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Arte del Expresionismo Abstracto, Pop Art, Op Art y Arte Contemporáneo

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Arte del Expresionismo Abstracto, Pop Art, Op Art y Arte Contemporáneo

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1945-1960 dC Expresionismo Abstracto

Pintura en acción, después de la segunda guerra mundial.

Causó confusión y controversia.

Los artistas aplicaron pintura libremente a sus lienzos en un esfuerzo por mostrar sentimientos y emociones en lugar de temas realistas, no intentaron crear la ilusión de un espacio lleno de figuras, edificios o paisajes.

Peggy Guggenheim su galería de NYC – innovadoras prácticas de exhibición.

Usan esmaltes sintéticos y pinturas metalizadas.

Dripping o chorreado, manchas y líneas.

No aceptan las formas, ausencia de toda relación con el objeto.

Artistas: Jackson Pollock, Jhon Graham, Guillermo Wiedeman, Mark Rothko, Willem de Kooning, Fairfield Porter, Elaine Marie de Kooning, Roberth Motherwell.

Mujeres y expresionismo: Helen Frankenthaler, Joan Mitchell.

1950- 1.980 d.C Pop Art

Obras con imágenes tomadas de la cultura popular

Surge en Inglaterra.

Materiales como pintura acrílica y poliéster.

Técnicas: collage, serigrafía y fotografía.

Inspiración en personajes famosos.

Las figuras tienden a un carácter plano e inexpresivo.

Repetición de formas y del plano frontal, lenguaje figurativo.

Artistas: Andrew Warhol, Roy Lichenstein.

Richard Hamilton impulse el pop art en Inglaterra.

Tom Wesellman.

1.960-1.980 Op Art

Se desarrolla en USA.

Se basa en el color y la forma.

Mezclan y repiten formas y figuras.

Sensación de movimiento, creación de efectos visuales, uso de figuras geométricas, líneas paralelas rectas o sinuosas.

Uso del acrílico, contraste cromático.

Vasarely es considerado el padre de esta técnica.

Otros artistas: Bridget Riley, Yaccov Agam, Maurits Cornelis.

1.919 – Actualidad. Arte Contemporáneo

Productos artísticos que se encuentran fuera del canon de las 7 bellas artes.

Marcel Duchamp antecedente de este arte.

No es un movimiento ni un estilo sino un paradigma estético.

La mayoría de manifestaciones tienes detrás un discurso académico o ideológico que forma parte de la pieza mostrada.

Tiene diferentes tendencias: arte conceptual, ready-made, instalación, video instalación, fine art photography, minimalismo, fluxus, arte cinético, libro-arte, arte ASCII, arte sonoro, hiperrealismo, media art, arte algorítmico.

Minimalismo: máxima sencillez, uso de formas semejantes, monocromático, abstracción total, austeridad en la composición.

Artistas: Frank Stella, Carl Andre, Tony Smith.

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La persistencia de la memoria de salvador Dalí

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1.915 – 1.949 d.C Arte Metafísico

Surgió en Italia con obras de Giorgio de Chirico y busca la representación de espacios y figuras que convergen de manera aislada pero crean un espacio idealizado.

Imágenes que no nos sitúan en un contexto.

No hablan de donde se está ubicado.

Maniquí como figura representativa.

1.920 – 1.939 d.C Surrealismo

Los sueños, la fantasía y el subconsciente son la inspiración de los artistas.

Rechazaron la composición y la lógica.

Comenzó en Europa y fue aceptado en México y el mundo.

Se basan en lo absurdo y carente de valor, técnicas de automatismo, fotografía, fontage, grattage o raspado.

Le dan importancia al azar, niegan la moral tradicional, buscan lo maravilloso.

Artistas: Joan Miró, Salvador Dalí (intenta plasmar sus sueños y alucinaciones, temas obsesivos como el erotismo, muerte y decadencia. “crítico paranoico”), René Magritte, Paul Klee, Remedios Varo, Rufino Tamayo (Mexicano), Carrington, Leonora Carrington.

Frida Kahlo (Su obra divaga entre el surrealismo y el realismo mágico).

Juan Antonio Roda.

