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ZUBAIR - MOHAMED - KAIES -SALVATORE
"Viandante sul mare di nebbia

Viandante sul mare di nebbia (in tedesco Der Wanderer über dem Nebelmeer) è un dipinto a olio su tela del pittore romantico tedesco Caspar David Friedrich, realizzato nel 1818 e conservato alla Hamburger Kunsthalle di Amburgo. È una delle opere più rappresentative della pittura romantica ottocentesca.

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ARGOMENTI DI STUDIO COMUNI
1 Estetica del Sublime
2 "Viandante sul mare di nebbia"
3 Turner biografia
4 "Tempesta di neve"
5 Estetica del Pittoresco
6 Constable biografia
7 La pittura con soggetto storico nel Romanticismo
8 "La libertà guida il popolo"
9 "La zattera della Medusa"
10 "Il bacio"

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BONAFEDE-BIVONA
Turner biografia.
Joseph Mallord William Turner nasce il 23 aprile 1775 a Londra.
William cresce senza mamma, ma il papà è sempre presente ed attento alle sue esigenze.
Ed è proprio lui ad accorgersi del talento del piccolo William e comincia a spingerlo a migliorare.
L’11 dicembre 1789 Turner entra alla Royal Academy of Arts di Londra.
Qui studia pittura e prospettiva seguendo gli insegnamenti di Thomas Malton, artista specializzato in architettura e topografia. Nel 1802 diventa membro a tutti gli effetti della Royal Academy e nel 1828 tiene le ultime lezioni come insegnante di prospettiva, mentre nel 1829 va in Italia e si ferma a Roma dove perfeziona la sua pittura ad olio.
Negli ultimi anni di vita il pittore realizza opere di continuo. Alla fine si trasferisce a Chelsea dove muore il 19 dicembre 1851. Viene seppellito nella cripta della cattedrale di San Paolo a Londra.

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SCAILLIE - MOISA - TRIPOLI
Turner - un' opera a scelta

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SCAILLIE - MOISA - TRIPOLI
Friedrich - seconda opera a scelta

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SCAILLIE - MOISA - TRIPOLI
Friedrich - prima opera a scelta

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BARONE - MARCHESE
"La libertà guida il popolo"

Nel 1829 il Re di Francia Carlo X di Borbone, successore di Luigi XVIII, convocò al potere Jules de Polignac, capo della Congregazione, cui affidò la guida di un governo . Questo nuovo governo adottò una politica spiccatamente autoritaria, emanando una serie di provvedimenti legislativi con i quali venne ristabilita la censura, sciolse la Camera e varò una nuova legge elettorale favorevole all'aristocrazia terriera. Queste disposizioni liberticide scatenarono la furia dei parigini che, dal 27 al 29 luglio 1830 (le cosiddette Tre Gloriose Giornate), si ribellarono contro l'autorità regia e alzarono le barricate nelle strade di Parigi: con il trionfare dell'insurrezione, Carlo X fu costretto a licenziare i suoi ministri, a revocare le ordinanze emesse e, infine, ad abdicare e a riparare in Inghilterra.

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BARONE - MARCHESE
Turner - un' opera a scelta

L'opera raffigura una barca che, in balia di un vento tempestoso, cerca di farsi strada tra le acque inquiete; la scena, ambientata al largo dei Faraglioni dell' isola di Wight è rischiarata dai raggi della Luna che, riflettendosi sui flutti, creano un'atmosfera sospesa e silenziosa.[1]

L'opera fu realizzata nel 1796, anno in cui - nonostante la giovane età - Turner poteva già vantare una discreta notorietà e un notevole numero di ammiratori, tutti appartenenti alla classe aristocratica ed intellettuale più in voga a Londra. Il dipinto fu presentato nello stesso anno alla Royal Academy, come possiamo dedurre dalla testimonianza di Walter Thornbury, il quale nel 1792 affermò che il primo olio di Turner era di una certa «dimensione o rilevanza» e raffigurava «una scena di pescherecci che, sospinti da una raffica di vento, scivolavano scompigliati e veloci al largo dei Faraglioni», osservando anche che «il generale Steward» acquistò il quadro «per dieci sterline». Si tratta di una descrizione che, come si può notare, collima con i contenuti proposti da Pescatori in mare. Il quadro, passato .

