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BB Brunes : Duel au soleil (live) - Souvenirs d'été

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Jean Beaudin (1976).

Road movie en calèche... Au début du 20e siècle, un photographe et sa femme sillonnent le Québec. Film de peu de mots, qui a valu à Monique Mercure un prix d'interprétation à Cannes.

2. Bon Cop, Bad Cop

Érik Canuel (2006).

Comédie d'action à saveur hollywoodienne mettant en vedette les deux solitudes. Immense succès au box-office.

3. Ce qu'il faut pour vivre

Benoît Pilon (2008).

Appuyé sur un scénario signé Bernard Émond, ce film aborde entre autres l'écart abyssal qui existe entre la culture inuite et celle des Blancs.

Jean-Marc Vallée (2005).

Portrait juste et touchant du Québec des années 1970, présenté sous un angle inédit.

5. Cruising Bar

Robert Ménard (1991).

Comédie pas très subtile, mais portée à bout de bras par le comédien Michel Côté, qui interprète les quatre rôles principaux.

6. Dédé à travers les brumes

Jean-Philippe Duval (2009).

La montée et la fin brutale du chanteur des Colocs. Un des grands films biographiques de notre cinéma.

7. Deux femmes en or

Claude Fournier (1970).

Le Québec se fait coquin. Pour Monique Mercure et Louise Turcot en banlieusardes désabusées.

8. Elvis Gratton

Pierre Falardeau (1981).

Pour le regard impitoyable de Falardeau sur le Québec.

9. Emporte-moi

Léa Pool (1988).

Une des belles histoires d'amour du cinéma québécois. Karine Vanasse y fait ses premiers pas.

10. Gaz Bar Blues

Louis Bélanger (2003).

Joli portrait de famille avec, en toile de fond, la détresse d'un homme à la santé déclinante qui doit se résoudre à vendre l'entreprise familiale, faute de relève. Choc des générations.

11. Incendies

Denis Villeneuve (2010).

Adaptation cinématographique parfaite de la pièce coup-de-poing signée par le dramaturge Wajdi Mouawad.

Jacques Godbout (1972).

Première comédie musicale du cinéma québécois. Psychédélique.

13. J'ai tué ma mère

Xavier Dolan (2009).

La crise existentielle d'un ado aux prises avec ses démons intérieurs. Premier opus d'un réalisateur rempli de promesses.

14.À tout prendre

Claude Jutra (1963).

Premier scénario de long métrage de fiction de ce réalisateur marquant. Jutra y aborde de front quelques tabous de l'époque, dont les relations interraciales.

Regardez-en des extraits sur le site de la série Cinéma québécois.

15. L'ange de goudron

Denis Chouinard (2001).

Critique sociale percutante d'un cinéaste qui consacre une bonne partie de son art au sort des immigrants.

16. La grande séduction

Jean-François Pouliot (2003).

Un village cherche un médecin désespérément. Humour intelligent et tout en finesse signé Ken Scott.

17. La guerre des tuques

André Melançon (1984).

Film-culte sur l'enfance et l'hiver. Première œuvre de la série des Contes pour tous.

18. La neuvaine

Bernard Émond (2005).

Film d'une grande poésie sur la foi dans le Québec moderne.

19. La petite Aurore l'enfant martyre

Jean-Yves Bigras (1951).

Un incontournable navet... qui a malgré tout fait l'objet d'un remake en 2005.

20. La vie heureuse de Léopold Z

Gilles Carle (1965).

Premier film québécois à dépeindre la vie urbaine, l'hiver.

21. La vraie nature de Bernadette

Gilles Carle (1972).

Excellent portrait du Québec hippie des années 1970.

22. Le confort et l'indifférence

Denys Arcand (1981).

Satire politique québécoise tournée au lendemain du référendum de 1980.

23. Le déclin de l'Empire américain

Denys Arcand (1986).

Regard décapant et cynique sur le Québec bourgeois.

Jean-Claude Lauzon (1992).

Un jeune garçon tente de s'évader de sa famille dysfonctionnelle en se réfugiant dans un monde imaginaire fantaisiste. Premier rôle de Ginette Reno.

25. Les bons débarras

Francis Mankiewicz (1980).

Cette histoire de famille qui tourne autour de la possessivité est le fruit d'une collaboration entre Mankiewicz et Réjean Ducharme (au scénario). Considéré encore aujourd'hui comme l'un des meilleurs films canadiens.

26. Les invasions barbares

Denys Arcand (2003).

Pour le plaisir de retrouver les personnages du Déclin. Touchante réflexion sur l'euthanasie. Oscar du meilleur film en langue étrangère.

27. Les ordres

Michel Brault (1974).

Drame historique sur la crise d'Octobre. Brault remporte la palme du meilleur réalisateur à Cannes.

28. Les Plouffe

Gilles Carle (1981).

Le Québec au temps de la Grande Crise et de la Deuxième Guerre mondiale. Monument de la culture québécoise.

29. Le violon rouge

François Girard (1998).

Le parcours fascinant d'un violon à travers les siècles et les continents. Pour la photographie, la direction artistique, la musique et l'originalité du scénario.

30. Mon oncle Antoine

Claude Jutra (1971).

Allégorie sur le " passage à l'âge adulte " du Québec, vu à travers les yeux d'un adolescent.

31. Mourir à tue-tête

Anne Claire Poirier (1979).

Film d'une dureté quasi insupportable, qui aborde sans pudeur la violence faite aux femmes.

32. Polytechnique

Denis Villeneuve (2009).

Sujet improbable (et casse-gueule) abordé avec intelligence et sobriété.

33. Pour la suite du monde

Pierre Perrault (1963).

Un grand documentaire sur la vie des habitants de l'île aux Coudres. Portrait sensible d'une génération et d'un métier (pêcheur de marsouin) tous deux disparus.

34. Pouvoir intime

Yves Simoneau (1986).

Premier véritable thriller québécois, mené de main de maître par ce réalisateur prolifique et couvert de prix.

35. Un zoo la nuit

Jean-Claude Lauzon (1987).

Quintessence du film urbain québécois. Beau regard sur les relations père-fils.

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Jean Beaudin (1976). Road movie en calèche... Au début du 20e siècle, un photographe et sa femme sillonnent le Québec. Film de peu de mots, qui a valu à Monique Mercure un prix d'interprétation à Cannes. Érik Canuel (2006). Comédie d'action à saveur hollywoodienne mettant en vedette les deux solitudes.

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On commence aujourd'hui par un appel au secours, Francfort, nous avons un problème, c'est le quotidien économique espagnol Cinco Dias qui le dit. Alors qui appelle-t-il au secours ? Tout simplement la Banque centrale européenne, la BCE, qui tient aujourd'hui sa réunion mensuelle à Francfort. Normalement, rappelle le journal, la dernière chose qui nous intéresserait en août, serait de savoir ce qui se passe à Francfort. Mais cette année, personne ne part en vacances, et tout le monde reste suspendu aux décisions de son président Jean-Claude Trichet. Soyons honnête, d'habitude la BCE, on ne sait pas trop à quoi elle sert. Apparemment, elle stabilise les prix en décrétant d'obscurs taux directeurs. Je ne vais pas me lancer dans un cours d'économie, mais ce qui est certain, c'est que la presse espagnole appelle aujourd'hui la banque centrale à aider le pays à se refinancer, alors que le niveau de la dette atteint des sommets et que les marchés ne font plus confiance à l'Espagne et et à sa soeur italienne. Ce qui se joue dans cette affaire bien sûr, ce n'est pas seulement le sort de l'Espagne, mais aussi une certaine vision de l'Europe, comme on a pu le voir avant dans le cas de la Grèce. Et ce qui se joue aussi c'est à terme la survie de la zone euro. Un autre quotidien espagnol, El Pais, se pose la question : au lieu de laisser les pays se débattent avec leurs dettes nationales, ne faudrait-il mieux pas que l'Europe englobe toutes les dettes ? Il n'est néanmoins pas sûr que ce soit la voie choisie aujourd'hui par la banque centrale.

Après un appel au secours, un coup de colère, celui de la presse et du peuple chinois. Les journaux y font ces jours-ci preuve d'une témérité jusqu'ici assez inédite et n'hésite pas à défier le régime, au sujet du récent accident de train à Wengzhou. Souvenez-vous Martin, c'était il y a dix jours, deux trains à grande vitesse entraient en collision, faisant 40 morts et 200 blessés. Les autorités ont essayé d'étouffer rapidement l'affaire, sans trop enquêter sur les causes de l'accident, mais la polémique ne cesse d'enfler et chaque jour la presse demande des comptes. C'est le cas par exemple du South China Morning Post, quotidien de Hong Kong, qui affirme que la colère du peuple de train ne faiblira pas. Ce qu'il faut comprendre aussi que cet accident a un aspect hautement symbolique pour les Chinois puisque ces trains à grande vitesse sont vraiment à l'image de la modernisation intensive du pays ces dernières années. Le premier ministre Wen Jiaboa a promis une enquête transparente, mais le quotidien l'interpelle et lui dit qu'il faudrait peut-être commencer par permettre aux médias d'enquêter librement sur l'accident serait un bon début. Pour avoir une idée des tentatives de dissimulation du gouvernement chinois, il faut lire un excellent reportage publié par le quotidien japonais Asahi Shimbun. " atteindre le site d'un accident grave en Chine est un véritable parcours du combattant pour un reporter ", raconte le journaliste. C'est un véritable jeu de piste, ou une sorte de Cluedo géant, où le reporter doit essayer de découvrir des indices avant que ceux-ci ne soient enterrés. Littéralement enterrés, car le reporter japonais raconte comment il a vu le wagon de tête du train être enterré sous ses yeux, très rapidement après l'accident, et avant l'enquête ait eu lieu...C'est à lire dans le Asahi Shimbun.

La Chine aussi, principale suspecte dans une grosse affaire de hacking révélé par l'entreprise américaine de lutte antivirus McAfee. On peut lire dans le New York Times que la compagnie Mc Afee a ainsi découvert que 72 cibles de gros calibre, a savoir des instances internationales comme les Nations Unies ou l'organisation mondiale de lutte contre le dopage avaient été la cible de cyberespionnage majeure ces cinq dernières années. Alors bien sûr, on ne sait pas qui est derrière ces attaques, mais le caractère massif et les méthodes employées laissent penser qu'il s'agit d'une initiative prise par un Etat. Parmi les autres victimes de cet espionnage massif, l'agence de presse AP, le comité international olympique et divers agences de sécurité américaines. D'ailleurs, Martin, je ne sais pas ce que vous faites après les Matins d'Eté, mais sachez que l'Agence de sécurité nationale américaine, la NSA recrute, et qu'elle recrute tout particulièrement des hackers, des pirates informatiques de haut vol. Le quotidien américain The Washington Post raconte que des représentants de l'Agence se sont même rendus cette semaine à la Defcon, la convention annuelle des pirates de tout pays qui se déroule à Las Vegas. Objectif : dénicher 1500 pirates capables de défendre les Etats-Unis contre les cyberattaques et aussi faire un peu de cyberespionnage... Bien évidemment, vous vous doutez Martin que le profil type du hacker, ce n'est pas costard-cravate, mais plutôt cheveux longs et T-shirt sale, mais l'article le précise bien, l'apparence extérieure n'est pas un critère de recrutement!

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On commence aujourd'hui par un appel au secours, Francfort, nous avons un problème, c'est le quotidien économique espagnol Cinco Dias qui le dit. Alors qui appelle-t-il au secours ? Tout simplement la Banque centrale européenne, la BCE, qui tient aujourd'hui sa réunion mensuelle à Francfort.

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Séries : et si la France faisait de son exception culturelle un atout?

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Séries : et si la France faisait de son exception culturelle un atout?

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Et si la meilleure façon de faire une bonne série française c'était justement de le faire à la française ? Vous vous souvenez de la phrase de Cocteau " ce que le public te reproche, cultive-le, c'est toi ".

Jusqu'ici le PSF, paysage sériel français, faisait figure d'exception, au sens péjoratif. Le constat était le suivant : une logique d'artisanat fabriquant certes quelques prototypes de qualité " Les revenants " " Baron noir " ou " P'tit Quinquin ", lançant quelques modèles au souffle plus long " Le Bureau des légendes " ou " 10% " mais n'ayant pas accomplie la mue d'une vraie production française compétitive. En comparaison avec les séries américaines, britanniques, scandinaves ou israéliennes. C'est tout l'objet de l'ouvrage de Pierre Ziemniack, dont je vous ai parlé ici " Exception française : De Vidocq au Bureau des légendes : 60 ans de séries ". Cet ancien du " Bureau des légendes " se demandait pourquoi un succès comme " Un village français " qui s'est même exporté jusqu'en Corée du Sud faisait figure d'exception. Pourquoi nous ne parvenions pas à produire de bonnes séries en série justement.

Il s'était arrêté sur plusieurs facteurs : d'abord le poids symbolique du 7ème art, une tendance dans les années 90 à vouloir faire, dans le petit, du sous grand écran avec une condescendance pour cette forme, mais aussi un modèle économique qui sépare trop producteur et diffuseur développant un système créatif de " commande ", enfin un manque de reconnaissance pour le statut de scénariste, et la spécificité de cette écriture.

C'est dans ce contexte que débarque sur Canal+ la nouvelle série française " Paris etc. " signée Zabou Breitman.

Ici pas de recette américaine qu'on chercherait à imiter. " Paris etc. " est une série qui tient à la co-écriture d'une romancière Anne Berest et d'une réalisatrice et metteur en scène de théâtre Zabou Breitman (reprenant le projet un temps développé par la réalisatrice Maïwenn). Une série qui se recentre totalement sur l'auteur en ce qu'il a de singulier, plus qu'elle ne mise sur la création collaborative. D'ailleurs Zabou Breitman n'y est pas la " show runneuse " lançant un canevas esthétique et scénaristique, mais la réalisatrice de l'intégralité des 12 épisodes.

Le cadre narratif dans lequel elle opère ? Un portrait choral de cinq femmes, qui ont plus à voir avec le poème de Baudelaire " À une passante " qu'avec une variante de la série américaine GIRLS. Ces cinq femmes ce sont les anonymes que l'on croise dans la rue et dont soudain on saurait où elles vont, et ce qu'elles fuient. La jeune provinciale qui débarque (Lou Roy-Lecollinet), la médecin quinqua à fleur de peau en pleine crise de couple (Valeria Bruni Tedeschi), la traductrice qui se bat pour ses ambitions professionnelles et intimes (Naidra Ayadi), la jeune masseuse faussement banale (Anaïs Demoustier), la matriarche endurcie (Zabou Breitman).

Au final ce qui est proposé a bien quelque chose du cinéma pour le petit écran, et le travail de réalisation comme la multiplicité des lieux de tournages le soulignent. Mais tout se passe comme si Zabou Breitman faisait de ce poids du 7ème art dans la série française un atout. Une fois adoptée la rythmique des 30 mn, chère aux américains, c'est tout le suc d'un cinéma spécifiquement français dialogué, intimiste, qui peut se déployer sans faire "sous long métrage". Avec des thèmes qui agitent la société française contemporaine comme autant de petits films en puissance : la cicatrisation du Paris post attentats, le traitement de l'intégrisme islamiste dans les médias, les intellos précaires, les nouveaux schémas familiaux, le harcèlement de rue, les discussions sur le FN à table. À voir si le prototype se déclinera, et si cet anti-manuel de "la parisienne" s'exportera, mais avec "Paris etc." le code a changé (pour reprendre le titre d'un film français).

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Séries : et si la France faisait de son exception culturelle un atout?

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Et si la meilleure façon de faire une bonne série française c'était justement de le faire à la française ? Vous vous souvenez de la phrase de Cocteau " ce que le public te reproche, cultive-le, c'est toi ". Jusqu'ici le PSF, paysage sériel français, faisait figure d'exception, au sens péjoratif.

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Delphine Ernotte a connu des jours meilleurs. La patronne de France Télévisions doit faire face sur deux fronts. A l'extérieur, il y a la tutelle, très critique à l'égard de l'audiovisuel public, à qui elle demande des efforts budgétaires. A l'intérieur, il y a la fronde des journalistes : les rédactions de France Télé ont prévu de mettre au vote une motion de défiance à l'encontre de la présidente du groupe mardi prochain.

En cause : un plan de 180 suppressions de postes. Dont 30 pour l'information. Tous les services sont concernés, mais c'est l'impact de ce plan sur deux des programmes les plus emblématiques de France 2 : Envoyé spécial et Complément d'enquête, qui a mis le feu aux poudres. Le projet initial envisageait d'y supprimer une vingtaine de postes, à la faveur d'un changement de périodicité de ces magazines d'investigation. Finalement, le chiffre a été ramené à trois, mais le mal est fait.

Cette affaire témoigne d'une vulnérabilité du journalisme d'enquête, qui coûte cher, et donc qui sert de levier lorsqu'il est question de faire des économies. Quand il ne s'agit pas de pure prétexte pour s'affranchir d'un genre qui dérange les pouvoirs politiques et économiques. Du coup, ce journalisme-là est obligé de se réinventer, ailleurs, dans des structures indépendantes mais fragiles financièrement. Et donc instables.

' 'Pas de cash, pas d'investigation ? ''

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Delphine Ernotte a connu des jours meilleurs. La patronne de France Télévisions doit faire face sur deux fronts. A l'extérieur, il y a la tutelle, très critique à l'égard de l'audiovisuel public, à qui elle demande des efforts budgétaires.

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Plan large : podcast et réécoute sur France Culture

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Plan large : podcast et réécoute sur France Culture

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Plan large : podcast et réécoute sur France Culture

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Plan large : l'émission en replay et ses archives en réécoute sur France Culture. Consultez les programmes à venir et abonnez-vous au podcast !

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La Grande table (1ère partie) : podcast et réécoute sur France Culture

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La Grande table (1ère partie) : podcast et réécoute sur France Culture

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La Grande table (1ère partie) : podcast et réécoute sur France Culture

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La Grande table (1ère partie) : l'émission en replay et ses archives en réécoute sur France Culture. Consultez les programmes à venir et abonnez-vous au podcast !

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Jean-Philippe Smet, dit Johnny Hallyday, né le à et mort le à Marnes-la-Coquette ( Hauts-de-Seine), est un chanteur, compositeur et acteur français.

Durant ses 57 ans de carrière, il s'impose comme l'un des plus célèbres chanteurs francophones et l'une des personnalités les plus présentes dans le paysage médiatique français.

S'il n'est pas le premier à chanter du rock en France, il est dès 1960, le premier à y populariser le genre. Bien qu'il interprète de nombreuses ballades sentimentales et des airs country au cours de sa carrière, le rock reste sa principale référence au travers de ses différents courants, puisant tous leurs origines dans le blues : rock 'n' roll, rhythm and blues, soul, rock psychédélique, soft rock ou encore pop rock.

Sa longévité au premier plan de la scène artistique et ses prestations vocales et scéniques lui attirent la reconnaissance de ses pairs et du public. Au total, il réalise 80 albums, dont 51 albums studio ainsi que 165 singles. Il totalise 6 disques de diamant, 40 disques d'or, 22 disques de platine et 10 Victoires de la musique. En dehors des pays francophones, s'il ne parvint pas à s'imposer durablement malgré plusieurs tournées à succès, notamment en Amérique du Sud, sa réputation d'homme de scène franchit en revanche les frontières. Il effectue ainsi 184 tournées et donne plus de 3 425 concerts, totalisant près de 30 millions de spectateurs, avec des prestations à gros budgets et effets scéniques.

Alors qu'il est atteint d'un cancer du poumon, il effectue sa dernière tournée en juin et , aux côtés de ses amis Jacques Dutronc et Eddy Mitchell, avec qui, en 2014, il a formé le trio des Vieilles Canailles. Sa mort, survenue quelques mois plus tard des suites de sa maladie, donne lieu à un important hommage populaire. Au moment de sa mort, les ventes de ses disques se chiffrent à 110 millions d'exemplaires.

Biographie

Enfance et adolescence

Fils d'3, Huguette Clerc (1920-2007), alors employée de crèmerie, et de Léon Smet (1908-1989), artiste de cabaret belge,,, Jean-Philippe Léo Smet naît à la clinique Villa Marie-Louise située cité Malesherbes dans le arrondissement de Paris, le .