1.930- 1.955 d. C Muralismo

Murales para protesta contra los problemas políticos y sociales.

Inició en México, se extendió a USA.

Arte de dominio público.

Rivera retrató a los campesinos y a las diversas culturas mesoamericanas, Orozco al sufrimiento humano y la revolución y Siqueiros a la desigualdad, a la política y al Marxismo.

Fernando Botero “Boterismo” forma volumétrica y exuberante, escenas de la vida cotidiana en Colombia, retratos humanos, animales y naturalezas muertas.

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907-1.920 d.C. Cubismo

Tridimensionalidad de los objetos.

Pablo Picasso y Georges Braque iniciaron con la idea de que todas las formas de la naturaleza se basan en la esfera, el cono y el cilindro.

Pintaron objetos tridimensionales como si fueran vistos desde diferentes ángulos al mismo tiempo.

Colores no asociados con los objetos reales.

Se considera un recurso óptico falso porque lo propone la visión vincular del objeto.

El artista descompone la figura en volúmenes esenciales

Tuvo dos etapas el analítico (monocromático o pocos colores) y el sintético que usa otros colores y materiales por lo cual aparece la técnica denominada collage.

Se puede distinguir otra vertiente denominada cubismo hermético.

Otros artistas: George Braque

1.909-1.945 d.C Futurismo

Busca los siguientes principios compositivos: el dinamismo, la perspectiva múltiple y la síntesis de la forma.

Los temas a representar fueron: la guerra, la violencia, la figura del autómata, la velocidad.

Las formas, la perspectiva, la composición son partes del dinamismo.

Multiplicación de líneas y detalles.

Uso de colores resplandecientes.

Artistas: Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrá, Bruschetti.

1.915- 1.922 Dadaismo

Expresión de la desilusión después de la primera guerra mundial en Europa a través de arte sin reglas, sin sentido y con sátira.

El Dadá fue propuesto por Tristan Tzara y Hugo Ball, fundadores del movimiento en Suiza.

Dadá significa caballo de batalla en Francés.

Artistas representativos: Marcel Duchamp, Hans Arp, Francis Picabia y Richard Huelsenbeck, Max Ernst, Man Ray.

Usan objetos cotidianos, se basan en lo absurdo y carente de valor.

Desprecian la razón y la lógica.

Rechazan los modelos estéticos tradicionales y propugnan la libertad de la persona.

Actitud de burla total, ironía y provocación.

Esta corriente se extendió a Berlín, Colonia, Hannover, París y Nueva York e influyó en el arte gráfico, la música y la poesía.

Su objetivo final era la destrucción del arte o antiarte.

Art Decó.

1.919-1993 Bauhaus

Arte funcional fue inaugurado en el contexto de la república de Weimar por el arquitecto Walter Gropius.

Retorno al taller, donde se conjugaran todas las artes.

Rechazaban la diferencia entre artesanos y artistas.

Origina las bases del diseño industrial y gráfico  y de la arquitectura moderna.

Fue clausurada por el nazismo.

Búsqueda de estructuras sustentadas en la razón, con menos ornamentación, más practicidad y funcionalidad.

Artistas: Peter Keler, Marcel Breuer.

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Retrato de la Raya Verde, Henry Matisse 

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Arte del Art Nouveau, Fauvismo y Expresionismo Alemán

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Arte del Art Nouveau, Fauvismo y Expresionismo Alemán

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1.890 - 1.930 d C Art Nouveau

Estilo ornamental que floreció en toda Europa y USA.

Se caracteriza por el uso de la línea larga, sinuosa y orgánica, que se empleo en arquitectura, diseño de interiores, diseño de joyas, vidrio.

La linea asimetrica ondulada suele ser elegante e infundida con una fuerza rítmica.

Usaba patrones curvilíneos intrincados de líneas simétricas sinuosas.

Arts & crafts: mejorar la calidad de los interiores domésticos.

Los motivos florales e inspirados en plantas son diseños de Art Nouveau.

Arquitectura: Neogótica, Parlamento y el puente de la Torre de Londres, Opera de París, La sagrada familia en España (Antonio Gaudí)

De los pintores más famosos: Gustav Klimt, Alfons Mucha.

