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Os gregos antigos se destacaram muito no mundo das artes. As esculturas, pinturas e obras de arquitetura impressionam, até os dias de hoje, pela beleza e perfeição.

Os artistas gregos buscavam representar, através das artes, cenas do cotidiano grego, acontecimentos históricos e, principalmente, temas religiosos e mitológicos. As grandes obras de arquitetura como os templos, por exemplo, eram erguidas em homenagem aos deuses gregos.

Outras importantes características gerais, da arte grega, que podemos citar são: valorização do ser humano, presença da beleza, representação de valores morais e cívicos e a busca pela representação da natureza.

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A Arquitetura Grega se desenvolveu a partir do século VIII a.C., sendo inspirada nos estilos jônico, o dórico e o coríntio. Nas grandes construções gregas, os materiais mais utilizados eram as pedras, mármore, madeira e calcário. Naquele tempo, as estruturas já contavam com uma grande engenharia, simetria e o uso de cálculos e proporções matemáticas.

Na arquitetura grega destacam-se os templos, geralmente locais onde se realizavam diversas celebrações (acontecimentos civis, eventos esportivos, etc.) e cultos aos deuses, da qual se destaca a Acrópole e o Parthenon de Atenas, na capital grega.

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A pintura grega teve na cerâmica a sua maior representação. Entretanto, assim como em outras sociedades antigas, surge ainda na arte estatuária e como componente decorativo de estruturas arquitetônicas.

Foi com os vasos gregos que essa manifestação artística se realizou plenamente, apresentando composições harmoniosas e detalhadas.

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Os gregos, por sua vez, conseguiram dar a essas representações estáticas o movimento, a beleza idealizada ou perfeita, bem como proporções equilibradas.
Aos poucos, os braços estendidos pelo corpo ganharam algum movimento ao mesmo tempo que os músculos sobressaíam das suas esculturas e outros detalhes se somavam, tal como os cabelos.

Além das figuras humanas também foram feitas figuras de animais.

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O movimento artístico que chamamos “Renascimento” nasceu na Itália, em Florença, nas primeiras décadas do século XV. Nos finais de 1400, tinha-se espalhado por toda a Itália. Na primeira metade do século seguinte, quando Roma se sobrepunha a Florença como principal centro artístico, tinha alcançado os resultados mais clássicos.

Este movimento, embora bastante complexo e variado internamente, estabeleceu princípios, métodos e, sobretudo, formas originais e típicas, mas comuns.

Características

As principais características da arquitetura renascentista são:

·         Retomada dos modelos clássicos

·         Visão humanista e racionalista

·         Uso da matemática e da geometria

·         Busca da perfeição e da beleza

·         Preocupação com a proporção

·         Formas equilibradas e harmoniosas

·         Burca da simetria e da ordem

·         Estilo formal e individual

·         Temas religiosos, mitológicos e da natureza

·         Uso dos arcos, abóbodas, cúpulas e colunas

·         Predomínio das linhas horizontais

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A pintura Renascentista do século XV apresenta uma série de elementos e técnicas, procedentes e aprimoradas do início do século.  Os artistas nesse contexto substituem a têmpera e o fresco pela pintura a óleo; utilizam novos suportes como a tela e desenvolvem rigorosamente e cientificamente a técnica da perspectiva.
As principais características da pintura são:

Perspectiva: arte de figura, no desenho ou pintura, as diversas distâncias e proporções que têm entre si os objetos vistos à distância, segundo os princípios da matemática e da geometria;

Uso do claro-escuro: pintar algumas áreas iluminadas e outras na sombra, esse jogo de contrastes reforça a sugestão de volume dos corpos;

Realismo: o artista do Renascimento não vê mais o homem como simples observador do mundo que expressa a grandeza de Deus, mas como a expressão

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Ao contrário, por exemplo, da arte grega, o Renascimento já não sentiu a necessidade de elaborar para a escultura uma série de regras comparáveis às da arquitetura. O que não quer dizer que faltassem, na escultura renascentista, formas e tendências características.