À sa naissance, Jean-Philippe porte le nom de sa mère, Clerc, car Léon Smet ne l'a pas reconnu et, début 1944, abandonne sa compagne et son fils, âgé de huit mois. À la demande d'Huguette, le couple se reforme le temps d'un contrat de mariage et d'une reconnaissance en paternité, le ; dès lors, l'enfant se nomme officiellement Jean-Philippe Smet. Avant le jour de son baptême, célébré le en l' église de la Sainte-Trinité à Paris, Léon et Huguette Smet demandent au second époux de Jacqueline Harpet (elle-même deuxième épouse de Léon Smet), l'homme de radio Alain Trutat, d'être le parrain de leur fils, et à une nièce de Léon Smet, Menen Mar, d'être sa marraine.

Peu après, Léon Smet part définitivement. Huguette Clerc reprend après la naissance de Jean-Philippe une activité professionnelle, devenant mannequin de cabine pour des couturiers,,. Son métier lui laissant peu de temps, elle confie son enfant à sa belle-sœur Hélène Mar,. Cette dernière devient pour l'enfant une figure maternelle de substitution, aidée de ses filles Desta et Menen.

Le , le mari d'Hélène, Jacob Mar, est arrêté pour faits de collaboration, ayant été speaker et éditorialiste à Radio-Paris, la radio de la propagande nazie, ce qui compromet la carrière de première danseuse-étoile de ses filles. Après-guerre, dans une France marquée par la guerre et avec un père absent, Jean-Philippe sera traité de " fils de Boche ", de " bâtard " ou de " fils de divorcé ", " stigmates sociaux que la légende de Johnny va (plus tard) récupérer pour les convertir en signes positifs ".

À trois ans, Jean-Philippe entame une vie d'enfant de la balle au gré du travail de danseuses classiques de ses cousines. Fin 1946, Desta et Menen s'installent à Londres pour deux ans avec leur jeune cousin. Desta épouse Lee Lemoine Ketcham, un danseur américain connu sous le nom de scène de Lee Halliday. Le trio de danse acrobatique, Desta, Menen et Lee, se produit à travers l'Europe jusqu'en 1949. Le trio devient ensuite duo : Desta et Lee se font alors appeler " Les Halliday's ".

Lee Halliday est aux yeux de l'enfant une incarnation du " avoir été petit rat sur cette même scène de l'Opéra dans la troupe dirigée par rêve américain et devient son père de cœur et le surnomme Johnny. Plus tard, au moment de choisir un nom d'artiste, il optera ainsi pour le nom de scène " Johnny Halliday ". Inscrit à l'école des enfants du spectacle, il suit des cours par correspondance, apprend la danse classique et, à Paris, suit des cours de théâtre au Centre d'art dramatique de la rue Blanche et au Théâtre du Petit Monde. Selon ses propres déclarations effectuées à l'occasion d'un spectacle à l' opéra Garnier, Johnny Hallyday révèle Serge Lifar " ,.

Il apprend le violon qu'il déteste et finit par l'échanger, au grand dam de ses aînés, contre une guitare. Durant deux ans, où il vit à Genève, inscrit au conservatoire, il prend des cours de guitare avec le maître José de Azpiazu. Ce dernier, n'appréciant guère qu'il joue dans les rues des airs de cow-boy, finit par le renvoyer. Dès l'âge de neuf ans, il occupe la scène pendant les changements de costume du couple, en chantant des chants traditionnels français ou américains. Il monte officiellement sur scène, pour la première fois le , en première partie du spectacle des Halliday's, à l' Atlantic Palace de Copenhague, où il chante La Ballade de Davy Crockett, en s'accompagnant à la guitare, habillé en cow-boy.

Rentrée à Paris, la famille demeure dans le 13, quartier de la Trinité au rue de la Tour-des-Dames.

Johnny obtient divers petits rôles : il est figurant dans Les Diaboliques, tourne une réclame pour une marque de vêtements, participe à la télévision à l'émission Martin et Martine, où il chante Dans les plaines du Far-West. À 14 ans, en voyant au cinéma le film Amour frénétique, Johnny découvre Elvis Presley et le rock 'n' roll. C'est une révélation et, convaincu d'avoir trouvé sa voie, il décide de devenir rockeur.

Débuts musicaux (1957-1960)

Johnny commence sa carrière avec le soutien de ses proches, notamment de " Johnny avait beaucoup de disques américains qu'on ne pouvait pas acheter en Europe, ce qui me permettait d'écouter tout ce que je ne pouvais pas écouter autrement, si bien qu'on passait souvent des après-midi et des soirées à écouter Presley, Lee Halliday, son premier mentor-pygmalion et agent artistique qui le produit. Convaincu que cette musique peut s'imposer en France, Lee Halliday fait envoyer d'Amérique, par sa famille, des disques de rock qui permettent à Johnny de faire son apprentissage. Il devient dans le même temps possesseur d'une collection de disques alors inconnus en France. Eddy Mitchell se souvient à ce propos : Bill Haley et des tas d'autres trucs qui n'étaient pas encore disponibles chez nous ".

À partir de 1958, Johnny fréquente ce qui bientôt devient le lieu culte du rock français : le Golf-Drouot, d' Henri Leproux. C'est là qu'il retrouve d'autres copains, futurs confrères et concurrents : Long Chris, Dany Logan, Jacques Dutronc et Eddy Mitchell. Sur le tremplin, s'inspirant de ses idoles, il chante des reprises et adaptations françaises du répertoire américain en s'accompagnant à la guitare. À l' Orée du Bois, durant les changements de costumes de Desta et Lee, Johnny chante Elvis, sous les sifflets du public. Dès le second soir, il est renvoyé. Accompagné par Philippe Duval, son premier guitariste, il cherche à se produire dans divers clubs mais, partout le scénario est identique : on le refuse ou il est remercié. Il joue aussi avec ses amis Jacques Dutronc et Eddy Mitchell dans le square de la Trinité. Il obtient ses premiers succès publics en chantant pour les GIs dans les bases américaines.

Le , il participe à l'émission radio Paris cocktail de Pierre Mendelssohn, avec en vedette Colette Renard. Il chante Viens faire une partie. Les auteurs-compositeurs Jil et Jan, enthousiasmés par sa prestation, le présentent à Jacques Wolfsohn de la maison de disques Vogue.

Années Vogue (1960-1961)

Le , Johnny, encore et pour peu de temps " Halliday ", signe un contrat avec Vogue. Sa première prestation pour la maison de disques a lieu à Namur, en Belgique, où, avec Jean-Jacques Debout (également chez Vogue), il participe à un show radiophonique.

Le , il est en studio et, sous la direction de Léo Petit, il enregistre en s'accompagnant à la guitare et en prise directe quatre chansons.

Son premier super 45 tours, sort le . Sur la pochette, son nom est, par erreur, orthographié avec deux " y ", graphie qui est, alors, définitivement adoptée,. T'aimer follement (titre également chanté par Dalida à la même période), est la chanson promue. L'accueil des radios est très défavorable, voire franchement hostile. Johnny provoque un choc de générations et seule l'émission Salut les copains, quotidiennement programmée sur , fait figure d'exception ; dès la parution du disque le chanteur est largement soutenu par les présentateurs Daniel Filipacchi et Frank Ténot.

En avril, le chanteur obtient son premier contrat professionnel de 500 nouveaux francs et se produit, les 16 et 17, au Cabaret l'Escale à Migennes, (Johnny Hallyday 1960 : À la Roche-Migennes). Le lendemain, parrainé par Line Renaud, il fait sa première télé dans L'École des vedettes d' Aimée Mortimer et chante Laisse les filles en jouant de la guitare tout en se roulant par terre, ce qui défraie la chronique mais aussi dope les ventes du disque qui, de trente mille exemplaires déjà atteints, passent en quelques jours à cent mille. Line Renaud le présente comme un chanteur d'origine franco-américaine ; déjà au verso de la pochette du 45 tours, un encadré l'annonce comme étant " Américain, de culture française ". Une biographie américaine inventée par la maison de disques, dans laquelle Lee Halliday, véritable Américain né en Oklahoma, n'est plus son cousin par alliance, mais son grand frère. En juillet, sur les conseils de Charles Aznavour, Johnny rétablit la vérité sur ce demi-mensonge,.

Souvenirs, Souvenirs, son nouvel EP (sorti en juin), offre au chanteur son premier grand succès, tandis que son impresario Georges Leroux lui décroche de nombreux galas. Johnny est engagé en première partie de la tournée de Sacha Distel, avant de se produire durant l'été au casino de Juan-les-Pins. Au cours de la tournée, on assiste aux premiers mouvements de foule et ses prestations sont marquées par de nombreuses mini- émeutes, émaillées de multiples dégradations par ses admirateurs. La presse, unanimement hostile, parle d' hystérie collective pour dépeindre l'ambiance de ses galas,. En septembre, durant trois semaines, à l' Alhambra, il est programmé en vedette américaine de Raymond Devos. Son jeu de scène divise une fois de plus le public. Si, au balcon, les plus jeunes sont enthousiastes et le lui font savoir avec véhémence, au parterre les aînés indignés le huent. Le tollé est tel que la direction veut supprimer Johnny du programme. Raymond Devos s'y oppose et Hallyday va jusqu'au bout de son engagement.

Après le succès de Souvenirs, Souvenirs et la sortie en octobre d'un troisième 45 tours ( Itsy bitsy, petit bikini), d'autres émissions de radio le programment. Ce même mois, sort son premier 33 tours 25 cm Hello Johnny. Cette fois encore, avec la chanson Itsy bitsy petit bikini, Johnny Hallyday est en concurrence avec Dalida (sa propre version est sortie un mois plus tôt) et Lucien Morisse, directeur des programmes d'Europe 1 et compagnon de Dalida, le , dans son émission Le Discobole, excédé, casse le disque de Johnny Hallyday en direct à l'antenne en déclarant : " C'est la dernière fois que vous l'entendez,. "

Première Triumph TR3A offerte à Johnny Hallyday par son manager Johnny Stark pour ses 18 ans, en 1961.

Autour de Johnny Hallyday, le est organisé le Premier festival international de rock au Palais des sports de Paris dans une ambiance survoltée et explosive où bagarres et arrestations sont nombreuses. L'événement, qui lance véritablement le rock en France, est gravé sur le disque Johnny Hallyday et ses fans au festival de rock 'n' roll. À cette époque le marché du disque est dominé par les vinyles 25 cm et les super 45 tours et la publication d'un 33 tours 30 cm témoigne de la notoriété d'un artiste et de sa reconnaissance. C'est ainsi qu'Hallyday voit confirmé son récent statut de vedette, avec la sortie de son premier album Nous les gars, nous les filles. Pour autant un profond désaccord oppose Vogue et le chanteur. Désormais, Johnny n'est plus seul en France sur le marché du rock et la concurrence est rude, notamment celle du groupe d' Eddy Mitchell, Les Chaussettes noires. Aussi demande-il davantage de musiciens et des arrangements plus sophistiqués, avec saxophones et claviers. La réponse est " Tu fermes ta gueule et tu chantes ", à quoi il réplique : " Je ne vois pas comment je peux chanter en fermant ma gueule " et part pour ne plus revenir.

Johnny Hallyday, âgé de 18 ans, professionnel depuis à peine plus d'un an, a déjà enregistré 36 chansons et vendu un total de 1 673 000 disques. Sur fond de procès avec Vogue, il signe chez Philips le . Johnny Stark devient son nouvel imprésario, tandis que Vogue sort (le 31 juillet), un troisième et dernier 33 tours 25 cm, Tête à tête avec Johnny Hallyday,.

" L'idole des jeunes " (1961-1964)

Alors que de nombreux incidents parsèment toujours ses apparitions et que plusieurs villes ( Biarritz, Bayonne, Strasbourg, Cannes...) lui ferment leurs portes, Johnny enregistre, aux studios Fontana à Londres, son premier disque Philips Viens danser le twist réalisé par Lee Hallyday (ce dernier a signé avec Philips un contrat le même jour que son cousin et devient officiellement réalisateur artistique - il réalise ainsi jusqu'en 1975 la quasi-totalité des enregistrements de Johnny Hallyday - il adopte alors également la graphie de " son nom " avec deux y). Le disque sort le , ; le jour même où Johnny Hallyday débute à l' Olympia de Paris, où il se produit jusqu'au . Il est le premier artiste de sa génération à se produire en vedette dans la salle de Bruno Coquatrix, d'où il lance le twist en France,. Pour Noël, sort l'album Salut les copains, titre qui se veut un clin d'œil reconnaissant à la célèbre émission radio. La chanson Retiens la nuit s'impose particulièrement et marque sa carrière. Si ce n'est pas la première chanson douce du rockeur, écrite par Charles Aznavour et Georges Garvarentz, elle fait date et lui vaut un regard des critiques plus clément. Son jeu de scène et les débordements que provoquent ses apparitions publiques sont toujours dénoncés, mais on souligne aussi, à présent, ses qualités vocales et son talent d'interprète. Désormais, il alterne chansons rythmées et chansons sentimentales, suivant en cela le conseil de Charles Aznavour, chanteur lui aussi contesté à ses débuts (25 cm Retiens la nuit).

Au printemps 1962, il enregistre à Nashville l'album Sings America's Rockin' Hits, chanté entièrement en anglais. Jamais encore un tel disque n'a été réalisé à l'attention du public français, alors peu enclin aux chansons en langue étrangère et, s'il ne bouleverse pas les ventes, l'opus obtient un réel succès d'estime et est distribué dans de nombreux pays ( Japon, Royaume-Uni, États-Unis...). En avril, Johnny reçoit son premier disque d'or pour Let's Twist Again, avant de retourner aux États-Unis pour de nouveaux enregistrements et une tournée de promotion, durant laquelle il se produit dans plusieurs campus universitaires et participe à plusieurs émissions radiophoniques et télévisées, dont en juillet, le célèbre l'Ed Sullivan Show (les séquences avec Johnny Hallyday ont été tournées au Moulin-Rouge, en France).

Les succès s'enchaînent : Laissez-nous twister, Pas cette chanson, Elle est terrible et surtout L'idole des jeunes, une appellation qui, désormais, va durablement lui coller à la peau. Nanti de ce nouveau titre , il investit l'Olympia du au , où (après le twist), il lance le mashed potato. Sur la chanson , il se met en scène dans une rixe avec des voyous et sur I Got a Woman, à genoux devant sa guitare, il mime la scène finale de La Fureur de vivre. Ce second Olympia est un nouveau succès public et les critiques soulignent d'évidentes qualités scéniques (Johnny à l'Olympia). Début 1963, il chante au Palladium de Londres, puis s'envole pour le Liban pour une série de galas. Arrivé à Beyrouth, on lui annonce que sa venue crée des troubles politiques et que les représentations sont annulées. Indésirable, il rentre en France, où l'incident fait débat à l' Assemblée nationale.

Pour le premier anniversaire du magazine Salut les copains, organise, le , un concert gratuit place de la Nation, réunissant (notamment), Sylvie Vartan, Richard Anthony, les Chats sauvages et Johnny Hallyday. Alors que quelque trente mille personnes sont attendues par les organisateurs, la manifestation rassemble entre cent cinquante mille et deux cent mille jeunes. Le retentissement est considérable et, si le concert lui-même se déroule sans incidents, des heurts ont lieu en périphérie entre bandes rivales. Le lendemain et les jours suivants, dans la presse, le concert passe au second plan, on ne retient de l'événement que les dégradations (devantures de magasin éclatées, automobiles retournées) et les interpellations de blousons noirs par la police,. Le quotidien , le , publie un long article du sociologue Edgar Morin dans lequel l'auteur invente et sacralise l'expression yéyé,, qui s'impose de facto pour qualifier cette génération et ses idoles, en raison des nombreuses onomatopées qui parsèment leurs chansons.

D'onomatopées, il en est encore question avec le nouveau succès de Johnny Da dou ron ron, son premier à rester huit semaines 1 dans les hit-parades (25 cm Da dou ron ron). La tournée d'été, toujours mouvementée, crée une nouvelle polémique après son passage à Trouville-sur-Mer, où en ce 14 juillet il interprète La Marseillaise ; ce qui lui vaut les foudres des anciens combattants, qui l'accusent de l'avoir chantée en rock. L'initiative fait scandale et l'incident est commenté au journal télévisé du soir. Le chanteur est en vedette dans le film D'où viens-tu Johnny ?. Pour moi la vie va commencer et , extraits de la BOF éponyme, sont à l'automne deux énormes succès. En novembre, il enregistre de nouvelles chansons à Nashville et engage le guitariste Joey Gréco et le bassiste Ralph di Pietro rencontré à New York.

Début 1964, sort le 25 cm Les guitares jouent, enregistré avec son nouveau groupe Joey and the Showmen. Pour la première fois, avec Quand je l'ai vue devant moi, il chante une adaptation d'une chanson des Beatles (I Saw Her Standing There) et donne dans le country blues avec Excuse-moi partenaire. Le succès, tant public que critique, est au rendez-vous de son troisième Olympia, où il se produit du au . (Johnny Hallyday Olympia 64)

Il donne encore quelques galas en province, à l'issue desquels il est incorporé, le , au régiment d'infanterie de marine d' Offenbourg (le chanteur a bénéficié d'un report d'une année afin de pouvoir honorer tous ses engagements). Enregistré avant son incorporation, sort début juillet l'album Johnny, reviens ! Les Rocks les plus terribles. L'opus entièrement rock'n'roll, propose des adaptations de standards américains. L'armée profite du passage dans ses rangs pour quinze mois de la célèbre recrue pour tourner des petits films de propagande à l'attention de la jeunesse, ainsi que quelques émissions de variétés réalisées en direct de la caserne et, à la condition qu'il pose en tenue militaire sur les pochettes de disques, il obtient l'autorisation de poursuivre ses enregistrements. C'est durant cette période qu'il grave l'un de ses plus grands succès, Le Pénitencier, extrait du 25 cm éponyme.

Errances musicales et reconquête (1965-1968)

Le soldat Smet obtient une permission spéciale afin de pouvoir épouser Sylvie Vartan. Le couple se marie le , à Loconville ; il souhaitait une cérémonie intime, mais envahie par le public et la presse, l'événement provoque une émeute. L'album Hallelujah sort le . S'il est toujours militaire, c'en est fini des poses en tenue règlementaire et sur la pochette Hallyday apparaît guitare à la main, vêtu d'un blouson et d'un blue-jeans.

En août, Johnny Hallyday obtient des autorités militaires l'autorisation de chanter durant les dernières semaines de son service. Le 5, il débute à Colmar la tournée Johnny reviens,. Le , le chanteur est libéré, et (ce jour-là), il donne en matinée à Strasbourg, un gala d'" adieu aux copains de l'armée ", puis (le soir même), chante au casino de Juan-les-Pins. Le chanteur se produit jusqu'au à travers la France, mais aussi en Belgique et en Suisse, où le à Genève, sa venue provoque une telle émeute, qu'il lui est interdit de s'y produire durant plusieurs années pour trouble à l'ordre public,.

En , sort un second album Johnny chante Hallyday qu'il a entièrement composé et qui marque le début d'une longue collaboration artistique avec son ami Long Chris. Le chanteur se produit à partir du à l' Olympia, jusqu'au . Musicalement Hallyday évolue vers le rhythm and blues, son tour de chant est entièrement renouvelé et les anciennes chansons sont expédiées en un medley qui ouvre le récital. Seule la chanson Le Pénitencier, parmi les anciens succès, est présente et le public, quelque peu dérouté, ne retrouve pas le " copain teenager ". Son retour laisse une impression mitigée.

En ce début d'année " Johnny Hallyday en cage à 1966, plus rien ne semble aller pour lui : ses ventes de disques connaissent une forte baisse et multipliant les galas, il ne joue pas toujours à guichet fermé. En cette période difficile, Hallyday se produit dans plusieurs pays étrangers, notamment en Europe de l'Est. Arrive alors un nouveau chanteur nommé Antoine qui connait un succès fulgurant avec le titre Les Élucubrations d'Antoine, où au détour d'un couplet, il propose d'enfermer Medrano ". Peu après, Hallyday réplique avec le titre Cheveux longs et idées courtes qui connaît un succès égal.

Il figure à une place privilégiée sur la " photo du siècle " prise par Jean-Marie Périer, le 12 avril 1966, qui réunit 46 vedettes françaises du yéyé.

