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🚀   Tutorial PADLET ACTUALIZADO 2022 | Español | Qué es y Cómo Utilizarlo | Guía Simple

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Nacido en Medellín, en 1936, el pintor de las figuras rotundas, el escultor de las siluetas redondas, falleció a los 91 años. Sin duda el artista colombiano más universal, cuyas esculturas de bronce están en las principales ciudades del mundo. Sus inicios fueron como ilustrador, aunque antes probó el arte de la tauromaquia, hasta que un toro lo invitó a seguir por el camino del arte. A los 19 años ya sabía que quería ser artista y presentó su primera exposición; las siluetas amplias ya empezaban a aparecer en su obra.

Publicó desde muy joven en el periódico El colombiano. Entendía el arte como placer, aunque también supo reflejar el drama. Se llenó de ira ante las torturas de Abu Ghraib y padeció las heridas que dejó en Colombia una guerra larga y cruenta. Autodidacta, con lo que ganó con la venta de sus dibujos y sus primeros premios se fue a Europa. Ahí conoció la obra de Masaccio, Giotto o Piero della Francesca que tanto influyeron en su obra. "Empecé a identificarme con esos artistas, pero en ningún momento dejé de creer que el camino que uno tiene es el verdadero", declaró. Su primer gran viaje fue a Europa. En España, con pocos recursos, entró a la escuela de San Fernando; realizaba dibujos en la puerta del museo del Prado para pagarse los estudios.

En 1956 viajó a México, donde obtuvo la influencia de artistas como Rufino Tamayo. Contrajo su primer matrimonio con Gloria Zea, directora del Museo de Arte Moderno de Bogotá, con quien tuvo tres hijos: Fernando, Lina y Juan Carlos. En los años 60 estuvo en Nueva York, en pleno auge del expresionismo abstracto y el arte pop, pero él siguió defendiendo su obra con carácter. En la década de los 70 viajó a París y en Europa vivió la tragedia de la muerte de su hijo Pedrito, nacido de su segundo matrimonio, en un accidente vehicular. El niño tenía cuatro años y el accidente dañó tambien la mano del pintor. Pedrito empezó a ser la inspiracion de sus cuadros, mientras salía de una fuerte depresión.

Entre sus creaciones de esa época destaca Pedrito a caballo, la obra que el propio Botero confesó era su favorita. Hizo un monumento a la paz en Medellín, que los terroristas destrozaron con un atentado que dejó 20 muertos y 100 heridos. Saltó en pedazos La paloma, pero no quiso restaurarla como testimonio de la trágica violencia. El presidente de Colombia, Gustavo Petro, tras su fallecimiento, declaró: "Ha muerto Fernando Botero, el pintor de nuestras tradiciones y defectos, el pintor de nuestras virtudes. El pintor de nuestra violencia y de la paz. De La paloma mil veces desechada y mil veces puesta en su trono". El éxito de su obra es universal. Se ha expuesto en ciudades como Dubái, Pekín, Tokio, México, Berlín, Santo Domingo, Nápoles, Caracas, Roma, Chicago, Buenos Aires, Montecarlo, Miami o Moscú. Ahora mismo se exhibe su obra en plazas y avenidas de más de treinta paises. Sin duda uno de los autores más cotizados del siglo. Lo decía él mismo, "soy el pintor más expuesto del mundo".

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Fernando Botero, el arte sin límites - Gentleman MX

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Nacido en Medellín, en 1936, el pintor de las figuras rotundas, el escultor de las siluetas redondas, falleció a los 91 años. Sin duda el artista colombiano más universal, cuyas esculturas de bronce están en las principales ciudades del mundo.

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proyect is : Myriam , Marcos , Sandra , Lola and Jorge. 

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Presentation :

The artwork that i studied is a painting,

the artwork is from Maruja Mallo,

the little of the work is La verbena,

the artwork painting was made in 1927.

Technique:

I think the artist vised a small brush, a pencil...

the colours used are red, yellow, blue, white and black. Which give a movement effect.