VANGUARDIAS DEL SIGLO XX

1.905 - 1.910 d. C. Fauvismo

El cambio de siglo vio el final de las academias y el comienzo de una nueva serie de movimientos artísticos en Europa.

Pinturas simples, colores brillantes y pinceladas sueltas

“Fauves” o “bestias salvajes”.

Liderazgo de Henri Matisse (usaba colores puros, enfatizando volumen, relieve y perspectivas).

Tomaron el movimiento, los colores y construyeron un estilo de arte poco realista, eran más atrevidos en el uso de formas anchas y planas con líneas en movimiento.

Los otros artistas reconocidos son Vlaminck, Derain, Braque, Roault.

Se interesaron por el arte primitivo de África y Oceanía que representaba una vuelta a la pureza.

1.905 – 1.938 d.C Expresionismo Alemán

Importancia de la expresión de las emociones.

Expone la soledad y la angustia.

Temas: crueldad de la vida, pesimismo y el miedo por el fin del mundo.

El color es aplicado con  pinceladas violentas y la deformación irracional de la realidad.

Se divide en extensivo e intensivo dependiente de si representa el exterior o el interior.

Optan por un color irritante aplicado con pinceladas violentas y deformación irracional de la realidad.

Edvard Munch “El grito”.

Modersohn- Becker mujer que creó alrededor de 400 pinturas.

Ludwig Kircher “Calle, Berlín”.

Emil Nolde “Naturaleza muerta de máscaras”.

Gauche, Otto Dix, Kathe Kollwitz.

Escultura: Modigliani, Brancusi.

1.910 – 1.930 Arte no objetivo

Desvío de las interpretaciones literales de los temas centrales, así como cambiar la atención en las cualidades formales de su arte.

Las figuras u objetos en las obras no tienen un sentido o razón de pertenecer a la misma.

Wassily Kandisky uno de los pioneros del arte moderno abstracto.

Hilma Af Klint de Suecia.

Natalia Goncharova (arte moderno ruso), también Kazimir Malevich, Luybov Popova, Alexander Rodchenko.

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Henri Matisse is a true world-class artist, and his Portrait of Madame Matisse. The Green Line, depicting his wife, Amélie Matisse, is a masterpiece of twentieth-century portraiture and one of SMK's ten main highlights.

SMK owns one of the world's largest and most significant collections of Matisse outside of France. Around World War I, Copenhagen was home to two major collectors of Matisse, and the paintings brought to Denmark during this period would form the basis of SMK's important collection.

Portrait of Madame Matisse. The Green Line is a major work of art because it demonstrates how a painting can become hugely, powerfully expressive with very few, simple devices. The strong contrasts in colour, a typical feature of Matisse's paintings from the beginning of the twentieth century, are instrumental in giving this small painting (40.5 x 32.5 cm) its great visual strength.

'The picture was probably painted in the autumn of 1905, following Matisse's return to Paris after having spent the summer in the fishing village of Collioure in the south of France. While there, he and his friend André Derain threw themselves into ever-wilder painterly experiments, seeking to release colour from its descriptive function, allowing it to act as an independent force,' says chief curator and senior researcher Dorthe Aagesen. Indeed, the year 1905 sees Henri Matisse get his major breakthrough, partly due to the works painted that summer in the company of André Derain.

Modernity
While Portrait of Madame Matisse. The Green Line has many features that are instantly recognisable from the real world, it is not a naturalistic depiction of the artist's wife. Matisse does not seek to paint what he sees as accurately as possible and is not concerned with displaying specific aspects of his model or with creating a psychological portrait. Nor is the painting about the relationship between him and his wife; rather, it seeks convey an inner experience. The green line dividing the face into two halves, a cold and a warm one, contributes to a plane-like effect that makes the portrait mask-like and abstract.

'Every brush stroke is very deliberately placed, and the painting is a good example of how you can experiment with the portrait format. It illustrates how one can manipulate and control meaning, how to stage things, and also shows the impact of what you don't tell. That offers useful perspectives on our use of images today,' says Dorthe Aagesen.