En août 1966, Johnny enregistre un nouvel album à Londres. Il y fait la connaissance de Noel Redding et Jimi Hendrix, qu'il contribue à faire connaître en les engageant dans sa tournée. Une plaque commémorative au Novelty de la rue Chartraine à Évreux, évoque le premier concert de la toute première tournée d' Hendrix le , en première partie de Johnny Hallyday. Si professionnellement cela va mieux, il n'en est pas de même côté vie privée. Son fils, David, naît le , alors qu'il chante à Milan. Le lendemain, il est au chevet de Sylvie, pour quelques heures, puis s'envole pour Venise, où il se produit le soir même. La presse se fait l'écho d'une séparation imminente alors que le fisc lui réclame un lourd arriéré d'impôts. Le , Johnny doit chanter à la Fête de l'Humanité ; épuisé par le rythme des galas et profondément déprimé, à quelques heures de la représentation, il tente de se suicider puis est hospitalisé d'urgence. C'est dans ce contexte, que Philips sort le titre Noir c'est noir [...], qui devient son plus important succès depuis Le Pénitencier).

Après quelques semaines de convalescence, à l'occasion d'un Musicorama Johnny chante à l'Olympia le , accompagné par une nouvelle formation, les Blackburds,, que dirige le guitariste Mick Jones et le batteur Tommy Brown. C'est un Johnny nouveau qui apparaît, son récital, sur des sonorités pop et rhythm and blues, est totalement inédit, son jeu de scène est renouvelé, son chant aussi. Désormais Hallyday " donne de la voix " et à force de débauches d'énergies, il emporte l'adhésion. Cette représentation à l'Olympia relance totalement sa carrière.

Le lendemain, l'album La Génération perdue est commercialisé. Ce disque, qui regorge de hits et de titres pour la scène demeure l'un des plus importants de sa production. L'année s'achève sur un autre grand succès, Si j'étais un charpentier.

Enregistrée à Londres en décembre, avec la participation de Jimi Hendrix, l'adaptation de est un nouveau tube pour Hallyday au printemps 1967.

La séparation entre Sylvie et Johnny n'est plus d'actualité et le couple se produit à l' Olympia du au . Johnny assure la seconde partie et commence son tour de chant avec Les coups, qu'il entame depuis les coulisses, le son allant crescendo à mesure qu'il avance vers la scène. Côté orchestration, priorité est donnée aux cuivres sur des tonalités très soul (). Fort de ce succès, le couple entame une tournée sud américaine de plusieurs semaines.

, adapté d'un classique d' Elvis Presley et Aussi dur que du bois sont les titres forts du nouvel album , qui confirme son orientation vers la musique soul. À l'automne, avec San Francisco et Fleur d'amour et d'amitié imposées par sa maison de disques, le rockeur cède à la mode hippie, alors que Mon fils et Psychedelic - titre sur lequel joue le guitariste Jimmy Page - complètent ce nouvel EP.

lui consacre, le , un Musicorama exceptionnel organisé au Palais des sports de Paris. 450 projecteurs et 800 phares de voitures dressés tel un mur au fond de la scène servent de décors. Pour la première fois, il utilise des écrans sur lesquels sont projetés une multitude d'images disparates. Le récital très contrasté alterne séquences peace and love et rock psychédéliques et violents. Johnny quitte la scène après un déchaîné et s'effondre au bord de la syncope dans la voiture qui l'emporte. La presse française et internationale commente largement la prestation d'Hallyday qui acquiert véritablement ses galons de bête de scène. (Johnny au Palais des sports).

À ce moment de sa carrière, un constat s'impose. Depuis deux ans, Johnny Hallyday est de toutes les influences musicales de l'époque : rhythm and blues, musique pop, musique soul, rock psychédélique et il n'a plus enregistré de rock 'n' roll depuis 1965 (année où il enregistre Rock and Roll Music) et, bien qu'il ait repris à la scène le classique de Little Richard , il faut attendre l'album Rêve et Amour et la chanson Cours plus vite Charlie pour qu'il y revienne furtivement.

En 1968, Johnny confirme ses errances musicales tous azimuts, avec plusieurs super 45 tours, qui précèdent la sortie, en juin, de son neuvième album studio Jeune Homme, avec lequel il poursuit sa période psychédélique qu'il parachève avec l'emblématique album Rêve et Amour qui paraît en octobre. La pochette du disque, mi-photo mi-dessin, est fortement influencée par celle de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band des Beatles. Il y apparaît vêtu d'une tunique couverte de médaillons aux effigies de nombreuses personnalités de la chanson, du cinéma, de la politique... Les titres Entre mes mains, Fumée et Cours plus vite Charlie, s'imposent au public. Ce dernier est l'unique reprise d'un disque qui initialement devait être enregistré en anglais.

Dans le cadre des Jeux olympiques d'hiver de 1968, il se produit à Grenoble le ( Europe 1 retransmet l'évènement à l'occasion d'un Musicorama). Le , lors de sa troisième tournée en Afrique, Hallyday est expulsé du Cameroun à la suite d'une rixe avec le ministre centrafricain de la Fonction publique à l'hôtel Indépendance de Yaoundé.

En concert à Johannesbourg, en octobre, ébloui par un projecteur, Johnny Hallyday tombe dans la fosse d'orchestre et se fracture un pied. Il termine malgré tout la représentation et c'est dans le plâtre qu'il honore chacun de ses engagements en Afrique du Sud. Contre l'avis des médecins, il fait de même en France, jusqu'à ce que, victime d'un malaise, il s'effondre sur la scène du Palais d'Hiver à Lyon. Cet incident l'oblige à plusieurs semaines de repos forcé, durant lesquelles il travaille avec Mick Jones et Tommy Brown à la formation d'un nouveau groupe.

Rocks violents et chants contestataires (1969-1971)

En février 1969, Johnny Hallyday reprend la scène, d'abord au Canada, puis en France, où il rode son nouveau tour de chant, avant de se produire au Palais des sports de Paris du au . Un nouveau guitariste, Jean-Pierre Azoulay (remarqué en février au Golf-Drouot), a intégré la formation et va fortement marquer le " son Hallyday " au cours des années à venir,. Au Palais des sports, l'artiste propose un spectacle totalement inédit. Évoluant sur plusieurs scènes reliées à la principale, sur l'une d'elles, il interprète Caché derrière mes poings chanson dédiée au " noble art ", sur laquelle il se met en scène en boxeur. Écrite par Gilles Thibaut et Jean Renard, la chanson Que je t'aime alors inédite fait grosse impression et compte parmi les moments forts du tour de chant. 100 000 spectateurs assistent à ce qui est véritablement son premier " grand " spectacle, qualifié par le magazine de " show de l'an 2000 " (un live nommé Que je t'aime sort en novembre).

En cette période post-soixante-huitarde, Johnny Hallyday s'oriente vers un rock plus dur, plus violent, plus engagé. Communément appelé Rivière... ouvre ton lit, un nouvel album très blues rock mais aussi psychédélique, pour lequel il s'est entouré de nombreux musiciens anglais, notamment Peter Frampton et Steve Marriott et des paroliers Gilles Thibaut et Long Chris, sort en mai. Aux manettes Glyn Johns, producteur, ingénieur du son ayant collaboré avec la crème de la musique pop rock ( The Beatles, The Rolling Stones, Led Zeppelin...) c'est à l'époque un disque très novateur dans le paysage rock français. Si le disque offre au chanteur nombre de chansons pour la scène, seul Je suis né dans la rue accède au rang de tube et devient un classique de son répertoire. La chanson Que je t'aime diffusée en 45 tours en juin, obtient un grand succès et demeure l'une des plus célèbres de l' interprète. Sa tournée d'été bat des records d'affluence et Que je t'aime déclenche d'authentiques scènes d'hystérie et nombre d'évanouissements. Le spectacle achevé, Hallyday est très souvent évacué en car de police pour échapper à l'enthousiasme des fans.

En 1970, sa collaboration avec le journaliste, écrivain et cinéaste Philippe Labro poursuit cette évolution et marque grandement sa carrière. Ils sont amis et ont une passion commune pour l'Amérique. Les textes écrits par Labro donnent aux chansons d'Hallyday plus de profondeur, révélant un nouvel aspect du chanteur. La première chanson Labro-Hallyday à être diffusée leur attire bien des problèmes. Alors que la face B du 45 tours On me recherche (qui raconte le périple d'un truand et ose quelques insolences envers la police), passe sans encombre, il n'en est pas de même pour le titre Jésus Christ, sur lequel Johnny chante que " si le christ vivait encore aujourd'hui, il serait un hippie ", ce qui déclenche polémiques et scandales. La chanson s'attire les foudres de l'église et le Vatican menace d'excommunier l'auteur et l'interprète. Interdit d'antenne, le disque est retiré des rayons dans plusieurs magasins. Cette censure dope les ventes. Cependant, bien qu'il ne la clame pas, Johnny Hallyday n'a jamais caché sa foi catholique.

Un nouvel album, intitulé , sort en novembre. Le disque diffère des productions précédentes, plus engagé plus contestataire, il évoque des problèmes contemporains comme l' écologie. Essentiellement écrit par Philippe Labro et Jacques Lanzmann, Vie est l'une des plus fortes ventes de cette fin d'année. L'année est également marquée par le cinéma, où pour la première fois le chanteur trouve deux véritables rôles : il incarne un justicier dans Le Spécialiste, western de Sergio Corbucci, et un voyou repenti dans Point de chute, drame policier de Robert Hossein.

Le , Sylvie Vartan et Johnny Hallyday se rendent à Belfort pour un gala et sont victimes d'un grave accident de la route. Si lui n'est que très légèrement touché, c'est beaucoup plus grave pour Sylvie, sérieusement blessée au visage. Des spécialistes américains en chirurgie esthétique parviennent, après plusieurs opérations, à lui rendre son visage. Début 1971, l'affiche d'une tournée aux Antilles et au Canada fait scandale : Hallyday y apparaît crucifié sur une guitare. À Pointe-à-Pitre, le spectacle se transforme en émeutes et durant les étapes canadiennes les incidents sont également nombreux. Le succès de la chanson Oh ! Ma jolie Sarah est fulgurant et s'inscrit parmi les plus gros succès de la décennie. Elle précède la sortie en juin de Flagrant délit, un album exclusivement rock dont Philippe Labro a entièrement écrit les textes. Johnny Hallyday a longtemps dit de Flagrant Délit qu'il était " de tous [s]es albums, celui qu['il] préfér[ait] " (et cela, jusqu'à ce que Rock'n'Roll Attitude ne prenne cette première place).

L'artiste chante au Palais des sports de Paris du au . Jamais encore il ne s'est produit dans la capitale sur une aussi longue période. Le son, volontairement poussé dans le rouge confirme une orientation musicale où la violence va crescendo. Chaque soir, il est accompagné au piano par Michel Polnareff qui s'est gracieusement proposé de jouer pour lui, pour le seul plaisir de la scène. Le tour de chant s'achève par un Medley rock'n'roll en anglais et lors de la dernière représentation, Johnny multipliant les standards américains, reste en scène plus de trois heures et demie. (Live at the Palais des sports).

Ballades, country et rock 'n' roll (1972-1975)

1972 marque l'arrivée de l'auteur-compositeur-interprète Michel Mallory qui, après Philippe Labro, va fortement influencer la carrière de Johnny Hallyday. Parolier attitré du chanteur durant près de dix ans, il écrit ou adapte une centaine de chansons, au fil desquelles se révèle un Johnny plus intime. Son chant devient moins agressif, sa musique moins dure et, délaissant les rocks violents, il s'oriente vers un rock plus mélodieux mais non moins fougueux. Au cinéma, sous la direction de Claude Lelouch, Johnny organise son propre enlèvement dans L'aventure c'est l'aventure, film dont il interprète la chanson titre.

J'ai tout donné de François Reichenbach, film consacré au phénomène Hallyday, est présenté en ouverture du Festival de Cannes 1972. Pour les besoins de ce documentaire, le réalisateur a suivi Johnny avec sa caméra durant une année : aux États-Unis, sur la scène du Palais des sports de Paris, en tournée à travers la France, etc. Sorti en juin, l'album Country, Folk, Rock est l'une des premières incursions d'Hallyday dans la country. Genre, à l'époque, peu prisé en France, le disque connaît un succès d'estime. Pour sa tournée d'été, il s'essaye à un nouveau spectacle le Johnny Circus mêlant numéros de cirque et musique. L'entreprise de par son gigantisme est un gouffre financier pour Johnny Hallyday. Ce qui l'empêche, durant quatre années, de produire de nouveaux shows sur une scène parisienne. Un nouveau 45 tours, Avant, conclut une année en demi-teinte pour le chanteur.

Début 1973, la chanson La Musique que j'aime s'impose au public et devient l'un de ses grands classiques. Elle ouvre l'album Insolitudes, où blues, rocks et ballades font la part belle aux guitares. Le disque compte parmi les meilleures réussites du tandem Mallory-Hallyday.

À la demande de Bruno Coquatrix, alors en proie à d'importants problèmes financiers, Johnny donne gracieusement plusieurs représentations à l' Olympia, en juin, alors que sur les ondes, en duo avec Sylvie Vartan, la chanson J'ai un problème est un hit et l'un des grands succès de l'année (album J'ai un problème). Durant l'été, le couple se produit à de nombreuses reprises ensemble sur scène.

En 1974, Je t'aime, je t'aime, je t'aime, un nouvel album essentiellement composé de ballades, offre à Johnny l'occasion de chanter avec emphase et lui révèle la recette de succès à venir tels que Requiem pour un fou ou Derrière l'amour. Michel Mallory est l'unique auteur d'un opus qui voit Mick Jones jouer une dernière fois pour Hallyday. Le , il chante au pénitencier de Bochuz en Suisse. Malgré plusieurs tentatives, le chanteur n'a jamais réussi à obtenir les autorisations nécessaires pour concrétiser un tel projet en France. Sa prestation est enregistrée et diffusée à la télévision suisse romande le , durant l'émission Pour vous Messieurs X : Johnny Hallyday et Raymond Devos à Bochuz. Lors de l'entretien avec les prisonniers, Johnny déclare : " J'ai été sauvé par mon métier, peut-être que je serais ici aujourd'hui si je n'avais pas eu cette chance ". Lorsqu'il quitte le pénitencier, les détenus le saluent en frappant avec leurs gobelets aux barreaux de leurs cellules. Sa tournée croise celle de Michel Sardou, les 3 et , et les deux amis se produisent ensemble à Béziers et Genève. Comme durant la totalité des années 1960-1970, Johnny Hallyday enchaîne les tournées et donne quelque deux cents galas par an. Sur scène, il déploie tant d'énergie qu'il en sort souvent au bord du K.O.. Cet engagement sans retenue, doublé par une existence de noctambule qui l'entraîne dans bien des excès, n'est pas sans quelques " clashs ", comme ce soir d'été, où il s'effondre d'épuisement sur scène à Alençon. Lors d'un entretien télévisé, Johnny Hallyday déclare : " Je suis un chanteur de rock revu et corrigé par la variété ". À peine a-t-il dit cela que, se faisant mentir, il enregistre coup sur coup trois albums de rock 'n' roll. Rock 'n' Slow est le premier volume de ce qu'il nomme sa " trilogie retour aux sources ". Hallyday chante Berry, Cochran, Presley, les Stones (c'est une première), sans négliger les créations originales comme (notamment), À propos de mon père et Rock'n'roll man. La sortie de l'album précède une tournée de promotion, qu'il débute par Souvenirs, souvenirs, marquant un peu plus encore ce retour aux origines.

Début 1975, le chanteur est en studio à Memphis et Nashville. Sur Rock à Memphis, il grave treize standards des " fifties ". L'album, publié en mai, est favorablement accueilli par la critique et le public. Dans la foulée, l'album La Terre promise est enregistré à Nashville. Le disque, aux sonorités très country rock, mélant adaptations et créations originales, sort en septembre.

Sur les ondes, dès avril, les titres La Fille de l'été dernier et Hey lovely lady, pressés sur un même 45 tours, sont des " hits ".

À la suite d'ennuis avec le fisc, qui lui réclame plusieurs centaines de millions de francs d'arriérés, Johnny fait part de son désir de tout arrêter, et s'installe aux États-Unis avec Sylvie et David. Mais l'envie de chanter et le démon de la scène reprennent vite le dessus et, à l'automne, il enregistre deux albums et annonce sa rentrée au Palais des sports de Paris en .

One-man-show, rocks et variétés (1976-1981)

Ce retour est marqué par de nombreux changements artistiques. Jacques Revaux ( avec qui Johnny a travaillé occasionnellement une dizaine d'années auparavant), assure désormais la réalisation des albums, et les chansons dites de variétés se font plus nombreuses : la popularité du chanteur se renforce, les succès présents renouant avec ceux de ses premières années. Sortie en , Requiem pour un fou se classe au sommet des hit-parades en deux jours et est très vite disque d'or. Johnny obtient un second hit avec la chanson Derrière l'amour annonciatrice de l' album éponyme. Le disque, qui alterne rock et variété, obtient un grand succès et devient la meilleure vente de la décennie de l'artiste. À l'automne, la chanson (unique titre rock du chanteur à accéder, en cette période, au rang de tube), devient un nouveau 1.

En mai, en Italie, sort son second album enregistré dans une langue étrangère, In italiano. Il se produit au Palais des sports de Paris du au . À la scène aussi les changements sont notoires et, si le tour de chant conserve la fougue dont est coutumier le chanteur, il est aussi nettement moins agressif que les précédents show parisiens de 1971 et 1969. La mise en scène gagne en standing ce qu'elle perd en violence. Ce one-man-show consacre sa première partie aux succès des années soixante, tandis que la seconde fait la part belle aux albums Derrière l'amour et Rock à Memphis. Le spectacle attire deux cent mille personnes et Johnny établit un nouveau record du plus grand nombre de spectateurs pour un spectacle musical,. Désormais, effets spéciaux et innovations techniques agrémenteront ses prestations à venir, dans un gigantisme et une mise en œuvre de moyens exceptionnels pour un chanteur français. (Johnny Hallyday Story - Palais des sports)

, premier double album studio du chanteur et l'un des tout premiers opéra-rock en France, paraît en novembre. Gilles Thibaut signe le livret de l'adaptation en vers de la pièce de Shakespeare, sur une musique composée par Pierre Groscolas, fortement influencée par le rock progressif. L'album, sort sans aucune promotion et ne trouve pas son public (d'autant que l'actualité du moment, c'est le show Johnny Hallyday Story, avec lequel le chanteur tourne en province durant plusieurs mois). Hamlet est un échec commercial et l'idée de le monter sur scène, sur une mise en scène confiée à Robert Hossein, est abandonnée. En cette période, les disques d'or se succèdent. La réussite de Derrière l'amour fait florès et les albums à venir s'inspirent grandement du même concept. Bien qu'Hallyday ne délaisse nullement le rock, ses productions du moment sont estampillées variétés et si, jusqu'alors, il s'est souvent entouré de pointures parmi les musiciens pour ses enregistrements, le chanteur se contente désormais d'orchestres sans autre forme distinctive.

Illustration créée pour la couverture de l'album Hollywood.

En octobre 1977, sort l'album . Le titre phare, J'ai oublié de vivre, est l'unique tube d'un disque qui obtient pourtant les faveurs du public. Jacques Revaux cède la place de directeur artistique à Eddie Vartan en 1978. La chanson Elle m'oublie (premier extrait de l'album Solitudes à deux), obtient un grand succès, comptant parmi les plus importants de la décennie et remporte le grand prix du Midem à Cannes.

Cette année-là, Antoine avec Les Élucubrations revisited donne une suite à son succès de 1966 et à nouveau interpelle Johnny Hallyday, qui cette fois, ne répond pas.

, enregistré à Los Angeles, sort en janvier 1979. L'album contient de nombreuses adaptations et emprunte de multiples couleurs musicales : Hallyday chante Bob Seger, Robert Palmer et (plus étonnant), Jimmy Cliff. Le Bon Temps du rock and roll est l'unique tube et single d'un album qui rompt avec les précédentes productions. À l'occasion des festivités de bicentenaire de la marine, le , il chante sur le Foch, devant un parterre de marins ; le show est retransmis en direct sur TF1. Du au , Johnny présente au pavillon de Paris son nouveau spectacle, conçu sur un thème de science-fiction, L'ange aux yeux de lasers. Le chanteur propose plusieurs inédits, notamment , qui très vite devient un standard. Pour son entrée en scène, Hallyday porte des lunettes spécialement adaptées pour lancer des rayons lasers en direction du public. C'est encore sous des lasers qu'il termine, foudroyé, cette première partie, après avoir chanté un vibrant plaidoyer contre la peine de mort, . La seconde partie est d'une facture plus classique : Hallyday y interprète de nombreux succès et achève son récital par une longue séquence rock 'n' roll, sur laquelle l'accompagne au piano Gilbert Montagné. Lors de la dernière représentation, David Hallyday (alors âgé de 13 ans), fait sa première apparition publique en accompagnant son père à la batterie sur Rien que huit jours. Joué à guichets fermés durant six semaines, le spectacle attire 250 000 spectateurs, et le double album Pavillon de Paris : Porte de Pantin bat des records de vente pour un disque live.

