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1. 작가 : 안드레아 만테나

2. 감상 : 십지가에 못 박힌 예수 그리스도가

안타까워서

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안드레아 만테냐는 15세기 이탈리아의 미술을 대표하는 화가로, 동시대는 물론 후대의 화가들에게도 깊은 영향을 미친 인물이다. 조반니 벨리니, 알브레히트 뒤러, 레오나르도 다 빈치, 안토니오 다 코레조 등의 화가들이 모두 만테냐의 양식과 기법적인 요소들을 차용했다. 다시 말해 만테냐의 혁신적인 프레스코 설계들이 몇 세기 동안의 진보를 가능하게 한 것이다.

만테냐는 이탈리아 르네상스의 전통에 따라 작업했다. 그는 특히 고대 로마의 전례들을 충실히 계승했으며, 환영적인 원근법을 능숙하게 사용했다. 그 예로 성인들에 둘러싸여 있는 성모자의 그림 유형인 '사크라 콘베르사치오네'(sacra conversazione)를 들 수 있다. 사크라 콘베르사치오네는 '성스러운 대화'라는 뜻이다.

만테냐는 회화 작업들과는 별개로 숙련된 도안가로서 다수의 판화들을 제작했는데, 오늘날 이 작품들은 당대 최고의 동판화로 평가받는다. 그는 끝이 뽀족한 도구로 그림을 직접 새기는 판화 방법인 드라이포인트 기법을 개발해, 훨씬 더 폭넓은 색조 표현을 가능하게 했으며, 또 이전보다 커다란 작품을 제작하면서 동판화의 새로운 지평을 열었다.

만테냐는 일찍부터 재능을 인정받았다. 그는 열한 살에 파도바의 화가인 프란체스코 스콰르초네의 도제가 되었고 열일곱 살에는 독자적으로 주문을 받는 화가로 성장했다. 만테냐 평생의 열정 중 하나인 고대 로마에 대한 숭배를 제외하면, 젊은 화가에게 미친 스콰르초네의 영향은 미미한 정도였다. 도나텔로의 작품은 파올로 우첼로와 자코포 벨리니의 작품은 물론 만테냐의 표현법에 상당한 영향을 미쳤다. 만테냐의 초기작 중 하나로 확인된 <성 마르코>(1440년대 경)는 원근법의 사용과 정밀한 사실주의로 그의 전성기 양식의 특징을 보여준다.

만테냐가 맡았던 최초의 대규모 작업은 파도바에 있는 오베타리 예배당의 장식이었다. 1448년에 그는 동료 화가 니콜로 피촐로와 함께 '성 야고보의 생애'를 주제로 예배당의 반을 장식해줄 것을 의뢰받았다. 예배당의 나머지 절반은 안토니오 비바리니와 조반니 달레마냐가 장식을 맡았다. 마침내 만테냐는 예배당 장식 작업의 대부분을 완성했다. 회화 작품에서의 조각적인 접근법은 근육이 잘 발달된 매력적인 형상과 고대 로마 양식의 풍성하게 주름 잡힌 옷의 묘사에서 분명하게 드러났다.

1453년에 만테냐는 자코포 벨리니의 딸인 니콜로시아와 결혼했다. 같은 해에 그는 파도바에 있는 산 쥐스티나의 베네딕트 수도회를 위해 <성 루가 제단화>의 제작을 의뢰받았다. 만테냐는 이 작품의 전경에서 특유의 정교한 처리와 원근법을 사용함으로써, 복잡한 형상의 구성으로부터 통일되고 균형 잡힌 도안을 창조해냈다.

파도바에서 큰 명성을 얻은 이후인 1460년에 만테냐는 만토바의 후작인 루도비코 곤차가의 궁정 화가가 되었다. 그는 만토바에서 활동한 최초의 유명 화가로 1466년에서부터 1488년까지 높은 급료를 받으며 곤차가 가문의 전속 화가로 일했다. 루도비코와도 막역하게 지냈다. 그의 대표작 중 몇 점이 이 시기에 그려졌는데, 두칼레 궁의 '카메라 델리 스포시(결혼의 방)'를 장식한 벽화가 그것이다. 또한 곤차가가(家)의 뛰어난 초상화들도 이 시기에 제작되었다.

로마 시기
1484년, 만테냐는 로마로 갔다. 이것은 바티칸에 있는 벨베데레 예배당을 장식해달라는 교황 인노켄티우스 8세의 요청에 의해서였다. 이 예배당은 1780년에 파괴되었지만 만테냐의 작품은 전기 작가 조르조 바사리의 글을 통해 확인할 수 있다. 다시 만토바로 복귀한 만테냐는 '카이사르의 승리'(1486~1505경)를 묘사한 아홉 점의 유화 연작에 착수했다. 이 연작은 고대 로마의 작품들을 연구한 결과물이었다.

말년에 만테냐는 프란체스코 곤차가의 배우자 이사벨라 데스테를 위해 두 점의 뛰어난 작품, 즉 일명 '마르스와 비너스'로 불리는 <파르나소스 산>(1497)과 <덕의 정원에서 악덕을 쫓아내는 팔라스>(1499~1502)를 완성했다. 주제에 대해 화가의 지적인 접근을 보여주는 이 우의화들은 예상 관람자층인 지식인들에게 상당히 높은 평가를 받았을 것이다.
1506년에 만테냐가 사망하자, 그의 아들은 만토바의 산 안드레아 교회에 아버지를 추모하는 장엄한 기념물을 지었다.

만테냐의 작업 방식
만테냐는 꼼꼼하고 정확한 작업 방식으로 인해 일의 진척이 매우 더뎌 후원자들의 불만을 산 것으로도 유명하다. 그는 드로잉에 뛰어난 화가로, 일단 계획한 디자인이 있으면 그 틀을 거의 벗어나지 않는 정밀한 밑그림을 제작했다.

· 드로잉은 만테냐에게 회화나 판화의 기초 작업이 아니라 그 자체가 하나의 독립된 작품으로 그의 예술 활동에 중요한 일부분이었다. 말년에 <홀로페르네스의 머리를 든 유딧>(1495~1500)을 포함하여 현재 완성작으로 여겨지는 드로잉의 초기 실례들인 완성도 높은 몇 점의 드로잉들을 그렸다.

· 작품의 또 다른 특이한 면은 동물의 가죽과 뼈 등을 진하게 고아서 추출해낸 물질인 '아교'를 안료에 섞어서 채료로 자주 사용했다는 점이다. 이것은 디스템퍼 기법으로 프레스코 벽화에서 볼 수 있는 유사한 불투명의 색을 만들어낼 수 있어 만테냐가 즐겨 사용했다. 이 기법을 사용한 좋은 예로는 〈로마의 키벨레 숭배 소개〉(1550경)가 있다. 거친 석재 벽면에 그려졌는데 이는 프레스코의 마무리 기법과 유사하다.

· 디스템퍼 기법으로 그린 작품들은 니스를 칠하지 않기 때문에, 시간이 지남에 따라 처음 그려졌을 당시의 아름다움을 잃는 결과가 초래되었다.

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안드레아 만테냐는 15세기 이탈리아의 미술을 대표하는 화가로, 동시대는 물론 후대의 화가들에게도 깊은 영향을 미친 인물이다. 조반니 벨리니, 알브레히트 뒤러, 레오나르도 다 빈치, 안토니오 다 코레조 등의 화가들이 모두 만테냐의 양식과 기법적인 요소들을 차용했다. 다시 말해 만테냐의 혁신적인 프레스코 설계들이 몇 세기 동안의 진보를 가능하게 한 것이다. 만테냐는 이탈리아 르네상스의 전통에 따라 작업했다.