The brush stakes are fine.

The thechnique is oil colours.

Theme:

The subject of the painting is abstrac art the people is normal ,

the artwork a felling of the ancestors and overwhelming simple sight because you see things that are not current and it is very overwhelming because you see many images together.

Your opinion :

I think the artist want to communicate what was seen in the past. i like this piece because very colours , original and very beautiful. I like the colours because They match very well and there are many varieties of colors.I don't understand this artwork becauese It hesas images and arguments mixed.

https://www.carhartt-wip.com/es

this is news

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La pintora de la generación del 27 se mudó a la capital con solo 20 años, donde se convirtió en una referencia del Surrealismo

Maruja Mallo en una calle de Madrid, en 1983. Raúl Cancio

Salvador Dalí la definió como "mitad ángel, mitad cangrejo"; Rafael Alberti destacó su "cara de pájaro"; Gómez de la Serna la llamó "brujita joven". Lo cierto es que la pintora Maruja Mallo -seudónimo de Ana María Gómez González- era demasiado peculiar para pasar desapercibida. De baja estatura, mirada aguda, original hasta el límite de la extravagancia; consiguió abrirse paso en el mundillo artístico de un Madrid en el que las mujeres aún debían conformarse con un lugar secundario en la sociedad.

Nacida en Vivero (Lugo) en 1902, hace hoy 120 años, se mudó con su familia a Madrid en 1922. Se instalaron en un edificio de la calle Fuencarral, esquina con Divino Pastor, conocido por ser el escenario de un mediático crimen que acaeció en 1888, en el segundo izquierda del número 109 de dicha calle -en la numeración actual, el 95-. La viuda de Varela, una mujer célebre por sus obras de caridad y, curiosamente, nacida también en Vigo, fue hallada muerta en una habitación cerrada, cubierta de trapos rociados de petróleo y ardiendo.

Maruja Mallo (izquierda) y Josefina Carabias, en 1931. GUILLERMO DE OSMA

La familia de Maruja Mallo no duró demasiado tiempo en el inmueble; se trasladaron a la calle del Reloj y, poco después, a Ventura Rodríguez 3. Maruja enseguida ingresó en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, ubicada desde 1773 en el Palacio de Goyeneche, en Alcalá 13. También se matriculó allí uno de sus hermanos que, con el tiempo, se convertiría en el reconocido escultor Cristino Mallo, autor del monumento dedicado a Eugenio D'Ors -frente al Museo del Prado- y de la Fuente de los Delfines de la Plaza de la República Argentina. Cristino, encuadrado en la llamada Escuela de Madrid, sería uno de los renovadores de la estética de posguerra.

En la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando conoció Maruja al pintor Salvador Dalí y, a través de él, a su pandilla de la Residencia de Estudiantes, entre quienes se encontraban Federico García Lorca y Luis Buñuel. Su fecunda amistad originó anécdotas tan memorables como la protagonizada por ella misma, Buñuel, Lorca y la también pintora Margarita Manso, que Maruja recuerda así: "Un día se nos ocurrió [...] quitarnos el sombrero porque decíamos que parecía que estábamos congestionando las ideas y, atravesando la Puerta del Sol, nos apedrearon llamándonos de todo". Y es que el sombrero en aquella época, sobre todo para las mujeres, era un complemento imprescindible y quitárselo simbolizaba un acto transgresor, casi vandálico. Aquella anécdota daría lugar, muchos años después, al nombre con el que se conoce hoy al grupo de mujeres artistas vinculadas a la generación del 27: las Sinsombrero.