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Barone e marchese
Seconda opera fredich a  scelta

'Ingresso del cimitero è un quadro di Caspar David Friedrich, dipinto intorno al 1825 e conservato alla Galerie Neue Meister di Dresda.
Friedrich ha dipinto numerosi quadri con il tema delle rovine o dei cimiteri, ambienti che contribuiscono ad evocare sensazioni umane come la malinconia. In questo caso è sottolineata dalla presenza di due genitori appoggiati ad un pilastro dell'ingresso. Ciononostante nello sfondo è presente una certa luce, che insieme al leggero disegno di una figura angelica (tra gli alberi, in mezzo ai pilastri) lascia rasserenare l'animo, con un senso tipico dei quadri di Friedrich.

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BARONE-MARCHESE
Friedrich - prima opera a scelta.

L'albero solitario" è una delle sorprese di Caspar David Friedrich. Ma cosa c'è di così speciale nella foto? La composizione è chiara Al centro si trova una vecchia quercia nodosa. Forma il nucleo verticale dominante del dipinto, su cui lo spettatore concentra immediatamente il suo sguardo. Solo più tardi, come il secondo strato orizzontale dietro, percepisce i prati color pastello, le montagne e il cielo che luccica sullo sfondo. Una volta che i tuoi occhi si sono abituati alla vivacità, inizia a registrare i dettagli. C'è uno stagno in primo piano, intervallato da ciuffi di piante, che riflette i colori del cielo in toni più scuri. E poi arriva la sorpresa: appena riconoscibile appoggiando un pastore sul tronco della quercia, le sue pecore pascolano nelle vicinanze. Lo sguardo, incoraggia, continua a cercare. In effetti, dietro i campi, quasi fondendosi con le montagne, spuntano una guglia della chiesa e alcuni stendardi di case fumanti.

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DI NATALE - GANCITANO - ROMANO
Turner - Il Vesuvio in eruzione

È stato il fascino delle eruzioni vulcaniche che ha spinto gli artisti a catturare queste incredibili forze della natura su tela. Tra il 1794 e il 1822 il vulcano italiano fu così attivo che la geologia e il vulcanismo divennero dominanti in Europa.
Il pittore inglese Turner si è mosso in circoli di scienziati e ha visto negli scoppi di lavaspeendenden montagne non solo un aspetto scientifico. Attribuì al paesaggio del Vesuvio, con la sua forza della natura, una bellezza estetica. Turner aveva visitato l'Italia meridionale durante il periodo del dipinto e realizzato numerosi schizzi del paesaggio. Il pittore inglese si dedicò all'argomento del vulcanismo. Luminoso come un fulmine spara il fuoco dalla cima della montagna e immerge il cielo fumoso i una luce mistica. La montagna è al centro della scena ed è chiaramente rappresentata nei dettagli. Atmosfera sfocata in colori quasi impressionisti, il paesaggio è catturato.

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DI NATALE - GANCITANO - ROMANO
Friedrich - Paesaggio montano con arcobaleno

Paesaggio montano con arcobaleno è un dipinto olio su tela di Caspar David Friedrich; conservato presso il Museum Folkwang di Essen. L'autore trasse ispirazione per quest'opera dal suo viaggio del 1809 attraverso la Germania e lungo le coste del Mar Baltico.
In primo piano un viandante si è fermato a riposare; egli volge lo sguardo verso lo sfondo dove si apre un abisso oscuro. In quelle profondità si intravedono alcune montagne, al di sopra del paesaggio si forma un arcobaleno. Nei lavori di Friedrich, i dipinti che presentano un netto contrasto tra primo piano e sfondo sono comuni; questa separazione simboleggia il piano fisico e quello spirituale dell'esistenza. Ciò avviene anche in questo dipinto: in primo piano il sole illumina il fogliame e gli abiti del viaggiatore, mentre l'oscurità della notte riempie il resto dell'immagine. Il giorno e la notte, lo spirito e la materia, sono unificati dell'arcobaleno

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DI NATALE - GANCITANO - ROMANO
Friedrich - Donna alla finestra

Il bellissimo dipinto "Donna alla finestra" è un dipinto autografo di Caspar David Friedrich realizzato nel 1822.