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1.작품 명 : 공중에 떠있는 돌

2.작가 : 네마 그리트

3.감상:돌이 떨어지고 있는 것 갔다 돌이 떨어 져서 물이 많이 튀길 것 갔다. 돌이 박혀서 안 뽑힐 것 갔다.

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양복재단사인 레오폴 마그리트와 모자 상인인 아들린 사이에서 장남으로 태어난 르네 마그리트의 어린 시절은 어머니의 비극적인 죽음이 큰 부분을 차지하고 있었다. 1912년에 아들린은 샹르브 강에 몸을 던져 자살했는데, 어린 마그리트는 어머니의 시체를 강에서 건져내는 과정을 모두 지켜보았다. 드레스 자락으로 얼굴이 덮인 채 강물 위에 떠 있었던 어머니의 이미지는 마그리트의 머릿속에 각인이 되어, 그가 나중에 작품들을 제작하는 데 많은 영향을 끼쳤다. 대표적인 예로 <연인들>(1928)에서 두 남녀는 천으로 얼굴을 가린 채 묘사되어 있다. 그러나 마그리트는 이를 터무니없는 추측이라며 일축해버렸다.

1916년, 마그리트는 브뤼셀에 있는 왕립 미술아카데미에서 공부를 시작했다. 1922년에는 1913년에 처음 알게 되었던 조르제트 베르제와 결혼식을 올렸다. 그는 포스터 및 광고 디자이너를 비롯해 여러 직업들을 전전하다가, 1926년에 브뤼셀의 라상토르 화랑과 계약을 맺으면서 마침내 회화 작업에만 전념할 수 있게 되었다. 같은 해 마그리트는 자신의 첫 초현실주의적 작품인 <길 잃은 기수>(1926)를 완성했다. 그는 이 작품을 필두로 많은 수의 작품들을 그리기 시작했다. 당시는 미술가가 날마다 한 점씩의 그림을 그리는 것이 별로 특이한 일은 아니었다.

마그리트는 1927년 브뤼셀에서 첫 개인전을 열었다. 그러나 이 전시회는 비평가들로부터 혹평을 받았다. 이에 의기소침해진 마그리트는 브뤼셀을 떠나 파리로 갔다. 그곳에서 그는 앙드레 브르통과 친구가 되었고, 또 그를 통해 초현실주의 예술가들과 교류하게 되었다. 1930년, 라상토르 화랑과의 계약 만료로 더 이상 파리에서의 생활비를 충당할 수 없게 된 마그리트는 브뤼셀로 돌아와야만 했다. 제2차 세계대전 당시 나치 군이 벨기에를 점령했을 때도 그는 브뤼셀에 남아 있었다. 이로써 브르통과의 교류도 끊어지게 되었다. 브르통은 1941년에 미국으로 떠났다.

대중 속으로 들어온 초현실주의
1940년대 중후반에 들어 마그리트의 작품은 좀 더 밝고 가벼워지고 또 더욱 실험적이 되었다. 그는 야수주의의 그림들을 우스꽝스럽게 모방해 그렸다. 그의 친구들은 이 그림들의 표현이 너무 거칠고 서툴다고 '바슈'(vache)라는 이름을 붙였다. '암소'라는 뜻의 이 프랑스어 단어는 미숙하고 무디며 조야함을 의미하기도 한다. 이는 아마도 전쟁이라는 어두운 시대를 견뎌내고, 초기 작품들의 특징이었던 염세주의와 폭력성으로부터 벗어나기 위한 마그리트의 시도였을 것으로 생각된다. 마그리트는 관람자들이 의문을 갖고 도전하도록 만드는 작품들의 제작에 열중했다.

그의 그림들은 겉으로 보기에는 일상적인 오브제들을 그린 듯하지만, 마그리트는 종종 이런 오브제들을 예기치 않은 문맥으로 제시함으로써, 친숙한 것들에 새로운 의미를 부여하곤 했다. 예를 들어 <이미지의 배반>(1929)을 살펴보자. 이 작품에는 사람들이 익히 알고 있는 파이프가 그려져 있다. 그런데 그 아래에는 마그리트가 쓴 'Ceci n'est pas une pipe'라는 문구가 적혀 있다. 이 프랑스어는 '이것은 파이프가 아니라'라는 뜻이다. 이 말은 모순어법처럼 보이지만, 사실 이것은 맞는 말이다. 이 그림은 파이프가 아니다. 이것은 파이프의 이미지에 불과할 뿐이다. 이를 통해 마그리트가 말하고자 한 것은, 미술가가 대상을 매우 사실적으로 묘사한다 하더라도 그것은 그 대상의 재현일 뿐이지, 그 대상 자체일 수는 없다는 것이다.

마그리트는 생전에도 미술가로서 유명했지만, 사후에 그의 명성은 작품들과 그것들이 끼친 영향으로 더욱 높아졌다. 몇 세대에 걸쳐 미술가들과 영화제작자들이 그의 그림들에서 영감을 얻었다. 두 번이나 제작된 영화 '토마스 크라운 어페어'(1968, 1999)는 마그리트의 <남자의 아들>(1964)을 직접적으로 언급하고 있다. <남자의 아들>은 커다랗게 확대된 사과에 의해 얼굴이 가려진 중산모를 쓴 남자를 그린 작품이다.

현대의 대량 생산 기술과 대중문화에 힘입어 마그리트의 이미지들은 더 많은 대중들에게 친숙해졌다. 여러 뮤지션이 자신들의 음반 재킷 표지로 마그리트의 이미지들을 사용했으며, 마그리트의 <백지>(1965)는 밴드 '스틱스'의 앨범 '더 그랜드 일루전'(1977)의 표지로 사용되었다. 1965년 뉴욕 근대 미술관에서 마그리트의 회고전이 열렸다. 그가 죽은 지 20년도 더 지난 후인 1992년에 메트로폴리탄 미술관에서 마그리트의 회고전이 또 한 번 열렸다.

대중문화의 영향력
변화무쌍했던 1960년대는 대중문화가 출현하고 확립된 시대였다. 대량 생산, 과학 기술, 소비주의는 베이비 붐 세대에게 새로운 원동력이었다. 마그리트 같은 미술가들은, 과거에는 고상한 엘리트층에게만 알려져 있었으나, 이제 그의 이미지들은 대량 생산되는 록 음반 표지에 실림으로써 수많은 대중들에게 알려지게 되었다. 마그리트의 작품을 사용한 최초의 밴드들 중 하나인 '제프 벡 그룹'은 그들의 1969년 앨범 '벡 올라'에 마그리트의 <청취실>(1952)을 인용했다. 5년 뒤, 잭슨 브라운은 앨범 '레이트 포 더 스카이'의 표지에 마그리트의 <빛의 제국>을 참고했다.

마그리트의 지속적인 인기가 음반 사업에만 국한된 것은 아니다. 미국의 유명한 컬트 만화인 '심슨 가족'의 '공포의 나무 위의 집 4'는 마그리트의 <사람의 아들>(1964)을 참고했고, 온라인 비디오 게임 '혐오의 왕국'은 <사람의 아들>과 <이미지의 배반>(1929)에서 영감을 얻었다. 마그리트의 작품이 낳은 흥미롭고 인상적인 파급 효과는 영화에서도 찾아볼 수 있다. 영화 '토이즈'(1992), '토머스 크라운 어페어', '아이 하트 헉커비스'는 모두 마그리트의 <사람의 아들>을 참고했다.

