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Este retrato de Natalia Goncharova utiliza la técnica del collage, gouage y la témprea sobre cartón. Fechada en el año 1915 y compuesta por el artista Mikhail Larionov. Hoy en día se encuentra en la Galería Estatal Tretiakov en Moscú. Tiene medidas de 199cm de alto por 85cm de ancho.

Lo que vemos de la obra es que es un collage monocromo en donde el café es el color predominante y se presenta en varias tonalidades y saturaciones. En el centro de la obra hay una mujer de frente que parece estar mirando a un punto fijo a su derecha. Lleva el cabello recogido, sus ojos son marrones, lleva puesta una camisa de rayas y un abrigo café. Lo que se puede detallar es que las proporciones de su anatomía no están bien o no van de acuerdo con lo "natural": tiene el cuello muy largo, su rostro es casi un círculo, la oreja está pegada a los ojos, su nariz está desproporcionada y sus labios un poco descuadrados hacia la izquierda. Los tonos de su piel varían y sus cachetes parecen manchados con pintura que asemeja al rubor. El fondo que la acompaña también es un collage, se ve como hay escrituras y diferentes texturas de papeles cafés o baige; hay algunos más arrugados que otros y unos más transparentes...

Resulta, que la mujer que está siendo retratada en esta obra fue la esposa del artista en cuestión. El arte vanguardista se conoce por su subjetividad y por cuan única se vuelve una pieza sólo por el simple hecho de que cada artista ve el mundo diferente y lo retrata a su manera. Natalia Goncharova fue una mujer inspirada por el arte folclórico ruso, dedicó toda su vida a varias formas del arte como la pintura, la escenografía, el diseño de vestuario, la ilustración, el dibujo, el diseño de modas y la escritura... trabajó para ballets como el Foire Russe o el Ballet Ruso de Monte Carlo. Fue tan multifacética que este collage muestra como esta dama fue tantas cosas en la vida. Por ejemplo, los títulos en el collage del fondo tienen referencias al ballet y a la opera... puede que Mikhail haya demostrado su perspectiva respecto a su esposa.

https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/goncharova-natalia

https://www.wikiart.org/es/mijail-larionov/natalia-goncharova-1915

https://www.3minutosdearte.com/movimientos-y-estilos/las-vanguardias/

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Brown Vintage History Cover Page A4 Document (6)

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Arte del Realismo y el Impresionismo - La Muchacha Ciega y Mujer con sombrilla

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Arte del Realismo y el Impresionismo - La Muchacha Ciega y Mujer con sombrilla

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La Femme a l'ombrelle es una obra perteneciente al movimiento del impresionismo. Fue hecha en el año 1875 por el reconocido artista Claude Monet. Usa la técnica de óleo sobre una tela de 100cm de alto por 81cm de ancho. Hoy en día se encuentra exhibida en la Galería Nacional de Arte en Washington DC, Estados Unidos.

La obra elegida nos muestra una imagen llena de colores vivos y pinceladas toscas. Hay una mujer alta en un vestido blanco recargado con varias capas de tela en la falda; lleva un sombrero azul. La mujer está en una posición casi de perfil (su tronco mirando hacia la izquierda del cuadro), sin embargo, ella está mirando fíjamente al espectador. Tiene sus manos unidas y pegadas a su pecho, sostiene un parasol. Junto a ella aunque un poco más alejado hay un niño chiquito, viste una camisa blanca y en su cabeza hay un sombrero de paja. El entorno que rodea a estos dos personajes es resplandeciente y colorido; parecen estar en un campo lleno de flores y pasto alto; el cielo es de un azul claro y un poco saturado y está lleno de nubes blancas. La pieza está compiesta de pinceladas individuales, es decir que se nota cada una de ellas como si para el autor fuera importante mostrar textura. A causa de esto hay partes indefinidas: el rostro de la señora se confunde con su fondo, las nubes sí parecen nubes pero si se ve el detalle solo son trazos juntos, las manos de la mujer tienen poca definición.