Stein and the Danish collectors
In addition to being an important masterpiece of portraiture, the painting also has an interesting story. It first came into Danish ownership right after World War I. At that time, Portrait of Madame Matisse. The Green Line was bought by the businessman Christian Tetzen. His collection was dissolved in the 1920s, but he kept this particular portrait right until his death in 1936, and SMK bought it at the sale of the estate.

The other major Danish collector of Matisse during the period was Johannes Rump, who bought several works from the Christian Tetzen-Lund collection. The majority of the museum's collection of French art was donated by Rump.

Before arriving in Denmark, the painting was part of the famous Stein collection in Paris. From 1905 up until World War I, American art collector Michael Stein, his wife Sarah, and Michael's siblings Gertrude and Leo Stein built important collections of paintings from Paris, exhibiting them in their private homes.

'Photos of Michael and Sarah Stein's flat show us that the painting was quite prominently hung in their living rooms. It would have been well known in its own time and stands among the works that helped build up Henri Matisse's reputation,' says Dorthe Aagesen..

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Portrait of Madame Matisse. The Green Line - Henri Matisse - Google Arts & Culture

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Arte del Impresionismo y Postimpresionismo

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Arte del Impresionismo y Postimpresionismo

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Década de 1.870 - Impresionismo

Algunas obras de Manet se reconocen con este estilo:

Rechazan las reglas rígidas de las Bellas Artes.

Se da relevancia a la luz y al color por encima del dibujo.

Elimina las transiciones de iluminación en el cuerpo dando prioridad a altos contrastes entre luz y sombra.

Pintura de impresiones fugaces, cambios de luz atmosféricos.

Despoja las dimensiones espaciales en la obra -la perspectiva y los planos.

Dentro de los principales artistas encontramos: Camille Pisarro, Auguste Renoir, Claude Monet, Paul Cézanne, Edgar Degas, Alfred Sisley, Caillebotte, Berthe Morisot y Joaquín Sorolla.

Conflicto con la academia de bellas artes de París.

Escultura: Rodin, estructuras con el uso del hierro como componente principal.

1.880 – 1.890 d. C Postimpresionismo

Búsqueda de la forma y del contorno.

Mayor preocupación por la estructura y la forma.

El arte debería expresar una visión más personal y expresiva de la vida en lugar de centrarse en los efectos cambiantes de la luz en los objetos.

Respetaban la luz del impresionismo pero usaban un color más intenso y formas más sólidas.

Los artistas más importantes fueron Vincent Van Gogh y Paul Gauguin, también se destaca Paul Cézanne.

Escuela de la Haya: impresionistas en Holanda

Puntillismo: George Seurat y Paul Signac, alcanzó su auge después del postimpresionismo, es una forma específica de aplicar la pintura al lienzo.

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La libertad guiando al pueblo de Eugene Delacroix

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Arte del Neoclasicismo, Romanticismo y Realismo

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Arte del Neoclasicismo, Romanticismo y Realismo

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1730 -1800 Neoclasicismo

Las academias y escuelas de arte en Francia e Inglaterra instó a sus alumnos a estudiar las obras del pasado como una forma de desarrollar sus propias habilidad durante el siglo XVII y XVIII.

Recurrir nuevamente a obras clásicas griegas o romanas.

Composiciones equilibradas, líneas de contorno fluidas, gestos y expresiones nobles.

Johann Winckelmann fue el mejor historiador del neoclasicismo.

1.750: Arquitectura: Recurre a la lógica de volúmenes clásicos, simplicidad de las formas geométricas, detalles griegos. San Petersburgo construyó gran cantidad de edificios. Jacques Gabriel, Giardini, Jacques Germain, Panteón de París, Gran teatro de Burdeos, La Madeleine, Giussepe Valadier, El capitolio,  la casa blanca en USA, memorial del Lincoln, Arco del triunfo, puerta de Alcalá

Escultura: La escayola, reproducciones de las esculturas originales de la antigüedad clásica, Lewis escultora de la antigua America, Antonio Canova, Jhon Flaxman.

Pintura: Jacques Louis David, mayor cantidad de tonos en la paleta de colores incluían pigmentos rojos, azules, purpuras, verde, etc.