"나는 실제로 테이블을 그리는 것이 아니라 그것이 내게 불러일으키는 감정을 그린다."

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양복재단사인 레오폴 마그리트와 모자 상인인 아들린 사이에서 장남으로 태어난 르네 마그리트의 어린 시절은 어머니의 비극적인 죽음이 큰 부분을 차지하고 있었다. 1912년에 아들린은 샹르브 강에 몸을 던져 자살했는데, 어린 마그리트는 어머니의 시체를 강에서 건져내는 과정을 모두 지켜보았다. 드레스 자락으로 얼굴이 덮인 채 강물 위에 떠 있었던 어머니의 이미지는 마그리트의 머릿속에 각인이 되어, 그가 나중에 작품들을 제작하는 데 많은 영향을 끼쳤다.

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1. 작품명 :별이 빛나는 밤 2.작가 빈 센트 반 고흐 3.감상:밑에 있는 건물들과 위에 있는 별들과 달의 조합이 좋다.저 그림에서 폭죽 놀이를 하고 있는 것 같다.저 그림에 사람들이 많이 있고,아름다울 것 같다.

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1. 작품명:모나리자

2. 작가:레오나르드 다 빈치

3. 감상: 이 그림은 모나리자가 산을 구경하는 것 같다.모나리자의 풍경이 산과 호수같다.모나리자는 무엇을 보고 아릅답게 미소를 짓는 지 궁금하다.모나리자는 머리카락이 단정한 것 같다.모나리자는 옷이 깔끔하다. 모나리자는 여유러워 보이는 사람같다.모나리자는 다정해 보인다.모나리자가 산에 올라온 이유가 궁금하다다.모나리자는 산을 오르는 것이 좋은 것 같다.레오나르드는다 빈치는 자신이 아닌 다른 사림을 그리는 것을 좋아하는 것 같다.

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1.작품명: 해바라기

2.작가:빈 센트 반 고흐

3. 감상:해바라기들이 한 곳만 바라보지 않고 여러곳을 바라보는게 신기하다.햇빛이 어디서 들어오는 지 궁금해진다.몇몇의 해바라기들은 잎이 없고 축 처진게 불쌍해 보이고 이상하다.대부분의 꽃그림들은 예쁘고 아름다운 꽃을 그리기 마련인데 이 그림은

그렇지 않기 때문에 이 그림의 특별한 점이라고 생각할 수 있다.반 고흐가 일부로 그런 걸가?하는 생각도 들게 만드는 그림이다.배경은 노란색의 꽃도 노랑색이라서 신비로운 분위기가 감돈다.처음은 이상하다고 생각할 수 있지만 계속 보다보면 이 그림에게 마음을 빼앗기는 게 이 그림의 또다른 특징이라고 생각한다

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제목:황소

작가:이중섭

우리나라 화가가 그린 유명한 그림이다 작가인 이중섭이라는

작가가 그린 유채 그림이다 옛날 부터 여러 우리나라의 그리을 봐왔는데 다른 그림도 예쁘고 멋지고 다양하고 다채로운 그림들이 많은데 동물중에는 이중섭의 그림인 황소가 떠올린거 같다. 하나하나 정성을 들여서 색칠한걸 생각하면은 엄청 뜸들이고 열심히 그린 그림이라고 알수있다 아쉽지만 옛날에 돌아가셨지만 이그림의 정성과 끈기가 있는거 같다.

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1. 작품명 : 아비뇽의 교황청

2. 작가 : 폴 시냐크

3. :감상 : 마치 오로라 같은 하늘이 매우 아름답다.실제 아비뇽의 교황청을 사진으로 보았지만 이 그림은 실제 사진으로 본 아비뇽의 교황청보다 훨씬 아름답고 조화로운 점이 매우 인상적이다. 또 하늘이 오로라빛이 돌고, 바다가 하늘을 비추어, 아름다운 색깔이 된 것이 매우 인상 깊다. 그리고 전체적 색깔이 파스텔톤이라 내 마음에 쏙 든다. 다음에 직품을 저장할 수 있다면 포 시냐크의 다른 작품부터 찾아보고 싶다.

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쇠라와 더불어 신인상주의(neo-impressionisme)를 대표하는 화가로, 점묘법을 사용한 프랑스의 화가이다.

* 본명 : Paul Victor Jules Signac
* 국적 : 프랑스
* 활동분야 : 회화
* 사조 : 신인상주의
* 시대 : 근대
* 주요작품
- 아비뇽의 교황청(Le château des Papes à Avignon, 1909)
- 석양. 정어리 낚시. 아다지오.(Setting Sun. Sardine Fishing. Adagio., 1891)
- 펠릭스 페네옹의 초상화

폴 시냐크(Paul Signac)는 1863년 프랑스 파리에서 태어났으며, 미술에 관심을 가지기 전에 건축을 공부하였다. 독학으로 그림을 배운 그는 18살에 클로드 모네(Claude Oscar Monet)의 작품에 감명을 받았고, 그 당시 유행이던 인상주의 화풍에 영향을 받은 초기 작품들을 제작하였다. 하지만 곧 인상주의에 환멸을 느끼게 된 그는 1884년 조르주 쇠라(Georges Pierre Seurat)를 만나게 된다. 이들은 살롱 데 앙데팡당(Salon des Indépendants)에서 만나게 되었는데, 이는 심사가 엄격하던 살롱전에 대항하여 아카데미즘에 반대하던 작가들과 살롱전에 낙선자들의 작품들로 구성된 전시회였다. 이 전시는 신인상주의, 입체주의 등의 등장과 발전에 기여를 하였으며, 근대미술의 대중화에 큰 영향을 끼쳤다. 이 전시에서 쇠라의 작품을 보게 된 시냐크는 모자 만드는 여인들(The Milliner, 1885)을 점묘화로 수정해 완성하였다.

쇠라와 교류하며 다양한 방법을 시도해 본 끝에 그는 색상 스펙트럼을 분할해 붓 터치가 아닌 점을 찍는 기법인 점묘법을 구현하게 된다. 시냐크도 인상주의 화가들처럼 빛을 표현하는 것에 열중했으나, 그들과 달리 과학적 이론에 영향을 받아 체계적인 방식을 찾으려고 노력한다. 시냐크는 1886년 마지막 인상주의 그룹전에 초대되었는데, 이는 체계적이고 정돈된 그의 방식에 거부감을 가지고 있던 기존의 인상주의 화가들과 마찰을 일으키는 계기가 되었다.

시냐크는 프랑스의 해변 풍경을 주로 그렸으며, 여름에는 프랑스 남부의 도시들에 머물며 작품 활동을 하였다. 지중해 마르세유 동쪽에 위치한 카시스(Cassis) 만의 풍경을 주제로 첫 번째 '바다' 연작을 그렸고, 이후에는 브르타뉴 지방의 콩카르노(Concarneau) 항구를 주제로 작품을 그렸다.