La mujer que Claude Monet presenta es Camille, su esposa. Esta es prueba de la obsevación del hombre a su mujer convirtiéndola en un "monumento" femenino. La impresión que da con la paleta de colores que usa y las pinceladas, es que Camille hace parte de ese entorno maravilloso de colores, se puede decir que compaginan muy bien y que hay una homogeneidad entre el personaje y lo que le rodea. Un dato curioso es que el artista realmente retrató ese momento tres veces, haciendo ensayos de la misma obra. Como las tres obras que hizo son eso: ensayos, entonces intenta meterle misterio en el momento que decide no definir algunas facciones de la mujer. Camille no se presenta como ella, sino como una dama misteriosa y llamativa al ojo del artista y al espectador.

https://historia-arte.com/obras/mujer-con-sombrilla

https://es.wikipedia.org/wiki/Mujer_con_sombrilla

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Brown Vintage History Cover Page A4 Document

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Arte del Neoclasicismo y del Romanticismo - Queen Adelaide y Retrato de Anna Pitt como Hebe

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Arte del Neoclasicismo y del Romanticismo - Queen Adelaide y Retrato de Anna Pitt como Hebe

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La obra de Marie Louise, se titula "Retrato de Anna Pitt como Hebe". Fechada en el año 1792, basado en la corriente artística del Neoclasicismo/Rococó. Este retrato tiene de dimensiones 140 y 100cm. En la actualidad, se encuentra en el Museo de Hermitage, San Petesburgo, Rusia.

La imagen que vemos a una mujer joven. Tiene una piel pálida su piel pálida; su cabello es largo, ondulado y castaño, lo tiene medio recogido y una diadema adorna su cabeza. Está vestida con un vestido de telas finas de un azul pálido; además, porta una túnica café que va desde su espalda hasta taparle las rodillas. La mujer posa junto a varios accesorios como una vasija, una especie de tazón lleno de agua y un águila bebiendo del tazón. El fondo parece un cielo borroso, lleno de tonos azulados y amarillos.

Ya para el análisis, vamos a tener en cuenta que este cuadro fue una comisión de parte de Anna Pitt para ser representada como Hebe, la hija de Zeus y diosa de la juventud eterna, porta-vasos de los dioses y guardiana de la fuente de la juventud. La ropa que lleva puesta asemeja a vestiduras griegas. Parece que de alguna manera con los colores que porta, representa a una Diosa pero al mismo tiempo le da una sensación mundana o "mortal". Los accesorios que la acompañan también representan la cultura griega: el aguamanil (símbolo de la gran responsabilidad de Hebe), el águila (símbolo representante de Zeus). Toda la obra fue pensada, estructurada e inspirada por estéticas del pasado. Como podemos inferir esta obra fue hecha en un estudio. También fue hecho por una mujer, lo que nos hace deducir que la pieza está compuesta por el talento de Marie Louise muy seguramente adquirido por la educación que recibió por su padre o una persona cercana a su familia.

https://www.art-theoria.com/painting-of-the-month/portrait-of-miss-anna-pitt-as-hebe/

https://www.wikiart.org/es/marie-louise-elisabeth-vigee-lebrun/portrait-of-anna-pitt-as-hebe-1792

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Brown Vintage History Cover Page A4 Document (5)

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Arte Barroco - El rapto de las hijas de Leucipo 

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Arte Barroco - El rapto de las hijas de Leucipo 

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El rapto de las hijas de Leucipo es una obra trabajada al óleo sobre una tabla de madera. Pertenece a la época del barroco, al rededor del año 1618. Con unas dimensiones de 222cm de ancho por 209cm de alto, se encuentra hoy en día en el museo Alte Pinakothek en Múnich Alemania.

A primera vista, vemos que hay cuatro personajes participando en la escena: dos mujeres y dos hombres; además, dos caballos que se encuentran por detrás de estos. Lo que más llama la atención es la completa desnudez en la que se encuentran las dos mujeres; una de ellas se encuentra de espaldas, tiene una posición en la que se deduce que se cae hacia atrás y parece como si estuviera colgando del brazo de uno de los hombres, sus brazos están extendidos a lados opuestos, sus palmas abiertas, su rostro con una expresión de terror. Ella está adornada, su cabello lleva trenzas y en su brazo derecho tiene un brazalete lujoso. La otra mujer no se diferencia respecto al tema de los adornos: su cabello está adornado con perlas, lleva aretes y una pulsera dorada. En cuanto a su expresión corporal: tiene su torso doblado hacia su izquierda, está en una posición muy incómoda, con su pecho expuesto y uno de sus brazos levantados hacia el cielo, su rostro también expresa terror. Los dos hombres están en posiciones en las que se ve que intentan contener los movimientos de las dos jovenes. El hombre de la derecha, va sin camisa y tiene una piel bronceada, su cabello es rizado y castaño. Sostiene a las dos mujeres: a cada una con cada brazo; sin embargo, tiene su mirada fija en la mujer de espaldas, la ve con ojos lujuriosos y una pequeña sonrisa en sus labios. El de la derecha no se diferencia de su compañero, pues sostiene a la otra de la pierna firmemente y la ve sin pudor alguno. Este lleva una armadura griega, también con su piel bronceada y cabello castaño. En la parte de atrás, vemos a los dos caballos alzando sus patas en posiciones heroicas, y dos querubines acompañando la escena. El fondo es de un paisaje natural, con montañas, árboles y un cielo azul que aparenta un atardecer.