Diffusé en juin 1980, l'album À partir de maintenant, essentiellement composé de ballades, ne contient aucun tube et n'est jamais parvenu à s'imposer comme marquant dans la discographie du chanteur. Il se distingue par la reprise de La Poupée qui fait non de Michel Polnareff et par la création de Je ne suis pas un héros, chanson écrite par Daniel Balavoine pour Johnny Hallyday. Ce même mois, Sylvie et Johnny chantent à la Fête de la Liberté devant plus de 200 000 spectateurs. Après un concert à Orange, le couple se produit encore aux Arènes de Béziers le ; le public ignore alors qu'il assiste à ce qui est leur dernière représentation commune. Sylvie Vartan et Johnny Hallyday ont officiellement divorcé le .

Début 1981, sort l'album En pièces détachées, qui marque un net retour au rock dur et violent : avec le titre Guerre, Hallyday s'offre une incursion dans l'univers du hard rock et la chanson Lady Divine, qui se veut une mise en garde contre la consommation de substances illicites et dangereuses, est censurée par sa maison de disques, qui impose son titre (la chanson devait à l'origine s'appeler Lady Cocaïne), ainsi que quelques modifications du texte.

En février et mars, accompagné par une nouvelle formation, le Night Rider Band (anciens musiciens d' Elton John), il tourne à travers la France et la Belgique. Son tour de chant, entrecoupé de rares ballades, est essentiellement rock et, sur scène, Lady Divine, interprétée sans censure, redevient Lady Cocaïne au gré des couplets. La tournée s'achève sous chapiteau à Paris, porte de Pantin. Durant l'été, le spectacle est diffusé sur Antenne 2, dans son intégralité, à l'exception de Lady Divine, indésirable à la télévision. (). Enregistré à Londres, sort en septembre. Album d'introspection, il révèle les désillusions, empreintes de nostalgie, du chanteur. Sur J'en ai marre, chanson à l'humour caustique, Hallyday invective la presse qui, il y a peu, l'a donné pour mort et généralement invente sa vie. Cet album marque la fin de la collaboration avec Michel Mallory, après neuf années d'une fructueuse complicité qui à présent marque le pas.

Période difficile et retour aux sources (1982-1985)

Depuis , le chanteur ne connaît plus de grand " tube " et malgré un répertoire largement renouvelé ces dernières années, il manque de titres marquants. Pour autant, cette période où Johnny Hallyday collabore essentiellement avec Pierre Billon est fructueuse en créations. Au cours de ces quatre années, il enregistre huit albums studio (dont un en espagnol Black es noir et où il réenregistre la totalité des chansons de sa période Vogue). Sorti au début de l'année 1982, l'album Quelque part un aigle, faisant fi des contraintes commerciales, s'essaye à d'autres thèmes, explore d'autres pistes musicales et déroute quelque peu le public. Il s'accompagne, en février-mars, d'une tournée avec un nouveau groupe, Énergy, ou cours de laquelle, le , le chanteur donne deux représentations pour les détenus à la Maison d'arrêt de Fleury-Mérogis.

À la ville, au printemps 1982, Johnny Hallyday entame avec Nathalie Baye une relation dont naît, en , Laura Smet. Commercialisé quelques jours avant la première du spectacle, l'album n'existe que par et pour le show Fantasmhallyday, que Johnny donne au Palais des sports de Paris à l'automne. En 1983, Entre violence et violon est l'album du renouveau artistique, avec lui s'amorcent les changements à venir, qui trouvent leurs apogées avec les albums Rock'n'Roll Attitude et . Avant cela, il se régénère à Nashville, " berceau du rock 'n' roll ", où il enregistre trois albums : Entre violence et violon, et Drôle de métier (plus un Spécial Enfants du rock, issu de l'émission Go, Johnny, Go diffusé sur Antenne 2 le ). Entre violence et violon et Drôle de métier s'inscrivent parmi les meilleures réussites rock de l'artiste et lui fournissent nombre de titres taillés sur mesure pour la scène, à l'instar de la chanson Mon p'tit loup (ça va faire mal) qui est un succès. Si l'accueil de ces disques est mitigé, la popularité du chanteur n'en demeure pas moins intacte et, à la scène, il mobilise toujours autant les foules. Durant cette période avec peu ou pas de hits, Johnny Hallyday monte deux de ses plus grands spectacles.

Fantasmhallyday est présenté du au , au Palais des sports de Paris. Ce show, le troisième et dernier à thèmes de l'artiste, est considéré comme l'un des plus grands jamais montés en Europe. Johnny incarne " le Survivant " dans un monde après l'apocalypse, où il affronte mutants et zombies. Jean-Claude Camus, en association avec Gilbert Coullier, est pour la première fois son producteur. En première partie, le chanteur repousse les codes du tour de chant traditionnel en proposant un répertoire de huit titres inédits sur les dix interprétés, n'hésitant pas à interrompre la partie musicale à deux reprises durant plusieurs minutes, pour la projection sur un écran géant d'une vidéo, puis plus tard, s'enchaînent sur la scène une succession de cascades et de combats. En seconde partie, il propose un récital plus conventionnel, essentiellement composés d'anciens succès. Durant deux mois, Johnny donne cinquante-quatre représentations pour deux cent cinquante mille spectateurs. (Palais des sports 82). Au cours d'une représentation, lors d'une cascade, il se blesse à une hanche. Il n'en continue pas moins la scène et, après la capitale, entame en province une longue tournée. Le chanteur, après encore quelques représentations durant l'été, est hospitalisé à l'hôpital Cochin, le , où il est opéré de la hanche, avec la pose d'une prothèse,.

À partir du et jusqu'au , Johnny Hallyday s'installe pour trois mois au Zénith de Paris, (une durée de programmation jamais vue en Europe). Le chanteur apparaît dans un poing géant et articulé venu du fond de la scène pour s'ouvrir au-dessus du public. Hallyday interprète plusieurs inédits durant ce tour de chant aux accents très rock, mais où ballades et émotions sont néanmoins présentes, notamment avec la reprise de Ne me quitte pas de Jacques Brel. Johnny achève la première session de son Zénith le ; les représentations reprennent le . Le , à quelques minutes de la fin du show, Hallyday s'écroule sur scène, victime d'une syncope. Hospitalisé jusqu'au 12, il est contraint d'annuler toutes ses dates jusqu'au . Le lendemain, Johnny Hallyday remonte sur scène pour les trois dernières dates. Ce spectacle demeure l'une des plus importantes productions et la plus " grosse machinerie " jamais mise en œuvre par l'artiste (Johnny Hallyday au Zénith).

La période Hallyday-Billon s'achève ici, malgré et peut-être grâce à une absence de " tube ", elle est musicalement l'une des plus novatrices du chanteur. Elle n'est pas sans rappeler la période " Je considère qu'entre Mick Jones-Tommy Brown, tout autant déroutante pour le public, qui marque la seconde moitié des années soixante, où le chanteur, tout en se cherchant un " second souffle ", a livré quelques-uns de ses albums les plus emblématiques. Pierre Billon est la " clé de voûte " de cette volonté de renouvellement chez Hallyday, en ce début de décennie. Une période souvent négligée, parfois décriée. Ainsi Jean-Claude Camus n'a guère de complaisance pour elle, lorsqu'il déclare : Jacques Revaux et Michel Berger il n'y a rien. [...] Il faut reconnaître que depuis le disque avec Berger, il est reparti très fort, n'ayant jamais vendu autant de disques. ". Jean-François Brieu a un tout autre jugement : " Ce qui est caractéristique des productions Billon, c'est que l'on aime aller chercher loin dans les références littéraires, on adore déstructurer les mélodies [...], on s'éclate à casser les lignes de basse, les soli trop proprets [...]. Bref, on produit, c'est-à-dire qu'on prend des risques ".

Vers une nouvelle image (1985-1992)

Depuis 1961, le chanteur est tenu par contrat de fournir chaque année " un nombre assez imposant d'albums et de 45 tours ". Alain Lévy , nouveau patron de Philips, pense que ses enregistrements devraient être moins nombreux afin de lui permettre de les peaufiner davantage. Dans cette optique, il est fait appel à des auteurs et compositeurs de renom chargés d'écrire du sur mesure pour Johnny Hallyday et lui permettre d'amorcer ce changement.

C'est ainsi qu'au , il enregistre l'album Rock'n'Roll Attitude, écrit composé et réalisé par Michel Berger. Le disque obtient un grand succès public et critique. De nombreux titres sont des hits et deviennent des standards de son répertoire, notamment Quelque chose de Tennessee, qui s'impose comme l'un de ses plus grands succès. L'album fait date dans la carrière de l'artiste, réactualisant les thèmes " hallydayens ", il renouvelle quelque peu son public désormais élargi, son image en est profondément modifiée. Cette métamorphose, amorcée par Michel Berger, prend une autre dimension encore grâce au cinéaste Jean-Luc Godard, sous la direction duquel Hallyday tourne le film et avec qui il monte les marches du palais du Festival de Cannes, pour y présenter le film en compétition officielle. Après quinze années d'absence au cinéma dans un vrai rôle, Hallyday déclare : " Ce qui m'intéressait avec Godard, c'était de casser mon image de chanteur, d'éloigner le personnage Hallyday". L'année suivante, le réalisateur Costa-Gavras enfonce le clou avec Conseil de famille, une comédie policière où il confirme un réel talent de comédien. En revanche, le film de Pierre-William Glenn, en 1987, est un échec retentissant, à l'échelle des espoirs qu'Hallyday a fondés sur lui pour pérenniser son récent statut d'acteur.

Le , après une seconde opération de la hanche début juin, Johnny Hallyday est de retour sur scène. Sa participation à la Fête de l'Humanité deux jours plus tard est l'objet d'une polémique dans les médias et, s'adressant au public, le chanteur déclare : " Pour remettre les choses à leur place, j'aimerai vous dire que je suis très heureux d'être ici avec vous à la Fête de l'Humanité, car avant tout, c'est une fête... des Français ". Cette année-là voit la naissance des Victoires de la musique. L'album Rock'n'Roll Attitude, plusieurs fois nommé (meilleur album rock, meilleure pochette, meilleur clip (réalisé par Bernard Schmitt, pour Quelque chose de Tennessee), n'en remporte aucune.

En 1986, il se sépare d'avec Nathalie Baye. C'est aussi la première année d'une carrière, commencée 26 ans plus tôt, où Johnny Hallyday ne se produit pas sur scène. À l'automne, il enregistre , un album écrit et réalisé par Jean-Jacques Goldman. L'album, sorti le , est certifié disque de platine en deux semaines. Plus encore que le précédent, l'opus regorge de tubes en devenir : J'oublierai ton nom (en duo avec Carmel), Je te promets (dont le succès " flirte " avec les sommets atteints par Que je t'aime), (premier titre du chanteur à être diffusé en CD single), qui bat des records au Top 50, où il reste classé six mois durant. Accompagné par une nouvelle formation (notamment Norbert Krief, ancien guitariste de Trust), il chante au palais omnisports de Paris-Bercy du au . Produit par Jean-Claude Camus et Gilbert Coullier, mis en scène par Michel Berger, le spectacle Johnny se donne à Bercy se joue à guichets fermés. Présent sur scène dès le lever de rideau, Johnny, façon Jerry Lee Lewis et clin d'œil à de France Gall, joue debout et au piano l'introduction d'un tour de chant qui compte sept reprises sur les vingt-deux titres d'un répertoire essentiellement extrait des deux derniers albums. Pour la première fois, une chanson lente, Quelque chose de Tennessee, termine le spectacle,, (Johnny à Bercy). Jusqu'à la fin de l'année et durant une grande partie de 1988, le chanteur tourne en province, où son passage est bissé, voire triplé dans de nombreuses villes.

En 1989, Antenne 2 diffuse la série David Lansky, un policier aux méthodes musclées, avec dans le rôle-titre Johnny Hallyday. Fait rare, à l'occasion de la première diffusion, l'ensemble des magazines TV consacrent leur une à " Johnny-Lansky ". Sur les six initialement prévus, quatre épisodes sont tournés. Son album studio, , sort en juin. Étienne Roda-Gil signe l'ensemble des textes et réalise l'album. Plus rock que les précédents opus, le disque consacre plusieurs chansons à la moto. De moteur, de rock et de grands espaces, il en est encore question avec la chanson Cadillac : évocation de Antoine de Lamothe-Cadillac, aventurier français, qui fonde, en 1701, la ville de Détroit, berceau de l'industrie automobile et lieu de naissance de la firme discographique Motown. Conséquemment, la poésie de Roda-Gil, dans un raccourci qui mêle les époques et réécrit l'histoire, fait de l'aventurier le " père fondateur du Rock'n'Roll ".

Aux côtés de Véronique Sanson, Jean-Jacques Goldman, Michel Sardou et Eddy Mitchell, du 6 au 14 novembre, il participe à la toute première tournée organisée au profit des Restos du Cœur, fondés par Coluche en 1985. L'album Tournée d'Enfoirés est rapidement commercialisé au bénéfice de l'association.

La villa Lorada de la presqu'île de Saint-Tropez, à Ramatuelle.

Accompagné par Pierre Billon, Tony Frank et Adeline Blondieau, Johnny Hallyday, au printemps 1990, traverse d'est en ouest les États-Unis, à moto.

Fille de son ami Long Chris, Adeline épouse Johnny en juillet à Ramatuelle. Dans cette même ville, il entreprend la construction de la villa Lorada. Devant plus de deux-cent-cinquante-mille spectateurs, du au , Johnny présente, à guichets fermés son nouveau spectacle Dans la chaleur de Bercy. Il reprend Honky Tonk Women des Rolling Stones, Diego libre dans sa tête de Michel Berger, et pour la première fois, inscrit à son répertoire Je ne suis pas un héros. Les chansons Je te promets et L'envie, pour lesquelles il est accompagné par l'Orchestre Symphonique d'Europe, clôturent le récital. (Dans la chaleur de Bercy). Par deux fois au cours de l'année, le chanteur est censuré. En janvier, le clip Les vautours, considéré trop violent, est interdit de télévision. Durant l'automne, son single Je ne suis pas un héros est interdit d'antenne pour cause de guerre du Golfe, certains y voyant une provocation.

En , sort l'album Ça ne change pas un homme, enregistré à New York et réalisé par Mick Lanaro. A contrario des précédents, l'opus propose un florilège d'auteurs compositeurs : Art Mengo, Jon Bon Jovi, Patrick Bruel, Tony Joe White, Philippe Labro... Johnny interprète plusieurs chansons d'une étudiante coréenne de 19 ans, Ysa Shandy, dont Tien a men et Dans un an un jour (dernière composition de Mort Shuman décédé quelques mois plus tôt). À l'automne 1992, pour la troisième fois Johnny Hallyday se produit à Bercy. Le spectacle débute par une séquence de prestidigitation, où on le voit descendre des limbes vers la scène, dans un ascenseur présenté vide quelques secondes plus tôt. Un morphing des visages du chanteur de différentes époques est diffusé tandis qu'il chante Ça ne change pas un homme. Sur Quelque chose de Tennessee, il rend hommage à Michel Berger disparu durant l'été, tandis qu'avec l'inédit J'ai tout donné il inscrit au tour de chant une séquence hard rock. Point d'orgue de ces quelques moments du spectacle, Hallyday, (avant rappel), conclut sur , au terme duquel dans un écran de fumée, il s'élève vers les cintres emporté par une grue mécanique. ().

Du Parc des Princes au Stade de France (1993-1998)

Pour le spectacle " Retiens ta nuit " qu'il joue les 18, 19 et , au Parc des Princes, Johnny gagne la scène par la pelouse en fendant la foule. Les images de cette entrée font le tour de l'Europe, suscitent nombre de commentaires dans la presse et ceux d'artistes internationaux, tels que Tina Turner ou Mick Jagger. Le récital compte cinquante-deux chansons (une vingtaine réparties sur quatre medleys) et plusieurs duos ; David Hallyday, Michel Sardou, Eddy Mitchell chantent avec lui, tandis que Joey Greco et Paul Personne l'accompagnent à la guitare sur quelques titres. Sylvie Vartan traverse le pont en acier - reproduction du Golden Gate Bridge de San Francisco - qui orne la scène, au volant d'une MG avant de rejoindre Johnny et de chanter Tes tendres années a cappella, puis en duo Le feu et Je veux te graver dans ma vie. Hallyday livre un show de plus de trois heures et attire un total de 150 000 spectateurs. (Parc des Princes 1993).

Cette année-là, sa maison de disques annonce qu'il a déjà vendu plus de 100 millions de disques. Johnny Hallyday enregistre en 1994, à Los Angeles . Fait de Blues et de Rock, ce album studio enregistré en anglais est son troisième du genre et son cinquième dans une langue étrangère. Afin de promouvoir l'album, il est décidé d'effectuer une tournée française et européenne et de se produire exclusivement dans des petites salles. Le tour de chant est pour l'essentiel en anglais. Il termine ses récitals dans " l'Hexagone " à la Cigale de Paris, puis en novembre chante dans plusieurs villes d' Europe du Nord : Zurich, Munich, Amsterdam, Francfort-sur-le-Main, Bruxelles, Düsseldorf, Hambourg. Comme l'album, cette tournée sans réelle promotion, connaît un succès très confidentiel et certaines dates sont annulées,. ().

Enregistré dans sa villa à Ramatuelle, l'album sort au printemps 1995. Jean-Jacques Goldman signe deux titres, dont un nouveau succès : J'la croise tous les matins. À l'automne, le chanteur se produit, pour la quatrième fois, à Bercy. Le récital composé de plusieurs extraits de , de reprises de standards rock 'n' roll et d'un titre de Rod Stewart est bilingue et les titres anglo-saxons s'alternent avec ses succès. Johnny donne une longue séquence acoustique sur une mini scène au milieu du public et conclut son tour de chant avec L'Hymne à l'amour d' Édith Piaf. (Lorada Tour). Au moment même où Johnny Hallyday investit Bercy, est lancé le projet d'un concert à Las Vegas en 1996. Le , un an jour pour jour après leur rencontre, Laeticia Boudou devient officiellement madame Hallyday. Le , Johnny Hallyday joue, devant sept mille spectateurs qui ont fait spécialement le voyage pour assister à son show américain, à L' Aladdin de Las Vegas. L'album Destination Vegas est spécialement enregistré pour l'occasion (l'album Live at the Aladdin Theatre, reste inédit jusqu'en 2003). Le show Vegas sitôt achevé, le chanteur annonce un prochain spectacle prévu à Bercy en . (Ce sera finalement au Stade de France, en ). Absent de la scène en 1997, exception faite de sa participation à la soirée des Restos du cœur en janvier, Johnny s'offre une année quasi sabbatique ne chantant que pour et avec les autres : il participe à l'album Friends for Life de Montserrat Caballé ; chante dans la nouvelle version du conte Émilie Jolie de Philippe Chatel ; est en duo avec Zucchero sur un titre de The Best of: Greatest Hits et fait les chœurs, avec Eddy Mitchell, pour Michel Sardou, sur la chanson Mon dernier rêve, ().

publie, le , un entretien avec Daniel Rondeau intitulé Les confessions de Johnny, où il confie : " La cocaïne, oui, j'en ai pris longtemps, [...]. Maintenant, [...], j'en prends pour travailler, pour relancer la machine, pour tenir le coup. Je ne suis pas le seul d'ailleurs. La poudre et le hasch circulent à mort chez les musiciens. Il n'y a pas à s'en vanter, je n'en suis pas fier, [...]. Il faut bien savoir que nos chansons, on ne les sort pas forcément d'une pochette-surprise. ". Composé et réalisé par Pascal Obispo Ce que je sais, son album studio sort ce même mois. La pochette présente un Johnny " relooké ", les cheveux courts, lèvres et visage " retravaillés " où moustache et bouc, (définitivement adoptés), sont de rigueur. Le au Zénith, Hallyday est de la distribution du traditionnel concert des Enfoirés. Le , La Marche du siècle sur France 3, diffuse La nuit des hommes libres réalisé par Daniel Rondeau. Sur le générique de fin, Johnny chante Le Chant des partisans, avant que la chanson ne soit diffusée à l'automne de façon plus pérenne sur le single Seul.