La figura affacciata alla finestra è Caroline, moglie dell'artista. L'interno ha una valenza simbolica e quindi l'oscurità rappresenta l'imperfezione della vita terrena, non sempre brillante, che può essere illuminata soltanto tramite Cristo 3 con lo sguardo rivolto alla vita eterna. Lo spazio esterno riquadrato dalla finestra allude alla vita dell'aldilà, desiderata dalla donna e che può essere raggiunta viaggiando in più tappe, rappresentate dalle due imparhcazioni nell'Elba. I pioppi in lontananza simboleggiano la morte.

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DI NATALE - GANCITANO - ROMANO
Friedrich - Le bianche scogliere di Rügen

Il dipinto raffigura le scogliere di gesso dello Stubbenkammer, in Germania, dove Caspar David Friedrich si recò nel 1818. Nella tela gli affioramenti rocciosi, di grande impatto emotivo e altamente suggestivi, sono incorniciati dei due alberi frondosi in primo piano, flessi sino a descrivere una circonferenza immaginaria lungo la quale sono disposti i tre personaggi. Sul lembo di terra tappezzato d'erba in primo piano, infatti, troviamo tre persone mentre scrutano il mare profilarsi oltre le falesie di gesso. A destra vi è un uomo che, con le gambe leggermente divaricate e le braccia conserte, si appoggia al tronco di un albero e guarda la spazialità del mare con fare assorto ma distaccato, forse seguendo il tragitto delle due piccole barche a vela di fronte a lui. A sinistra troviamo invece una giovane donna vestita con un elegante abito rosso: con una mano si sta reggendo a un arbusto quasi secco, mentre con l'altra sta indicando qualcosa di indefinito che sembrerebbe essere ai piedi del bianco precipizio. Al centro della scena, invece, è ritratto il fratello che, dopo aver posato il bastone e la tuba sul terreno, si avvicina carponi all'orlo della voragine, così da poter osservare il punto indicato dalla donna.

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DI NATALE - GANCITANO - ROMANO
"La zattera della Medusa"

La zattera della medusa è un dipinto a olio su tela di Théodore Géricault; realizzato nel 1818-19 e oggi conservato al Museo del Louvre di Parigi.
L'artista completò l'opera all'età di 29 anni. Il dipinto rappresenta un momento degli avvenimenti successivi al naufragio della fregata francese Meduse, avvenuto il 2 luglio 1816 davanti alle coste dell'attuale Mauritania, a causa di negligenze e decisioni affrettate da parte del comandante Hugues Duroy de Chuamareys che, oltre a non navigare da circa 25 anni, non aveva una buona conoscenza delle acque delle zone, cosa che portò la fregata ad intagliati sul fondale. Oltre 250 persone si salvarono con le scialuppe ma 150 rimannero a bordo e vennero imbarcati da una zattera di fortuna, solo 15 fecero ritorno.

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DI NATALE - GANCITANO - ROMANO
"Il Bacio"

Il bacio è un dipinto a olio su tela del pittore italiano Francesco Hayez, realizzato nel 1859 e conservato alla Pinacoteca di Brera.
Collocato in un contesto medievale, raffigura due giovani innamorati che si stanno baciando con grande passionalità. Per la travolgente carica emotiva, la raffinata scenografia ed il forte valore civile, l'opera è considerata il manifesto dell'arte romantica italiana; per questo motivo riscosse un grande successo popolare, tanto che Hayez la riprodusse in altre due versioni, con piccole modifiche fra l'una e l'altra.

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SPANO' - INFRANCA - TRAMONTE
Turner - un'opera a scelta

La Temèraire, era stata varata nel 1798 ed era stata la nave vittoriosa alla battaglia di trafalgar, nel 1805.

Turner sceglie di raffigurare il momento in cui la Temeraire, immersa nella luce intensa di un tramonto, solca lentamente e silenziosamente le acque del Tamigi, trainata da un rimorchiatore, in attesa di essere distrutta.

Ciò che colpisce è la colorazione del tramonto, numerosi bagliori accendono il cielo di rosso, in riferimento al sangue  versato nella battaglia, mentre il sole cala all'orizzonte, creando un cumulo di nubi colorate.

