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Hacia la tercera década del siglo s. XVI podríamos decir que la práctica artística había desembocada en una clara tendencia de reacción anticlásica que ponía en cuestión la validez del ideal de belleza defendido por el alto renacimiento. El manierismo es el nombre que se da al estilo artístico que se inicia en Italia en la tercera década del siglo XVI, y que se intuye en las últimas obras de Miguel Ángel y de Rafael (como en la Piedad Rondanini)

Es el momento en que se pierde lo más propio del clasicismo y la belleza clásica: proporciones, armonía, serenidad, equilibrio.

El manierismo es subjetivo, inestable. Los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción. Se prefiere, en escultura sobre todo, la línea o figura serpentinata, en que las figuras se disponen en sentido helicoidal ascendente.

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Pintura
1. Contraposición con los elementos clásicos basados en la belleza, la armonía y la unidad. Las obras manieristas son inestables, tensas y desequilibradas. Las composiciones son irregulares, con zonas muy vacías y otras muy llenas, y las figuras se representan como a punto de caer.

2. Se sustituyen los colores suaves por otros más fríos y ácidos. Las tonalidades no siempre se corresponden con las reales de los objetos representados.

3. Los dibujos son muchas veces exagerados, sofisticados y artificiosos. Acentúan gestos y giros, predominio de las curvas.

4. Los artistas deforman sus composiciones por diversos ejes, generalmente diagonales.

Algunos pintores manieristas fueron Bronzino, El Greco, Tintoretto, Andres del Sarto, Correggio y Veronés.

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Escultura
1. Tendencia a la monumentalidad.

2. Los escultores dan dinamismo a sus obras a través de las líneas curvas y las formas serpenteantes.

3. Canon más alargado y figuras retorcidas.

4. Interés por el hombre y el cuerpo humano. Naturalismo y antropocentrismo.

5. Se defiende la multifacialidad (diferentes puntos de vista de las obras), aunque adquiere máxima importancia la parte frontar de las creaciones.

6. Las obras se realizan a partir de un único bloque de material a partir del cual cada autor elimina la parte sobrante.

Algunos escultores manieristas fueron Benvenutto Celliniy Juan de Bolonia.

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Arquitectura
1. Monumentalidad.

2. Tensión y abstracción en las formas en contraposición con los cánones clásicos.

3. Obras más pláticas y decorativas.

4. Los elementos arquitectónicos son utilizados de forma arbitraria.

Algunos arquitectos manieristas fueron Vignola y Palladio.

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Virgen del cuello largo

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LA CRISIS DEL RENACIMIENTO

Dos hechos van a marcar a partir de la tercera década del S. XVI una transformación paulatina pero irreversible, del contexto histórico del periodo renacentista.

Si durante el S. XV y el comienzo del S. XVI, la estabilidad económica y social, sobre todo de las repúblicas italianas, permiten un florecimiento artístico y cultural sin precedentes, la situación cambiará progresivamente a partir de 1530.

En primer lugar se asiste al creciente poderío imperial de Carlos V, que transforma el equilibrio de poder en toda Europa y también en Italia. Por otra parte, la corrupción y la degeneración a la que habían llegado los Papas de este periodo hacía inevitable una respuesta religiosa de las bases que derivará en el cisma entre católicos y protestantes.

La victoria de Carlos V en Pavía frente a Francisco I de Francia, no sólo supone la implantación de un poder imperial en Europa, sino que su prolongación en el Saqueo de Roma de 1527, establece el origen de la decadencia de las repúblicas italianas que hasta entonces habían monopolizado la expansión económica y unido a ello, un mecenazgo artístico de tanta brillantez. Italia queda así controlada por tres grandes poderes, el de Venecia, única república que mantiene su poderío; la autoridad imperial de Carlos V; y los Estados pontificios, otro poder imperial en sí mismo.

La situación histórica es por tanto muy diferente a la del siglo anterior, e irá agravándose según avance el siglo. Primero desde el punto de vista religioso, porque lo que empezó como una protesta del monje Lutero, se va a convertir en una ruptura de la cristiandad europea en toda regla, y porque cuando esta sea irreversible, la Iglesia Católica iniciará su propia Contrarreforma, que desde el punto de vista artístico supondrá un freno drástico a la libertad creadora que hasta entonces habían tenido los artistas del Renacimiento.

En segundo lugar está la propia crisis política que la crisis religiosa lleva consigo, porque la división en estados católicos y protestantes, derivará en un constante enfrentamiento entre ellos, que finalmente desembocará en las guerras de religión.

Por último, aunque la economía sigue teóricamente su expansión, y más con la aportación económica de las expediciones americanas, ya en el último cuarto del S. XVI se advierte un creciente aumento de la inflación, que incluso en la España de Felipe II, rebosante del oro americano, llegará a generar hambrunas entre la población humilde. Se trataría por tanto de un primer síntoma de la crisis económica que asolará Europa en el siglo siguiente, y que impulsará una política económica mercantilista, que a su vez generará no pocos recelos y desconfianzas entre los países.

Se trata por tanto de una época de crisis en muchos aspectos, y el arte refleja esta crisis a través de un movimiento como el Manierismo, que al romper con el clasicismo del Cinquecento, está rompiendo también con una visión serena y apacible de una época complaciente como era la del Alto Renacimiento.