Le , annoncé au public par le producteur Jean-Claude Camus, la première des trois concerts au Stade de France est annulée, quelques minutes avant le coup d'envoi, pour cause de forte pluie et est reportée au (ce soir là, le spectacle se joue sous une pluie torrentielle). Le 5, Hallyday fait son show. Un hélicoptère, (piloté par Michel Drucker), dépose Johnny sur le toit du stade, d'où il " disparaît " pour, quelques secondes plus tard, apparaître au milieu du stade dans un écran de fumée. La Musique que j'aime donne le coup d'envoi d'un récital de trois heures, agrémenté de plusieurs duos, d'une séquence acoustique, d'une autre symphonique (pour la seconde fois, après Bercy en 1990), l'Orchestre Symphonique d'Europe l'accompagne. Créé pour l'occasion, Allumer le feu, se joue sous un feu d'artifice et de lumières, avant que Johnny ne conclue avec la reprise de Sur ma vie de Charles Aznavour (Stade de France 98 Johnny allume le feu).

Nouveaux records et regain de popularité (1999-2005)

En 1999, l'album Sang pour sang, composé et réalisé par David Hallyday, obtient un franc succès. Au terme de l'année 2000, il atteint les deux millions d'exemplaires et devient la plus grosse vente d'Hallyday à ce jour. De nombreux extraits proposés en singles, constituent aussi quelques records de ventes qui confirment l'accueil du public fait à l'album.

Johnny Hallyday fête ses quarante ans de carrière en 2000. Pour l'occasion, Universal réédite, en CD digipack, les 40 albums studio Philips, avec un succès impressionnant : ainsi, le nombre d'exemplaires écoulés de l'album au cours de la semaine de sa (re)sortie dépassent ceux de l'album Sang pour sang et la semaine du , le chanteur place au Top albums et singles, douze singles et vingt-deux albums, tandis que son dernier opus revient à la seconde place. Le , dans le cadre des festivités prévues pour le changement de millénaire, l'artiste donne un spectacle gratuit au pied de la tour Eiffel, devant plus de cinq cent mille spectateurs. Retransmis en direct sur TF1, le spectacle établit un record d'audience avec huit millions de spectateurs (100 % Johnny : Live à la tour Eiffel). Le 15, il chante devant soixante mille spectateurs au Parc de Sceaux ( un album live posthume est publié vingt ans plus tard).

Après vingt-sept années d'absence, Johnny Hallyday est de retour à l' Olympia, où il donne, le , la première des quarante-deux représentations prévues jusqu'au (Olympia 2000). Les séances parisiennes sont entrecoupées de plusieurs concerts en province ainsi qu'à Bruxelles et Lausanne. La tournée s'achève à Montréal, où après une absence de vingt-cinq ans, Johnny donne trois représentations au théâtre St Denis. Le Tour 2000 réunit un total de plus d'un million de spectateurs.

Johnny Hallyday est le seul chanteur non anglophone à participer, avec de nombreux artistes internationaux, au CD Good Rockin' Tonight The Legacy of Sun Records réalisé en hommage au studio américain Sun Records. Sorti en octobre 2001 aux États-Unis, l'album reste inédit en France. À l'automne, il chante Saint-Preux en duo avec la fille du compositeur, Clémence : On a tous besoin d'amour (écrite par Jean-Paul Dréau) se classe au Top 50 et clôt une année quasi sabbatique. Cette année-là, le chanteur renoue avec sa passion pour le sport automobile : au volant d'un 4x4 Mercedes, avec son beau-père André Boudou comme copilote, il participe au rallye de Tunisie et termine . Le tandem se classe encore au rallye du Maroc. En fin d'année, Johnny prend le départ du rallye Dakar, où, au volant d'une Nissan, avec René Metge comme copilote, il se classe . Ils enchaînent avec le rallye de Tunisie, qu'ils terminent à la place.

Johnny Hallyday chante Tous ensemble, titre officiel de l'équipe de France de football pour le Mondial. Le single sort en avril 2002 et se vend à six cent mille exemplaires avant même le début de la compétition. La chanson sort en octobre et se vend à un million quatre cent mille exemplaires, (sa plus grosse vente de single à ce jour). Elle précède la sortie du second double et album studio de sa carrière, À la vie, à la mort, qui lui s'écoule à un million cinq cent mille exemplaires. Cette année-là, consacre sa " une " au chanteur et titre Enquête sur un phénomène national.

En 2003, Johnny Hallyday se produit pour la seconde fois au Parc des Princes, les 10, 11, 14 et 15 juin. Le tour de chant est l'occasion de nombreux duos, notamment avec Isabelle Boulay avec qui il interprète une nouvelle version de J'oublierai ton nom, où les couplets en anglais disparaissent au profit de paroles exclusivement en français. (Parc des Princes 2003) Il tourne ensuite dans les stades en France, en Suisse et en Belgique et termine sa tournée d'été au festival International de Baalbek au Liban. À l'automne, il se produit encore dans une trentaine de villes en province et conclut son Tour 2003 par quatre représentations au palais omnisports de Paris-Bercy (album live Hallyday Bercy 2003).

À ce stade de sa carrière, Johnny Hallyday n'a jamais semblé aussi populaire, ses disques établissent des records de vente et le public se rend en masse à chacune de ses tournées. C'est alors, qu'il choisit de remettre en question son contrat avec Universal Music Group, qu'il dénonce le . Bien que rompu, son contrat l'oblige à enregistrer un dernier album. Cet ultime disque Philips sort le . Réalisé par Pierre Jaconelli, l'opus plus rock que les précédents, voit Johnny renouer furtivement avec la composition, qu'il délaisse depuis une quinzaine d'années. Écrit en collaboration avec Michel Mallory, le titre Apprendre à aimer clôt un disque qui s'écoule à huit cent mille exemplaires. L'opus comprend également un duo enregistré avec les rappeurs du Ministère A.M.E.R. et Doc Gynéco, Le temps passe (diffusé en single au printemps 2006).

Le disque marque la fin d'une collaboration de quarante-quatre années avec sa maison de disques, durant lesquelles l'artiste a enregistré 44 albums studio, 22 albums live et quelque mille chansons.

Nouveau label, Flashback tour et Tour 66 (2005-2009)

Le chanteur signe en décembre 2005 chez Warner. En 2006, la nouvelle tournée de l'artiste, " Flashback Tour ", ambitionne de le voir chanter dans toutes les salles parisiennes qui ont jalonné sa carrière avec, en point d'orgue, le Palais des sports de Paris, où il ne s'est plus produit depuis vingt-quatre ans et qu'il investit du au (Flashback Tour : Palais des sports 2006). Durant l'été et jusqu'à la fin de l'année, il tourne dans plusieurs stades et festivals, alternant les représentations à Paris et en province. Il chante tour à tour à Bercy, au Zénith de Paris, à l' Olympia et à La Cigale, où il présente un récital différent, plus rock 'n' roll, alternant les reprises de standards américains. (La Cigale : 12-17 décembre 2006). Au terme de 111 représentations pour un total de plus d'un million de spectateurs, le " Flashback Tour " s'achève en .

Le Cœur d'un homme, aux sonorités country blues, est dans les bacs en novembre. Réalisé par Yvan Cassar, ce premier album studio produit par Warner s'écoule à 500 000 exemplaires. Invité au Journal de 20 heures de TF1 du , Johnny annonce que sa prochaine tournée, , prévue en 2009, sera la dernière. Pour autant, il déclare ne pas vouloir renoncer à chanter, ni même à la scène, mais plus sur une longue période. Le chanteur confirme son intérêt toujours croissant pour les duos. En 2008, il participe aux albums de Loquillo, Peace Maker de Doc Gynéco et de Charles Aznavour. En octobre sort son album studio Ça ne finira jamais.

Le , il démarre le au Zénith de Saint-Étienne où, en guise de répétitions générales, il donne huit représentations. Quelques jours plus tard, Johnny chante au Forest National de Bruxelles. Accordant un entretien à un journal télévisé, il confirme qu'il s'agit de sa dernière longue tournée, évoque ses projets de cinéma, mais aussi un probable prochain spectacle dans deux ou trois ans. Le même mois, le film du réalisateur Johnnie To dans lequel Johnny tient le rôle principal, est présenté en compétition officielle au Festival de Cannes. Johnny Hallyday se produit les 29, 30 et au Stade de France. Avec , il entame un récital de deux heures et demie, qui revisite cinq décennies de chansons. Ému et des sanglots dans la voix, l'artiste remercie le public pour sa fidélité, avant de conclure son tour de chant avec Et maintenant de Gilbert Bécaud. (Tour 66 : Stade de France 2009) En juin et juillet, il se produit dans une douzaine de stades. Le , Johnny chante devant plusieurs centaines de milliers de personnes sur le Champ de Mars aux pieds de la tour Eiffel, lors d'un concert gratuit pour le public, conformément aux vœux du président de la République, Nicolas Sarkozy, qui chaque année, à partir de 2007, souhaite associer un grand concert populaire aux réjouissances de la fête nationale. La première partie du Tour 66 s'achève par plusieurs représentations au Sporting Salle des Étoiles de Monaco.

Le , à la demande des assureurs de la tournée, il est hospitalisé pendant une dizaine de jours, pour une série d'examens. Début août, le magazine américain New York Post révèle qu'il a subi une opération du côlon. En septembre, dans un entretien au magazine , Johnny confirme l'information, révélant qu'il a été opéré d'un cancer. En septembre, sur la scène de l' Olympia, où la chanteuse se produit, Johnny chante avec Sylvie Vartan (Sylvie live), avant de reprendre la route, avec le Tour 66, dont il achève le deuxième acte, le à Orléans.

Le , Johnny Hallyday est opéré, à Paris, d'une hernie discale par le docteur Stéphane Delajoux. Le décembre, le chanteur se rend à Los Angeles. Le , il est hospitalisé d'urgence au Centre médical Cedars-Sinai, pour y être réopéré le 10. Johnny sort de l'hôpital le . Quelques jours plus tôt, son producteur, Jean-Claude Camus, a annoncé l'annulation de la troisième et dernière partie du (prévue à partir du à Amiens, la tournée devait s'achever vingt-deux représentations plus tard, par quatre concerts à Bercy, en ). Ces événements marquent le début d'une chronique médiatico-judiciaire qui oppose les deux personnalités. Tour 66 est, avec plus d'un million de spectateurs, l'une des plus grandes tournées jamais réalisée en France.

Théâtre et nouvelles tournées musicales (2010-2013)

Au Beacon Theatre de Manhattan, à New York, en 2012.

Rétabli après une longue convalescence, Johnny Hallyday annonce, le , la fin de sa collaboration avec son producteur Jean-Claude Camus ; Gilbert Coullier lui succède.

Le marque son retour sur une scène depuis ses ennuis de santé. Sur la scène de l' Arena de Montpellier, il rejoint M pour un duo. Ils chantent à nouveau à Bercy, où le fils de Louis Chedid achève sa tournée les 15, 16 et . Cette année-là, Johnny participe aux albums L'Instinct masculin de Patrick Fiori et Rue Washington de Line Renaud. En mars 2011, sort son album studio Jamais seul, réalisé par Matthieu Chedid. L'opus s'écoule à 185 000 exemplaires et se classe des meilleures ventes, au terme d'une année qui a vu les ventes physiques de CD chuter de 8 % en France. Côté live, l'artiste donne quelques concerts privés, dont un le au studio RTL. Le , c'est au second étage de la tour Eiffel qu'il présente à la presse sa prochaine tournée et chante, devant trois-cents invités, une dizaine de titres, dont l'inédit Autoportrait, offert gratuitement en téléchargement le jour même. Mais le plus étonnant de ces " mini " récitals est celui qu'il donne, le , à Los Angeles, à l'école française de sa fille Jade, où, s'accompagnant seul à la guitare, il chante quelques chansons pour les enfants.

2011, est aussi l'année de ses débuts sur les planches, où, du au , au théâtre Édouard-VII, il joue une pièce de Tennessee Williams, Le Paradis sur terre. La première d'une nouvelle tournée a lieu le à Los Angeles,. En France, il débute, en mai, au Park&Suites Arena de Montpellier, où il donne quatre représentations. Cette tournée le conduit, pour la troisième fois, au Stade de France pour trois concerts, au terme desquels il devient l'unique artiste à avoir donné neuf concerts dans cette enceinte. La tournée se termine provisoirement le à Colmar. Quelques jours plus tard, à Los Angeles, il commence l'enregistrement d'un nouvel album, avant d'être hospitalisé le , dans le service de réanimation du CHU de Pointe-à-Pitre en Guadeloupe, où il prenait quelques jours de repos, à la suite d'une crise de tachycardie. Après une nouvelle hospitalisation à Los Angeles, pour des examens plus approfondis, il en sort le et reprend peu après le chemin des studios.

Johnny Hallyday reprend la scène le à Montréal. L'artiste tourne à travers la France et à l'étranger, se produisant ainsi à Bruxelles, Genève, New York, Londres, mais aussi, pour la première fois Moscou et Tel Aviv, tandis que paraît, en novembre, son album studio, . Réalisé par Yvan Cassar et essentiellement écrit par Christophe Miossec, l'opus est bien accueilli par la presse et le public et s'écoule à plus de 600 000 exemplaires. Johnny donne, le , au Dôme de Marseille, la dernière représentation de ce tour qui, en 64 concerts, a attiré 650 000 spectateurs et s'avère être la tournée la plus lucrative de l'année (). Durant le mois de juin 2013, Hallyday est de nouveau sur scène pour une mini tournée, nommée Born Rocker Tour, comprenant 14 dates, dont trois à Bercy. Le soir de ses 70 ans, le , le second concert à Bercy est retransmis en direct sur TF1. Sitôt la représentation terminée, Hallyday se rend au Théâtre de Paris, pour un second concert, retransmis en direct sur MyTF1. Devant un parterre de mille spectateurs, le récital est plus rock 'n' roll et offre l'occasion d'un bœuf avec l'ex-chanteur des Stray Cats, Brian Setzer, sur pas moins de six titres (live Born Rocker Tour).

En septembre, est annoncée, pour la fin de l'année, une tournée en Asie. Johnny Hallyday devant se produire à Bangkok, Hanoï, Hô-Chi-Minh-Ville et Hong Kong au profit de la Fondation La Bonne Étoile, fondée par son épouse Laeticia, Hélène Darroze et Caroline Rostang, en . Cette tournée caritative, dont le but était de financer la construction d'écoles pour les enfants victimes du sida, est officiellement annulée début décembre, en raison des troubles politiques qui agitent la Thaïlande. Un temps annoncée comme étant reportée en , le projet ne se concrétisera finalement pas. Le , Johnny donne un concert exceptionnel à Paris, au théâtre Trianon, au profit de cette même fondation. À l'annonce du concert, le 10, les 1 200 places s'écoulent en 4 minutes.

De la tournée américaine au Rester Vivant Tour (2014-2016)

Le , le chanteur débute, au Fonda Theatre de Los Angeles, une tournée aux États-Unis et au Canada. Reprenant le Born Rocker Tour, il se produit, jusqu'au , dans une douzaine de villes de l' Amérique du Nord. Du 5 au , en trio sous le nom Les Vieilles Canailles, Eddy Mitchell, Jacques Dutronc et Johnny Hallyday donnent six représentations à Bercy.

Produit par Don Was, Rester vivant, titre de son nouvel album, sort le . Plébiscité par la presse, l'opus est bien accueilli par le public et obtient le meilleur démarrage de l'année avec 131 849 exemplaires vendus la semaine de sa sortie. Le chanteur débute, les 2 et , à Nîmes, une tournée des Festivals, durant laquelle il se produit pour une dizaine de dates en France, en Suisse et au Liban. Ce premier acte du Rester Vivant Tour s'achève à Monaco, les 28 et , au Sporting Monte-Carlo.

La tournée reprend le à Nice, pour deux représentations. Le 9, en concert à Lille, Johnny Hallyday annonce au public son album studio. Enregistré en août, à Los Angeles, en dix jours, dans une totale discrétion, le disque sort le . Réalisé et composé par Yodelice (à l'exception d'un titre écrit par Hallyday), l'opus, plus engagé qu'à l'accoutumée, évoque des faits d'actualité tragiques survenus ces derniers mois : l' affaire Michael Brown ( Dans la peau de Mike Brown), le drame des migrants fuyant la guerre civile syrienne ( Valise ou cercueil), l' immigration clandestine ( Voyageur clandestin), les marches républicaines après les attentats de janvier 2015 en France (Un dimanche de janvier), le terrorisme islamiste ( Avant de frapper). Johnny Hallyday considère qu'il est " l'un de ses albums les plus intimes ". Ironie du sort, De l'amour sort le jour même des attentats en Île-de-France. Le lendemain, en concert au Zénith de Strasbourg, Johnny Hallyday dédie la représentation aux victimes et à leurs familles, avant d'observer une minute de silence avec le public. Le (jour de l'hommage national aux victimes), sur la scène de Bercy, il chante Un dimanche de janvier, tandis que le fond de la scène se teinte aux couleurs nationales. Des applaudissements nourris précèdent une Marseillaise improvisée par le public, alors que le chanteur accroche au pied d'un micro un drapeau français. Le , au Zénith d'Amiens, il joue son cinquantième et dernier concert de l'année.

Les 22 et , le Rester Vivant Tour redémarre sur la scène de l' Arena à Montpellier. Il continue avec le retour du chanteur à Bercy, pour deux représentations début février. La seconde (le 3), est sa représentation dans cette salle, ce qui fait de Johnny Hallyday l'artiste s'y étant le plus souvent produit. Cette troisième partie de la tournée s'achève (pour l'Europe), avec deux concerts, les 26 et , au Palais 12 de Bruxelles, où les représentations ont été maintenues malgré les récent attentats qui ont frappé la capitale belge. Concerts qui précédent ceux de Nouméa en Nouvelle-Calédonie () et de Tahiti à Papeete ().

Le quatrième acte de la tournée débute à Sedan, le , pour douze représentations. L'une d'elles est donnée à l' Opéra Garnier le , au profit de la recherche contre le cancer,. Le lendemain de l' attentat du 14 juillet à Nice, Johnny Hallyday, en concert à Sion, rend hommage aux victimes et observe avec le public une minute de silence. Le , aux Arènes de Nîmes (où il se produit pour la troisième fois de la tournée), il change le final de son récital et chante Quand on n'a que l'amour de Jacques Brel ; la chanson s'achève par l'interprétation spontanée du public de La Marseillaise. Ce final et l'hommage aux victimes est conservé durant toutes les dernières représentations de la tournée, qui s'achève le au Théâtre Antique de Vienne,. Durant le Rester Vivant Tour Johnny Hallyday a joué 90 représentations et interprété 48 titres différents (album Rester Vivant Tour).

Cancer du poumon, tournée des Vieilles Canailles, ultimes sessions studio (2017)

Le , Johnny Hallyday révèle subir un traitement en raison de cellules cancéreuses. Cette annonce intervient trois jours après le piratage du compte Facebook de sa fille Laura Smet faisant état d'un cancer incurable,. Le magazine révèle qu'il est atteint d'un cancer du poumon et que son état est " très préoccupant ". Des médias font état d'une propagation de métastases à d'autres organes,.

Alors que sa grande consommation de tabac était de notoriété publique" enchaîne les problèmes et les hospitalisations, soigneusement cachés au grand public : un souci à la vésicule et des séances de ,, c'est en qu'une tumeur au poumon lui a été détectée. Peu avant la fin de l'année 2016, il commence une chimiothérapie médicamenteuse à domicile. Après l'échec de plusieurs protocoles, il suit d'autres séances de chimiothérapie, entrecoupées d' immunothérapie, au centre médical Cedars-Sinai de Los Angeles, en étroite collaboration avec le professeur David Khayat, oncologue réputé,,. L'entourage minimise la maladie devant les médias alors que le chanteur cimentoplastie aux hanches, pour consolider son squelette et lui permettre de remarcher convenablement ".

La tournée des Vieilles Canailles, annoncée en , débute à Lille le ,. Elle passe par la Belgique, la Suisse et Paris,,. Le trio donne son dix-septième et dernier concert le à Carcassonne,.