Simplesmente, a passagem da arte do período anterior é menos brusca, é mais uma questão de gosto do que de teoria. Acima de tudo, o reconhecimento de uma escultura renascentista é feito procurando os motivos de fundo em que ela se inspira.

Os principais motivos são:

§  Acentuado naturalismo, ou seja, a procura de verossimilhança;

§  Um forte interesse pelo homem, pela forma de seu corpo, da sua expressão;

§  Gosto marcado não só pelo conhecimento e técnica, como pela ostentação de conhecimento;

§  Aspiração pela monumentalidade;

§  Esquemas compositivos, quer dizer formas globais, geometricamente simples.

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Catedral de Santa Maria del Fiore em Florença, Itália

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Na renascença italiana formada nos mesmos princípios da geometria harmoniosa em que se baseavam a pintura e a escultura, a arquitetura recuperou o esplendor da Roma Antiga.

Os arquitetos renascentistas mais notáveis foram Leon Battista Alberti, Filippo Brunelleschi, Donato Bramante, Andrea Palladio e Michelangelo Buonarotti.

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A Catedral de Milão, na Itália, é um exemplo de arte gótica

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A arte gótica foi uma expressão artística da Baixa Idade Média (século XII) que perdurou até o Renascimento. Denominada de arte das catedrais, ela era realizada nas cidades. Foi uma reação ao estilo românico e pretendeu rivalizar com os mosteiros e basílicas que eram construídas no campo.

O marco histórico desse movimento ocorreu nas imediações de Paris, quando a Abadia Real de Saint-Denis foi construída, entre os anos de 1137 e 1144.

Essa basílica é considerada a primeira edificação com características da arte gótica, como sua fachada com três portais que levam às três naves dentro da igreja.

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Rosácea no interior da Abadia de Saint- Denis (França)

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A arquitetura foi a principal expressão da arte gótica e a ela estará atrelada à pintura e à escultura.

A desmaterialização das paredes, agora mais finas e leves, bem como a distribuição da luz no espaço, possibilitada por um número maior de vãos e janelas, permitiu um espaço mais livre e luminoso.

A luz mística e a grandiosidade constituem o veículo para comunhão com o divino.

O arco em ponta e a rosácea - também chamada de mandala - serão atributos continuamente presentes nesse estilo arquitetônico, o qual busca substituir o horizontalismo românico pela verticalidade gótica.

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Rosácea no interior da Abadia de Saint- Denis (França)

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À esquerda, escultura de Giovanni Pisano (1305). À direita, O Cavaleiro, autoria desconhecida, cerca de 1235, na Catedral de Bamberg (Alemanha).

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A escultura gótica também expressa o desejo de verticalidade. Contudo, esboça também o naturalismo capaz de atribuir movimento e vida às esculturas, as quais são, quase sempre, um complemento à arquitetura. Também era comum a presença de esculturas de monstros ou figuras humanas nos telhados das igrejas góticas, a fim de escoar as águas

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Afresco A lamentação (1306), pintado por Giotto di Bondone, na Capela de Scrovegni, Pádua, Itália

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A pintura gótica irá se delinear claramente em meados de 1350, quando terá lugar fora da arquitetura, à qual adornava murais, afrescos e vitrais.

De toda forma, ela buscou transmitir o mesmo naturalismo e simbolismo religioso da escultura e da arquitetura.
Os vitrais, pedaços coloridos de vidro unidos por chumbo, tinham como objetivo emocionar o expectador e ensiná-lo sobre a religião católica.

De forma mais autônoma, a pintura irá se desenvolver nas iluminuras dos manuscritos, onde o volume irá se aproximar das formas escultóricas que adornam a catedral.

É muito comum, nessas pinturas, a substituição da luz por fundos dourados, bem como a figuração de personagens religiosos com pouco volume.

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Expressionismo é o nome de uma vanguarda artística europeia do início do século XX.

Esse movimento artístico está entre os primeiros representantes das vanguardas históricas e talvez, o primeiro a focar em aspectos subjetivos, valorizando a expressão emocional do ser humano. , o consenso é de que tenha surgido na Alemanha em meados de 1905, por isso, essa corrente é também chamada de Expressionismo alemão.