쇠라의 사망 후 신인상주의 대표자로 활동하게 된 시냐크는 1886년 반 고흐와 교류를 하게 된다. 파리 외곽에 위치한 아니에르 쉬르 센느(Asnières-sur-Seine)에서 함께 강변과 거리 풍경을 그리면서 반 고흐(Vincent van Gogh)에게 영향을 끼쳤다. 그는 1898년에 신인상주의에 대한 에세이인 외젠 들라크루아에서 신인상주의까지(D'eugène Delacroix au Néo-Impressionnisme)를 발표했고, 이 시기에 마티스(Henri Matisse)에게도 많은 영향을 주었다.

작품 활동뿐만 아니라 정치에도 관심이 많았던 그는 카미유피사로(Camille Pissarro), 펠릭스 페네옹(Félix Fénéon)과 같은 동시대 예술인들과 함께 무정부주의 운동에 참여했다. 친 아나키스트이자 공산주의 간행물인 레 땅 누보(Les Temps Nouveaux) 신문에 정기적으로 기부를 하기도 했다. 또한 시냐크는 과감하게 무정부 시대(In the Time of Anarchy, 1893)라고 이름을 붙인 작품을 제작하기도 했으나, 정치적 탄압으로 인해 조화로운 시대(In the Time of Harmony)로 작품명을 바꾸기도 했었다. 활발한 활동을 하던 그는 1935년 파리에서 패혈증으로 세상을 떠났다.

쇠라와 함께 신인상주의를 대표하며, 신인상주의 기법을 이론화하고 발전시키는 데 큰 역할을 한 화가이다. 또한 독립미술가협회에서 활동하며 작가들을 장려하였고, 그중 마티스에게도 영향을 주어 야수파의 탄생에도 결정적인 역할을 하였다.

점묘법으로 유명한 그의 작품은 오늘날 뉴욕 메트로폴리탄 박물관, 오르세 미술관, 모스크바 푸시킨 박물관을 포함한 많은 박물관과 재단에 소장되어 있다.

* 제임스 H. 루빈, 그림이 들려주는 이야기- 한 권으로 읽는 인상주의 그림, 마로니에 북스, 2017.
* 랠프 스키, 단숨에 읽는 인상주의- 100점의 다채로운 작품을 통해 살펴보는 인상주의의 탄생과 의의, 시그마북스, 2020.
* 진중권, 진중권의 서양미술사- 인상주의 편, 휴머니스트, 2018.
* 월간미술 엮음, 세계미술용어사전, 월간미술, 2017.
* 뉴욕 소더비즈
* 뉴욕 현대미술관

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개요 쇠라와 더불어 신인상주의(neo-impressionisme)를 대표하는 화가로, 점묘법을 사용한 프랑스의 화가이다. * 본명 : Paul Victor Jules Signac * 국적 : 프랑스 * 활동분야 : 회화 * 사조 : 신인상주의 * 시대 : 근대 * 주요작품 - 아비뇽의 교황청(Le château des Papes à Avignon, 1909) - 석양. 정어리 낚시. 아다지오.(Setting Sun.

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1.작품명:별이 빛나는 밤

2.작가:빈센트 반 고흐

3.감상:밤 하늘을 표현한 파란색과 빛을 표현한 노랑색이 함께어우러지며 포근한 느낌이 들어 좋다.파랑색과 노랑색이 석인 많은 그림중 이 그림을 고른이유는 오른쪽에 있는 건물? 같은것 때문이다.그 건물?이 맘에 든 이유는 튀어나오듯 솟아 내 맘에 들었기 때문이다.

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Van Gogh's night sky is a field of roiling energy. Below the exploding stars, the village is a place of quiet order. Connecting earth and sky is the flamelike cypress, a tree traditionally associated with graveyards and mourning. But death was not ominous for van Gogh. "Looking at the stars always makes me dream," he said, "Why, I ask myself, shouldn't the shining dots of the sky be as accessible as the black dots on the map of France? Just as we take the train to get to Tarascon or Rouen, we take death to reach a star." The artist wrote of his experience to his brother Theo: "This morning I saw the country from my window a long time before sunrise, with nothing but the morning star, which looked very big." This morning star, or Venus, may be the large white star just left of center in The Starry Night. The hamlet, on the other hand, is invented, and the church spire evokes van Gogh's native land, the Netherlands. The painting, like its daytime companion, The Olive Trees, is rooted in imagination and memory. Leaving behind the Impressionist doctrine of truth to nature in favor of restless feeling and intense color, as in this highly charged picture, van Gogh made his work a touchstone for all subsequent Expressionist painting. The Museum of Modern Art, MoMA Highlights, New York: The Museum of Modern Art, revised 2004, originally published 1999, p. 35 Find out more about The Starry Night at: mo.ma/starrynight

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The Starry Night - Vincent van Gogh - Google Arts & Culture

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Van Gogh's night sky is a field of roiling energy. Below the exploding stars, the village is a place of quiet order. Connecting earth and sky is the flamelike cypress, a tree traditionally associated with graveyards and mourning. But death was not ominous for van Gogh.

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1 .작품 명:양귀비와 도마뱀

2 .작가:신사임당

3 .감상:가운데에 있는 꽃 주위에 살랑살랑 날아다니는 것이

이쁘다. 또 땅에 있는 벌레가 너무 현실적이고 어떻게 이렇게

그릴 생각을 했는지 너무 궁금하다.

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1.작품명 : 별이 빛나는 밤

2. 작가 : 빈센트 반 고흐

3. 감상 : 이 별이 빛나는 밤은 정말 멋진 것 같다.

왜냐하면 이걸 그린 사람이 고흐라는 사람인데

원래도 좋아하기도 했고, 시원한 밤에

시원한 바람도 있는 거 같기도 하고

바다가 있는 것도 가끔씩 보이기도 한다.

내가 이 그림을 좋아하는 이유는

빛나고 예쁜 별이 있어서 이그림을 더

좋아하는 것 같다.

꼭 그림 같지 않고 꼭 어디에 나올 만한 그림 같지 않은 그림이다.

원래 좋아 했던 그림인데 감상문을 쓰다보니

하루하루가 더 좋아질 것 같다.

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빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 <별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 <밤의 카페 테라스>나 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다. 반 고흐는 동생 테오에게 쓴 편지에서 "오늘 아침 나는 해가 뜨기 한참 전에 창문을 통해 아무것도 없고 아주 커 보이는 샛별밖에 없는 시골을 보았다."고 했다. 이 샛별은 그림 가운데 왼쪽에 있는 커다란 흰 별일 것이다. 그가 그린 밤하늘에서는 구름과 대기, 별빛과 달빛이 폭발하고 있다. 황량하고 짙은 파란색 하늘은 세상의 종말을 연상케 하고, 그 위로는 구름이 소용돌이치며 떠있다. 달과 별의 둘레에는 뿌옇게 무리가 져있다.

비연속적이고 동적인 터치로 그려진 하늘은 굽이치는 두꺼운 붓놀림으로 불꽃같은 사이프러스와 연결되고, 그 아래의 마을은 대조적으로 평온하고 고요하다. 마을은 있는 그대로 그린 것이 아니라 부분적으로는 고안되었는데, 교회 첨탑은 반 고흐의 고향 네덜란드를 연상시킨다. 그는 병실 밖으로 내다보이는 밤 풍경을 기억과 상상을 결합시켜 그렸는데, 이는 자연에 대한 반 고흐의 내적이고 주관적인 표현을 구현하고 있다. 수직으로 높이 뻗어 땅과 하늘을 연결하는 사이프러스는 전통적으로 무덤이나 애도와 연관된 나무이지만, 반 고흐는 죽음을 불길하게 보지 않았다.