Malgré son état de santé déclinant, Johnny Hallyday parvient à enregistrer dix titres pour un nouvel album au studio Guillaume Tell, à Paris,. Les premières sessions d'enregistrements de cet ultime opus débutent à Los Angeles au printemps. Dans cette même ville, à la même période, il enregistre en duo avec Eddy Mitchell la chanson C'est un rocker, pour l'album de ce dernier La Même Tribu. Paru en novembre, ce titre est le dernier enregistrement de Johnny Hallyday sorti de son vivant.

Johnny Hallyday fait sa dernière apparition publique lors des obsèques de l'actrice Mireille Darc, le ,.

Il est hospitalisé pour détresse respiratoire le , à la clinique Bizet (). Son entourage dément sa mort, qui est annoncée de façon récurrente sur les réseaux sociaux,. Le , il regagne sa résidence " La Savannah ", où sa femme fait installer un lit médicalisé,. Il décide d'arrêter son traitement et est placé sous assistance respiratoire,.

Mort, hommage populaire et inhumation

Il meurt le à , à l'âge de 74 ans, à son domicile de Marnes-la-Coquette, situé près de la rue Maurice-Chevalier, dans les Hauts-de-Seine, des suites de son cancer du poumon,,.

Le président de la République, Emmanuel Macron, salue sa mémoire et de nombreuses personnalités lui rendent hommage en des termes très élogieux. La presse nationale et internationale salue la carrière du chanteur. Aux États-Unis, le New York Times et CNN décrivent Johnny Hallyday comme l'" Elvis Presley de la France ",.

Un " hommage populaire " lui est rendu dans la capitale française, lors de ses obsèques en l' église de la Madeleine, le , célébrées par l'abbé Sinety. Cet hommage réunit 500 000 personnes et est suivi par près de 15 millions de téléspectateurs. De ses obsèques à , une messe de suffrage à l'intention du chanteur est célébrée le 9 de chaque mois, en l'église de la Madeleine ; elle réunit chaque mois entre 200 et 750 personnes ,.

Conformément à son souhait, Johnny Hallyday est inhumé au cimetière de l' église de Lorient de Saint-Barthélemy, sur l' île de Saint-Barthélemy, où il possédait sa villa " Jade ". La cérémonie a lieu le , dans l'intimité familiale et de ses amis proches.

Mon pays c'est l'amour, et dernier album studio

Le et dernier album studio enregistré par Johnny Hallyday, sort post mortem, le sous le titre Mon pays c'est l'amour. En , l'album s'est écoulé à 1,5 million d'exemplaires selon le SNEP, et l'ensemble des ventes de Johnny Hallyday en 2018 représente 2,2 millions d'exemplaires.

Carrière posthume, hommages et parutions post-mortem

Un album posthume intitulé , composé d'une compilation de succès de sa période Philips-Universal réarrangés en versions symphoniques ou acoustiques par Yvan Cassar, sort le . Après avoir été le meilleur démarrage de l'année en France (avec 148 000 disques vendus en première semaine), l'album Johnny atteint deux mois plus tard les 420 000 ventes et se classe en tête des meilleures ventes physiques d'albums pour 2019,.

L'album Les Vieilles Canailles Le Live, captation du concert donné à Bercy le par Eddy Mitchell, Jacques Dutronc et Johnny Hallyday lors de la tournée des Vieilles Canailles, sort le . Il s'écoule à 224 000 exemplaires et se classe à la place du top 10 des meilleures ventes sur l'année.

Deux ans après sa disparition, la Monnaie de Paris édite en hommage à l'artiste une série de médaille imprimée à son image,, tandis que, début décembre, un hommage public lui est rendu à l' Olympia de Paris, avec la diffusion d'images d'archives enregistrées (de 1961 à 2006), où le temps de trois représentations, son nom a pour la fois illuminé le fronton de la salle de Bruno Coquatrix.

En 2020, quatre concerts inédits au disque sont publiés : Johnny Live Port Barcarès 1969, Parc de Sceaux 15.06.2000, Son rêve américain Live au Beacon Theatre de New-York 2014 et .

Faisant suite au disque Johnny sortie en 2019, un second volume symphonique Johnny Acte II sort en et s'inscrit dès la première semaine en tête des ventes (c'est depuis la disparition du chanteur, le septième disque d'Hallyday à occuper la première place du top album). Ce même mois, le 14 (jour de l'inauguration devant l' AccorHotel Arena d'une esplanade portant son nom et d'une statue), a lieu Que je t'aime un concert hommage à Bercy (retransmis en direct sur France 2), avec la présence sur scènes de nombreux artistes reprenant des succès du chanteur : Patrick Bruel, Nolwenn Leroy, Florent Pagny, Jenifer, Yodelice, Catherine Ringer, Calogero, Louis Bertignac, Patrick Fiori, Christophe Maé, [...], Yvan Cassar dirigeant l'orchestre où se sont joint les anciens guitaristes d'Hallday Robin Le Mesurier et Yarol Poupaud,,,.

Janvier 2022, dans le cadre de la réédition de l'album studio de 1970 , le disque Johnny Hallyday live Cambrai 4 sept. 1970,. et les sorties, le 3 juin, des albums enregistrés en public inédits Johnny Hallyday Fréjus 30 juillet 1966, Grenoble 10 février 1968 Jeux Olympiques d'hiver et Johnny Circus été 1972, complète les éditions posthumes d'enregistrements public inédits aux disques de l'artiste,.

Vie privée et familiale

Relations avec son père

Né de père belge et de mère française, Johnny Hallyday opte pour la nationalité française, qu'il obtient officiellement le , à l'âge de 18 ans. Il n'aurait cependant pas pu choisir la nationalité belge. En effet, au moment de la naissance de son fils, Léon Smet n'était pas encore divorcé de sa précédente épouse, Jacqueline Harpet, et les lois de la Belgique interdisaient alors à ses ressortissants de reconnaître leurs enfants adultérins.

Au moment où il commence sa carrière et accède à la notoriété sous le nom de Johnny Hallyday, son père, Léon Smet, l'attaque en justice afin d'obtenir de lui une pension alimentaire, mais il perd son procès.

Le chanteur rencontre pour la première fois son père durant son " Il a fait de moi un déraciné. Une déchirure qui me marquera à vie. Ma seule consolation : si j'avais eu un papa comme presque tout le monde, je n'aurais jamais rencontré service militaire. Alors qu'il est convoqué au poste, un homme, avec une peluche dans les bras, se jette sur lui, l'embrasse, l'appelle " mon fils ", quand surgissent des photographes. Johnny Hallyday comprend que Léon Smet a été payé par des paparazzi pour jouer cette comédie. À propos de son père, il écrira : Lee [...] et je ne serais jamais devenu Johnny Hallyday ". Johnny Hallyday tente ensuite vainement de renouer des liens avec son père, qui est alors semi-clochard à Bruxelles : il le fait venir à Paris, lui paie une garde-robe et lui trouve un appartement, mais Léon Smet, alcoolique et instable, revend les cadeaux de son fils et met le feu à l'appartement pour retourner ensuite vivre dans un foyer de l' Armée du salut.

En 1989, le chanteur se rend à Schaerbeek pour assister aux obsèques de son père. La cérémonie le marque profondément car il se retrouve seul à suivre le corbillard, et ce en raison d'une décision de son attaché de presse de l'époque de faire tenir à l'écart, à son insu, la vingtaine de personnes venues rendre hommage à Léon Smet,.

Le , Sylvie Vartan et Johnny Hallyday se marient à Loconville, dans l' Oise. Ils s'étaient rencontrés dans les coulisses de l'Olympia en 1962. Leur fils, David Smet, naît le . Après quinze ans de mariage et une vie commune mouvementée, émaillée de séparations et de réconciliations, le couple divorce le .

Johnny Hallyday épouse Élisabeth Étienne, dite Babeth, le , à Beverly Hills. Leur union est éphémère, puisqu'ils se séparent le ,. Il dit d'elle " C'était une femme douce, saine, discrète, toujours de bonne humeur, facile à vivre et désintéressée ", " Lorsque nous avons divorcé [...] elle n'a pas essayé de profiter de la situation. Avec le recul, je m'aperçois qu'elle a été l'une des femmes les plus dignes de ma vie " et encore " Une trop gentille fille dans le corps d'une femme fatale ".

Au cours d'une émission des Carpentier, en 1982, Johnny joue avec la comédienne Nathalie Baye, Quoi de neuf ma jolie, un sketch écrit par Philippe Labro. Ils se mettent en couple, Johnny Hallyday abandonnant le monde de la nuit pour une vie plus tranquille à L'Étang-la-Ville, où ils achètent une maison. De leur union, naît Laura Smet, le , à Neuilly-sur-Seine. Ils se séparent en .

Le , à Ramatuelle, Johnny épouse Adeline Blondieau, fille de son ami Long Chris, dans la villa qu'il vient de se faire construire et qu'il baptise " Lorada ", contraction des prénoms de ses enfants, Laura et David. Ils divorcent le , pour se remarier le , à Las Vegas. Ils divorcent une seconde fois le .

Johnny Hallyday rencontre Laeticia Boudou, de trente-deux ans sa cadette, le , à Miami, dans une des discothèques du père de celle-ci, André Boudou. Un an plus tard jour pour jour, ils sont mariés à Neuilly-sur-Seine par le maire de la commune, Nicolas Sarkozy.

Laeticia étant stérile, ils adoptent, en et , deux petites filles d'origine vietnamienne : Jade Smet (née Bùi Thị Hoà le ) et Joy Smet (née Maï Hường le ).

L' acteur Jean Reno et Luana Belmondo (née Tenca, épouse de Paul Belmondo) sont les parrain et marraine de Jade Smet. L' homme d'affaires Jean-Claude Darmon et la chef cuisinière Hélène Darroze sont les parrain et marraine de Joy Smet.

La première femme avec qui Johnny Hallyday vit en couple est l'actrice Patricia Viterbo, qui meurt accidentellement lors d'un tournage en 1966. Entre ou au cours de ses mariages, Johnny Hallyday s'affiche avec des relations plus éphémères, souvent montrées à la une de la presse people : sa choriste Nanette Workman, la danseuse du Crazy Horse Rosa Fumetto , le mannequin américain Betsy Farley, le mannequin allemand Sabina, la journaliste à Paris Match Gisèle Galante (fille d' Olivia de Havilland), le mannequin canadien Leah, le mannequin russe Olga, le mannequin français Karine Martin ou encore la Miss France 1992 Linda Hardy,,.

Succès musicaux et popularité

Discographie et chansons

Johnny Hallyday, en 57 années de carrière, a vendu 110 millions de disques,, a enregistré plus de 1 000 titres, dont une centaine de sa composition, pour une discographie officielle qui compte 51 albums studio, 29 albums live et 165 singles.

Le chanteur a été récompensé par 5 disques de diamant, 22 disques de platine, 40 disques d'or et 10 victoires de la musique,.

Spectacles et tournées

Au cours de sa carrière, Johnny Hallyday s'est produit sur scène en France plus de 2 800 fois et a donné quelque 450 concerts dans des pays étrangers. Il a fait 184 tournées, s'est produit dans 40 pays différents et a attiré 29 millions de spectateurs.

Paroliers et compositeurs pour Johnny Hallyday

Médiatisation

Durant les années 1960, son nom est, avec ceux du général de Gaulle et de Brigitte Bardot, celui qui fait le plus souvent la une de la presse française,. S'il alimente les chroniques depuis ses débuts au printemps 1960, c'est en 1961 que pour la première fois il apparaît en couverture de magazines.

Le poète Louis Aragon dit de lui lors d'un entretien : " Ce n'est pas parce que l'expression du sentiment est faite avec quelques mots, par des moyens autres, qu'elle perd de l'intensité... Et peut-être que plus tard on considérera Johnny Hallyday comme le roi de Navarre "

Depuis, plus de 2 500 couvertures de magazines et plus de 190 livres lui ont été consacrés,.

Carrière d'acteur

En " 1954, alors adolescent, il est figurant dans Les Diaboliques d' Henri-Georges Clouzot. Par la suite, devenu un chanteur vedette, il entame une carrière cinématographique comparable à celle d' Elvis en apparaissant dans des films qui jouent sur son image d' idole des jeunes ", comme Les Parisiennes, Cherchez l'idole, ou D'où viens-tu Johnny ?. Déçu par ses débuts comme acteur, il commente par la suite : " on ne me confiait que des merdes ". C'est en Italie en 1969, qu'il trouve son premier rôle inattendu en étant le héros d'un western spaghetti, Le Spécialiste, réalisé par Sergio Corbucci. L'année suivante on le remarque dans Point de chute, film policier de et avec Robert Hossein. Malgré ces diverses tentatives, Johnny Hallyday peine à s'imposer au cinéma, où il ne parvient pas à s'éloigner de son image de chanteur.

En 1972, il apparaît dans son propre rôle dans le film de Claude Lelouch L'aventure c'est l'aventure, où il organise son enlèvement à des fins publicitaires. Il interprète également la chanson titre du film. Il cesse ensuite de tourner pendant plus de dix ans, si l'on excepte quelques apparitions, [...], notamment dans la comédie, Le jour se lève et les conneries commencent.

Il retrouve le cinéma en 1985, partageant l'affiche avec Nathalie Baye et Claude Brasseur, dans , un film de Jean-Luc Godard, présenté au Festival de Cannes. Son interprétation, appréciée par la critique, lui permet d'obtenir une certaine reconnaissance comme acteur. Costa-Gavras emboîte le pas de Godard, en 1986, avec Conseil de famille.

Mais ces deux succès d'estime sont suivis par une série de déceptions. En 1987, Johnny Hallyday est la vedette de , un film de science-fiction à la qui connaît un gros échec commercial. En 1989, il tient le rôle-titre de la série télévisée policière David Lansky, dont quatre épisodes sont diffusés sur Antenne 2, sans convaincre durablement les téléspectateurs. En 1992, la comédie policière , dans laquelle il donne la réplique à la jeune Maïwenn, ne séduit pas non plus le public.

Johnny Hallyday (au centre), avec ses partenaires Audrey Dana et Julien Cottereau, dans la pièce Le Paradis sur terre en 2011.

Après ces déconvenues, il espace à nouveau sa présence sur les écrans et ne revient au cinéma qu'en 1999 avec Pourquoi pas moi ? de Stéphane Giusti. L'année suivante, aux côtés de Sandrine Kiberlain, il incarne un rockeur has-been dans de Laetitia Masson. En 2003, il interprète un gangster usé et vieillissant dans L'Homme du train, un film de Patrice Leconte dont il partage la vedette avec Jean Rochefort. Sa prestation dans ce dernier film, saluée par la critique, lui vaut le Prix Jean-Gabin. En 2004, dans le film Wanted (ils vont braquer l'Amérique) de Brad Mirman, il joue le rôle d'un petit truand raté, aux côtés de Renaud, Richard Bohringer, Gérard Depardieu et Harvey Keitel. Dans le filmJean-Philippe (2006), réalisé par Laurent Tuel, il incarne Jean-Philippe Smet, qui, dans un univers parallèle, n'est pas parvenu à devenir une vedette et qu'un fan, interprété par Fabrice Luchini, va convaincre de rattraper son destin à 60 ans passés. En 2009, il fait une incursion dans le cinéma asiatique en interprétant le rôle principal du polar hong-kongais , réalisé par Johnnie To, ce qu'il considère comme une " consécration ".

En 2011, il participe au film d'animation Titeuf, le film, en prêtant sa voix et son image, tout en chantant le single phare La route est ta seule amie. Dès la première semaine, le film a été numéro 1 du box-office. La même année, il fait ses débuts au théâtre dans Le Paradis sur terre de Tennessee Williams, avec Audrey Dana et Julien Cottereau comme partenaires, sur une mise en scène de Bernard Murat. Les représentations se déroulent au théâtre Édouard-VII à Paris, de au . Le , sort Salaud, on t'aime de Claude Lelouch, film dans lequel Hallyday partage l'affiche avec Sandrine Bonnaire et Eddy Mitchell. En 2017, sortent de Guillaume Canet et Chacun sa vie de Claude Lelouch, deux films dans lesquels il joue son propre rôle.

En 2019, Pierre-William Glenn consacre un documentaire à l'acteur Johnny Hallyday, Les silences de Johnny, qui est présenté au Festival de Cannes 2019 dans la sélection Cannes Classic.

Engagements

Actions caritatives

Johnny Hallyday, le , à l'occasion d'un gala au profit de la LICRA, chante à l' Olympia, en présence d' Alain Poher, président du Sénat. Le programme réunit de nombreux artistes.

Le , au Palais des sports de Paris, en présence de Jean Rostand, il participe, avec Georges Brassens, Léo Ferré, Nicoletta, Serge Reggiani et Nanette Workman, à un gala exceptionnel pour la réforme pénitentiaire, pour la prévention de la criminalité et l' abolition de la peine de mort.

Par solidarité avec des sidérurgistes en grève, le , Johnny Hallyday visite la nuit les aciéries de Longwy et offre son cachet aux grévistes. Le , Johnny Hallyday avec 80 autres artistes, participe au concert Chanteurs sans frontières, donné au profit d'associations œuvrant contre la famine en Éthiopie. Le , TF1 consacre un après-midi aux Restaurants du cœur, récemment créés. Animée par Coluche et Guy Lux, l'émission réunit un panel de politiques, de sportifs et d'artistes, dont Nathalie Baye et Johnny Hallyday. Le chanteur donne, le , la dernière représentation de son spectacle à Bercy au profit de la recherche contre le sida. Le , jour du nouvel an arménien, sort le 45 tours Pour toi Arménie. Sur une initiative de Charles Aznavour, quatre-vingt-neuf artistes, dont Johnny, participent à cette chanson, commercialisée au profit des sinistrés victimes d'un tremblement de terre en Arménie en .

Durant l'été 1992, sort l'album . Vendu au profit de la recherche contre le sida, il réunit plusieurs artistes, dont Johnny Hallyday. Le , sort le CD Ensemble cinquante artistes se mobilisent contre le sida. Johnny participe à la chanson collective Sa raison d'être.

, paraît le CD Noël ensemble, vendu au profit de la recherche contre le sida ; l'album rassemble de nombreux artistes, dont Johnny qui participe à la chanson-titre. En 2001, comme de nombreux artistes, Johnny Hallyday participe à l'album Ma chanson d'enfance vendu au bénéfice de la recherche contre le sida. Après sa participation au Rallye Dakar en 2002, une de ses combinaisons de conduite est mise en vente aux enchères via Internet, au profit des Restos du Cœur. Le , Johnny et Charles Aznavour chantent Sur ma vie, en direct du palais des congrès de Paris, à l'occasion d'une émission spéciale retransmise par TF1, pour le anniversaire d'Aznavour. En présence du président de la République, Jacques Chirac, et de son épouse, la soirée est donnée au profit de l' Institut national du cancer (un double CD et un DVD Bon anniversaire Charles ! sont mis en vente). Avec de nombreux artistes, Johnny participe à la chanson Et puis la terre.

, sortent les CD Et puis la terre et Solidarité Asie, vendus au profit des victimes du tsunami du 26 décembre. Le , sur TF1, lors de l'émission Les 500 choristes spécial Unicef ", Johnny Hallyday chante, en duo avec Laeticia, de John Lennon. La chanson est vendue en exclusivité sur Internet, via les plateformes de téléchargement légal, au profit de l'Unicef, dont l'épouse du chanteur est l'ambassadrice.

Prises de position politiques

Entre 1962 et 1964, Johnny séjourne à Neuilly-sur-Seine chez Jean Pierre-Bloch, qui a été un des chefs de la Résistance, ministre du général de Gaulle et président-fondateur de la Licra ; Johnny est invité par les fils de l'homme politique, Claude et Jean-Pierre Pierre-Bloch, qui sont devenus ses amis et qui seront respectivement ses secrétaire-manager et attaché de presse. En 2011, il confirme qu'à cette époque, étant proche de la famille de Jean Pierre-Bloch, il avait envisagé de soutenir plus encore ce pays en rejoignant l'armée israélienne. En 1967, après la guerre des Six Jours, il participe à un concert de soutien à Israël.