Com uma visão trágica do ser humano, muito por conta do contexto histórico da Primeira Guerra Mundial, o Expressionismo, como o próprio nome sugere, busca ser uma expressão dos sentimentos e das emoções.

Assim, os artistas exageram e distorcem os temas em seu processo de catarse, revelando, sobretudo, o lado pessimista da vida.

Esta escola utilizou a arte enquanto forma de refletir a angústia existencialista do indivíduo alienado, fruto da sociedade moderna, industrializada.

Dessa forma, podemos destacar como importantes características desse movimento:

contraste e intensidade cromática;

valorização do universo psicológico, sobretudo de sentimentos densos, como a angústia e solidão;

dinamismo e vigor;

técnica abrupta e "violenta" na pintura, com grossas camadas de tinta;

valorização de temas sombrios, trágicos.

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Torre Einstein Potsdam (1921), de Erich Mendelsohn

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A arquitetura expressionista empreendeu o uso de novos materiais. Com isso, ampliou as possibilidades de fabricação em larga escala de materiais de construção como o tijolo, o aço ou o vidro.

Escultura Expressionista

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Mãe com os filhos (1927 - 1937), da artista Käthe Kollwitz

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A escultura expressionista variou muito segundo cada artista, os quais tiveram em comum apenas a temática da distorção das formas.

Escultura Expressionista

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A pintura expressionista deu grande ênfase nas cores como forma de criar efeito de dinamismo e o sentimentalismo fruto de suas emoções e sentimentos mais profundos.

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Kasimir Edschmid (1890-1966) foi um escritor expressionista alemão

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Na literatura expressionista, a guerra, a cidade, o medo, a loucura, o amor e a perda da identidade serão uma forma de retratar em palavras a sociedade burguesa da sua época. Além do militarismo, a alienação do indivíduo e a repressão familiar, moral e religiosa.

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Arnold Schoenberg (1874-1951) foi um compositor austríaco expressionista

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A música expressionista primava pela separação da música de qualquer fenômeno externo. Refletia o seu estado anímico do compositor, alheio das regras e convenções acadêmicas.

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O gabinete do Dr. Caligari (1920), de Robert Wiene

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No cinema, as produções traziam um universo pessimista e dramático. Com cenários fantasmagóricos, atuações e caracterizações exageradas, os filmes desse período enfatizavam conflitos psicológicos das personagens.

Deixou-se de realizar esse tipo de cinema com o surgimento do nazismo na Alemanha, que partir de então apenas teve produções de propaganda do governo e entretenimento.

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Demoiselles d'Avignon (As damas d'Avignon) - Pablo Picasso

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O cubismo foi uma vanguarda artística europeia marcada pelos uso de formas geométricas. Surgido no início do século XX na França, esse novo estilo rompeu com os modelos estéticos que só valorizavam a perfeição das formas.

Esse movimento pode ser considerado o primeiro a se caracterizar pela incorporação do imaginário urbano industrial em suas obras. Abrangeu sobretudo as artes plásticas e influenciou a literatura.
O marco para o surgimento do cubismo foi em 1907, com a tela Les Demoiselles d'Avignon (As damas d'Avignon), do pintor espanhol Pablo Picasso.
CARACTERÍSTICAS DO CUBISMO
Com o cubismo teremos um tratamento geométrico das formas da natureza.

Assim, elas passam a ser representadas pelos objetos em todos os seus ângulos no mesmo plano, constituindo uma figura em três dimensões.

Predominam as linhas retas, modeladas basicamente por cubos e cilindros, dada a geometrização das formas e volumes. Essa técnica que renuncia à perspectiva, assim como ao "claro-escuro", causa uma sensação de pintura escultórica.

No plano conceitual, o cubismo pode ser considerado como uma arte que privilegia o exercício mental como maneira de expressão das ideias. Ao romper com a perspectiva consagrada das linhas de contorno, a natureza passa a ser retratada simplificadamente. Isso permite maior abstração sobre os atributos estéticos da obra, ao mesmo tempo em que recusa a ideia de arte enquanto pura imitação da natureza.

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Também chamada de fase pré-analítica, o nome já indica que esse período foi caracterizado pela influência dos trabalhos do artista plástico francês Paul Cézanne.