그는 "별을 보는 것은 언제나 나를 꿈꾸게 한다."면서 "왜 하늘의 빛나는 점들에는 프랑스 지도의 검은 점처럼 닿을 수 없을까? 타라스콩이나 루앙에 가려면 기차를 타듯이, 우리는 별에 다다르기 위해 죽는다."고 했다. 이 시기에 그의 필치는 더욱 두꺼워지고 더욱 열정적으로 변했으며, 꿈틀거리는 듯한 선은 별의 광채를 한층 두드러지게 한다. 이 시기의 특징인 회오리치는 듯 꿈틀거리는 필치는 강렬한 색과 결합되어 감정을 더욱 격렬하게 표현한다. 이 곡선의 화필은 굽이치는 운동감을 표현하면서, 그림 전체를 율동적인 흐름으로 통합한다.

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빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 <별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 <밤의 카페 테라스>나 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다.

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1. 작품명 : 별이 빛나는 밤

2. 작가 : 빈 센트 반 고흐

3. 감상 : 배경과 색감이 잘 어울리고 밤하늘에 빛나는 달과 별들이 아름답고 산 위를 보면 밝게 빛나고 있어 해가 뜨고 있는 모습 같다.건물들이 밤인데도 불이 켜져있고 모습이 시골 같다.

그리고 그림에서는 사람들이 안 보이지만 어딘가에는 빈 센트 반 고흐도 있으을 것 같다.

그리고 반 고흐에 그림들은 다 아름다워서 어떡해 그렇게 그릴 생각을 해서 참으로 신기하다.

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1. 작품명 : 별이 빛나는 밤

2.작가: 빈 센트 반 고흐

3. 감상 : 회오리 바람이 부는 것 같고 별과 달이

반짝 빛나는 것 같다.

높은 데에서 아래를 보는 것 같이 집이 작아 보인다.

왼쪽에있는 것은 성같기도 하고 산같기도 하다.

이 마을과 밤이되니 멋있다.

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1. 작품명: 모나리자

2. 작가: 레오나르도 다 빈치

3. 느낌: 웃는 것 같으면서도 슬픈 표정을

하고 있는 신비한 표정이 신기하다. 나는

이 그림이 살아있는 듯한 느낌이 든다.

이 부인이 있는 아름다운 배경을 다빈치작가님이 잘 표현한 것 같다. 나도 이 작품속에 들어가보고 싶다는 생각이 들었다. 이 생각이 들 정도로 나는 이 그림이 너무 아름다운 그림인 것 같다.

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1. 작품명 : 모나리자

2. 작가 : 레오나르도 다 빈치

3. 감상 : 1:1.618 황금비율이라서 아름다운 것 같다. 어떻게 작가가 황금비율과 대기원근법으로 그렸는지 궁금하다. 그리고 눈썹이 없는 이유도 궁금하다. 궁금한 게 많다. 배경이 어디인지도 궁금하다. 표정도 어떤지 모르겠다. 분명 웃고 있는데 뭔가 좀 그렇다. 눈은 어딜 보고 있는 걸까? 역시 다 빈치는 사람을 잘 그리는 것 같다.

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1. 작품명:모나리자

2.작가:레오나르도 다 빈치

3.느낌: 눈썹이 없는것이 부자연스럽지 않고 오히려 자연스러워 보인다. 그리고 인자한 미소가 행복해 보이지만 무언가 슬퍼보이기도 한다. 풍경의 색이 정말 아름답다. 전체적으로 색을 통일한 느낌이 들어서 더욱 조화롭다.

이 작품을 실제로 본다면 어떤 느낌일지 궁금하다. 한번이라도 이 작품을 실제로 보고싶다.

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1.작품명:아를의 별이 빛나는 밤

2.작가:빈센트 반 고흐

3.감상 작품명 과 같이 하늘에는 별이 많이 떠있어서 차분한 느낌도 들고 마치 내가 빛 날 것만 같은 느낌이든다 사람은 작게 그려져 있지만 배경만으로도 만족 할 수있는 그림이라 좋다. 또 사람 뒤에는 물에 비치는 불빛들이 보인다 어둡지도 않고 너무 밝지도 않아서 깊이 빠지는 그림이다

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아를의 별이 빛나는 밤

# data[].attributes.attachment_link.description
빈센트 반 고흐가 주고 받았던 서신들을 살펴보면, 그가 얼마나 ‘밤의 효과’에 매료되어 있었는지를 잘 알 수 있다. 그는 프랑스 남부 지방의 아름다운 밤 풍경과 별이 무수히 빛나는 하늘을 무척 좋아했다. 1888년 9월, 아를에서 작성한 편지 속에서 그는 ‘별을 그리기 위해 밖으로 나갈 것’이라고 적기도 했다. ‘캄캄한 어둠이지만 그조차도 색을 가지고 있는’ 밤의 풍경을 화폭에 담기 위하여 반 고흐는 일종의 예술적인 도전을 시도하게 되었다. 그는 론 강가에서 밤의 빛, 그리고 빛이 투영된 물그림자를 통해 단순하면서도 복잡한 구성…

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1.작품 명 : 론 강의 별 밤

2.작가: 빈 센트 반 고흐

3.감상:아름답게 빛나는 밤의 별들이 화목한 두 남녀를 별이 비추어주는아름다운작품이다. 푸른 밤 하늘이 차가우면서도 따뜻하다.

전반적으로 고흐의 아름다운 붓 터치 질감이 그림을 포근하게만들어준다. 또 저 멀리 반짝거리는 노란 불빛이 그림을 한층 더 따뜻하게 만들어준다. 화려하고 유명한 '별이 빛나는 밤'보다 포근하고 차분한 이 그림은 어떨까 싶다.색감은 차갑지만, 보면 따듯해 질 수 있는 이유는 두 남녀의 사랑 때문 인 것 같다. 볼수록 따뜻한 그림, 빈 센트 반 고흐의 별이 빛나는 밤 시리즈, 론 강의 밤 이었다.

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1.작품명:모나리자

2.작가:레오나르도 다 빈치

3감상평:모나리자가 눈썹이 너무 너무 궁금하다.또 모나리자는 그림을 정면으로 보지않고 다른 곳을 보고 있다. 비밀이 많은 모나리자는비밀이 많은만큼 아름답기도 하다.오히려 눈썹이 없는게 모나리자의 아름다움의 매력일지모른다.모나리자는 그림의 배경과 얼굴만으로 그림을 아주 부드럽게 만들었다.천재발명가 인 래오나르도 다빈치인 만큼 그림에도 재능있는 것 같다.당시 유명한 화가였던 미켄란젤로 랑 레이벌이 었던 만큼 천재적인 화가였던 것 같다.모나리자의 인자한 미소처럼 우리도 남에게 도움을 주면서 살아야 한다.

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작품명: 행복한 눈물

작가: 로이 릭텐스타인

감상: 무언가를 보고 눈물을 흘리는 것 같다.빨간색 머리색에 노란색 배경이 잘 어울린다.손톱에 매니큐어 색이 얼굴과 잘 어울리는 것 같다.어쩌다가 행복하게 눈물을 흘렸는지 궁금하다.자식이 처음으로 무언가를 해내어서 우는 것 같다.얼굴이 화면을 꽉 채워서 조금 아쉽다.뒤에 배경을 더 멋지게 꾸몄으면 더 멋졌을 것 같다.무엇때문에 우는지도 설명에 나왔으면 좋았을 것 같다.이 그림에서 여자가 좀 더 행복하게 보이면 좋을 것 같다.