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SPANO' - INFRANCA - TRAMONTE
Friedrich - terza opera a scelta:
Il dipinto, realizzato nel 1835 rappresenta  un promontorio rivolto verso il mar baltico dove sono presenti 5 figure: un anziano rivolto a guardare l'orizzonte, un uomo e una donna che giocano con 2 bambini.
Davanti a loro su stagliano 5 navi di diverse dimensioni due più piccole che alludono
all 'età dei bambini e le altre tre rappresentano gli adulti.
La nave centrale oltre che rappresentare l'età dell'anziano allude anche all'età di Friedrich.

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SPANO' - INFRANCA - TRAMONTE
Friedrich - prima opera a scelta

L'opera ritrae un naufragio avvenuto nel bel mezzo di un mare di ghiaccio rotto in migliaia di pezzi, le cui parti si sono accumulate dopo l'impatto, ammassandosi a formare una montagna.
Friedrich aveva realizzato degli studi dei banchi di ghiaccio che si formavano sul fiume, vicino a Dresda,

questi studi furono probabilmente inseriti nel dipinto.

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SPANO' - INFRANCA - TRAMONTE
"La zattera della Medusa"

La zattera della Medusa è un dipinto di Théodore Géricault,
il dipinto rappresenta un momento successivo al naufragio della fregata francese Méduse, avvenuto nel 1816, a causa di negligenze e decisioni affrettate da parte del comandante che, oltre a non navigare da venticinque anni, non aveva una buona conoscenza di quelle acque, cosa che portò la nave ad incagliarsi sul fondale marino.
Oltre 250 persone si salvarono grazie alle scialuppe, le rimanenti 150, dovettero essere imbarcate su una zattera di fortuna, e soltanto 15 ritornaro a casa salvi.

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SPANO' - INFRANCA - TRAMONTE
La pittura con soggetto storico nel Romanticismo

Pittura storica nel romanticismo è un genere di pittura definita dal suo soggetto, piuttosto che dallo stile artistico. I dipinti storici di solito raffigurano un momento di una storia narrativa, piuttosto che un argomento specifico e statico, come in un ritratto.
La maggior parte dei dipinti storici non sono costituiti da scene tratte dalla storia, in particolare per i dipinti prima del 1850.
In inglese moderno, pittura storica è talvolta usato per descrivere la pittura di scene tratte dalla storia in senso stretto, esclusi i soggetti religiosi, mitologici e allegorici.
Tra gli esponenti più importanti troviamo: Francesco hayez, delacroix, gericault e Francisco goya.

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PARISI TORTORICI
"La libertà guida il popolo"

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PARISI TORTORICI
Turner - un'opera a scelta

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PARISI TORTO
Friedrich - seconda opera a scelta
Il viandante sul mare di nebbia è un’ opera a olio su tela che è stata realizzata nel 1818 da Caspar David Friedrich.Essa è una delle opere più significative del tempo.

In quest’ opera vediamo in primo piano un viandante solitario affacciato sulla cima di una montagna non si sa molto di quest’ uomo ma alcuni pensano che possa essere Friedrich stesso.

Quest’ opera è dipinta ad olio su tela ed è alta 95 cm e larga 75 notiamo che l’ uomo è rivolto di schiena questo perchè lo spettatore deve immedesimarsi in esso.

L’ opera è rappresentata secondo i criteri di quel periodo infatti possiamo notare come l’ uomo e perfettamente concentrato ad  osservare la natura in tutta la sua bellezza.

Friedrich cerca di spronare nello spettatore il vero senso del sublime e dell' infinito infatti osserviamo il pellegrino rapito dall' immensità e dalla bellezza della voragine sulla quale si trova questo tipo di pittura e considerato appropriato a quel periodo dato che si dice che la figura rivolta verso la voragine, possa essere un' icona del Romanticismo tedesco.

É proprio l'isolamento del monaco che rappresenta il concetto di sublime che vuole intendere quando una persona si isola per osservare quanto la natura è perfetta in tutte le sue forme.