1.790- 1.850 Romanticismo

Contraposición al neoclasicismo valorando la imaginación, los sentimientos, lo fantástico y misterioso.

Cuestiona los cambios sociales derivados de la revolución industrial creciente.

Reivindica la subjetividad, los sentimientos individuales, interés en territorios exóticos.

Nacionalismo como sentimiento de pueblo.

Exaltación de los sentimientos frente a la razón

Jean Auguste Dominique Ingres- La gran odalisque

Eugéme Delacroix – la libertad guiando al pueblo

Algunos autores se centraron en eventos dramáticos, otros en escenas o eventos cotidianos.

Theodore Gericault, Jhon Constable (Inglés), Joseph Turner, Caspar Friedrich, Humboldt, Jose maria Espinosa, Francisco de Goya “el rebelde”.

1.830-1.900 d.C Realismo

El angelus de Jean Francois Millet.

Temas que no glorificaran el pasado ni tampoco ofrecer vistas románticas de eventos comunes

Rechazaron los dos movimientos anteriores.

Se dieron cuenta de que los temas clásicos y románticos no representaban su mundo.

Interés por las clases desfavorecidas.

Representación directa de la realidad.

Daumier: simplificación gráfica.

Jean Francois Millet: filtro idealista.

Influencia de la fotografía.

Gustavo Courbet, Honoré Daumier, Carpeaux, Edouard Manet, Bonheur.

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1.600 – 1.700 Barroco

La contrarreforma movimiento de la iglesia en rta al surgimiento de la iglesia protestante en el siglo XVII.

Se animó a los artistas a retratar temas religiosos con realismo y emoción.

Se originó en Roma y se extendió por Europa.

Pinturas, esculturas y edificios con impacto emocional abrumador.

Arte caracterizado por la exageración, saturación, movimiento, contraste vivido, movido e intenso.

Arquitectura: Fontana di Trevi, Basílica de San Pedro, Plaza de San Pedro del Vaticano (Bernini).

Escultura: rompe con la simetría y estatismo, buscan captación al instante, acentuación del dramatismo.

Muestras de este estilo en Ecuador, en Colombia.

Pintura: líneas específicas que abandonan la construcción de triángulos entrelazados y el equilibrio de lo horizontal y de lo vertical heredado del renacimiento y lo reemplazan por la diagonal, universo eminentemente teatral, busca la emoción, el movimiento, la tensión.

Un sin número de representantes: Jose Ribera: Español – tenebrismo.

Bartolomé Esteban Murillo, Bernini, Caravaggio, Gentileschi, Peter Paul Rubens, Jan Van Eyck, Fran Hals, Rembrandt van Rijn, Antonio Van Dyck, Johannes Vermeer, Leyster, Diego de Velásquez “las meninas”.

1.700 – 1.750 Rococó

Francia la capital de este estilo.

A principios del siglo XVIII este estilo reemplazó al Barroco.

Capturaban la belleza, riqueza y alegría de una sociedad despreocupada y aristocrática.

Predominio de la aristocracia y expresión de la vida lujosa.

Se pensaba más en representar el amor y el romance de estas personas adineradas, uso de tonos pasteles.

Arquitectura: el palacio de Versalles, uso del dorado, Catedral de San pablo en Londres, palacio de Catalina en San Petersburg en Rusia, Catedral de San Basilio.

Pintura: Fragonard el columpio, Jean Anotine Watteau, Nicolas Lancret, Jean Baptiste Chardin, Thomas Gainsborough, Elisabeth Louise Vigee Le Brun.

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Quattrocentro

1.400-1520 d. C Renacimiento Italiano siglo XV

Se experimenta un gran cambio artístico.

Se sitúa al hombre en el centro del mundo, rescatado de la cultura grecorromana.

El simbolismo religioso es reemplazo por el naturalismo y la racionalización del espacio visual.

Un nuevo arte basado en la naturaleza, el estudio de la geometría y la perspectiva y el equilibrio de las proporciones.

Gutenberg inventa la imprenta.

1.377 – 1.446 Brunelleschi perfecciona las técnicas del dibujo y proyección, la perspectiva su principal contribución.

