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Mujeres de tahití / Paul Gauguin/ óleo sobre lienzo/ 69 cm X 91,5 / 1891

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Comentario semana 7 Documental de Gauguin (helen dayana suarez duarte)

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Comentario semana 7 Documental de Gauguin (helen dayana suarez duarte)

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El cuadro fue echo en el segundo viaje que hizo Gauguin a la isla de Thahití. Donde se ve un tipo de mujer muy diferente a la Europea.

Gauguin pintaba mujeres que tenían rasgos diferentes a la de Europa. Las pintaba al mismo nivel como un retrato de una mujer "blanca". (Segundo mi opinión)

Es una obra posimprecionista y usa colores algo fuertes dando la ilusión de colores palos y perpectivas forzadas a las figuras.

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Esta obra es un óleo sobre lienzo de unos 92 x 65 cm de diámetro realizado por el pintor Pablo Picasso. En esta el autor retrata con pinceladas cubistas a Dora Maar, una de las varias compañeras afectivas que tendría a lo largo de su vida. Maar y Picasso se conocieron el verano de 1936 cuando el pintor se trasladó a la Costa Azul. En este óleo, Maar aparece encerrada entre cuatro paredes que simulan una caja de madera blanca.

Si nos detenemos por un instante, encontraremos la forma naranja y redondeada de una mandarina cuyas hojas esbozan las pestañas de Maar. Con el paso del tiempo, la visión de Picasso sobre Dora se fue deformando y del mismo modo, lo hicieron sus retratos. Comenzó a pintarla como «la mujer que llora» y su cabeza pasaría a estar decorada con un sombrero, símbolo que el pintor identificaba con la locura.

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cortesanas al borde del sena: Gustavo Courvet

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Courbet se interesó por la representación de la naturaleza, alejándose de los estereotipos del idealismo y el moralismo. Así que en esta escena muestra a dos jóvenes parisinos durmiendo bajo un árbol a orillas del Sena. Su cómodo respiro hace que la morena se desabroche la blusa, un gesto considerado provocativo por los críticos de su época; algunos expertos las consideran dos putas. Quizás Courbet quería transmitir la realidad sin reservas ni limitaciones, representar su entorno sin idealizaciones. Por tanto, sus personajes son de carne y hueso, y estas jóvenes se pueden comparar con cualquier burguesía parisina del Segundo Imperio. El arte realista no cree en modelos únicos de belleza, sublimes o clásicos, su única fuente es la observación de la naturaleza; siguiendo esta filosofía, el maestro presenta a estas dos damas, una de blanco y la otra de oscuro, para crear un contraste muy atractivo en Manet. El estilo firme y confiado de Courbet aparece en esta composición, donde la pintura y el color blanco se convierten en los protagonistas principales, sin olvidar cierta referencia a la luz.

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La obra sigue a dos mujeres que envenenan a sus hijos para satisfacer las demandas del diablo. Además, las pinturas de Goya reflejaban la creencia predominante en la época de que se acusaba a las brujas de chupar la sangre de los niños debilitados para debilitar su salud.

La obra enfatiza un romanticismo incipiente, en la que la pasión se postula sobre el carácter racional del ser humano. En esa estética de lo sublime de lo terrible es evidente una preocupación que se deslinda del proyecto ilustrado, y que tiende hacia esa desconfianza a los productos del movimiento empirista

Las obras de este pintor, que también aborda con frecuencia los temas de la magia y lo sobrenatural, pudieron ser conocidas para Goya durante su estancia en Italia (1769-1771).

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Campo de trigo con cipreses: Vincent Van Gogh

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El campo de trigo con cipreses, es una obra impresionista que nacio del deseo de su autor, el famoso Vincent Van Gogh quien en su ingreso en 1889 en el Hospital Psiquiátrico de Sint-Rémy, mirando una y otra vez por la ventana, descubrio su obsesión por los cipreses, y en una de las cartas que escribio a su hermano Theo, le dice: “Los cipreses me siguen preocupando. Me gustaría hacer algo con ellos, como los cuadros de los girasoles, porque me sorprende que nadie los haya pintado aún como yo los veo.” Y asi es como ocurrio, meses después, pintó esta obra conocida como Campo de trigo con cipreses. La cual consiguió representar la realidad del momento que se observa desde su ventana. El Viento, las montañas, nubes y mucha vegetación que plasma a la perfección en este óleo sobre lienzo.