Ya para analizar, cómo el título de la obra lo dice, se narra el rapto de las hijas de Leucipo: historia que hace parte de la mitología griega. Las dos mujeres que pretendo analizar aquí, tenían origen de la realeza, pues Leucipo su padre era un príncipe. Llama la atención su apariencia, pues es muy limpia: sus pieles blancas y sus adornos dan a entender que tenían relevancia en algún aspecto de estatus social (dan a entender que era alto o que eran privilegiadas) —comparándolas con las pieles más morenas de sus raptores—. Ahora, teniendo en cuenta la desnudez de las jóvenes, explícitamente se sexualiza a las dos por el simple hecho de que no estén cubiertas, sus expresiones corporales sean tan abiertas y las expongan tanto. No hay modestia. Las miradas de los hombres cuentan la historia detrás (después las violaron y desposaron). Hay una gran cantidad de dramatismo en la escena: el dinamismo de las figuras, los colores vibrantes y el paisaje le dan intensidad al asunto. Las caras de las mujeres son lo último que debemos ver para confirmar que están siendo raptadas en contra de su voluntad.

https://historia-arte.com/obras/el-rapto-de-las-hijas-de-leucipo

https://es.wikipedia.org/wiki/Rapto_de_las_hijas_de_Leucipo

https://es.wikipedia.org/wiki/Leucipo_(hijo_de_Perieres)

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Arte Renacentista Siglo XVI - La Fornarina

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Arte Renacentista Siglo XVI - La Fornarina

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La Fornarina es una obra trabajada al óleo sobre una tabla de madera de álamo, perteneciente a la era del renacimiento del siglo XVI. Hecha por Rafael Sanzio y fechada entre los años 1518 y 1519. Esta obra con dimensiones de 85,5cm de alto y 61,5cm de ancho, ahora se encuentra en la Galería Nacional de Arte Antiguo en Roma, Italia.

La pieza nos muestra a una mujer joven con su torso ligeramente inclinado hacia su derecha, mirando fijamente a los ojos del espectador. Tiene su cabello oscuro recogido y adornado con una pañoleta amarilla posicionada de tal manera que aparenta ser un sombrero. La joven aparece semidesnuda con dos telas de seda cubriendo la mitad de su cuerpo para abajo; la primera es translúcida teñida de un poco de blanco va desde debajo de sus pechos hasta el final de su estómago; la segunda viene a ser roja y mucho más opaca, ésta le cubre las piernas. Las manos de la mujer están posicionadas de una manera en la cual una de ellas (la izquierda) cubre sus zona púbica, y la derecha sostiene delicadamente su pecho izquierdo descubierto. Porta un brazalete azul con dorado en su brazo zurdo. El fondo de la pintura es uno oscuro, y es casi imperceptible el bosque que hay detrás.

La obra presenta a Margherita Luti, una mujer que fue conocida como la amante y modelo del famoso artista Rafael Sanzio. Esta joven fue la inspiración y referencia para muchas de las obras del artista, aunque La Fornarina es la que encuentro más empírica y transparente en el sentido de que Margherita se muestra semidesnuda y expuesta. Se puede comparar con la Donna Velata, una obra del mismo autor, en donde ella está vestida con ropas más ostentosas y elaboradas, aunque sigue sosteniendo su pecho izquierdo. El hecho de que Rafael haya decido retratar a Margherita como ella misma (sin vestiduras, sensilla y vulnerable), muestra su total relevancia en la vida del artista, pues difiere de los patrones de belleza renacentista y no asimila las clásicas madonnas del mismo autor. Esta es una obra en la que se muestra una mujer con muchísima relevancia para el arte del renacimiento en el siglo XVI, pues fue el gran apoyo y la gran base de muchos proyectos culminados por Sanzio. Finalmente, el fondo oscuro, contrasta de sobremanera con la piel clara de la señorita, lo cual la hace resaltar más.

https://es.wikipedia.org/wiki/Margherita_Luti
https://es.wikipedia.org/wiki/La_Fornarina
https://www.elsevier.es/es-revista-revista-medica-clinica-las-condes-202-articulo-la-fornarina-1518-1519-rafael-sanzio-S0716864013702153

