devido à pandemia da Covid-19, Vicenta Perrotta não pôde juntar as artistas que costumava colocar na passarela da Casa de Criadores. A opção foi criar, junto à artista e fotógrafa Rafa Kennedy, um vídeo sobre a potência da travestilidade no Brasil. "Diversos processos são sistematicamente apagados pela violência da sociedade, de como a sociedade nos viola", diz ela sobre o trabalho. "Por isso é fundamental construirmos processos para naturalizar nossas corpas na sociedade e quebrar a invisibilização". O filme foi chamado de Dandara, em homenagem a Dandara dos Santos, travesti brutalmente assassinada em 2017.

Além da sua marca fazer parte está no line-up da Casa de Criadores, em 2018 - a convite da estilista e pesquisadora Karlla Girotto, que foi curadora de moda do Centro Cultural São Paulo/CCSP - Vicenta realizou uma residência artística na Casa do Povo, localizada no Bairro do Bom Retiro, em São Paulo. Ali foi criado o Movimento Travesti Viva, que contou também com a parceria do estilista Gustavo Silvestre. Dentro do movimento, e junto com Rafa e Antonia, a estilista produziu a primeira edição do Jornal Travesti Viva, com o objetivo de fomentar a literatura trans; estando à frente também do projeto Arte, Cultura e Costura em conjunto com o Instituto Tomie Ohtake, em São Paulo.

O Arte, Cultura e Costura contemplou cerca de 20 mulheres, trans e cis, moradoras de abrigos, com encontros focados na formação em corte e costura. O curso finalizou com um desfile-performance."Nós ainda passamos por processos de vulnerabilidade. Todas as manas foram expulsas de casa - todas - e vêm buscando outros processos de sobrevivência", atesta.

Coleção Onde estão as travestis?, apresentada na Casa dos Criadores.
Foto: Danilo Sorrino/ Modela Cyndi Makena/Divulgação

Também durante a pandemia, no ano passado, o Ateliê TRANSmoras engendrou novas ações, como o projeto Semente - Autonomia para mulheres trans e travestis, que aconteceu no ateliê campineiro, reunindo costureiras, modelos, produtoras e artistas com o intuito de promover a autonomia para mulheres trans e travestis, a partir de cursos de corte e costura criativa e crítica à moda, com ênfase no reaproveitamento de materiais têxteis. A produção das peças do Semente se deu durante o mês de julho, de modo virtual, por conta do isolamento social. Ao todo, 20 mulheres trans e travestis participaram da oficina do projeto, que, além de artístico, serviu para a geração de renda emergencial durante a pandemia.

No Ateliê elas puderam se expressar e criar suas próprias versões de uma mesma peça de roupa, e todas as roupas foram feitas a partir de peças de doações e descartes têxteis. No período, foi criado um editorial de moda para promover e comercializar as peças criadas. As imagens de divulgação do projeto foram feitas em parceria com a revista Fort Magazine, com fotografias de Cássia Tabatini e styling de Dudu Bertholini. As peças podem ser encontradas para venda na loja virtual da página @use_vp, no Instagram.

ONDE ESTÃO AS TRAVESTIS?
O ativismo de Vicenta encontra espaço em alguns eventos importantes do calendário anual de moda. Por exemplo, como comentamos antes, ela participou algumas vezes da Casa de Criadores, evento que reúne estilistas talentosos do país. Sua estreia foi na 44ª edição do evento, em 2018, no qual apresentou uma retrospectiva do seu trabalho, numa coleção intitulada Onde Estão as Travestis?. Na época, ainda assinava Vicente, mas já era reconhecida pelo seu ativismo trans. Para Vicenta, a transfobia está presente em todos os lugares, inclusive no meio da moda.

Em 2019, ela continuou a fazer barulho quando, junto com suas colaboradoras, apresentou o desfile Brasil: o país campeão mundial de travestis, lembrando que este é o país que mais mata travestis no mundo. E, paradoxalmente, é o que mais consome vídeos pornôs com travestis. A apresentação contou com a direção criativa da artista Manauara Clandestina, e foi inspirado em uma edição do icônico jornal O Lampião da Esquina, que circulou entre 1978 e 1981.

O jornal foi uma publicação alternativa que, durante a ditadura militar, falava sobre a vida gay brasileira, causando muita polêmica, uma delas com uma reportagem que denunciava como, na década de 1970, o Brasil exportava travestis para a Europa, principalmente para Paris e Milão. Com esse tema, Vicenta colocava a travesti na passarela como protagonista e como parte da história no país. O desfile foi possível graças a um financiamento coletivo. "Acreditamos que fomento de verdade vem em trabalho que gera renda e autonomia para corpas de artistas que há tanto tempo estiveram invisibilizades e que não aceitam mais esse não lugar, nem tão somente gritos e aplausos", diz ela.