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Habitación en Arlés
Autor: Vincent van Gogh
Oleo sobre lienzo
70.5 x 90 cm
Primera versión  1888

La pintura representa la sencillez de una habitación, la lentitud, la calma, la tranquilidad no sólo desde una propuesta subjetiva sino de una manera integrada al sujeto con el espacio, la calidez de los colores pálidos utilizados por van Gogh da la sensación del paso del tiempo, de esta manera también el autor buscaba realizar una critica a la velocidad de los cambios modernistas de la época.

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Artista: Vincent Van Gogh. Obra: The Old Tower at Dusk o La torre vieja al atardecer. Medio: óleo. Dimensiones: 35cm x 47cm Año:1884

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Esta pintura realizada por Van Gogh en 1884 esta situada en Nuenen, una pueblo en Países bajos en donde el artista vivió y trabajó, este tuvo un gran interés en pintar del natural, creó, dibujó y pintó bodegones y paisajes, sus paletas eran generalmente tonos tierra.
Esta obra llamó personalmente mi atención por su paleta de color y ese maravilloso trabajo de crear una atmosfera, generar planos y sensaciones de volumen.
Podemos ver la representación de de una mujer atravesando un camino en un campo de trigo, tal vez caminando hacia la vieja torre que se encuentra al fondo, lejos de ella, todo esto durante el atardecer mientras cae la noche y el cielo se empieza a sentir pesado y la luz empieza a irse lentamente.
La mancha, la línea abierta, la paleta de colores tierra y el uso de la perspectiva atmosférica me generan una sensación de misterio, de curiosidad que me atrae y me incita a seguir mirando para tal vez no perderme el momento en que anochezca por completo y se devele el secreto de la mujer que camina hacia la vieja torre al atardecer.

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El funeral de anarquista Galli - Carlo Carrà, 1911

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Oleo sobre lienzo, esta obra se caracteriza por trazos geométricos y lineas en movimiento, tomando como referencia al maestro Pablo Piccaso, en su forma de pintar el cubismo, idealizando de manera futurista el manejo del color y el trazo de las lineas.
Esta obra describe el violento funeral del anarquista Galli. De esta manera Carlo Carrà describe el suceso.

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Portrait of Daniel Henry Kahnweiler - Pablo Piccaso, 1910

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Comentario semana 7 - Johana Delgado Olivella

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Comentario semana 7 - Johana Delgado Olivella

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Pintura al oleo, en esta obra Pablo Piccaso tiene un fervoroso deseo por relacionarse con personas influyentes, específicamente comerciantes, corredores y críticos de arte,  para, llamar la atención de este grupo de personas utiliza estrategias visuales, de movimientos de ritmo con espátula, pincel, carboncillo, mostrando una variedad y diversidad de su técnica.

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Artista: Vincent Van Gogh Obra: Los comedores de patatas  Oleo sobre lienzo Dimensiones 82 x 114 

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comentario semana 5 Tatiana Gonzalez Franco 

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comentario semana 5 Tatiana Gonzalez Franco 

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Uno de los primeros cuadros de Van Gogh, en donde representa a los campesinos de la época comiendo su cosecha, me llama la atención la rudeza y el realismo que el le da a la obra mostrando la dura vida de los campesinos. En la mayoría de sus obras usa tonos mucho mas vivos que en esta. por lo que las tonalidades oscuras y pinceladas muy toscas representan la dureza de la escena. se ve una familia de 5 persones en ellas su rosto es algo caricaturesco, se ven cuatros rostros, pero quedo muy intrigada con el quinto en el que al parecer es una niña que esta de espalda.

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Esta obra corresponde a la etapa final de la artista donde podemos apreciar una pincelada muy suelta, vemos a una mujer frente a un espejo sin rostro lo cuál podemos interpretarlo como si fuera cualquier persona la que estuviera sentanda frente a él y esto esta relacionada a la visión femenina que la artista quizo dar a sus pinturas. Para Berthe era importante mostrar desde el sentimiento femenino la representación de la mujer en el arte.

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La Liberté guidant le peuple
Autor:  Eugene Delacroix
Óleo sobre lienzo
260cm × 325cm
1830

La pintura representa el levantamiento violento del pueblo contra el rey Carlos X de Francia. En la obra se puede apreciar a una mujer con su pecho semi desnudo guiando al pueblo, su cuerpo es símbolo de la libertad la cual toman por derecho propio y por la fuerza como forma de liberarse rompiendo la servidumbre voluntaria y tecnificada. Uno de los símbolos representativos es el gorro píleo el cual es confundido normalmente por el gorr frigio, el cual está relacionado con el proceso de manumisión en la "antigua" roma y Grecia, es decir, el proceso legal por el cual un esclavo alcanza la libertad.