Musa del Surrealismo

La obra de Mallo 'Chuflillas de El Niño de la Palma, Joselito en su gloria, seguidillas a una extranjera' para ilustrar tres poemas de Rafael Alberti. Maruja Mallo

Precisamente a través de Lorca conoció Maruja al poeta con el que vivió una intensa e intermitente relación sentimental: Rafael Alberti. A finales de mayo de 1925, ambos asistieron a un recital que Lorca celebró en el Palacio de Cristal del Retiro con motivo de la inauguración de la Exposición de Artistas Ibéricos. Alberti, gaditano residente en Madrid, acababa de ganar el Premio Nacional de Poesía por Marinero en tierra. Los unió una pasión desmedida por el arte y sus primeras citas tuvieron lugar en el Museo del Prado. Comenzó así una relación fructífera para ambos desde el punto de vista artístico. Maruja diseñó la escenografía de algunas obras teatrales de Rafael. Además solía ilustrar sus poemas y él se inspiraba frecuentemente en los cuadros de ella para escribir. Compartían ideas y proyectos, temas y planteamientos. Compitieron en un "concurso de blasfemias" celebrado en el Café de San Millán, en la Plaza de la Cebada, y ganó Maruja.

Se internaron en el Surrealismo, reflejado en la serie de Verbenas de Mallo: cuatro cuadros de 1927 que ofrecen una visión satírica y vitalista de algo tan tradicionalmente español como la verbena -se cree que puso inspirarse en la de San Isidro o San Antonio de la Florida-. También en el famoso cuadro de 1929 El espantapájaros, con el que se introdujo en un mundo sombrío de cloacas, muerte y seres en descomposición.

Uno de los cuadros de la serie 'Verbenas', de Maruja Mallo.

También en 1929 Alberti escribió sus dos poemarios más surrealistas: Sobre los ángeles y Sermones y moradas, cuyas imágenes podrían ser transcripciones de las obras de Mallo. El tono atormentado es testimonio de la relación que llegaba a su fin. En el poema La primera ascensión de Maruja Mallo al subsuelo, Rafael hace un peculiar retrato de la pintora: "Tú, / tú que bajas a las cloacas donde las flores más flores son ya unos tristes salivazos sin sueños / y mueres por las alcantarillas que desembocan a las verbenas desiertas / para resucitar al filo de una piedra mordida por un hongo estancado, / dime por qué las lluvias pudren las horas y las maderas. / Aclárame esta duda que tengo sobre los paisajes. / Despiértame".

Mientras, Maruja conquistaba Madrid. En 1928, Ortega y Gasset le ofreció los salones de la Revista de Occidente para organizar una exposición a la que acudió la flor y nata del panorama artístico madrileño. Para entonces, su estilo podía encuadrarse en la Escuela de Vallecas, el grupo surrealista liderado por el pintor Benjamín Palencia y el escultor Alberto Sánchez que se inspiró en los paisajes descarnados del extrarradio madrileño y defendía una vanguardia con raigambre española. Mantuvo un efímero romance con otro conocido poeta ocho años menor que ella: Miguel Hernández, a quien rompió el corazón.
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Su fama se fue extendiendo por toda Europa. El inicio de la Guerra Civil la empujó a un exilio que duró veinticinco años y, en 1962, regresó a Madrid como una pintora consagrada internacionalmente. Tras la muerte de Franco, comenzó a ser reivindicada con fuerza. Para la Movida madrileña, fue un referente, gracias a su aspecto excéntrico y su espíritu rompedor. Y así fue hasta su muerte en 1995. Luis Antonio de Villena la describió así: "No muy alta, el rostro convertido en una máscara de maquillaje, y naturalmente teñida, la anciana ilustre se paseaba, algo retadora, y con sempiterno y desvencijado abrigo de pieles". Maruja jamás quiso pasar desapercibida: a su paso, teñía la ciudad de colores nuevos y transgresores. Descifrarlos es perderse en sus obras.

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La pintora de la generación del 27 se mudó a la capital con solo 20 años, donde se convirtió en una referencia del Surrealismo

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Project is: Rebeca ,Paula ,Ayoub , Arturo

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Jessica Walsh:

•Presentation:

-The artwork that i studied is a drawing.

-It's from Jessica Walsh.

-The title of the artwork is Risk Failure.

•Technic:

The medium/technic the artist uses is bold, emocional and provocative.