Pero esta época se ha acabado y el arte refleja esa crisis a través de un arte, como es el Manierismo, que también puede considerarse como un arte de crisis. Y lo es porque se trata de un movimiento que pone en cuestión muchos conceptos artísticos anteriores y alumbra otros nuevos, pero llenos de contradicciones, de exageraciones, y de un apasionamiento, que está muy lejos de ser una expresión equilibrada y armoniosa, como los son todas las etapas clásicas que coinciden con épocas de estabilidad.

En el resto de Europa, el Renacimiento italiano se extiende como una influencia imparable por todo el continente, aunque no en todos los países cuajará con la misma intensidad. En algunos el clasicismo del Pleno Renacimiento se asentará felizmente, prolongando sus maneras en el tiempo, caso de Francia, en otros el lenguaje clásico encuentra más reticencias frente a un lenguaje medieval que pervive largamente en el tiempo, caso de España, donde habrá que esperar al arte más convulso del Manierismo para encontrar esa influencia italianizante.

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El fallecimiento de Rafael en 1520 ha sido tradicionalmente utilizado como hito para señalar el inicio del Manierismo italiano.  Son nuevas formulaciones cada vez más orientadas a un perfeccionamiento extremo de la "maniera" o estilo, con una contaminación de elementos clásicos y modernos, inspiración fantástica e invenciones personales extravagantes.

- Giulio Romano: Sala de los Gigantes del palacio de té de Mantua y Sala de Psique del palacio de té de Mantua
- Sebastiano del Piombo: Retratos, Piedad, Flagelación
- Andrea del Sarto
- Jacopo Pontormo: Descendimiento de Cristo
- Rosso Fiorentino: Descendimiento de Cristo, Las hijas de Jetró
- Agnolo Bronzino: Venus abrazada por Cupido
- Giorgio Vasari
- Benvenuto Cellini: Perseo, Ninfa
- Juan de Bolonia: Fuente de Neptuno, Rapto de las Sabinas
- Correggio: Natividad
- Parmigianino

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Hay detalles de Manierismo en los pintores novohispanos Simón Pereyns y Andrés de Concha, como un estilo sometido a los nuevos preceptos eclesiásticos que dictaminaban la representación de lo divino. Lo caprichoso, alargado y sensual de las imágenes provocó que la Iglesia las considerara no aptas para la devoción. La Contrarreforma estimuló a los artistas a cambiar el estilo, por lo que recurrieron a las representaciones más realistas del Renacimiento tardío, como las de acortar los largos cuellos, las manos extremadamente lánguidas y las posiciones serpenteantes y complicadas de los santos y vírgenes.
La influencia y la ruptura del Manierismo propició el nacimiento de un arte verdaderamente novohispano diferenciándose del peninsular. A pesar de las órdenes contrarreformistas, la pintura novohispana pudo combinar algunos formalismos manieristas con los valores de la Contrarreforma, por lo que se obtuvo una mezcla en el gusto de las composiciones y actitudes manieristas, junto con la solidaridad para con la Iglesia.

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La principal técnica para la pintura mural eran el fresco y la pintura a la cal (o fresco seco). La técnica del fresco se basa en la aplicación sobre la superficie húmeda que proporciona el enlucido y en la reacción química que se produce durante el fraguado por la cal.

La pintura a la cal es el mal empleo de la técnica del fresco, puesto que consistía en la aplicación del pigmento trasladado con agua segunda de cal a la superficie del enlucido fino, semi-seco y bruñido. Los pigmentos eran negro de carbón, obtenido de maderas quemadas, y el negro de humo, producido con teas de pino dentro de un recipiente invertido para que el ahumado quedara sobre la superficie del muro; de esta forma, se raspaba el hollín para obtenerlo. Estos pigmentos se mezclaban con agua segunda de cal. El bruñido, que daba el "toque" final a la obra, era de origen prehispánico, ya que los indígenas utilizaban piedras de río para lograr el brillo.

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Simón Pereyns
La virgen del perdón

Llegó a México con el virrey don Gastón de Peralta en 1566. Una de sus obras maestras fue la que le encargó la Inquisición como penitencia: La Virgen de la Merced. Tal era su belleza que se cuenta que los carceleros de la Inquisición imploraron el perdón del artista y, de ahí que la obra se conociera como La Virgen del Perdón. Dicha obra se encontraba en el altar del mismo nombre en la Catedral de México; aunque la pintura se quemó en el incendio de 1967.

Andrés de la Concha
Santa María de la Natividad,

Tamazulapan , Andrés de la Concha

Pintor, ensamblador y arquitecto, arribó a Nueva España en 1560, y realizó el retablo mayor de la Catedral de Antequera (Oaxaca), en 1575. De la Concha se asoció con Simón Pereyns para realizar los retablos de Teposcolula, la iglesia de Santo Domingo, en la Ciudad de México, así como el de la vieja Catedral Metropolitana y el de la iglesia de Huejotzingo, Pue. El retablo de esta última es la única prueba de su vida y obra. También destacó en escultura, con especialidad en policromía y estofado de imágenes, la talla, el dorado y el ensamblaje de retablos.

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Baltasar de Echave Orio
Adoración de los Reyes

Llegó a la Nueva España hacia 1582. Se casa en México con Isabel de Ibía, hija de Francisco Zumaya. Echave Orio trabajó para diversas órdenes, que fueron mecenas, como la franciscana y la jesuita. Al igual que Pereyns y Concha, Echave Orio hizo gala de su talento artístico en la realización de retablos, como el de la vieja Catedral de Puebla, en 1590.

Se conservan en la Pinacoteca de la Profesa (Ciudad de México) dos lienzos: Adoración de los Reyes y Los martirios de San Poncino y San Apropino.