1.404 – 1.472 concepción de los volúmenes.

1.378 – 1.455 Ghiberti y Donatello nuevo repertorio de formas y temas.

1.401 – 1.429 Masaccio representación ilusionista.

1.415 – 1.492 Ucello y Piero de la Francesca ciencia de la perspectiva y el escorzo.

1.431 – 1.506 Mantegra novedades pictóricas.

1.444 – 1.510 Botticelli integra todos los aspectos anteriores.

Cinquecento italiano

Segundo ciclo del Renacimiento italiano (Siglo XVI).

Plenitud del renacimiento.

Florencia conserva importancia con Miguel Ángel, Leonardo Da Vinci y Raphael fueron comisionados por los papas de Roma para crear obras de arte ambiciosas que glorificaran temas religiosos.

Julio II y León X serán los principales papas que atraen el arte a Roma.

Aumento de colores en la paleta del renacimiento.

1.500 – 1.505 d.C El Bosco obras que representan la creación del mundo.

Sandro Botticelli: pinturas muy reconocidas posterior a su muerte.

Leonardo Da Vinci: culto y polifacético, “la última cena”, “el hombre de Vitrubio”, “La Gioconda”.

Arquitectura: cúpula de la catedral de Florencia de Bruneleschi.

Miguel Ángel “capilla sixtina del Vaticano”, basílica de San Pedro, Palazzo dei Conservatori.

Escultura: cuerpo humano retoma importancia, proporción como belleza y cuerpos desnudos, materiales nobles: mármol y bronce. La obra maestra es “la Piedad” de Miguel Angel pero el David también es muy reconocido.

Rafael aprende la técnica de sfumato y la ilusión tridimensional de Da Vinci, pintó en la capilla sixtina. Obras: “la escuela de Atenas”.

Otros artista reconocidos fueron: Tiziano, Durero, Donatello.

1540-1600 d.C Manierismo

En contra de los objetivos renacentistas.

La muerte de los artistas reconocidos llevo a la aparición de un nuevo estilo.

Distorsión de las formas de los fundamentos clásicos, desequilibrio, colores irreales, se llegó a considerar arte falso y lujoso.

Se da la reforma protestante en 1.517

Caracterizado por intensidad cromática, concebir el arte como un fin en sí mismo, contraste de luces y sombras “la tensión expresiva”, la búsqueda de la inquietud frente al equilibrio.

Artistas destacados: Parmiginiano, Tintoretto, el Greco.

Escultura: visión giratoria anticipada de Miguel Angel, se descubren nuevos planos.

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330 – 1.500 d.C- edad media

100 – 313 d. C Arte paleocristiano: se promueve la devoción a un único Dios.

El imperio romano se divide en 2.

Constantino firma el edicto de Milán y el Cristianismo se convierte en religión oficial.

Pasamos del antropocentrismo al teocentrismo.

Catacumbas: cementerios colectivos y lugar de las primeras misas, tenían frescos.

Basílica como el modelo de edificio para adorar.

300-500 d.C Imperio Bizantino

En oriente lo que queda del Imperio Bizantino se transforma a imperio Bizantino, actual Turquía.

Combina influencia griega, romana y oriental.

El arte glorifica la religión Cristiana.

Uso de mosaicos para decorar muros e iglesias.

Arquitectura

Mayor uso de cúpulas, mosaicos, carecen de volumetría.

475 – 1.050 d.C Arte medieval

Fue conocida como la “edad oscura” de poco florecimiento pero en realidad hay avances en lo arquitectónico, político y en el lenguaje.

Dinastía Carolingia – monasterios y escuelas.

Feudalismo – creación de basílicas y monasterios.

1.000– 1.100 d. C Arte Románico

Se desarrolla en zonas rurales.

Iglesias construidas de madera.

El sistema feudal alcanza su apogeo.

El nombre deriva de la similitud con Roma.

Arquitectura: Paredes gruesas, uso de ladrillo, ventanas pequeñas, entradas con doble pórtico, uso de arco de medio punto, naves de la basílica en forma de cruz,

Monasterios, basílicas, iglesias con contrafuertes,

Creación de castillos.