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Brown Vintage History Cover Page A4 Document (4)

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Renacentismo - Comparación entre obra italiana y nor-europea 

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Renacentismo - Comparación entre obra italiana y nor-europea 

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En primer lugar, La Anunciación es una obra trabajada al oleo y temple sobre tabla, hecha por Leonardo Da Vinci. Fechada entre los años 1472 y 1475, tiene origen italiano. Actualmente se encuentra en la Galería Uffizi en Florencia. En segundo lugar, La Virgen del Canciller Rolin es una obra trabajada también al oleo sobre tabla, hecha por Jan van Eyck. Fechada en el año 1435, tiene origen nor-europeo y esécíficamente fue una comisión de un canciller francés llamado Nicolás Rolin. Actualmente, se encuentra en las instalaciones del museo de Louvre.

Las dos piezas están compuestas por dos personajes, en donde cada uno está a los costados de la obra horizontal. En la primera obra: a la izquierda hay una figura con rasgos masculinos, además de eso lleva alas de pájaro en su espalda, va vestido con túnicas de color rojo y verde y en su mano izquierda porta una flor blanca. A la derecha, una joven con el cabello rubio, largo y rizado; porta ropa colorida y una falda larga, además de eso, tiene una aureola sobre su cabeza. Ambos personajes se miran fijamente mientras el masculino parece estar haciendo una venia ante la joven. El paisaje que les rodea es uno muy campestre, se encuentran en un jardín lleno de flores, árboles y a lo lejos hay un río que lleva a otro pueblo o asentamiento. La segunda obra también compone por dos personajes a cada lado. A la izquierda, igual que en la anterior, se encuentra un hombre con ropa oscura y ostentosa. Lleva una expresión seria en su rostro, y sus ojos están mirando directamente a la mujer que se encuentra en frente. Él está arrodillado y sostiene las manos en forma de oración. A la derecha, una joven también con cabello rubio vestida con una capa roja adornada que le cubre todo el cuerpo. Está sentada, y en su regazo se encuentra un bebé portando una cruz cristiana. Sobre la mujer, hay una criatura con aspecto humano y alas, poniéndole una corona. De fondo se ilustra una ciudad con muchísimo detalle, un paisaje lleno de verde y un río. Parecen estar dentro de un castillo.

Analizando ambas obras, tenemos que tener en cuenta que en las dos la mujer en la derecha es la Virgen. En la obra de Da Vinci, vemos la narrativa del momento de la anunciación del arcangel Gabriel sobre la venida de Jesús. En cambio, la obra de Van Eyck viene siendo simplemente una representación de dos figuras sagradas al lado del que mandó a hacer la pintura. Como podemos notar, también cuentan de dos etapas diferentes de la vida de la Virgen, lo que es el momento en que ella se entera de su embarazo, y cuando ya tiene al niño en sus brazos. La Virgen durante el renacimiento fue un ícono para la sociedad sobre cómo era una mujer ideal por su pureza, honestidad y buena voluntad. Es representada aquí en dos diferentes contextos, en la italiana un contexto más religioso y en la nor-europea, religioso pero el hecho de que el pidió la comisión esté en una posición igual que la virgen, le quita un poco de “divinidad” a la figura divina.

https://personal.us.es/alporu/histsevilla/mujer_ideal.htm

https://www.enflorencia.com/la-anunciacion-de-leonardo-da-
vinci/
https://es.wikipedia.org/wiki/Virgen_del_canciller_Rolin

https://es.wikipedia.org/wiki/Anunciación_(Leonardo,_Uffizi)

https://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=rolin-nicolas

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Brown Vintage History Cover Page A4 Document (3)

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Comparación entre arquitectura Románica y arquitectura Gótica

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Comparación entre arquitectura Románica y arquitectura Gótica

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A pesar que ambos estilos románico y gótico se consideran próximos, tienen diferencias notorias en cómo se desarrollaban las obras. Los dos vienen de principios religiosos a pesar de que uno busca un cierto encerramiento y oscuridad y el otro busque iluminación, color y una especie de elevación espiritual.

En principio, las dos edificaciones tienen contextos locativos completamente diferentes. Por un lado, podemos ver que la Iglesia Santa María de Eunate está ubicada en una zona en donde el pasto cubre la totalidad del lugar, lo que la ubica en un contexto rural; en cambio, la catedral de York está ubicada en la ciudad de York, zona urbana.