Questa gigante potenza della natura non riesce ad annientare l' uomo bensì ad indurlo a riflettere sul senso delle proprie condizioni dandogli cosi la possibilità di unirsi alle figure divine

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PARISI TORTORICI
Friedrich - prima opera a scelta
Il monaco in riva al mare è un dipinto a olio su tela dipinto da Caspar David Friedrich dal 1808 al 1810.
Il Monaco in riva al mare rappresenta una spiaggia deserta, in basso troviamo una sabbia chiara, dall'immenza distesa di un mare.
A descrivere questo paesaggio desolato vi è una singola figura voltata di spalle, un monaco vestito con una lunga tonaca nera, che si affaccia solitario sull' ammucchio di terra.
Appare quasi completamente estraneo dal mondo che lo circonda, come se fosse oppresso dall'infinità del mare.
Caspar David Friedrich vuole far capire che l'uomo è minuscolo rispetto alla natura che è immensa .

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Friedrich- seconda opera a scelta
IL MATTINO DI PASQUA
"Il mattino di Pasqua" è un dipinto realizzato da Caspar David Friedrich, tra il 1830 e il 1835.
Il paesaggio, non riconducibile ad un luogo reale, è colmo di elementi simbolici che riguardano l'aspetto mistico della vita:il campo arato sulla collina rappresenta la morte; la grandiosità dell'apparire del sole, che buca e tinge il cielo, velato, in modo uniforme, dalla nebbia mattutina,(che funge da copertura di una natura sterile, rappresentata da piante spoglie e da un campo arato),esprime la meraviglia del risorgere della potenza Divina.
Fra le due piante scheletriche, sono presenti tre donne, dal capo coperto e viste di spalle, s'incamminano verso una meta imprecisa e sfumata dalla nebbia mattutina: forse la chiesa, dove sarà celebrata la prima Messa.
Potrebbero anche simboleggiare le tre Marie, che si recarono al sepolcro la mattina della Resurrezione di Cristo; oppure sono viandanti, sorprese lungo il camino: il viandante, nella iconografia cattolica, rappresenta lo scorrere della vita, ma anche il cammino verso la spiritualità.

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Friedrich- prima opera
DONNA AL TRAMONTO DEL SOLE
Donna al tramonto del Sole è un dipinto a olio su tela di Caspar David Friedrich realizzato nel 1818. È attualmente esposto al Museum Folkwang ad Essen. Una donna, forse sua moglie,è ferma davanti al tramonto in un paesaggio scuro con lievi colline. È vista di schiena mentre gli ultimi raggi del sole, appena visibili sullo sfondo, circondano la sua figura posta al centro del quadro. È vestita con un lungo abito dell’epoca e ha le braccia leggermente aperte per lo stupore. Il cielo davanti a lei ha una sfumatura di toni caldi che vanno dal giallo dell’orizzonte al tono bruno della parte superiore. La profondità è ottenuta attraverso la tecnica della prospettiva aerea. Il dipinto è una tipica opera del Romanticismo, sia per la scelta di raffigurare un paesaggio solenne e solitario, sia per il confronto con la figura umana che ammira quella vastità. Friedrich era molto religioso. Per questo motivo il dipinto rappresenta la meraviglia provata dagli esseri umani di fronte alla grandiosità della natura e del creato, segno tangibile della presenza divina.

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Constable-seconda opera a scelta
IL CARRO DA FIENO
Il carro da fieno (The Hay Wain) è un dipinto a olio su tela di John Constable, databile al 1821 e conservato nella National Gallery di Londra. Il dipinto è ambientato nella campagna inglese del Suffolk, nelle immediate vicinanze del fiume Stour, dove era collocato il mulino di Flatford, proprietà del padre di Constable. In primo piano due contadini guardano in basso corso d'acqua conducendo un carro da fieno vuoto trainato da cavalli: il carro è forse fermo nei flutti per far raffreddare i cerchioni metallici delle ruote, o magari per far riposare e abbeverare il cavallo.     A lato del ruscello si scorge un cane, indeciso se raggiungere il padrone tuffandosi in acqua o rimanere prudentemente sulla sponda del fiume. In lontananza si vedono i lavoratori nei campi, piccoli come puntini, che stanno mietendo il fieno: il carro fa probabilmente la spola tra i campi e la fattoria per depositare quanto raccolto. Tra le altre figure visibili vi sono una donna che attinge acqua per una casa nelle vicinanze e un ragazzo che sta lanciando una lenza.