Escultura: con tallados en relieve.

Pintura: con colores brillantes.

1.000 – 1.500 d.C Arte gótico

Importancia de la catedral, conocido también como el estilo ojival.

Se considera el arte triunfal de la arquitectura medieval.

Término gótico a los edificios que reemplazaron las formas clásicas.

Catedrales con arcos apuntados, muelles, arbotantes, gárgolas y vitrales que dan una hermosa iluminación natural.

1.163 – 1.345 Catedral de Notre Dame en París

Otros ejemplos: Catedral de Toledo, de Santa María del Mar

Escultura: alargadas, movimiento vertical.

Pintura: en paneles de madera, la de Duccio una de las mas famosas, otros pintores: Giotto, hermanos Serra.

Arte Mozárabe: Fruto de la relación entre comunidades cristianas y los musulmanes, mezquitas.

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Término usado para las culturas ya desarrolladas antes de la llegada de Cristóbal Colón a América, también se denominan prehispánicas.

Datan del 3.000 a. C. – 1.550 d. C

Le asignan a ciertos animales poderes cósmicos

Siglo IV a. C Ecuador: cerámica bien hecha, artefactos de piedra, concha y hueso

3.350 a. C Colombia: desarrollo tecnológico y estético de la cerámica es notable.

500 a.C – 500 d.C: San Agustín – Tierradentro: múltiples estructuras megalíticas, joyas talladas en oro. Múltiples culturas como la Muisca, Calima, Tayrona, Sinú, Quimbaya.

CULTURAS ANDINAS: Asentadas a lo largo de la cordillera de los Andes.

Período preformativo: Las primeras fueron Chavín, Moches, Nascas e Incas.

CULTURAS MESOAMERICANAS:

Período formativo o preclásico: 3.000 a.C-300 a. C: Olmecas, Zapotecas, Mayas.

Período epiclásico: 700 -950 a.C: período de violencia y caos social, ocaso de los Teotihuacanes.

Período postclásico: 950 – 1521 d. C: cultura mixteca, Tolteca, Aztecas.

Arquitectura: Pirámides, calendarios solares o lunares, construcciones de pueblos completos en zonas elevadas y con sistemas fluviales.

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753 a. C: Fundación de Roma

Influencia inicial por los reyes Etruscos.

509 – 27 a. C : República Romana

Gran parte de su arte es copia del arte griego

Crearon grandes monumentos arquitectónicos

Eran excelentes ingenieros y arquitectos

Persiste el antropocentrismo

Querían mas naturalidad y menos rigidez en la escultura

Cerámica barnizada en rojo

27 a. C – 476 d. C: Imperio Romano

Caracterización cada vez mas vigorosa y realista en los bustos

Se pintan frescos al interior de las edificaciones

Construyen templos, acueductos, termas, anfiteatros, circos, panteones, basílicas y arcos del triunfo

101 - 106 d.C. La conquista de Trajano: uno de los últimos emperadores que venció a los Dacios- columna de trajano

410 – 476 d. C Caída del Imperio Romano

Existen varias teorías, se acepta que Constantino cambia de capital, Atenas es saqueada y destruida, se pierde poderío.

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Los predecesores fueron la cultura “minoica-micénica-” estas fueron civilizaciones prehelenisticas y datan incluso desde el paleolítico. Se reconocen el templo de Cnosos en la cultura minoica y la máscara de Agamenón. La puerta de los leones en Micenas.

Desde el 900 – 146 a.C

Fue una cultura antropocéntrica

Diferentes polis que tenían en común el idioma, la religión y tradiciones pero estaban separadas geográficamente.

Tiene diferentes épocas:

750-735 a.C  Geométrica (cráteras y ánforas), los dibujos eran realizados de forma geométrica en las cerámicas.

735-480 a. C  Arcaica (figuras antropomorfas, mas realistas, policromia).

480-300 a. C Clásica (equilibrio entre el orden y la estructura, uso del bronce, estructuras en movimiento, mimesis. Ej: discobolo de mirón, el doríforo de policleto).