Ahora bien, empezando por la Iglesia, vemos que es una construcción bien fortificada, gruesa y compacta. Sus paredes son lizas, y carece de ventanas. Algo que caracteriza la arquitectura románica es que sigue unos estándares geométricos arraigados; como podemos ver, la iglesia parece tener una planta octagonal. La estructura por fuera, se ve casi que impenetrable. Otro aspecto característico de la arquitectura románica son los arcos creados con semicírculos, se ve cómo hay un conjunto de ellos rodeando el perímetro de la iglesia. Y finalmente, es muy minimalista, tiene muy pocos ornamentos y muy poca decoración, asimismo no hay bordes ni puntas afiladas.

Por otro lado, la Catedral lleva las cosas a otro nivel. La arquitectura gótica se caracteriza por la numerosa y extravagante ornamentación de la misma. En la Catedral de York vemos cómo cada rincón de ella está decorada con patrones, grandes ventanas, arcos con punta y vitrales. Contrastando la falta de iluminación de la Iglesia, aquí hay un gran número de ventanas, y algunas muy grandes, vitrales. Esto le da mucha iluminación al interior de la catedral y sensación de divinidad. También podemos ver cómo esta catedral alcanza una gran altura, la cual no se ve en la iglesia. La gótica contrasta completamente el sentido minimalista de la románica, porque contiene en si estructuras muy complejas y detalladas.

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Arte Bizantino - Virgen con la emperatriz Irene y Juan II Komnero

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Arte Bizantino - Virgen con la emperatriz Irene y Juan II Komnero

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Esta imagen de la Virgen con la emperatriz Irene y Juan II Komneno fue creada durante el siglo XII en el año 1118-22. Esta pieza, es un mosaico. Se encuentra en una de las paredes de la gran catedral Bizantina, Santa Sofía en Estambul.

La obra nos muestra a cuatro personajes con posturas rígidas. En el centro, vemos a una mujer con un manto azul cubriéndole todo el cuerpo; sostiene a un niño que lleva una túnica amarilla con rojo. Ambos miran hacia el frente. Ya a su lado derecho, hay otra mujer con ojos claros y cabello rubio; posa con prominente joyería como aretes, collares, accesorios de pedrería en su túnica y una gran corona. Además, sostiene lo que parece ser un pergamino en sus manos y está mirando a su derecha. Finalmente tenemos a un hombre a la izquierda vestido con lo que parece ser una armadura apedreada y una corona. Sostiene en sus manos una pequeña bolsa de tela y está mirando a su izquierda. Los tres están rodeados de un fondo dorado y llevan halos. Aparte, hay escrituras a su alrededor.

El análisis se va a enfocar en la emperatriz bizantina Irene quien se encuentra a la derecha de la obra. Sin embargo, se hará uno general. En el centro, vemos a la mujer cubierta, esta es la Virgen sosteniendo a Jesús. A su lado están Juan II Komneno y la emperatriz Irene. Irene, fue una emperatriz revolucionaria porque ella estaba a favor de la adoración a las imágenes, y pudo legalizar dicha práctica por un tiempo. Después de que terminara la iconoclasia, la iglesia fue la que agregó los mosaicos. Se puede concluir que esta mujer quien fue revolucionaria para la religión, tuvo un papel importante y por eso la iglesia decidió poner su imagen. (300 palabras)

https://www.artehistoria.com/es/obra/teotokos-entre-juan-ii-y-la-emperatriz-irene

https://arts.st-andrews.ac.uk/monasticmatrix/figurae/emperor-john-ii-komnenos-and-empress-irene-hagia-sophia

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Brown Vintage History Cover Page A4 Document (2)

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Esta imagen de la Virgen con la emperatriz Irene y Juan II Komneno fue creada durante el siglo XII en el año 1118-22. Esta pieza, es un mosaico. Se encuentra en una de las paredes de la gran catedral Bizantina, Santa Sofía en Estambul. La obra nos muestra a cuatro personajes con posturas rígidas. En el centro, vemos a una mujer con un manto azul cubriéndole todo el cuerpo; sostiene a un niño que lleva una túnica amarilla con rojo. Ambos miran hacia el frente. Ya a su lado derecho, hay otra mujer con ojos claros y cabello rubio; posa con prominente joyería como aretes, collares, accesorios de pedrería en su túnica y una gran corona. Además, sostiene lo que parece ser un pergamino en sus manos y está mirando a su derecha. Finalmente tenemos a un hombre a la izquierda vestido con lo que parece ser una armadura apedreada y una corona. Sostiene en sus manos una pequeña bolsa de tela y está mirando a su izquierda. Los tres están rodeados de un fondo dorado y llevan halos. Aparte, hay escrituras a su alrededor. El análisis se va a enfocar en la emperatriz bizantina Irene quien se encuentra a la derecha de la obra. Sin embargo, se hará uno general. En el centro, vemos a la mujer cubierta, esta es la Virgen sosteniendo a Jesús. A su lado están Juan II Komneno y la emperatriz Irene. Irene, fue una emperatriz revolucionaria porque ella estaba a favor de la adoración a las imágenes, y pudo legalizar dicha práctica por un tiempo. Después de que terminara la iconoclasia, la iglesia fue la que agregó los mosaicos. Se puede concluir que esta mujer quien fue revolucionaria para la religión, tuvo un papel importante y por eso la iglesia decidió poner su imagen. 