Nessa fase, os artistas começaram suas experiências com as simplificações das formas e mais tarde passaram a representar as figuras dispostas em um mesmo plano.

Era como se estivessem abertas na tela, vistas de frente pelo público.

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A fase analítica caracterizou-se pela cor moderada, acentuando-se tons de marrons, pretos, cinzas e ocres. Tal escolha das cores se deu pois o mais importante era a exibição do tema fragmentado, disposto em todos os ângulos possíveis.

Esse esfacelamento das formas chegou a níveis tão elevados que, ao final, as figuras acabaram por se tornarem irreconhecíveis.

Fase do Cubismo Sintético (1911)

À esquerda, Homem no Café (1914), de Juan Gris. À direita, Mulher com Violão (1908), de Braque

O cubismo sintético caracterizou-se pelas cores mais fortes e um retorno ao figurativo, na medida em que buscou tornar as figuras reconhecíveis novamente, mas sem voltar a um tratamento realista.

Nessa fase, passa-se a empreender o método de colagem, fixando objetos reais na tela, como pedaços de madeira, vidro e metal.

Além disso, introduziram recortes de jornais com palavras e números. Esses recursos eram utilizados a fim de extrapolar os limites das sensações visuais que a pintura insinua, explorando os sentidos do tato também.

Cubismo e Ciência

No início do século XX houve uma admirável convergência de saberes e interesses de vários campos do conhecimento.

Nesse momento, a arte irá se colocar, especialmente com o cubismo, em sintonia com investigações científicas de ponta que ocorriam na física e na geometria.

Quando o cubismo rompeu com séculos de prioridade do uso da perspectiva na representação pictórica, acabou por conduzir às noções geométricas de hiper poliedros e multidimensionalidade.

Isso permitiu aos artistas cubistas a formulação de um conceito espacial até então inédito, a saber, a "quarta dimensão". Nela, as propriedades espaço-temporais estão em afinidade com a "Teoria da Relatividade" (1905) de Einstein.

Veja também: Pinturas famosas do mundo

Cubismo no Brasil

À esquerda, São Paulo (1924), de Tarsila do Amaral. À direita, Pietà (1966), de Rego Monteiro

No Brasil, somente após a Semana de Arte Moderna de 1922 é que o movimento cubista irá ganhar força.

Ainda que os artistas brasileiros não tenham se entregado às características exclusivamente cubistas, é possível perceber influências claras dessa vertente.

A artista Tarsila do Amaral foi umas personalidades que utilizou características cubistas em suas telas. Nelas, notamos a influência dessa vanguarda europeia pelo uso das formas geométricas.

Ainda nas artes plásticas, vale ressaltar os trabalhos de outros artistas brasileiros: Anita Malfatti, Rego Monteiro e Di Cavalcanti.

Já a literatura cubista no Brasil teve como destaque as obras dos escritores: Oswald de Andrade, Raul Boop e Érico Veríssimo. Note que a literatura cubista teve como foco a "destruição da sintaxe", pondo fim à linearidade.

Veja também: 10 obras modernistas de Tarsila do Amaral

Principais Pintores Cubistas

Os maiores representantes da pintura cubista foram:

Pablo Picasso (1881-1973)

Georges Braque (1882-1963)

Juan Gris (1887-1927)

Fernand Léger (1881-1955)

Diego Rivera (1886-1957)

Principais Escultores Cubistas

Os maiores representantes da escultura cubista foram:

Raymond Duchamp-Villon (1873-1918)

Constantin Brancusi (1876-1957)

Principais Escritores Cubistas

Os principais escritores com influência do cubismo foram:

Guillaume Apollinaire (1880-1918)

Jean Cocteau (1889-1963)

Oswald de Andrade (1890-1954)

Érico Veríssimo (1905-1975)

Raul Bopp (1898-1984)

Exercícios sobre Cubismo (Enem e Vestibular)

1. (Enem/2011)

PICASSO, P. Guernica. Óleo sobre tela. 349 X 777 cm. Museu Reina Sofia, Espanha, 1937.