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© Estate of Lichtenstein - SACK, Seoul, 2010

# data[].attributes.attachment_caption
1:양산을 쓴 여인 2:모네  3:생각 ,모네의 그림 중에서 좀 미련이 남아있다.  세상의 그림 환경을 모르는  모네는 자신을 잘 보였지만 상상이 모습, 진 것을 알 수가 없었던 것 이였다.  모네가 그린 그림의 모습은 대부분 표현 속 감각으로 그렸지요. 한 아이 가 찾아와, 그림을 그리기 전 까지는 말 이예요. 소녀의 그림을 보고 모네는 그림을 감각이 아닌 진 것으로  그린다는 것을 알게 되고, 사람들의 마음을 알게 된 것이 지요. 그러하여 모네는 자신만의 감각 그림을 그리지만, 사람들이 원하는    진  것으로 그리게 되었지요.     

# data[].attributes.body
바람에 휘날리는 여인과 아이는 참 시원하게 보인다.

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1. 작품명 : 별이 빛나는 밤

2. 작가 : 빈센트 반 고흐

3. 감상 : 밑에 있는 건물들과 위에 있는 별들의 조화가 아름답다.

어떻게 이런 생각을 했는지 모르겠다. 저 그림 어딘가에

고흐가 있을 것 같다.

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빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 <별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 <밤의 카페 테라스>나 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다. 반 고흐는 동생 테오에게 쓴 편지에서 "오늘 아침 나는 해가 뜨기 한참 전에 창문을 통해 아무것도 없고 아주 커 보이는 샛별밖에 없는 시골을 보았다."고 했다. 이 샛별은 그림 가운데 왼쪽에 있는 커다란 흰 별일 것이다. 그가 그린 밤하늘에서는 구름과 대기, 별빛과 달빛이 폭발하고 있다. 황량하고 짙은 파란색 하늘은 세상의 종말을 연상케 하고, 그 위로는 구름이 소용돌이치며 떠있다. 달과 별의 둘레에는 뿌옇게 무리가 져있다.

비연속적이고 동적인 터치로 그려진 하늘은 굽이치는 두꺼운 붓놀림으로 불꽃같은 사이프러스와 연결되고, 그 아래의 마을은 대조적으로 평온하고 고요하다. 마을은 있는 그대로 그린 것이 아니라 부분적으로는 고안되었는데, 교회 첨탑은 반 고흐의 고향 네덜란드를 연상시킨다. 그는 병실 밖으로 내다보이는 밤 풍경을 기억과 상상을 결합시켜 그렸는데, 이는 자연에 대한 반 고흐의 내적이고 주관적인 표현을 구현하고 있다. 수직으로 높이 뻗어 땅과 하늘을 연결하는 사이프러스는 전통적으로 무덤이나 애도와 연관된 나무이지만, 반 고흐는 죽음을 불길하게 보지 않았다.

그는 "별을 보는 것은 언제나 나를 꿈꾸게 한다."면서 "왜 하늘의 빛나는 점들에는 프랑스 지도의 검은 점처럼 닿을 수 없을까? 타라스콩이나 루앙에 가려면 기차를 타듯이, 우리는 별에 다다르기 위해 죽는다."고 했다. 이 시기에 그의 필치는 더욱 두꺼워지고 더욱 열정적으로 변했으며, 꿈틀거리는 듯한 선은 별의 광채를 한층 두드러지게 한다. 이 시기의 특징인 회오리치는 듯 꿈틀거리는 필치는 강렬한 색과 결합되어 감정을 더욱 격렬하게 표현한다. 이 곡선의 화필은 굽이치는 운동감을 표현하면서, 그림 전체를 율동적인 흐름으로 통합한다.

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빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 <별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 <밤의 카페 테라스>나 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다.

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1. 작품명: 그랑드 자트 섬의 일요일 오후

2. 작가: 조르주 피에르 쇠라

3. 감상: 이 아름다운 그림을 점으로만 찍어서 그렸다는 것에 나는 정말정말 대단하다고 생각한다. 또 나는 이 그림에 동물들이 있어서 더 좋다고 생각한다. 누가 나한테 점으로 이런 그림을 그리라고 한다면 나는 못그리고 포기할 것이다. 원래도 좋아하는 그림이었지만 이렇게 감상명을 쓰다 보니까 더 이그림이 좋게 느껴진것 같다. 나는 앞으로 조르주 피에르 쇠라라는 사람을 정말 존경할 것이다.

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1.작품명:모나리자

2.작가:레오나르드 다 빈치

3.느낌: 모습도 아름답고 제일 많이 알아보는 그림중 하나다. 바다도 멋있고 모나리자가 나와서 더 멋있다. 세상에 멋지고 아름답고 돈주고 사고싶은 사진이다. 모나리자 생년월일:1479~1542년

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1. 작품명: 앙가리아 전투

2. 작가: 레으나르도 다 빈치

3. 감상: 다 빈치와 미켈란젤로의 두 엄청난 화가의 그림대결은 정말 예술적 인 것 같다. 먼저 승부를 예측하지 못 할 만큼 치열한게 느껴진다.칼을 들고 있는 두 사람의 얼굴을 보면 절대 지고 싶은 않은 마음이 느껴진다. 다 빈치의 그림은 환상적이다.

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천재의 원형으로 알려진 레오나르도 다 빈치와 신성(神聖)의 반열에 오른 미술가 미켈란젤로가 예술적 결투를 벌인다면 어떤 결과를 낳았을까? 역사상 실제로 두 화가는 1504년 예술적 결투라고 부를 만한 상황에 돌입한다. 두 사람이 함께 피렌체 정부의 대회의장을 꾸미는 대규모 벽화 프로젝트에 참여하게 되었기 때문이다. 높이 10미터, 폭 20미터에 이르는 거대한 벽면 2개가 마련되었는데, 한쪽 면은 레오나르도 다 빈치(Leonardo da Vinci; 1452~1519)에게, 그리고 다른 한쪽 면은 미켈란젤로(Michelangelo; 1475~1564)에게 주어졌다. 그림 주제도 미리 결정되었다. 피렌체의 역사상 중요한 전투장면 두 개가 선정되어 화가에게 전달되었다. 실력뿐만 아니라 자존심도 만만치 않았던 두 화가가 동일한 크기의 화면에 비슷한 주제의 회화를 놓고 한 자리에서 실력을 겨루게 된 것이다.

피렌체 정부의 프로젝트에 동원된 다 빈치와 미켈란젤로

피렌체인들이 당시 최고의 화가 2명을 선정하여 공개경쟁을 벌이도록 한 이유에는 자신들이 새롭게 마련한 정부 대회의실이 앞서 세워진 베네치아의 것보다 더 유명해지기를 원하는 열망이 숨어 있었을 것이다. 15세기 말 피렌체인들은 메디치 가문의 독재를 몰아내고 다수의 통치를 허용하는 공화제를 일시적으로 회복시키는데, 이 때 베네치아 공화국을 적극 벤치마킹한다. 특히 베네치아 총독궁의 대회의실에 뒤지지 않는 멋진 공간을 자신들도 가지고 싶어했고, 이 때문에 레오나르도와 미켈란젤로를 한 자리에 세우는 아주 야심만만한 프로젝트를 감행하게 되었다.