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Esta imagen de la Virgen con la emperatriz Irene y Juan II Komneno fue creada durante el siglo XII en el año 1118-22. Esta pieza, es un mosaico. Se encuentra en una de las paredes de la gran catedral Bizantina, Santa Sofía en Estambul. La obra nos muestra a cuatro personajes con posturas rígidas. En el centro, vemos a una mujer con un manto azul cubriéndole todo el cuerpo; sostiene a un niño que lleva una túnica amarilla con rojo. Ambos miran hacia el frente. Ya a su lado derecho, hay otra mujer con ojos claros y cabello rubio; posa con prominente joyería como aretes, collares, accesorios de pedrería en su túnica y una gran corona. Además, sostiene lo que parece ser un pergamino en sus manos y está mirando a su derecha. Finalmente tenemos a un hombre a la izquierda vestido con lo que parece ser una armadura apedreada y una corona. Sostiene en sus manos una pequeña bolsa de tela y está mirando a su izquierda. Los tres están rodeados de un fondo dorado y llevan halos. Aparte, hay escrituras a su alrededor. El análisis se va a enfocar en la emperatriz bizantina Irene quien se encuentra a la derecha de la obra. Sin embargo, se hará uno general. En el centro, vemos a la mujer cubierta, esta es la Virgen sosteniendo a Jesús. A su lado están Juan II Komneno y la emperatriz Irene. Irene, fue una emperatriz revolucionaria porque ella estaba a favor de la adoración a las imágenes, y pudo legalizar dicha práctica por un tiempo. Después de que terminara la iconoclasia, la iglesia fue la que agregó los mosaicos. Se puede concluir que esta mujer quien fue revolucionaria para la religión, tuvo un papel importante y por eso la iglesia decidió poner su imagen. 

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https://www.artehistoria.com/es/obra/teotokos-entre-juan-ii-y-la-emperatriz-irene
https://arts.st-andrews.ac.uk/monasticmatrix/figurae/emperor-john-ii-komnenos-and-empress-irene-hagia-sophia

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Esta pintura de Claudia Quinta es una témpera sobre panel de álamo compuesta por Neroccio de’ Landi, fechada entre los años 1490 y 1495 en la época del Sacro Imperio Romano Germánico y la Reforma Imperial. Actualmente, la pieza está en el National Gallery of Art, Washington D.C.

La pieza nos muestra a una mujer joven con piel muy pálida, con cabellera rubia y larga adornada con perlas y un velo. Posa con un vestido rojo junto a un río, sobre una base decorada con ángeles y un escrito. Una de sus manos descansa delicadamente sobre su cadera izquierda, mientras que la otra sostiene lo que parece ser un barco azul pequeño. Ya mirando más a detalle el fondo, ella está acompañada de un lejano grupo de personas pasando frente a un edificio; todos ellos se encuentran en lo que asemeja una especie de muelle en donde otros barcos se encuentran.

Ahora, es de saber que Claudia Quinta era considerada como castissima femina (o la mujer más pura) de Roma. La pintura expuesta es lo que la representa a ella como una mujer de pureza, delicadeza y feminidad. Las perlas en su cabello, sus velos y la posición de su mano izquierda indican cómo la veían aquellos que la declararon casta. Ahora, además de ser vista como virtuosa, también fue elegida para traer a la diosa Cibeles (Gran Madre) junto con el optimus vir (el mejor hombre). Al traerla, tenían que llevar su ídolo a través del río Tíber en un barco que terriblemente quedó enterrado en arena, pero se cree que por los rezos de Claudia, la diosa lo liberó. En su mano derecha permanece un barco, porque es símbolo de lo que ésta mujer pudo hacer por el pueblo con su pureza. (298 palabras)

https://www.nga.gov/collection/art-object-page.14.html#history

https://es.wikipedia.org/wiki/Claudia_Quinta

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Brown Vintage History Cover Page A4 Document (1)

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En la primera imagen vemos a Las Cariátides del Erecteión, una obra perteneciente a la época de la Grecia Clásica entre 421 y 406 A.E.C. Estas estatuas hacían parte del templo clásico “Erecteión” en Atenas. Con una altura de 2.31 metros de altura y hechas de mármol, éstas estatuas se encuentran hoy en día en el Museo de Acrópolis de Atenas.