O pintor espanhol Pablo Picasso (1881–1973), um dos mais valorizados no mundo artístico, tanto em termos financeiros quanto históricos, criou a obra Guernica em protesto ao ataque aéreo à pequena cidade basca de mesmo nome. A obra, feita para integrar o Salão Internacional de Artes Plásticas de Paris, percorreu toda a Europa, chegando aos EUA e instalando-se no MoMA, de onde sairia apenas em 1981. Essa obra cubista apresenta elementos plásticos identificados pelo:

a) painel ideográfico, monocromático, que enfoca várias dimensões de um evento, renunciando à realidade, colocando-se em plano frontal ao espectador.

b) horror da guerra de forma fotográfica, com o uso da perspectiva clássica, envolvendo o espectador nesse exemplo brutal de crueldade do ser humano.

c) uso das formas geométricas no mesmo plano, sem emoção e expressão, despreocupado com o volume, a perspectiva e a sensação escultórica.

d) esfacelamento dos objetos abordados na mesma narrativa, minimizando a dor humana a serviço da objetividade, observada pelo uso do claro-escuro.

e) uso de vários ícones que representam personagens fragmentados bidimensionalmente, de forma fotográfica livre de sentimentalismo.

Ver Resposta

Veja também: Guernica de Pablo Picasso

2. (Enem/2012 - adaptada)

O quadro Les Demoiselles d’Avignon (1907), de Pablo Picasso, representa o rompimento com a estética clássica e a revolução da arte no início do século XX. Essa nova tendência se caracteriza pela:

a) pintura de modelos em planos irregulares.

b) mulher como temática central da obra.

c) cena representada por vários modelos.

d) oposição entre tons claros e escuros.

e) nudez explorada como objeto de arte.

Ver Resposta

Veja também: 15 questões de artes que caíram no Enem

3. (Unifesp/2018)

Tal vanguarda rompeu radicalmente com a ideia de arte como imitação da natureza, prevalecente na pintura europeia desde a Renascença. Seus principais adeptos abandonaram as noções tradicionais de perspectiva,

tentando representar solidez e volume numa superfície bidimensional, sem converter pela ilusão a tela plana num espaço pictórico tridimensional. Múltiplos aspectos do objeto eram figurados simultaneamente; as formas visíveis eram analisadas e transformadas em planos geométricos, que eram recompostos segundo vários pontos de vista simultâneos. Tal vanguarda era e dizia ser realista, mas tratava-se de um realismo conceitual, e não óptico.
Ian Chilvers (org). Dicionário Oxford de arte, 2007. Adaptado.
Uma pintura representativa da vanguarda à qual o texto se refere está reproduzida em:

Ver Resposta

Confira também essa seleção de questões que separamos para você testar seus conhecimentos: Exercícios sobre Vanguardas Europeias.

Para saber mais sobre outras vertentes das vanguardas europeias, leia:

Expressionismo

Impressionismo

Fauvismo

Futurismo

Surrealismo

Dadaísmo

Quiz de História da Arte

Veja também: História da Arte: definição, aspectos e períodos

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Laura Aidar

Arte-educadora, artista visual e fotógrafa. Licenciada em Educação Artística pela Universidade Estadual Paulista (Unesp) e formada em Fotografia pela Escola Panamericana de Arte e Design.

Veja também

Futurismo

Expressionismo

Dadaísmo

Fauvismo

8 obras importantes do cubismo

Surrealismo

Abstracionismo

Pablo Picasso

Leitura Recomendada

Vanguardas Europeias

Cores Secundárias

Pop Art

Abstracionismo

O que são Artes Visuais?

Arte Urbana

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O cubismo sintético caracterizou-se pelas cores mais fortes e um retorno ao figurativo, na medida em que buscou tornar as figuras reconhecíveis novamente, mas sem voltar a um tratamento realista.

Nessa fase, passa-se a empreender o método de colagem, fixando objetos reais na tela, como pedaços de madeira, vidro e metal.

Além disso, introduziram recortes de jornais com palavras e números. Esses recursos eram utilizados a fim de extrapolar os limites das sensações visuais que a pintura insinua, explorando os sentidos do tato também.