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Constable - prima opera a scelta
LO STUDIO DELLE NUBI
Lo “Studio di nuvole” (Cloud Study) é un’altra opera realizzata da Constablea, l’11 settembre 1821, é un dipinto ad olio su carta incollata su tavola, é situata a Londra, alla Royal Academy of Art. Constable con quest’opera confermò la sua grande sensibilità nei confronti del variare della luce nel paesaggio. Nel dipinto in questione il soggetto è principalmente il cielo con la particolare resa della luce sulle nuvole. Su tutta l’opera prevalgono toni di blu e azzurro. Solo in basso Constable rappresentò una piccola porzione di natura utilizzando un verde intenso.

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Estetica del pittoresco
Il pittoresco è la categoria estetica dei paesaggi. Tutta la pittura romantica di paesaggio conserva questa caratteristica.
ll pittoresco rifiuta la precisione delle geometrie regolari per ritrovare la sensazione gradevole nella irregolarità e nel disordine spontaneo della natura. I paesaggi di Constable sono sempre gradevoli. Ritraggono una natura in cui c'è un felice equilibrio tra gli elementi naturali (alberi, fiumi, colline) e gli elementi artificiali (case, stradine, ponticelli). armonia tra l'uomo e la natura. La natura non produce il bello, ma la realtà.

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BONAFEDE - BIVONA
Turner - Tempesta di neve -
Fu dipinto nel 1812 dal grande pittore romantico inglese William Turner.
È uno dei quadri più famosi e certamente uno dei più interessanti di questo artista. Esso, infatti, costituisce un esempio molto particolare di soggetto storico paesaggista. Nell'opera viene rappresentato l’attraversamento delle Alpi da parte del cartaginese Annibale, avvenuta alla fine del ottobre del 218 a.C., durante la seconda guerra punica. Quasi 50 mila tra fanti e cavalieri e ben 37 elefanti riuscirono, in quella circostanza, a superare il freddo e le intemperie.
L'opera ci presenta un cielo livido e terribile che oscura il sole, i soldati del generale cartaginese sono in balia di una natura aggressiva e sconvolgente. Spesse nubi, scure di tempesta, si ergono, mentre imponenti masse di neve si sollevano in un vortice distruttivo. Gli uomini, che intravediamo in primo piano, sembrano totalmente incapaci di fronteggiare lo scatenarsi degli eventi. Il disegno è quasi assente, i colori sono lividi e spenti per esprimere meglio il senso della tragedia imminente. Più che raccontare una storia, Turner sembra voler provocare una forte emozione. La scena è infatti caratterizzata da una tale intensità drammatica creata appunto dalla Natura.
L’episodio storico si pone a pretesto per affrontare un tema più generale, molto caro a Turner e a tanti altri romantici: la continua lotta fra l’uomo e una natura selvaggia, potentissima, aggressiva, capace di mortificare tutte le sue ambizioni, annichilirlo e spazzarlo via.
È opinione diffusa e condivisa che Turner abbia, con tele come questa, anticipato pure alcuni esiti dell’arte novecentesca. In effetti, colpisce il modo assolutamente rivoluzionario con cui l’artista introduce, nella sua opera, il tema del vuoto. Bufera di neve è un quadro praticamente privo di soggetto, dove il mondo è come cancellato, dove lo sguardo dello spettatore non trova concrete immagini di appoggio per lo sguardo.

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BONAFEDE - BIVONA
Friedrich  - La mattina.
Friedrich decide di raffigurare i momenti della giornata. L’idea di raccontare l’evolversi delle stagioni o il trascorrere delle ore è parte integrante della tradizione artistica occidentale.

Il quartetto d’opere viene realizzato in due momenti diversi, a cavallo tra il 1820 e il 1822, Friedrich dipinge "Il mattino", "Il Mezzogiorno", "Il Pomeriggio" e "La sera".

Le prime ore del giorno ci raccontano di un pescatore già impegnato nel suo lavoro, le nebbie mattutine che si sollevano dall’acqua nascondono parzialmente il paesaggio che si estende oltre la riva.

Dalla foschia spunta il tetto di una piccola abitazione e più in là si intravedono le cime dei grandi alberi che sono solo l’inizio di quello che sembra un grande bosco.