La segunda obra es Atenea y Alcioneo del Friso del Altar de Pérgamo, perteneciente a la Grecia Helenística. Fechada en 188 A.E.C. Éste friso tallado en mármol hace parte de la obra de 120m del Pérgamo que representa la gigantomaquía (”la guerra de los gigantes”), encontrado en la Acrópolis del Pérgamo (Turquía). Actualmente está expuesto en el museo del Pérgamo, Berlin. Nos muestra la batalla entre la diosa Atenea y el gigante Alcioneo. Ella le agarra el pelo y lo alca sin demasiado esfuerzo, alejándolo de su madre Gea (la mujer en la esquina derecha inferior).

Ahora, haciendo una comparación de ambas obras. Primero es de destacar que las dos se concentran en la belleza y la naturaleza humana. Desde los principios de la revolución artística que trajo Grecia, resalta el interés de los artistas en el realismo y la anatomía a comparación del arte rígido e idealista Egipcio. No obstante, cómo ya sabemos hay una gran diferencia entre la época clásica y la helenística. Por el lado clásico… es notorio que todavía hay una rigidez y búsqueda de idealismos respecto a la belleza. Las estatuas de las Cariátides sí tienen un poco de inclinación y posado sin embargo se ven derechas y mirando al frente. Sus rostros serios y sin algún tipo de emoción. Además que están completamente quietas, no hay dinamismo ni en sus cuerpos ni en sus telas. Por el lado helenístico, ya podemos ver un poco más de riesgo por parte de los artistas, hay mucho más dinamismo y expresión en cada una de las figuras esculpidas. Vemos el rostro de Alcioneo y cómo éste deja rigidez para mostrar sufrimiento y dolor. Los músculos, las telas, todo es mucho más pronunciado y con más vida. Hasta el cuerpo de la mujer se expresa con sensualidad… casi se siente como si fuera real. Ya las estatuas no están en una posición recta, tienen crean sus poses de acuerdo a la historia que están contando.

(388 palabras)

http://sombrasdetinta.blogspot.com/2012/04/la-acropolis-iv-el-erecteion.html

https://rohuelatamaral.blogspot.com/2013/01/atenea-y-alcioneo-del-friso-del-altar.html

https://arttis.files.wordpress.com/2010/05/las-cariatides-del-erecteion.pdf

https://lacamaradelarte.com/obra/altar-de-pergamo/

https://es.wikipedia.org/wiki/Altar_de_Pérgamo

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Una vez más visitaremos el templo clásico , que se alzó sobre las ruinas de un primitivo templo arrasado por los persa...

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Grecia Helenística - Atenea y Alcioneo del Driso del Altar de Pérgamo

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Grecia Helenística - Atenea y Alcioneo del Driso del Altar de Pérgamo

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Brown Vintage History Cover Page A4 Document (6)

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Grecia Cásica - Las Cariátides del Erecteión

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Grecia Cásica - Las Cariátides del Erecteión

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Brown Vintage History Cover Page A4 Document (7)

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https://www.metmuseum.org/art/collection/search/327066

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Brown Vintage History Cover Page A4 Document (4)

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Lady Tapju es una obra hecha al fresco que perteneció a la Dinastía 18, fechada entre 1390 y 1353 a.C durante el período del Nuevo Reino en el Antiguo Egipto y el reinado del Faraon Amenhotep III. Ésta pieza hecha sobre piedra caliza, fue adquirida por Charles Edwin Wilbour Fund y fue encontrada en Thebes, Egipto en una tumba hecha para Nebamun. Tiene unas medidas de 36.7 cm por 24cm. La pieza hace parte de la colección del Museo de Brooklyn de donde la institución del Consorcio de Recursos Artísticos de Nueva York está a cargo.

La imagen nos muestra una mujer vestida con una tela blanca que en algunas partes está más transparente que en otras; cubre su torso completo y su brazo izquierdo dejando su hombro y brazo derechos descubiertos, además, su pecho derecho también está desnudo. Su cabellera es negra y en la parte superior de su cabeza, adorna con una corona. La mujer también porta un collar de gran tamaño, un pulsera en cada una de sus muñecas y un brazalete en cada lado.