Otro detalle importante es la participación de Delacroix en la escena, siendo una manifestación novedosa para la época, donde los pintores de la época comienzan a tomar un posicionamiento propio sin buscar agradar al poder, pese a que el proceso revolucionario de la época trajo sólo verdadero bienestar a la burguesía, pese a haber sido un movimiento de clase.

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Artista:Gustave Courbet (1819 - 1877) Estilo artístico: Realismo Obra:El Origen del Mundo(1866) Tamaño: 55 x 46 cm Técnica:óleo sobre lienzo

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Comentario semana 4- Allison posada Ruiz 

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Comentario semana 4- Allison posada Ruiz 

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En esta obra podemos ver cómo Gustave Courbet rompe con la visón de la academia que tenían hasta ese momento, y creo una obra que es considera como de las primeras obras "pornográficas" de la época.
Realmente nos deja pensando en qué clase de arte consideraba la academia como "apropiado" y por qué dejar de considerar arte a otras cosas.
Es una gran pintura que le dejo paso a mucha gente de poder salir de las reglas de la academia y seguir su propio camino fuera de esta, en mi opinión.

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Como en sus otras obras Francisco de Goya representa la situación social y política de España. Esta obra refleja una crítica a la inquisición que se vivió en España, y también nos refleja la superstición que tenían las personas de esa época.

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Comentario semana 4 - Johana Delgado Olivella

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Comentario semana 4 - Johana Delgado Olivella

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Pintura al oleo, esta pintura caracteriza la realidad y deshumanización que se vive en ese siglo, el exceso de trabajo, la desprotección de los niños.

Esta obra es una representación de los desesperados y los desafortunados durante la bella época de parís, los vagabundos, los niños mendigos, las ancianas desprotegidas.

Esta obra tuvo un efecto de rechazo los críticos protestaron sobre su obra

En esa época era un estándar para muchos pintores como Bouguerean, Cabanel, Courvet, que representaban familias sin hogar, mendigos, etc. Esta obra representa el naturalismo de Emile Zola de la novela I'Assommoir (una historia de pobreza y desesperación).

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El Aquelarre, o El gran Cabrón
Autor: Francisco de Goya
Óleo sobre revoco, trasladado a lienzo
140 cm × 438 cm
1819

La pintura realizada por Goya representa el aquelarre, mediante el cual reconstruye una reunión de brujas. Esta es una de las pinturas al óleo sobre revoco que conforman las llamadas Pinturas negras,  que decoró los muros de su casa de la Quinta del Sordo.

En la imagen se pueden ver dos personajes principales que están de espalda, una mujer y una figura antropomórfica con cabeza de carnero.

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Comentario semana 3 - HELEN DAYANA SUAREZ DUARTE  G 1

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Comentario semana 3 - HELEN DAYANA SUAREZ DUARTE  G 1

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Derpi en  Epsom
Autor: Theodore gericault
92cm x 123cm
1821

La obra es la representación de una carrera de caballos que compite cuatro personas.

También se ve en la obra 2 planos:
1-Primero plano (los 4 jinetes)
2-Plano posterior (el paisaje)

Se ve en la obra que los caballos están "levitando" pero esto es más bien la idea de lo que pensaba la gente en esa época. Debido a que se ve esa ilusión cuando los caballos llegan a una gran velocidad.

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El coloso, Francisco Goya y Asensio Julià, 1808-1812

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Comentario semana 3 - Johana Delgado Olivella 

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Comentario semana 3 - Johana Delgado Olivella 

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Obra apocalíptica al oleo impactante por el estilo romántico basado en la historia de España a principios del siglo XIX, mostrando de que manera se vivía la situación en el gobierno de Napoleón, el manejo de la técnica define la luminosidad, el claro oscuro, la estructura armónica de las dimensiones y formas entre lo real e irreal, esta obra fue pintada durante la guerra de la independencia de España, simboliza el enfrentamiento bélico.

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El nacimiento de Venus, Sandro Botticelli, 1485-1486

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Comentario semana 2 - Johana Delgado Olivella

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Comentario semana 2 - Johana Delgado Olivella

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Pintura al oleo trabajada con la técnica de capa tras capa respetando las perspectivas, valores tonales y análisis de la forma y figura humana, la idealización mitológica es importante por la apreciación del valor a la fertilidad, a la feminidad en el ser humano