Exibindo o corpo trans, travesti e não binário, promovendo uma reinvenção e resignificação de corpos, afetividades, vivências, mas também da produção e do consumo de roupas, suas apresentações são uma construção coletiva e plural com o intuito de somar forças, garantindo geração de renda, empoderamento e, mais que tudo, protagonismo às travestis. Segundo Vicenta, não é questão de representatividade. "Não foi representação, foram corpos dissidentes tomando o lugar de fala. Vocês vão nos ouvir", reforça.

Coleção Onde estão as travestis?, apresentada na Casa dos Criadores.
Fotos: Danilo Sorrino/ Modela Cyndi Makena/Divulgação

MAIS QUE UMA CAMISA
Como disse Lilian Pacce sobre um desfile de Vicenta, "um desfile não precisa ser só um desfile. Uma camisa não precisa ser uma camisa, um paletó pode ser outra coisa. E se a manga, no lugar de cobrir um braço, se pendurar lá embaixo? Uma maquiagem nem sempre é aquela maquiagem de desfile, com batom só na boca, com tudo 'no lugar'. Qual é esse lugar, quando é que se convencionou que o batom ficava só na boca? O que é uma roupa pra você pode não ser uma roupa pra pessoa ao seu lado".

É assim que a ativista e estilista tem causado espanto no circuito brasileiro da moda. Suas apresentações misturam desfile e performance, e, nos últimos anos, ela transformou sua marca VP Upcycling em um espaço para novos estilistas trans, sempre dialogando com questões relacionadas à sustentabilidade, ao reaproveitamento de roupas e ativismo político, buscando incluir e prover autonomia para as minorias da população.

Mais do que criar roupas, Vicenta Perrotta propõe um olhar mais naturalizado para o corpo, cria novas conexões de afetividade. Ela coloca em xeque conceitos que estabelcem o gênero como binário, sugerindo que um homem não só é um homem, uma mulher não só é uma mulher, pois existe uma complexidade de matizes. Infinitas matizes.

No ateliê, ela e suas parceiras desenvolvem questionamentos, renda, autonomia, residências. As três, Vicenta, Antonia e Rafa, por intermédio de tecnologias sociais, evidenciam o crescimento do TRANSmoras com uma série de acúmulos de conhecimento e de validações, um espaço sustentável não só ecológico, como também financeiro, que está expandindo paulatinamente sua rede para impactar mais pessoas. O que as manas projetam não é para 2021, é para a vida toda.

JURANDY VALENÇA, jornalista e curador.

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Vicenta Perrotta: ativismo, moda e autonomia 'trans' - Revista Continente

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Artista, ativista e estilista, Vicenta Perrotta é um dos nomes mais representativos da atual moda brasileira e do ativismo no país. Ela produz roupas não binárias através do que nomeia de transmutação têxtil, ressignificando o conceito do upcycling, em que tudo é criado a partir de alguma peça que já existe, flertando com a precariedade e a desconstrução.

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Casa de Criadores 50

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Teodora Oshima (31), natural de Campinas, fundou sua marca homônima em 2020 em São Paulo, durante um dos momentos de mais incerteza durante a pandemia do COVID-19 no Brasil. Formada em 2019 pela Faculdade Santa Marcelina em Moda, a designer já havia passado por uma série de experiências na indústria da moda ao longo de sete anos. Nos últimos anos, Teodora trabalhava com Helô Rocha como estilista, onde havia iniciado como estagiária alguns cinco anos antes.

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Teodora Oshima (31), natural de Campinas, fundou sua marca homônima em 2020 em São Paulo, durante um dos momentos de mais incerteza durante a pandemia do COVID-19 no Brasil. Formada em 2019 pela Faculdade Santa Marcelina em Moda, a designer já havia passado por uma série de experiências na indústria da moda ao longo de sete anos. Nos últimos anos, Teodora trabalhava com Helô Rocha como estilista, onde havia iniciado como estagiária alguns cinco anos antes.

Uma série de fatores motivaram Teodora a criar sua própria marca, o desejo natural de uma estilista, as microagressões e transfobias que sofria por vezes no dia-a-dia na indústria da moda e, claro, o momento de insegurança financeira trazido fortemente pela pandemia. Sem investidores, ela retirou do seu próprio bolso para fundar a marca e pontua, com bom humor: "que bom que deu certo!" e como, de alguma forma, a pandemia possibilitou que a marca fosse criada. "Foi um risco, claro, mas foi mais possível (criar durante a pandemia), senti que havia uma oportunidade e uma necessidade. Mas ter uma dinâmica diferente de tempo e de todo mundo estar isolado, no fim das contas, ajudou" aponta Teodora. A cobrança menor por produtividade e uma mudança na fugacidade do calendário de moda agiu em favor dos criadores independentes durante os períodos mais incertos do isolamento social e, inclusive, motivou movimentos globais na indústria da moda.