Lo previamente descrito retrata a Tapju, con una posición de su mano derecha a la altura de su rostro, y la izquierda sosteniendo un menat (artefacto egipcio asociado con la diosa Hathor). Gracias a sus adornos y a su corona —que en realidad es un cono hecho de grasa (usado para aromatizar el cuerpo)— , se deduce que ésta mujer fue parte de la nobleza en el Antiguo Egipto. Ya teniendo en cuenta lo que Tapju sostiene en la mano ; que éste está relacionado con la diosa de la maternidad, la alegría y el amor y que la pieza fue parte de la tumba de su hijo Nebamun… se puede considerar que ésta mujer de la nobleza fue una devota madre y mujer de hogar. (304 palabras)

Brooklyn Museum (NF) Lady Tepju: https://www.brooklynmuseum.org/opencollection/objects/3743

Mitchell, P (NF) Women in Ancient Egypt Art: https://artsandculture.google.com/usergallery/YALyTbQa38HGLg

https://en.wikipedia.org/wiki/Painting_of_Lady_Tjepu
https://en.wikipedia.org/wiki/Menat
https://www2.uned.es/geo-1-historia-antigua-universal/EGIPTO%20RELIGION/DIOSAS/HATHOR.htm#:~:text=Hathor%20era%20la%20diosa%20de,fertilidad%20y%20de%20la%20vida.

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La Danza Fálica es una obra hecha a base de pigmentos sobre roca, fechada entre 6500 y 5000 C.A. Esta pieza realizada sobre roca con tierras naturales y oxidos de hierro es parte de una obra mucho más grande en las cueva llamada Roca de los Moros, en la península ibérica de España, la ciudad de Lérida. Con una dimensión de veinticuatro centímetros de ancho por catorce centímetros de alto. Se le refiere a este tipo de arte Levantino, porque procede de una región Levante español.

Lo que se puede ver a grandes rasgos a partir de las siluetas plasmadas (estilización), es un hombre con su miembro de gran tamaño expuesto, rodeado de un grupo de mujeres semidesnudas con cuerpos curvilíneos y senos grandes que parecen estar bailando a su alrededor; también se incluye la figura de un animal con el vientre hueco. Las siluetas de las mujeres son de mayor tamaño a comparación de la del hombre, y sus colores van del rojo ocre a negro. No se ve ningún tipo de sombreo o algún seguimiento tridimensional.

Lo que ha llevado a pensar que esto es representativo de una danza es que la figura del hombre destaca a pesar de estar rodeado por el resto de siluetas. Las posiciones en las que las mujeres se encuentran y cómo están no del todo derechas representa de alguna manera el movimiento del baile. Ya de por sí, el arte rupestre está basado en su mayoría en dos temas que son la caza y la fecundidad. Y lo que representa esta obra precisamente es algo espiritual, ritualístico. Ya enfocándonos en los animales y en las características del arte levantino, usualmente se plasmaban aquellos que eran domesticados. Con todo esto en mente, La Danza Félica es una pieza representativa de costumbres, estándares y rituales que eran considerados y llevados a cabo desde el período Mesolítico.

Referencias:

ferbierzo (2015) La Danza Fálica. Sacado de: http://ejemploscomentariosarte.blogspot.com/2015/10/la-danza-falica.html

Generalitat de Cataluña (NF) Roca dels Moros. Sacado de: https://patrimoni.gencat.cat/es/coleccion/roca-dels-moros

Pinturas Rupestres (2018) Pintura Rupestre, Danza, detalle. Sacado de: Felica,https://pinturarupestre.es/producto/danza-falica-detalle/

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El arte basado en la mujer (como demostrativo de estándares de belleza)

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El arte basado en la mujer (como demostrativo de estándares de belleza)

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Para mí, la apariencia de la mujer en el arte es un tema muy relevante. Pues durante el transcurso de la historia, esta ha sido el apoyo más grande del artista como musa. Se pude ver cómo en cada época en la que la humanidad ha estado artísticamente presente, el arte basado en  la mujer también nos cuenta mucho sobre los estándares de belleza. Cómo es que el hombre escogía a su musa, qué veía en ella para enmarcarla en la roca, o en un lienzo. Hay muchas cosas que hoy en día también tienen relevancia respecto al papel de la mujer en la sociedad, como su poder, su belleza, su inteligencia, su carisma, su delicadeza… Desde mi perspectiva, la mujer es un ente muy interesante para estudiar a través de los ojos del tiempo por la subjetividad que conlleva a considerar algo bello y digno de retratar. (148 palabras)