Il soutient Valéry Giscard d'Estaing, face à François Mitterrand, lors de l' élection présidentielle de 1974, puis en 1981. Au cours de la campagne présidentielle de 1988, Johnny Hallyday chante, le , à l' hippodrome de Vincennes, en première partie d'un meeting du candidat RPR, Jacques Chirac ; le chanteur déclare, à la fin de Quelque chose de Tennessee : " On a tous en nous quelque chose de Jacques Chirac ". Michel Berger, auteur de la chanson, ne goûta guère cette affirmation. Il soutient à nouveau Jacques Chirac aux élections présidentielles de 1995 et 2002. Lors de la campagne du référendum de 2005 sur le traité établissant une constitution pour l'Europe, à la demande du président de la République, Jacques Chirac, le chanteur prend position en faveur du " oui ".

Durant la campagne présidentielle de 2007, Johnny Hallyday apporte son soutien à Nicolas Sarkozy, candidat UMP. Il dîne avec lui au restaurant le Fouquet's le soir de sa victoire. En 2014, il se déclare " déçu " par Nicolas Sarkozy et par la politique en général, et dit regretter le temps de Georges Pompidou.

Fortune et patrimoine

Administration fiscale

En 1975, Johnny Hallyday a des ennuis avec le fisc, qui lui réclame plusieurs centaines de millions de francs d'arriérés d'impôts. Il fait alors part de son désir d'arrêter sa carrière : " Je m'arrête en , pour un an minimum. Je vais louer une maison à Los Angeles. Je pars avec Sylvie et David. [...] Lorsque j'ai payé mes musiciens, mes impôts, la Société des auteurs-compositeurs, il ne me reste rien. Pourquoi continuerais-je à travailler dans de telles conditions ? " Si le chanteur gagne bien les États-Unis, il reprend bientôt ses activités et, durant l'automne, enregistre deux albums studio qui paraissent l'année suivante. Quant à la scène, Johnny la reprend à l'automne 1976,. Johnny Hallyday achèvera le remboursement de ces arriérés d'impôts au cours des années 1990. Au fil des années, Universal s'est portée garante auprès du fisc, a racheté la maison de Ramatuelle du chanteur et son hôtel particulier dans le arrondissement de Paris. En contrepartie, Johnny a régulièrement accepté des modifications de son contrat, cédant à sa maison de disques ses droits à l'image et ceux sur le merchandising.

En , le chanteur dépose une demande pour obtenir la nationalité belge, ce qui n'est pas sans générer diverses polémiques, d'aucuns le soupçonnant de vouloir échapper au fisc français. La réforme de la nationalité belge alors en cours ne lui ferait pas forcément perdre sa nationalité française. Après 21 mois de procédure, alors que la Commission des naturalisations du Parlement belge doit se prononcer sur son cas, Johnny Hallyday renonce à sa demande.

En , le chanteur s'installe à Gstaad, en Suisse, en raison d'une fiscalité qu'il juge trop contraignante en France. Ce départ lui permet de diminuer son prélèvement fiscal de 75 % à 30 % de ses revenus et fait l'objet de nombreux commentaires et polémiques, tant dans la presse que dans les milieux politiques.

Le statut fiscal dont bénéficie le chanteur lui interdit de gagner de l'argent en Suisse même ; c'est ainsi qu'il choisit de reverser à des organisations humanitaires les cachets perçus lors des concerts donnés au stade de Genève en 2009 et 2012.

Selon , Johnny Hallyday a gagné environ 5 millions d'euros et a payé, en 2011, 700 000 francs suisses d'impôts, soit 583 000 euros.

À l'instar des autres chanteurs qui, comme lui, ne vivent pas en France, Johnny Hallyday s'acquitte en France d'un impôt sur ses revenus, directement prélevé sur les recettes de ses représentations.

Début 2013, assujetti à l' impôt sur la fortune en France, il fait de sa maison de Los Angeles son domicile principal, devenant alors résident fiscal aux États-Unis,.

Les auteurs de l'ouvrage Laeticia, la vraie histoire (Plon, 2018) indiquent que les dettes laissées par Johnny Hallyday à l'administration fiscale s'élèvent à quelque 11 millions d'euros et sont réclamées à ses héritiers.

Investissements immobiliers

En 1966, au Plessis-Robinson, il investit dans une ancienne guinguette, Le Vrai Arbre de Robinson, transformée en complexe de loisirs inspiré des ranchs américains. Rebaptisé le Robinson Village, l'établissement fermera ses portes quelques années plus tard. Johnny Hallyday donne un concert improvisé, en , dans la discothèque attenante au complexe, le Tchoo-Tchoo Club, avec, en première partie, Jimi Hendrix, alors méconnu.

Il se fait construire, en 1989, à Ramatuelle, " La Lorada ", une villa de 1 000 , qu'il vend en 2000 pour un million d'euros. Il est également propriétaire d'une maison, " La Savannah ", à Marnes-la-Coquette, d'un chalet à Gstaad, de trois villas à Saint-Barthélemy, et d'une résidence dans le quartier de Pacific Palisades à Los Angeles, qu'il habite à partir de 2013 et qui est estimée à 10 millions d'euros au moment de sa mort.

Jusqu'au début des années 2000, il habite villa Molitor ( arrondissement de Paris), avant de partir pour Marnes-la-Coquette. En 2010, il décide de se défaire de cette dernière demeure, qu'il met en vente à 26 millions d'euros, ; en 2015, celle de Gstaad, est à son tour mise en vente, pour 9,5 millions d'euros,. Aucune des deux ne trouve preneur et le chanteur s'installe, avec sa famille, à l'automne 2017, dans sa maison de Marnes-la-Coquette, où il meurt.

Selon les journalistes Catherine Rambert et Renaud Revel, auteurs du livre-enquête Johnny, les 100 jours où tout a basculé, sorti en 2010, Johnny Hallyday est " un travailleur pauvre, qui a tout claqué, tout flambé ", dépensant plusieurs millions d'euros par an pour assurer l'entretien de ses maisons, rembourser ses emprunts, payer les salaires de ses employés. Malgré ses nombreuses années de carrière, il n'aurait pas cumulé de patrimoine en raison d'un " train de vie flamboyant ". Lors du procès qui oppose le chanteur à sa maison de disques, en 2004, Johnny Hallyday apparaît couvert d'hypothèques et de prêts couverts par sa maison de disques. En réalité, son patrimoine fluctue considérablement selon les années alors que ses dépenses annuelles s'élèvent à plusieurs millions d'euros : selon le magazine en 2011, Johnny Hallyday engrange 5,3 millions d'euros de recettes, notamment grâce à l'avance sur sa tournée, aux royalties de ses disques et à son contrat pub avec Optic 2000. En 2016, il gagne 16 millions d'euros, essentiellement grâce à sa tournée de concerts.

estime à entre 40 et 50 millions d'euros le patrimoine immobilier de Johnny Hallyday à sa mort.

Contestation de son dernier testament

En , Laura Smet et David Hallyday font savoir par leurs avocats qu'ils vont contester devant la justice le quatrième testament olographe de leur père, rédigé en . Ces dispositions testamentaires confieraient à sa seule épouse Laeticia l'ensemble de son patrimoine et de ses droits d'artiste. Ce patrimoine - immobilier inclus - est estimé à environ 100 millions d'euros.

La bataille judiciaire pour l'héritage s'annonce longue et complexe car il s'agit d'une succession internationale. Une partie de la fortune de Johnny Hallyday (les bénéfices liés aux droits artistiques) a notamment été transmise à un trust qui pourrait être destiné à camoufler l'étendue de cette fortune. Les juridictions devront notamment déterminer si l'artiste vivait depuis suffisamment longtemps en Californie pour que son testament soit soumis à l'application du droit californien, qui ignore la garantie à l'héritage pour les descendants du droit français, sachant que la quasi-totalité de sa carrière s'est déroulée en France, où il a par ailleurs été soigné pour son cancer et où il est mort. La jurisprudence Maurice Jarre est évoquée par les médias à cette occasion. À l'occasion de ce litige, l'influence exercée par Laeticia Hallyday sur son mari est régulièrement évoquée,,. Les médias s'interrogent sur son attitude envers David Hallyday et Laura Smet, et révèlent le fait qu'Élyette Boudou, grand-mère de Laeticia, est représentante légale d'au moins cinq sociétés qui gèrent les droits d'auteurs et d'édition, les concerts et tournées, les produits dérivés et l'immobilier de Johnny Hallyday,.

Le , le tribunal de grande instance de Nanterre se déclare compétent pour trancher le litige autour de la succession du chanteur,. Gelée par la justice, cette succession se répartit en biens immobiliers à Marnes-la-Coquette pour 13,2 millions d'euros, à Saint-Barthélémy pour 16 millions d'euros et des participations dans deux villas. Les droits musicaux sont estimés à 1,53 million d'euros annuels. Enfin, 37,5 % des royalties des 4,4 millions d'euros versées en 2018 par les majors Universal, Warner et Sony de royalties ont aussi été bloqués. Le , un tribunal de Los Angeles reconnait l'autorité judiciaire française.

Affaires judiciaires

En 1961, à la suite d'un différend artistique, Johnny Hallyday quitte Vogue avec fracas. Il est toujours mineur et cette rupture avec Vogue est l'occasion d'un imbroglio de signatures. Son père - parfait inconnu pour lui - sans le rencontrer ni même le consulter, confirme l'engagement avec la maison de disques, tandis que sa mère signe avec Philips. Le principal intéressé souhaite aller chez Barclay, où il espère rejoindre son ami Eddy Mitchell. C'est finalement Philips qui l'emporte, après un désaccord artistique entre le chanteur et Eddie Barclay, qui lui propose d'être accompagné par des musiciens aux cheveux multicolores. L'affaire se traite devant les tribunaux, où un premier jugement, prononcé le , déclare le contrat non valide du fait de conditions abusives imposées par Vogue. L'affaire dure encore cinq ans et s'achève en , avec la confirmation par la justice de la nullité du contrat liant l'artiste à Vogue.

À l'automne 1965, Henri Salvador porte plainte en diffamation contre Johnny Hallyday et un hebdomadaire, dans lequel ce dernier a déclaré que : " lors de sa première à l'Alhambra, (en 1960), Salvador l'avait moqué et que, chauffée par ce dernier, la salle l'avait hué ". L'article titre " Salvador m'a fait du mal ! " Considérant que ces propos portent atteinte à son honneur et sa considération, Henri Salvador saisit la justice. Il gagne son procès en première instance, le tribunal estimant que le journal et Hallyday ne pouvaient démontrer la véracité de l'affirmation, et les condamne à verser à Henri Salvador 10 000 francs de dommages et intérêts. De son côté, la cour d'appel, saisie par Johnny, a considéré que si le propos était excessif, il n'y avait pas pour autant diffamation et qu'il ne portait pas atteinte à l'honneur ou à la considération du plaignant, son prestige n'ayant pas été diminué. Henri Salvador fut débouté de sa demande et fut condamné aux dépens de la première instance et de l'instance de la cour d'appel.

Le , Johnny chante sous chapiteau à Thonon-les-Bains. Durant le récital, les CRS interviennent de façon musclée pour évacuer un groupe de jeunes installés entre les barrières de protection et la scène. Au cours de l'échange, le chauffeur d'Hallyday est blessé. Johnny interrompt son récital et déclare : " Le spectacle est terminé [...], si vous devez vous en prendre à quelqu'un, prenez-vous en aux policiers. " et il quitte la scène. Une plainte est déposée contre Johnny Hallyday et son équipe, pour coups et blessures volontaires, incitation à la violence et voie de fait contre des policiers en exercice. Conséquence immédiate, le concert qu'il devait donner le , place de la Concorde à Paris, pour l'arrivée du Tour de France, est annulé.

En 2003, le chanteur est mis en cause par une hôtesse présente avec lui sur son yacht en , et qui l'accuse de l'avoir violée. Johnny Hallyday est entendu par la justice en tant que témoin assisté ; jamais il n'est mis en examen et sur l'avis du parquet qui considère que " rien n'était en état d'être prouvé dans cette affaire ", elle se termine par un non-lieu cinq ans plus tard (après un jugement en première instance à Nice en et une confirmation de la cour d'appel d'Aix-en-Provence en ). L'employée, poursuivie et mise en examen pour usage de faux (en liaison avec des documents médicaux antidatés) et dénonciation calomnieuse, est condamnée à six mois de prison avec sursis pour usage de faux et obtient un non-lieu pour l'accusation de dénonciation calomnieuse.

Début 2004, Johnny Hallyday dénonce son contrat avec Universal Music Group. Le , le conseil de prud'hommes donne partiellement raison au chanteur. Il valide la rupture du contrat et réclame la restitution des masters à Johnny Hallyday. Universal fait appel de la décision et, le , gagne en appel contre Johnny Hallyday. Le recours en cassation de l'artiste est rejeté le . Les masters restent donc la propriété de la maison de disques. Johnny Hallyday signe chez Warner le .

Dans la culture populaire

En raison de sa personnalité et de sa voix, Johnny Hallyday inspire de nombreux imitateurs. Thierry Le Luron est l'un des premiers à l'imiter. Yves Lecoq imite sa voix dans l'émission Les Guignols avec sa marionnette, ou Laurent Gerra, que Johnny a invité plusieurs fois à monter sur scène avec lui pour interpréter des chansons,.

De nombreux sosies vocaux du chanteur se font également connaître. Johnny Vegas, Johnny Tsar Johnny Dems, Johnny Rock, Johnny Mirador et Jean-Baptiste Guegan figurent parmi les plus connus,,,.

Johnny Hallyday devient au fil de sa carrière une véritable icône publicitaire.

Distinctions et hommages

Décorations et médailles

Victoires de la musique

Avec neuf citations dans la catégorie artiste interprète masculin, Johnny Hallyday détient le record de nominations dans cette division pour un artiste ou un groupe français (1987, 1990, 1994, 1996, 1999, 2000, 2001, 2010, 2015). Il obtient cette Victoire une fois (1987).

Avec dix " Victoires " obtenues (toutes catégories confondues), Johnny Hallyday et Alain Souchon (ce dernier obtient une dixième récompense en 2020 lors de la 35e cérémonie des Victoires de la musique pour l'album Âme fifties), sont, après Matthieu Chedid et Alain Bashung (13 récompenses chacun), les artistes le plus récompensés aux Victoires de la musique.

1978 : grand prix de l'Union nationale des auteurs et compositeurs, pour la chanson Elle m'oublie.

1979 : le Syndicat national de l'édition phonographique et audiovisuelle (SNEPA) remet au chanteur le , quatre disques de platine pour les albums : Johnny Hallyday Story - Palais des sports, Derrière l'amour, et le Pavillon de Paris : Porte de Pantin.

2000 : le , Johnny Hallyday reçoit des mains de son ami Michel Sardou, son premier disque de diamant (à l'occasion du million de disques vendus pour l'album Sang pour sang). Cette même année, il obtient le M6 Award d'honneur du meilleur artiste masculin.

2003 : NRJ Music Award d'honneur.

2003 : prix Jean-Gabin pour son rôle dans L'Homme du train, de Patrice Leconte.

2014 : le chanteur obtient le prix spécial de la Sacem, récompensant l'ensemble de sa carrière ; bien qu'il ne soit pas auteur lui-même, les auteurs ont choisi d'honorer l'artiste qui a fait travailler le plus grand nombre d'entre-eux.

Dans les années 1960, une statue de cire de Johnny Hallyday est inaugurée au Musée Grévin, à Paris. Elle est remplacée en 2019 par une nouvelle statue actualisée.

Le 16 juin 2018, six mois après la mort de Johnny Hallyday, une statue de lui-même est inaugurée à Viviers, en Ardèche, ville où la mère du chanteur vivait.

Lieux baptisés de son nom

Plaque de l'esplanade Johnny-Hallyday à Paris 12e.

En , la municipalité de la commune iséroise de Charvieu-Chavagneux rend hommage au chanteur en donnant son nom à l'une de ses rues.

À Paris, la maire, Anne Hidalgo, propose, le , qu'un lieu ou un établissement public porte son nom. Adopté par le Conseil de Paris le , l'endroit devait être choisi pour être " un lieu de recueillement pour ses fans ". Le lieu est officiellement donné en février 2020 en face de l' Accor Arena, sous le nom d' esplanade Johnny-Hallyday. La place est inaugurée le .

À Nice, le maire Christian Estrosi propose, le , que le palais Nikaïa soit rebaptisé " palais Nikaia-Johnny Hallyday ". Après délibération du conseil municipal, il est finalement décidé que ce soit le parvis de la salle de spectacle qui soit renommé en l'hommage du chanteur (" parvis Johnny Hallyday ").

Le , l' esplanade Johnny-Hallyday est inaugurée au pied du Zénith de Toulouse.

À la suite de la loi 3DS qui étend l'obligation de nommer et numéroter les voies aux communes de moins de 2 000 habitants, qui en étaient jusque-là exemptes, une voie de Saint-Jean-d'Heurs porte le nom d'" avenue Johnny-Hallyday ".

Notes et références

Notes et citations

Références

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27. Livret du coffret ↑ Johnny Hallyday les années Vogue, référence Vogue BMG 82 876511762, p. 15 : " Le déchaînement des comportements de cette générations choque, intrigue, alerte les observateurs. Les psychologues, les journalistes commencent à évoquer les débordements des jeunes, mais la police s'inquiète. À Montbéliard, les CRS sont contraints d'utiliser des gaz lacrymogènes pour sortir Johnny de scène, [...] Johnny déclenche l'hystérie collective... "

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33. François Brieu, ↑ p. 30, citation : "... l'aire de jeu inclut l'un des territoires les plus fréquentés par les blousons noirs. Résultat : un concert impressionnant qui, contrairement à ce qu'on dit se passe comme dans un rêve. Sauf qu'aux abords des axes principaux, ça joue un peu de la chaîne à moto, voire du couteau à cran d'arrêt. "

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Jean-Philippe Smet, dit Johnny Hallyday, né le à et mort le à Marnes-la-Coquette ( Hauts-de-Seine), est un chanteur, compositeur et acteur français. Durant ses 57 ans de carrière, il s'impose comme l'un des plus célèbres chanteurs francophones et l'une des personnalités les plus présentes dans le paysage médiatique français.

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Transfuge - Magazine culturel - Littérature et Cinéma

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Transfuge - Magazine culturel - Littérature et Cinéma

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Transfuge, magazine mensuel qui traite de l'actualité culturelle : littérature, cinéma, scène et art.

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Son premier album, Vincent Delerm, sort le . Il remporte la victoire de l'album révélation de l'année aux Victoires de la musique en 2003. À cette époque il avait déjà acquis une bonne expérience des concerts publics.

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Benjamin Biolay naît le à Villefranche-sur-Saône dans un univers musical. Sa mère est la petite-fille de Joseph Opinel, fondateur de la célèbre fabrique de couteaux. Son père est clarinettiste amateur et joue dans l'orchestre municipal. Son arrière-grand-père paternel possédait une distillerie à Villefranche-sur-Saône. Il fait ses études au collège et lycée Notre-Dame de Mongré à Villefranche-sur-Saône.

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Alain Bashung, né Alain Claude Baschung le à Paris, et mort dans la même ville le , est un auteur-compositeur-interprète et comédien français.

Il devient, après un début de carrière difficile, une figure importante de la chanson et du rock français à partir du début des années 1980 et a influencé un grand nombre de chanteurs de la nouvelle scène française avec des tubes tels que Gaby oh Gaby ( 1980) et Vertige de l'amour ( 1981). À partir de son huitième album, Osez Joséphine ( 1991), il produit davantage de titres connaissant un retentissement commercial moindre, ce qui ne les empêchera pas d'être salués par la critique. Il a sorti douze albums studio et deux posthumes verront le jour.

Il est, à égalité avec Matthieu Chedid, le chanteur le plus primé aux Victoires de la musique avec treize victoires obtenues tout au long de sa carrière.

Alain Bashung est né d'une mère bretonne, ouvrière dans l' usine Renault de Boulogne-Billancourt, et d'un père supposé kabyle, qu'il n'a jamais connu,. La mère, qui n'a jamais voulu parler à Alain de cette liaison passagère, se marie peu après sa naissance avec Roger Baschung, un boulanger alsacien. Il prend le nom de son beau-père et est envoyé, alors qu'il n'a qu'un an, chez les parents de celui-ci, dans les environs de Strasbourg, à Wingersheim, afin de bénéficier de meilleures conditions matérielles. Alain Bashung passe ainsi son enfance à la campagne dans un milieu modeste et conservateur, avec Oma (Elisabeth Battenstein, née à Düsseldorf, le ), une grand-mère qui ne parle pas le français. Son beau-père Roger lui offre pour ses cinq ans un harmonica Rosebud qui sera son jouet préféré. L'enfant s'évade de l'ennui et de la solitude à travers la radio, ses premiers émois musicaux sont les valses de Strauss, Wagner ou Kurt Weill... Enfant de chœur à Wingersheim, il pratique aussi le basket-ball et le cyclisme. Plus tard, à travers les radios des bases américaines installées en Allemagne, il découvre le rock'n'roll : " J'avais l'impression que chaque morceau m'était adressé personnellement, pour la première fois je me suis senti heureux ".