사실 르네상스 예술가들은 자주 경쟁 구도에 빠지는 것으로 알려져 있는데 그것을 다른 각도에서 보면 당시 '국가와 국가', '개인과 개인'의 경쟁이 치열했음을 말해준다. 경쟁을 부추기는 당시의 사회 분위기가 문화와 예술 쪽으로 전이되면서 '르네상스 문예부흥'이 촉발되었다고 말할 수도 있다. 당시 국가들은 다른 나라보다 더 큰 건물, 더 아름다운 조형물을 열망했다. 한편 신분보다는 돈을 앞세운 당시의 신흥 지배계급들은 자신을 돋보이게 하는 예술품을 다른 사람보다 더 많이 소유하려고 경쟁했다. 이러한 열망 덕분에 미술가들의 손길은 언제나 바쁠 수밖에 없었다.

베네치아 총독궁(Palazzo Ducale): 외관과 대회의실.

중단된 프로젝트 - 최종 순간에 취소된 세기의 대결

베네치아인들에게 뒤지고 싶지 않았던 피렌체인들의 예술적 욕심 덕분에 결국 레오나르도와 미켈란젤로는 한 자리에 서게 되었다. 아마도 이 역사적 결투에서 레오나르도 쪽이 느끼는 심리적 부담감이 더 컸을 것이다. 1452년생 레오나르도는 당시 쉰을 넘긴 나이었고, 미켈란젤로는 1475년생으로 아직 20대였다. 이미 명성은 명성대로 얻은 관록의 레오나르도 다 빈치가, 서른이 채 안 된 젊은 화가와 한 자리에서 기량을 겨뤄야 했기 때문에 그가 느끼는 부담감이 아무래도 더 컸을 것이다. 이 벽화 프로젝트에서 레오나르도는 비슷하게 접근해 가지고는 이득 볼 것이 별로 없다고 생각했는지, 아예 새로운 작업기구나 미술재료를 고안하려 했다. 우선 그는 아코디언처럼 움직이는 특수 사다리를 고안하여 사람들을 놀라게 했다. 뿐만 아니라 사람들이 전혀 보지 못했던 새로운 특수시각효과를 펼쳐 보겠다는 생각으로 새로운 물감을 만들려고 실험을 거듭했다. 물론 새로운 물감을 발명하려는 그의 계획은 앞서 밀라노에서 그린 [최후의 만찬](1498)에서 이미 실패했지만 그는 아직도 미련을 버리지 못했다.

긴장되기는 젊은 미켈란젤로도 마찬가지였다. 당대 최고의 화가와 한 자리에서 그림으로 결투를 벌인다는 사실은 점차 세상에 이름을 알리던 그에게 중대한 계기가 될 것이기 때문이다. 앞서 그는 이전에는 그 누구도 다루지 못했던 초대형 대리석을 가지고 [다윗상](1504)을 멋지게 깎아냈다. [바티칸 피에타]에 뒤이은 대규모 조각 작품을 연거푸 성공시키면서 미켈란젤로는 조각가로서의 명성은 확고해졌지만 아직까지도 화가로서의 실력은 검증받은 바가 없었다. 그가 이번 벽화 프로젝트를 성공적으로 해낸다면 조각가로서뿐만 아니라 화가로서 출세는 보장된 것이나 다름없었다. 실제로 미켈란젤로가 이 프로젝트를 위해 그린 습작의 양과 여기에 쏟은 정성을 보면 그 자신도 혼신의 힘을 다해 작업에 임했다는 것을 알 수 있다.

그러나 양측 모두에게 부담감이 너무 컸기 때문이었을까? 아쉽게도 스타들의 대격전은 최종 순간을 남겨 놓고 취소되고 만다. 벽화 프로젝트가 중단된 것이다. 새로운 물감 개발에 열을 올리던 레오나르도는 결과가 신통치 않자 시간을 끌다 다른 주문이 오자 재빨리 벽화 일을 포기한다. 미켈란젤로 역시 로마에서 새로운 교황이 선출돼 그에게 일거리를 맡기자 기다렸다는 듯이 황급히 로마로 떠났다. 결국 두 거장의 결투는 탐색전만 시끄럽다가 싱겁게 끝났다고 할 수 있다. 그러나 전해 오는 기록과 이들이 남긴 습작을 살펴보면, 두 거장은 이 공개 경쟁이라는 구도 하에서 새로움을 찾기 위해 혼신의 몸부림쳤다는 것을 알 수 있다.

앙기아리 전투 장면을 맡은 다 빈치

레오나르도 다 빈치의 경우 17세기 루벤스가 그린 것으로 추정되는 복사본을 통해 그의 새로운 시도를 어느 정도 짐작해볼 수 있다. 레오나르도에게 주어진 그림 주제는 피렌체가 1440년 6월 29일 밀라노를 상대로 앙기아리(Anghiari)라는 지역에서 벌인 전투였다. 이 전투에서 숫적 열세로 위태로왔던 피렌체 군대는 밀라노 군기를 빼앗으면서 승기를 잡게 되었는데 레오나르도는 이 결정적인 순간을 벽면 한복판에 그려 넣으려 했다. 세 명의 기병과 세 마리의 말이 서로 뒤엉켜 있는 장면은 전투의 치열함과 극적인 반전을 고스란히 전하고 있다. 병사들의 얼굴은 고함으로 일그러져 있고 이에 따라 말들의 표정 하나하나도 격동적이다. [최후의 만찬]에서 보여주었던 차분함과 엄숙함은 완전히 사라져 버렸다. 인간의 극한 감정을 생동감 있게 잡아내기 위해 그는 수많은 습작 드로잉을 그려나가야 했고 그 결과를 충실히 완성된 그림에 반영했다. 난폭하다고 할 만큼 운동감이 넘치는 그의 그림은 훗날 17세기 바로크 미술을 예견한다. 실제로 바로크 회화를 대표하는 루벤스(Rubens)는 바로 이 장면을 놓치지 않고 자신의 손으로 베끼고 있다.

기록에 따르면 레오나르도의 작품은 거의 완성될 뻔했던 것 같다. 많은 부분이 그려졌지만,그가 도입한 실험적인 벽화기법이 실패하면서 물감이 벽면을 타고 흘러내렸다. 어설프게 남아 있던 그의 그림은 1563년경부터 새로운 벽화로 덧씌워져지면서 지금은 완전히 역사 속에서 사라져 버렸다. 만약 이 벽화가 [최후의 만찬]처럼 쇠락한 상태로나마 오늘날까지 전해오고 있었으면 레오나르도의 최대·최고의 작품이 되었을 것이다. 오늘날에도 정부청사 대회의실 벽면 어딘가에 그의 그림이 숨겨져 있을 것으로 생각하는 사람들이 많이 있다. 새로운 과학적 탐사기법을 도입하여 벽면 속을 조사하는 작업이 지금도 꾸준히 시도되고 있다. 언젠가 이러한 노력이 결실을 맺어 레오나르도의 잊혀진 그림이 세상에 나오게 되기를 기대해 본다.