300-146 a. C Helenística (persiste el antropocentrismo, habla de las victorias en las guerras). La Venus de Milo data de esta época y se desconoce su creador. Púgil en reposo, Lacoonte y sus hijos.

Arquitectura:

447 – 438 a. C: Partenón de Atenas (templo de la Diosa Atenea) piedra caliza y mármol.

Acrópolis: ciudades en la cima.

Órdenes: Dorico (hombre), Jónico (mujer), corintio (doncellas).

Cariátides (escultura + arquitectura, mujeres que soportaban el peso del mundo).

Atlantes, son los homólogos masculinos de las cariátides. Se podría decir que hombres en forma de escultura que se integran como columnas en las edificaciones.

Se emplea el contrapposto en las esculturas.

Crearon teatros, estadios, ágoras, la estoa de Atalo (era como un centro comercial, ahora es un museo)

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3.500 a.C – 31 a.C

Civilización que se basaba en faraones, imperios y dinastías.

Se asentaron sobre el río Nilo.

Tienen sus propios dioses antropomorfos.

Los animales hacen parte de la iconografía (antropomorfismo).

El libro de los muertos: escritura

Son imágenes en bajo relieve.

Se cumple la ley del alto perfil.

La composición narra cuadros escenográficos.

Imperio Antiguo: momificación, vasos canopos, triada de micerino (alto relieve). Paleta de Narmer uno de los documentos mas antiguos de Egipto.

Imperio Medio: subida de los nobles, unificacón del imperio, datan de esta los shabti y esfinges.

Imperio Nuevo: Es la etapa mas brillante, uso de carruajes y caballos. Bustos de los faraones.

Muestras Arquitectónicas:
Gusto por las estructuras colosales

Pirámide de Zoser: 2.650 a. C: la más antigua, hecha en piedra.

Pirámide de Giza: 2.545 – 2.520 a. C (Keops),  Kefren y Micerinos (eran tumbas). Hecha en piedra, única maravilla antigua aun en pie.

Mastabas e Hipogeos (otras formas de tumbas).

Desarrollo de columnas en el templo de Luxor

Templos dedicados a los dioses favoritos de cada faraón y mas refinados que el anterior (sala hipostila, templo de Amón, templo de Amón en Luxor, templo de Karnak, templo de Abu Simbel Ramsés II y III)

Escultura: 2.600 a.C -La gran esfinge de Giza, retrato del faraón Khrafe, Nefertiti (la primera esposa del faraón Akenaton) la más conocida del mundo, se conserva en muy buen estado. Los sarcófagos eran decorados con oro. La madera y la piedra caliza se policromaban. Los faraones se representaban como estatuas sedentes cumpliendo la ley de la frontalidad y de la simetría.
Pintura: frescos al interior de las tumbas, símbolos, colores y jeroglíficos eran la forma de escritura en aquel tiempo.

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Aparición de la tierra: hace 4.500 millones de años

Homo Neandertales: hace 230.000 años

Homo Sapiens-Sapiens: hace 120.000 a 100.000 años

Origen del arte: arte rupestre, se estima en el paleolítico (30.000 a. C auriñaciense) las pinturas más representativas:

Cueva Chauvet 40.800 - 36.000 a.C - Francia

Cueva de Lascaux 30.000 a.C - Francia

Cueva de Altamira 35.000-13.000 años – Cantabria, España

Cueva de las Chimeneas, Cantabria

Cueva Ekain Deva, España

Cueva de Cabrerets de PechMerle – Francia

Magdaleniense: pintiuras con mayor proporción y volumen.

Se representa lo que se ve, animales, partes del cuerpo, la naturaleza, se usan pigmentos.

También se identifican imágenes talladas, primeras esculturas en mármol, elementos afilados para caza.

8.000 – 2.000 a. C: Se crean estructuras megalíticas a base de piedra (menhires, cromlech y dolmenes) en el neolítico, se encuentran en todo el mundo.

Edad de los metales: pone fin a la prehistoria, primeras técnicas de metalurgia - fundición, aleaciones, se da el repujado, la creación de la cerámica, cede el sedentarismo, agricultura, doman los animales, creación de armas de guerra.