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Caspar David Friedrich - Der Morgen - (MeisterDrucke-680457)

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BONAFEDE - BIVONA
Turner - La valorosa Téméraire trainata al suo ultimo ancoraggio per essere demolita, 1838.
La Téméraire, nave da guerra a novantotto cannoni, era stata la nave vittoriosa alla battaglia di Trafalgar, nel 1805, quella che aveva difeso dal fuoco francese la nave bandiera HMS Victory di Lord Nelson. Rimase in servizio fino al 1838, quando fu dismessa e trainata lungo il Tamigi, per essere demolita. Turner sceglie di raffigurare proprio il momento in cui la Temeraire, immersa nella luce intensa di un tramonto infuocato, solca lentamente e silenziosamente le acque del Tamigi, trainata da un rimorchiatore, in attesa di essere distrutta. È importante notare che il principale interesse dell'artista non era narrare con precisione l'evento storico, ma Turner preferisce rendere quanto più evocativa e non realistica possibile l’atmosfera che circonda il viaggio della Téméraire; a tal proposito, molti aspetti non corrispondono alla realtà, come ad esempio la presenza degli alberi sulla nave, poiché quest’ultimi durante gli ultimi viaggi già non erano più presenti perché già venduti.

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BONAFEDE - BIVONA
Friedrich  - un uomo e una donna contemplano la luna.
Un uomo e una donna contemplano la luna è un dipinto romantico realizzato nel 1820 dal pittore Caspar David Friedrich.  Il dipinto rappresenta un paesaggio boscoso con due alberi (uno spoglio, l'altro verdeggiante), in mezzo ai quali compaiono due figure isolate di spalle, un uomo ed una donna. I due personaggi dipinti sono i rappresentanti dell’umanità al cospetto del grande spettacolo naturale. Il quadro vuole fare riflettere sul destino di solitudine dell'uomo. Il dipinto offre anche una lettura religiosa alludendo alla luce di Cristo che illumina l’umanità. La luna è la rappresentazione della divinità, come una Madonna, la luna è sacra e, come tale, è, al contempo, stupenda e inquietante.

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BONAFEDE - BIVONA
Estetica del Sublime
Il sublime è quel peculiare sentimento, misto di terrore e piacere, che sottende la vista di qualcosa di eccelso e spettacolare, capace di colpire e “innalzare” l’animo dello spettatore. In altre parole, è sublime ciò che turba e persino spaventa ma che inspiegabilmente, e proprio per questo motivo, attrae. Protagonista delle opere che fanno parte dell'estetica sublime e del romanticismo è la natura una natura pericolosa che è in grado di attrarre l'uomo che a confronto è minuscolo e insignificante.

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Constable-biografia
John Constable nasce a East Bergholt, l’11 giugno 1776 e muore a causa di indigestione, a Londra il 31 marzo 1837; è stato un pittore inglese, considerato uno dei massimi paesaggisti del Romanticismo. Figlio di un ricco mercante di cereali proprietario del The Telegraph, una piccola imbarcazione. Pur essendo il secondo figlio, ma il primogenito della famiglia Constable, viene escluso a causa del suo ritardo mentale; dopo avere frequentato il collegio a Lavenham e la scuola di Dedham, John Constable abbandona gli studi per dedicarsi al commercio di cereali. Ben presto, però, viene affiancato nel lavoro dal fratello minore, in modo da potersi dedicare alla pittura. Sin da bambino, infatti, John aveva la passione dell'arte e l'abitudine di realizzare schizzi amatoriali. Così, dopo aver conosciuto John Thomas Smith, un artista professionista, nel 1799 persuade il padre a permettergli di dedicarsi all'arte, ottenendo da lui anche un piccolo assegno.
Intenzionato a diventare un pittore professionista di paesaggi,  Constable mette in mostra nel suo stile giovanile colori e luci freschi, scegliendo come soggetti scene di vita quotidiana ordinaria. I paesaggi di Constable sono sempre gradevoli. Ritraggono una natura in cui c'è un felice equilibrio tra gli elementi naturali (alberi, fiumi, colline) e gli elementi artificiali (case, stradine, ponticelli). armonia tra l'uomo e la natura.