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No Brasil, somente após a Semana de Arte Moderna de 1922 é que o movimento cubista irá ganhar força.Ainda que os artistas brasileiros não tenham se entregado 

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No Brasil, somente após a Semana de Arte Moderna de 1922 é que o movimento cubista irá ganhar força.

Ainda que os artistas brasileiros não tenham se entregado às características exclusivamente cubistas, é possível perceber influências claras dessa vertente.

A artista Tarsila do Amaral foi umas personalidades que utilizou características cubistas em suas telas. Nelas, notamos a influência dessa vanguarda europeia pelo uso das formas geométricas.

Ainda nas artes plásticas, vale ressaltar os trabalhos de outros artistas brasileiros: Anita Malfatti, Rego Monteiro e Di Cavalcanti.

Já a literatura cubista no Brasil teve como destaque as obras dos escritores: Oswald de Andrade, Raul Boop e Érico Veríssimo. Note que a literatura cubista teve como foco a "destruição da sintaxe", pondo fim à linearidade.

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O surrealismo foi uma das vanguardas artísticas europeias que surgiu em Paris no início do século XX.
Esse movimento originou-se em reação ao racionalismo e ao materialismo da sociedade ocidental.

ORIGEM
Na Europa, o período entre as duas guerras (1918-1939) ficou conhecido como "os anos loucos". Assim, a incerteza sobre a predominância da paz levou ao desejo de "viver apenas o presente".

Foi nesse período de insatisfação, desequilíbrio e contradições, que surgiram diversos movimentos artísticos voltados para uma nova interpretação e expressão da realidade.

Esses movimentos ficaram conhecidos como "vanguardas europeias".
André Breton (1896-1966), escritor francês e ex-participante do Dadaísmo, rompeu com o líder do movimento dadaísta Tristan Tzara.

Com isso, lançou em Paris, em 1924, o Manifesto Surrealista, que trouxe para o mundo um novo modo de encarar a arte. Segundo ele, o termo consiste em:

SURREALISMO, s.m. Automatismo psíquico puro pelo qual se propõe exprimir, seja verbalmente, seja por escrito, seja de qualquer outra maneira, o funcionamento real do pensamento. Ditado do pensamento, na ausência de todo controle exercido pela razão, fora de toda preocupação estética ou moral.

CARACTERÍSTICAS

pensamento livre;

expressividade espontânea;

influência das teorias da psicanálise;

criação de uma "realidade paralela";

criação de cenas irreais;

valorização do inconsciente.

O surrealismo propõe a valorização da fantasia, da loucura e a utilização da reação automática. Nessa perspectiva, o artista deve deixar-se levar pelo impulso, registrando tudo o que lhe vier à mente, sem se preocupar com a lógica.

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A persistência da memória, de Salvador Dali (1904-1989)

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A persistência da memória, de Salvador Dali (1904-1989)

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Os amantes, de René Magritte (1898-1969)

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Os amantes, de René Magritte (1898-1969)

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Pop Art é um movimento artístico que se caracteriza pela reprodução de temas relacionados ao consumo, publicidade e estilo de vida americano (american way of life).

O termo em inglês significa "arte popular" e surgiu durante a década de 1950, na Inglaterra. A expressão foi criada pelo crítico Lawrence Alloway durante encontros de um grupo de artistas, o "Grupo Independente". Depois, espalhou-se durante os anos de 1960, atingindo seu auge em Nova York.

A pop art não deve ser considerada um fenômeno de cultura popular (apesar de estar muito interligada a ela), mas uma interpretação de seus artistas da cultura dita popular e de massas.

Este fenômeno baseou-se, em grande medida, na estética da cultura de massas, a mesma criticada pela Escola de Frankfurt.

O movimento influenciou muito o grafismo e os desenhos relacionados à moda.

Características da pop art

Aproximação da arte com a vida cotidiana;

Utilização de cores intensas e vibrantes;

Reproduções de peças publicitárias;

Inspiração na cultura de massa;

Uso da serigrafia;

Imitação da estética industrial;

Reproduções em série do mesmo tema;

Uso da imagem de celebridades;

Inspiração no universo das histórias em quadrinhos.