카시나 전투 장면을 맡은 미켈란젤로

한편 미켈란젤로에게는 피렌체가 피사(Pisa)를 맞이하여 대승을 거둔 카시나 전투 장면을 그리는 임무가 주어졌다. 1364년 7월 28일 카시나의 강변에서 목욕을 하고 있던 피렌체 군대는 피사군의 습격을 당하지만 대대적인 반격을 통해 큰 전과를 거둔다. 미켈란젤로는 그리려는 전투 장면을 원작 크기의 밑그림(cartoon)까지 완성시켰지만 그것을 실제로 벽면에 옮기지는 못했다. 이 초본 그림만 수년간 대회의실 벽면에 걸려 있었다고 한다. 지금은 그의 제자가 그린 것으로 알려진 드로잉과 함께 미켈란젤로가 그린 준비 드로잉만이 전해오고 있다. 이를 통해 보면 미켈란젤로가 구상한 전투장면은 남성 누드들로 가득했던 그림이었을 것으로 추정된다. 피사군의 습격을 알리기 위해 나발을 부는 사람, 재빨리 옷을 입으려는 피렌체 군인들이 보이고 한 쪽에는 벌거벗은 상태에서도 피사군을 무찌르는 장면도 보인다. 미켈란젤로는 르네상스 시대 유행하던 고전 그리스로마 미술의 핵심이 인체누드라는 것을 확실히 보여주는 듯하다. 다양한 자세의 남성누드들은 그가 앞으로 그릴 [시스티나 예배당 벽화]를 예견한다.

미켈란젤로의 [다윗상]을 그린 다 빈치 드로잉 - 미켈란젤로가 완성한 다윗상을 보고 그린 것으로 추정된다.

미켈란젤로의 [카시나 전투]을 위한 준비드로잉- 다 빈치의 [앙기아리 전투] 장면을 흉내 내고 있다.

라이벌 구도 하에서 레오나르도와 미켈란젤로 두 사람이 받은 스트레스는 상당했을 것이다. 그러나 긍정적인 면이 아주 없었던 것은 아닌데 이들은 좋은 맞수를 둔 덕분에 자신의 미술을 좀 더 발전시킬 수 있었기 때문이다. 사실, 전해 내려오는 두 거장의 드로잉 작품들을 꼼꼼히 살펴보면 흥미로운 사실을 하나를 알아낼 수 있는데, 그것은 바로 두 거장들은 서로의 작업에 대해서도 알고 싶어했고, 심지어 흉내까지 내고 있다는 것이다. 비록 두 사람에게는 개인용 작업실을 별도로 주어졌지만 대회의실 방안에서 두 사람은 수도 없이 직접 얼굴을 마주해야 했을 것이다. 물론 둘은 자신들이 왜 같은 곳에서 일하게 되었는지에 대해서도 잘 알고 있었을 것이다.

서로의 작품을 흉내내고 드로잉했던 거장들

엄청난 심리적 중압감 속에서 두 사람은 준비과정을 각자 비밀스럽게 진행시켰는데 이 속에서 다른 사람이 무엇을 하고 있는지를 알고 싶어했던 것 같다. 레오나르도 다 빈치의 작업노트에는 미켈란젤로의 조각 [다윗]을 흉내 낸 드로잉이 한두 점 발견된다. 다윗의 자세, 몸짓 하나하나가 잘 파악되어 있다. 흥미롭게도 미켈란젤로에게는 레오나르도의 [앙기아리 전투]를 연상시키는 드로잉이 보인다. 달려드는 기마병과 뒤엉킨 군인들의 모습에서 레오나르도가 [앙기아리의 전투]에서 시도했던 구도가 고스란히 모사되고 있다. '화가는 다른 화가로부터 태어난다'는 말이 있는데, 좋은 경쟁자를 둔 덕분에 두 사람은 예술적으로 좀 더 성숙할 수 있었다고 평가할 수 있을 것이다.

앞서 말한 대로 결국 이 프로젝트는 두 화가가 피렌체를 떠나면서 중간에 중단되었다. 소문난 잔치에 먹을 게 없다고 했던 것처럼 세기의 대결이 결국 아무런 결론 없이 허탈하게 종결된 것이다. 그렇지만 남아있는 복사본 그림이나 습작 드로잉만으로도 두 사람이 이 같은 경쟁적인 프로젝트 속에서 얼마나 깊은 심리적 압박감으로 몸부림쳤는지를 느낄 수 있었다. 결국 이러한 예술적 고통이 쌓이고 쌓여 르네상스라는 달콤한 열매가 맺게 되었을 것이다. 그러나 그것을 바라보는 우리의 마음이 그다지 흐뭇하거나 감동적이지만은 않을 것이다. 화가의 능력을 공개경쟁을 통해 극대화시켜내는 피렌체 사회를 보노라면, 현대 자본주의의 경쟁 사회 속에 갈등하는 인간상이 암시되기 때문이다. 이러한 씁쓸함도 르네상스의 참맛에 포함시켜야 르네상스를 제대로 이해하는 게 아닐까하고 생각해 본다.

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다 빈치 vs 미켈란젤로

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레오나르도 다 빈치 [앙기아리 전투] 17세기경 Leonardo da Vinci [La Bataille d' Anghiari] 펜, 붓,흑석, 물감ㅣ 45.2×63.7cm ㅣ 루브르 미술관 ⓒPhoto RMN, Paris - GNC media. Seoul 프랑스국리박물관연합(RMN) 지엔씨미디어 천재의 원형으로 알려진 레오나르도 다 빈치와 신성(神聖)의 반열에 오른 미술가 미켈란젤로가 예술적 결투를 벌인다면 어떤 결과를 낳았을까?

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1.작품명 :모나리자

2.작가:레오나르도 다 빈치

3.느낌: 미소가 아름답고 뒤에 있는 풍경도 예뻐서 더 아름답게 보인다. 내가 루브르 박물관에 가면 모나리자만 볼 것이다. 하지만 나는 사람이 1명인게 조금 아쉽다. 내가 그림을 그린다면 여러명의 사람을 그릴 것이고 더 많은 색을 사용할 것이다. 나는 자기를 안 그리고 다른 사람을 그린게 신기하다 보통 화가는 자기 모습을 그리는대 레오나르도 다 빈치는 다른 사람을 그린게 인상깁다.

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1. 작품명 : 진주귀길이를 한 소녀

2. 작가 : 요하네스 베르메르

3. 감상: 무엇 인가를 보고 놀라는 듯한 표정이 신비롭다. 노란색과 파란색 두건이 너무 잘 어울리는 이 소녀는 지금 현대에서도 아이돌처럼 예쁜 외모인 것 같다. 아직 나이가 어려 보이는데 진주 귀걸이가 너무 커서 누군가의 귀걸이를 억지로 차게 된 것 같다. 왜 진주 귀걸이를 하게 되었는지 이유가 너무 궁금하다.

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렘브란트와 프란스 할스와 함께 네덜란드 황금시대를 대표하는 화가 중 한 명인 베르메르는 1623년 네덜란드 델프트의 신교 가정에서 태어났다. 그의 아버지는 여관을 운영했고 미술품을 거래했다. 베르메르의 생애에 대해서는 알려진 바가 많지 않으며, 작품 수도 35점에 불과한 것으로 추산되며 서명을 남긴 작품은 훨씬 적다. 1년에 두 점 정도를 제작한 것으로 보인다.

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감상문 쓰고 나서 사이버 미술관에 들어가기

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감상문 쓰고 나서 사이버 미술관에 들어가기

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1. 위 사이트에서 들어가서 마음에 드는 작품 감상하기

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The Art of Color - Google Arts & Culture

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