-The colours used are black and yellow which give sadness.

-The brush strikes are large.

•Subject:

-The subject of the piece is failure.

-The objects/figures look natural.

-the artwork suggests a feeling of failure ....of the artwork.

-The work of arte suggest a feeling of failure because that is the title os the artwork.

•Your opinion:

-I think the artist wants to communicate Risk failure.

-I don't like this piece because it has not got much colour.

-I like the subject because failure isn't usually a theme we talk about.

-I don't understand the artwork because It is very abstract

this is the news:

https://graffica.info/revista-graffica-13-jessica-walsh/

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Trabajo de: Daniela Guillen, Indhira Campos, Josué Mendoza, Enrique Álvarez, Diego García

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Project is: Nerea, Miriam, Jorge Quintanilla and Hugo Romero

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Jana Sterbak

Presentation:

The artwork that i studied is a installation

It´s from Jana Sterbak and created in 1996.

The title of the artwork is Bread Bed.

Technic:

The technic the artist uses is iron bed and bread.

I think the artist uses bread and iron.

The colours used are cold and which give a striking.

Subject:

The subject of the piece is a room.

The objects real:

The artwork is realistic.

The work of art buggest a feeling of sacre because seems abandoned.

Your Opinion:

I think the artist wants to comunicate

his live in his house.

I dislike this piece because is dark.

I like the texture.

I don´t understand the artwork because i don't know what it transmits to her.

This is the new:

https://elpais.com/diario/2006/05/18/paisvasco/1147981216_850215.html

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Carmen campos, Adrian Villar, (Rafa y Elvira)

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Presentation :

The artwork that I studied is a painting,

the artwork is from Rosa Bonheur,

the title of the work is La foire du cheval,

the artwork painting was made in 1867

Technique:

I guess the artist used a big and small brushes, a pencil...

the colors used are green, blue, white, black, brown. Which gives a a emotional effect.

The technique is oil on canva.

Theme:

The subject of the painting is realism,

the animals and the humans look reals

The work suggests a feeling of action because they are running.

Your opinion :

I think the artist wants to communicate that the animals aren’t things (don’t can be bought.

I like this painting because it is very colorful and there are horses , original and very beautiful.

The colors are real and natural.

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Elena Gómez, Hugo Fleitas, Jorge Aguilera, Lucía y Julián 

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Eulalia Valldosera

Presentation:

The artwork that we studied is an abstract art projection.

It's from Eulalia Valldosera created in 1996.

The title of the art work is The cult of the mother.

Technic:

The technic that she uses is a series of four lighting installations with detergent containers and documentation.

I think the artist uses bottles and projectors.

The light that is projected is black and white which gives a terrorific feeling.

Subject:

The subject of the piece is a church chapel.

The figure look real.

The artwork is abstract.

The work of art suggest a feeling of fear because is very dark.

Your opinion:

-I think the artist wants to communicate the acceptance of the woman in the houseworks.

-I don´t like this artwork because is very dark and not transmit nothing.

-In my opinion this artwork is very interesting and terrorific.

-I like this artwork because it transmit calm but also sadness.

-I don´t like this artwork because is very bored.

This is the new:

https://www.lasprovincias.es/alicante/eulalia-valldosera-desprograma-20211023182731-nt.html

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Georgia O´Keeffe:

Presentation :

This artwork that we study is a painting ,the artwork is from Georgia O´Keeffe, the title of the artwork is lake george ,

the atwork painting was made in 1922.

Technique :

The artis use is emocional, sad and melancholic sentimient.

The colors used are blue , light blue , white and light green .

The brushes are smalls and big .

Theme :

It is realistic , it looks like mountains and a river , the colors are blue, green and wiyhe and it transmits to me is peace and tranquility.

Your opinion:

I think that the artist wants to communicate loneliness since you can only see a lake and mountains but there is no trace of any livings being.

I don´t like this paint since it´s very basic .

Retrospectiva de Georgia O’Keeffe | Inout Viajes