Teodora Oshima | Cortesia

Teodora Oshima tem uma série de referências com perfume vintage: "Gosto muito de olhar para trás para, a partir disso, construir o futuro", ela conta, acrescentando que adora fazer visitas e pesquisas em antiquários, brechós e na história. "Uma das coisas que mergulhei mais nos últimos tempos, foi minha ancestralidade nipônica", de ascendência japonesa, a designer começou pesquisar mais sobre sua ancestralidade e a cultura nipo-brasileira em suas criações e repertório criativo. "Tive um momento em que isso não era muito presente nas minhas relações: não tinha muita proximidade a parte da família de origem japonesa, não tinha muitas amigas asiáticas e ao longo dos anos isso foi se tornando mais presente e mais fundamental" conta Teodora "É algo que já era natural meu, mas que eu não olhava tanto".

"O mercado tem uma tendência de nos direcionar para pautas específicas, para um período do ano. Eu estou trabalhando o ano inteiro e divulgando meu trabalho o ano inteiro." afirma Teodora, quando perguntada sobre sua vivência enquanto uma pessoa transgênero no meio da moda. "Eu sou uma travesti nipo-brasileira, isso já está dado, mas para além disso eu sou uma estilista, eu já era uma estilista antes da transição e isso também faz parte da minha identidade" aponta "Às vezes eu quero ser invisível, quero ser apenas uma estilista, não uma estilista trans, e ter a possibilidade operar para além da minha identidade".

A identidade de Teodora - estejamos falando de sua ancestralidade nipônica ou sua identidade de gênero - está presente em seu trabalho por ela ser quem é, por ter um corpo político (ou um Corpo Sem Juízo, como diria a cantora Jup do Bairro, amiga pessoal de Teodora e fã da marca), mas isso não está tão presente no discurso da marca. Não é sobre negar sua identidade ou origem, mas sim, uma manifestação que busca que seu trabalho não seja reduzido única e exclusivamente à pauta identitária, afinal parecer invisível ou passar despercebida é também um privilégio, nos conta.

Teodora Oshima | Cortesia

Teodora Oshima havia lançado sua primeira coleção, Archive One no último ano e, mais recentemente apresentou o primeiro drop do Archive Two na Casa de Criadores, na última semana. A estilista preza pela adaptabilidade das peças nos corpos, que, além de ter uma grade do 36 ao 46, frequentemente possui construções que permitem alguma elasticidade e amarrações, por exemplo.

Ela chama atenção pela forte identidade de seus designs, na mistura de sua herança nipônica com o perfume vintage que tanto aprecia, Teodora cria peças bastante únicas pelas suas silhuetas e pela forma como ela mistura plissados, volumes e tecidos sanfonados em uma única peça, com naturalidade. Mesmo em sua primeira coleção, sua identidade já aparecia fortemente nos tons crus e trabalho em plissados, no primeiro momento, em peças mais amplas, com regulagem e tecido sanfonado, que permitia mais elasticidade - parte de seu desejo de vestir diferentes corpos.

A sua segunda coleção traz peças com mais sensualidade, menos tecido e mais pele à mostra, que paralelamente também demonstrar gradualmente como Teodora Oshima se torna mais confortável com seu lugar na moda, apresentado por ela mesma como um corpo politizado. Em Archive Two, a cartela de cor apresenta tons de verde água, azul, vermelho, bege e off-white e a criação é feita em tecidos de composições variadas, da viscose com linho ao poliéster.

Com suas vivências e visões únicas, a estilista é um dos principais nomes para se ficar de olho no mercado de moda nacional. Sobre o futuro da moda, ela afirma: "Enquanto sociedade, sinto que estamos avançando, mas ainda está muito preso no discurso, principalmente na moda. Existe a ideia de uma moda inclusiva, que há diversidade, mas isso ainda está começando a mudar.". É verdade, como um ramo essencialmente imagético, a moda sempre se pautou em trazer o novo em sua imagem, através da ferramenta do exótico, mas mantendo as mesmas estruturas e retroalimentando opressões e exclusões sociais: "É claro que a gente quer se ver na mídia, mas também queremos estar por trás, pensando os projetos, repensando estruturas, nos espaços de poder. Mas isso ainda está um pouco distante." afirma Teodora "é isso que quero ver para o futuro, que o discurso seja aplicado e não fique só na teoria" finaliza.

Teodora Oshima, Archive Two | Cortesia

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Conheça Teodora Oshima, nova estilista nacional para ficar de olho // FFW

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Teodora Oshima (31), natural de Campinas, fundou sua marca homônima em 2020 em São Paulo, durante um dos momentos de mais incerteza durante a pandemia do COVID-19 no Brasil. Formada em 2019 pela Faculdade Santa Marcelina em Moda, a designer já havia passado por uma série de experiências na indústria da moda ao longo de sete anos.