Il revient vivre à Boulogne-Billancourt en 1959, chez ses parents. À la suite de l'obtention de son certificat d'études, il reçoit comme cadeau une guitare Lucky 7. Auprès de sa " marraine " Andrée, l'ancienne responsable du personnel et des œuvres sociales chez Renault, qui l'emmène aux concerts, il découvre les grandes figures de la chanson française, Édith Piaf, le rock américain de Gene Vincent, écoute à la radio Buddy Holly, qui deviendra un modèle, Elvis Presley. Tout en suivant des études, qu'il abandonne après avoir obtenu un BTS de comptabilité, en 1965, à l' école nationale de commerce, il forme avec des copains un groupe éphémère, Les Dunces (en français : " les cancres "), au registre oscillant entre folk et rockabilly. Un ami de sa marraine Andrée, régisseur à l' ORTF pour les shows d'Henri Salvador, lui ouvre les portes du music-hall.

Avec des musiciens rencontrés à Royan, Bashung forme un nouveau groupe qui écume les restaurants, les hôtels de province et surtout les bases américaines. Il commence difficilement sa carrière avec un premier 45 tours, à dix-neuf ans, Pourquoi rêvez-vous des États-Unis ?, en 1966. La même année, entré chez RCA comme arrangeur, il y signe la musique de quelques chansons pour Claude Channes, Évelyne Courtois alias Pussy Cat et Noël Deschamps. En juin 1967, lors d'un festival pop au Palais des Sports de Paris, il ouvre - avec Ronnie Bird et Noël Deschamps - devant les V.I.P.s , les Pretty Things, les Troggs et Cream,. Entre 1972 et 1974, il compose une partie des musiques et coréalise trois albums et trois singles (dont Marilou) pour Dick Rivers,.

En 1968, il est la révélation télé de la saison en participant et remportant avec la chanson Je vous crois la finale de l'émission " Tremplins de l'été ", ce qui lui vaut un début de notoriété nationale qui restera néanmoins limitée. À cette époque, il vit quelques mois chez le chanteur Christophe. Il enregistre Les Romantiques, en 1968, celui-ci ne rencontre cependant que peu de succès. À partir de ce disque, il supprime le " c " de son nom. Il enregistre ensuite les chansons Ni le ciel ni l'enfer, La Rivière, La Dernière Porte dont les arrangements sont confiés à Jean-Claude Vannier et André Georget.

En 1973, Alain Bashung interprète Robespierre dans la comédie musicale La Révolution française, de Claude-Michel Schönberg, sous le nom d'Alain BaSchung.

En onze ans, il sort une douzaine de singles, dont l'un sous le pseudonyme de David Bergen, puis deux autres en 1976- 1977 sous celui d'Hendrick Darmen, en tant que compositeur et interprète du groupe Monkey Bizness, tout cela sans grand écho.

Bashung rencontre alors le réalisateur Andy Scott et le parolier Boris Bergman, avec qui il signe, en 1977, son premier album innovant, Roman-photos, un échec commercial dans le contexte de la déferlante punk. Toute cette période marquée par des désillusions récurrentes sera pour l'artiste synonyme d'années sombres durant lesquelles il goûtera à diverses drogues songeant parfois même au suicide.

Alain Bashung poursuit en 1979 avec Roulette russe, album très sombre et plus rock, mais qui reste, comme son prédécesseur, très peu diffusé. Il faut attendre la fin de 1980 et la sortie du 45 tours Gaby oh Gaby pour que le chanteur, alors âgé de bientôt trente-cinq ans, connaisse enfin le succès ; ce single se vend à plus d'un million d'exemplaires et sera inclus dans la réédition de Roulette russe, qui connaît alors à cette occasion un regain de ses ventes.

Il confirme son talent auprès de la critique musicale et son succès auprès du public, avec la sortie en 1981 de son album très rock , qui lui permet, grâce au tube Vertige de l'amour, d'entamer une tournée dans de grandes salles, notamment à l' Olympia à Paris. Pourtant, c'est à cette période qu'il se brouille avec Boris Bergman.

En " J'dédie cette angoisse à un chanteur disparu, mort de soif dans le désert de 1982, Alain Bashung collabore avec Serge Gainsbourg pour l'album Play blessures. Ce disque est une rupture volontaire avec le succès énorme et inattendu de Gaby, dont il semble vouloir se démarquer ( Gaby, respectez une minute de silence, faites comme si j'étais pas arrivé... ", chante-t-il sur J'croise aux Hébrides). Au regard des 500 000 exemplaires vendus de , les 65 000 disques vendus de Play Blessures font de cet album un échec commercial. Côté critiques, seuls Libération et les médias rock encensent l'album, tandis que le reste de la presse peine à adhérer à ce disque difficile d'accès : certains qualifieront même Bashung de " Johnny Hallyday new wave ". Cet album est pourtant aujourd'hui considéré comme une pièce essentielle de la discographie du chanteur.

En 1983, l'album plus sombre Figure imposée, écrit en collaboration avec Pascal Jacquemin, reste tout aussi confidentiel. Mais le succès revient, en 1984, avec le single qui lui permet de relancer sa carrière. En 1985, Alain Bashung interprète Touche pas à mon pote, pour l'association SOS Racisme. La sortie de Live Tour 85 et les désaccords quant à son format marquent la fin de la collaboration entre Bashung et sa maison de disques Philips. Barclay, qui vient de signer les jeunes Noir Désir la même semaine, lui ouvre ses portes.

En 1986, avec Passé le Rio Grande il renoue avec la veine de ses premiers tubes et collabore d'ailleurs à nouveau avec Boris Bergman. Cet album est récompensé " Meilleur album rock " aux Victoires de la musique.

Mais en 1989, il revient aux sonorités sombres et new wave, aux expérimentations, sur l'album . Le single trois titres qui en est extrait, marque sa première collaboration officielle avec le parolier Jean Fauque et sa dernière avec Boris Bergman. Novice, dont la noirceur fait écho à Play Blessures, n'atteint pas la barre des 50 000 exemplaires vendus et est un échec commercial.

À l'aube des années 1990, Alain Bashung souhaite rompre avec l'utilisation des machines et des synthétiseurs qu'il a beaucoup exploités durant la décennie précédente. Enregistré en partie à Memphis avec des musiciens américains, l'album Osez Joséphine sort en 1991. Une nouvelle fois écrit en collaboration avec Jean Fauque, cet album aux sonorités blues contient aussi quelques reprises de classiques du rock américain. À presque quarante-cinq ans, l'artiste élargit encore son audience, l'album se vend à plus de trois-cent-cinquante-mille exemplaires et le single Osez Joséphine est son premier vrai tube depuis Vertige de l'amour, paru dix ans plus tôt. Sur le même album, se trouve Madame rêve, titre rapidement incontournable de son répertoire, qui laisse entrevoir ses évolutions artistiques à venir.

En 1992, il reprend Les Mots bleus de Christophe, dans la compilation Urgence : 27 artistes pour la recherche contre le sida.

En 1993, Alain Bashung entame à Bruxelles l'enregistrement de son prochain disque. L'élaboration de ce disque est coûteuse et pénible : divers musiciens étrangers sont successivement mis à l'épreuve et accumulent de nombreuses prises dans différentes directions ( Michael Brook, Sonny Landreth, Ally McErlaine, Link Wray, Marc Ribot et Stéphane Belmondo). Deux mixages sont nécessaires pour donner satisfaction à l'artiste. Chatterton, album qu'il qualifie lui-même de sort en 1994. Le titre Ma petite entreprise est un nouveau succès pour Bashung. Dans la foulée, il entame une tournée de deux ans, couronnée, en 1995, par le double album en concert Confessions publiques.

À partir de 1994, Alain Bashung se consacre davantage à sa carrière de comédien débutée en 1981, notamment dans Ma sœur chinoise d' Alain Mazars.

Durant l'année 1997 lourde en événements personnels (dépression, séparation avec sa femme et déménagement dans le quartier de Belleville à Paris), Alain Bashung s'attelle au chantier du disque qui sera souvent considéré comme son plus grand chef-d'œuvre : Fantaisie militaire. Les textes sont écrits une nouvelle fois avec Jean Fauque et Barclay présente à Bashung deux auteurs compositeurs de leur écurie : Les Valentins. Le disque est enregistré entre Paris, Aix-en-Provence et Londres avec les participations, entre autres, de Ian Caple, Rodolphe Burger, Adrian Utley ( Portishead) et de Joseph Racaille pour les arrangements de cordes. L'album sort en , porté par le titre La nuit je mens. Pour cet album, il reçoit trois Victoires de la musique en 1999 (en 2005, à l'occasion de la vingtième édition des Victoires de la musique, Fantaisie militaire sera consacré meilleur album des vingt dernières années). Pour Alain Bashung, c'est un double et franc succès, critique et commercial.

En 2000, il sort , un double album de compilations dans lequel il revisite certains de ses plus grands titres, dont Volontaire en duo avec Noir Désir. Cette année-là, il écrit pour Vanessa Paradis la chanson L'Eau et le Vin, qui figure sur son album .

L'album L'Imprudence sorti en 2002, très bien accueilli par la critique, est considéré comme le plus sombre de sa discographie. Ce disque exigeant, jugé parfois trop austère, plus " parlé " que chanté, avec des arrangements de cordes et d' électro, s'inspire, selon Alain Bashung, de la musique des vieux films en noir et blanc. Il enregistre, la même année, le Cantique des cantiques avec son épouse, la comédienne et chanteuse Chloé Mons : ce titre avait été écrit à l'occasion de leur mariage en 2001, sur une musique de Rodolphe Burger, à partir d'une nouvelle traduction du Cantique des cantiques de la Bible par l'écrivain Olivier Cadiot. En 2003, il participe à l'album-hommage à Léo Ferré, , interprétant une version déconstruite de la chanson Avec le temps, et il écrit la préface d'un ouvrage retraçant le parcours artistique de cet artiste, qu'il admire.

En , Alain Bashung effectue son retour sur scène après huit années d'absence. Durant deux ans, il parcourt avec ses musiciens les routes de France, en passant par Bruxelles et Montréal. Cette tournée est immortalisée par un double album en concert : La Tournée des grands espaces. En juin 2006, il se produit à la Cité de la Musique à Paris, qui lui donne carte blanche pendant plusieurs jours. Il y donne une série de représentations en s'entourant, pour l'occasion, des artistes qu'il aime et admire : Christophe, Dominique A, Rodolphe Burger, Arto Lindsay.

Début 2007, il participe à la tournée des Aventuriers d'un autre monde, avec Jean-Louis Aubert, Cali, Daniel Darc, Richard Kolinka et Raphael. Il s'offre également deux soirées à la Salle Pleyel de Paris, tout en incarnant Jack l'Éventreur dans la chanson Panique mécanique, sur l'album La Mécanique du cœur de Dionysos.

Alain Bashung apparaît dans J'ai toujours rêvé d'être un gangster, de Samuel Benchetrit, où il joue une des séquences avec le chanteur belge Arno. Tous deux interprètent leur propre personnage, se disputant la paternité d'une chanson.

En 2008, il chante L.U.V. en duo avec Daniel Darc, sur l'album de celui-ci, Amours suprêmes. Il participe également au Daho Show et reprend I Can't Escape from You en duo avec Étienne Daho. Il proposera également une création, L'Homme à tête de chou, autour de Serge Gainsbourg.

Le , Alain Bashung sort son ultime album : Bleu pétrole, collaborant notamment avec Gaëtan Roussel, de Louise Attaque, Arman Méliès et Gérard Manset, dont il reprend la chanson Il voyage en solitaire, qui conclut l'album. Il entame ensuite une tournée et est notamment programmé dans plusieurs festivals. Le 10 juin 2008, il commence une série de récitals à l'Olympia, malgré une chimiothérapie en raison d'un cancer du poumon. Son parolier depuis vingt ans, Jean Fauque, annonce qu'un nouvel album pourrait voir le jour rapidement.

Alain Bashung est promu chevalier de la Légion d'honneur le ,. Le 28 février 2009 il est nominé quatre fois aux Victoires de la musique et remporte trois trophées : interprète masculin de l'année, meilleur album de chanson pour Bleu pétrole, et sa tournée est désignée meilleur spectacle de l'année. Cette cérémonie, marquée par ses multiples récompenses, sera sa dernière apparition publique puisque, très affaibli, il décide d'annuler ses derniers concerts dans les jours qui suivent.

Gros fumeur, atteint d'un cancer du poumon depuis plus d'un an, il meurt le , à l' hôpital Saint-Joseph à Paris, à 61 ans. Après une cérémonie religieuse en l' église Saint-Germain-des-Prés, il est inhumé au cimetière du Père-Lachaise ( division) le .

Le , la première d'un ballet de danse contemporaine a lieu, à la MC2 de Grenoble ; la bande sonore utilise une réinterprétation, par Alain Bashung, de l'album L'Homme à tête de chou (1976), de Serge Gainsbourg, pour la chorégraphie homonyme de Jean-Claude Gallotta qui lui avait demandé en 2007 d'adapter l'œuvre,.

Le sort À perte de vue, une intégrale de ses enregistrements depuis 1977 (faisant donc l'impasse sur ses 45 tours des années 1960-1970) sur vingt-sept disques dont ses douze albums studio, ses cinq albums en concert (dont trois doubles), deux albums en duo avec Chloé Mons, deux albums instrumentaux et trois albums de reprises et duos. En même temps que ce coffret, un double album de la dernière tournée du chanteur, enregistré à l' Élysée Montmartre le , sort le sous le titre Dimanches à l'Élysée. Et à cette même date sort également un DVD en concert enregistré à l'Olympia entre le 10 et , qui reçoit la Victoire de la musique 2010 du DVD musical de l'année.

Aux Victoires de la musique de 2010, Alain Bashung reçoit donc une douzième récompense à titre posthume pour le DVD musical de l'année et aussi l'hommage ému de Benjamin Biolay qui lui succède à la Victoire de la musique de l'artiste interprète masculin de l'année.

En , le magazine américain Rolling Stone place six de ses albums dans le top 100 des meilleurs albums de rock français, avec notamment Osez Joséphine à la première place du classement et Fantaisie militaire en neuvième position.

Le l'album hommage Tels Alain Bashung est publié avec douze reprises par plusieurs chanteurs et groupes, qui comporte également un documentaire, Alain Bashung - Faisons envie, réalisé par Thierry Villeneuve.

Le sa reprise de l'album de Serge Gainsbourg, L'Homme à tête de chou, sort chez Barclay.

Au printemps 2012, lors d'une soirée hommage, Pierre Mikaïloff et Hédi Tillette de Clermont-Tonnerre, sous la direction musicale de Yan Péchin, créent la pièce théâtrale et musicale Dernières nouvelles de Frau Major, inspirée de la vie et de la carrière d'Alain Bashung. Elle est jouée ensuite dans plusieurs autres villes dont Paris, au 104, les 29 et , avec, entre autres, Brigitte Fontaine ( La nuit je mens), Kent, Miossec, Albin de la Simone, Chloé Mons et Bertrand Cantat.

En 2012, la ville de Paris rend hommage à l'artiste en nommant de son nom le square Alain-Bashung. La ville de Mulhouse, à la suite d'une décision du conseil municipal le , ainsi que la commune de Wingersheim, ont donné le nom de l'artiste à une rue. Ces communes rendent ainsi hommage au chanteur qui a passé son enfance en Alsace .

Le , la chanson Immortels, extraite du futur album , est publiée. Elle provient des sessions de Bleu pétrole et est écrite par Dominique A. L'album, qui sort le , est composé de onze titres enregistrés entre 2002 et 2008 et produits par Édith Fambuena.

Alain Bashung se marie le 7 juin 1971 avec Chantal Mironneau ; le couple divorce le 22 octobre 1986 [réf. nécessaire].

Il se remarie le 15 juin 1991 avec Chantal Monteraselli avec qui il a un enfant, Arthur, en 1983. [réf. nécessaire] Il divorce de Chantal Monteraselli le 10 décembre 1999 [réf. nécessaire].

Il se remarie pour la troisième fois le 30 juin 2001 avec Chloé Mons avec laquelle il a un deuxième enfant, Poppée Bashung, née le 22 janvier 2001.

Récompenses

Alain Bashung est, à égalité avec Matthieu Chedid, le chanteur le plus primé de l'histoire des Victoires de la musique avec treize trophées. Toutefois, si toutes ces Victoires sont attribuées officiellement à Alain Bashung et en lien direct avec son œuvre (albums ou chansons), les catégories de DVD musicaux et de clips récompensent des œuvres pour lesquelles son implication est moindre par rapport à celle des réalisateurs concernés :

Notes et références

Sur les autres projets Wikimedia :

Jean-Jacques Jelot-Blanc, Alain Bashung, Livre Compact, Le Club des Stars, Éditions Seghers, Paris, 1987

Pierre Mikaïloff (préf. Boris Bergman), Alain Bashung : Vertige de la vie, Monaco-Paris, Alphée-Jean-Paul Bertrand,

Laurent Lavige et al., Bashung vu par Laurent Lavige & Cie, Éditions Hugo & Cie, Paris, 2009

Alain Wodrascka, Pierre Terrasson, Jean-Louis Rancurel, photos de Francis Vernhet, préf. d'Axel Bauer, Bashung : Dandy des matins blêmes, Paris, Éditions Didier Carpentier, , 140 p.

Bruno Lesprit et Olivier Nuc, Bashung, l'imprudent, Don Quichotte éditions, 2010, 368 pages

Evelyne Kesselring Ravidat, Lettres aux résidents Baschung, Romy Lopss, , 130 p.

Pierre Lemarchand, " Alain Bashung Fantaisie militaire ", éditions Densité (coll. Discogonie), 2018

Stéphane Deschamps, Alain Bashung, sa belle entreprise, Hors collection, 2018

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Alain Bashung, né Alain Claude Baschung le à Paris, et mort dans la même ville le , est un auteur-compositeur-interprète et comédien français. Il devient, après un début de carrière difficile, une figure importante de la chanson et du rock français à partir du début des années 1980 et a influencé un grand nombre de chanteurs de la nouvelle scène française avec des tubes tels que Gaby oh Gaby ( 1980) et Vertige de l'amour ( 1981).

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Thomas Fersen est un auteur-compositeur-interprète français, né le , à Paris.

Il est principalement connu pour être l'auteur des chansons Le bal des oiseaux, La Chauve-souris, Les Malheurs du lion, Monsieur ou encore Deux pieds.

Enfance et premières expériences

Il naît le à la clinique des Bluets à Paris, d'une mère infirmière et d'un père employé de banque venus en région parisienne pour travailler. La famille est originaire de Roanne, où sa grand-mère maternelle est couturière à domicile, son grand-père maternel employé à mi-temps et pianiste l'après-midi dans un salon de thé, et sa grand-mère paternelle piqueuse dans une bonneterie.

Musicalement, il baigne dans la musique classique. " Nous avions dans le salon une chaîne hi-fi intégrée que nous devions manipuler avec des gants blancs ". Il a deux sœurs aînées, qui lui feront connaître les Beatles, Genesis et Led Zeppelin.

En 1969, la famille quitte Sucy-en-Brie pour le de Paris. Thomas rejoint alors l'école primaire de la rue Julien-Lacroix où il est initié à la chanson " paillarde ", ses parents l'initiant au cinéma italien.

Autodidacte, il se forme au théâtre et à la musique, dans sa chambre, en incarnant des personnages de son invention (dans des déguisements cousus par sa mère) et en écoutant les 33 tours de sa sœur.

Citadin, il passe ses vacances d'été dans les Monts de la Madeleine, où ses parents ont un chalet et dans une pension de famille en Italie.

Aux abords du lycée Jacques-Decour où il est élève, il rêve devant les vitrines des magasins de musique du quartier de Pigalle. Sa mère lui offre sa première guitare à quatorze ans (1977). Il obtient son bac en 1980, fait son service militaire en 1984/1985. Titulaire d'un BTS d'électronique obtenu en candidat libre en 1985, il travaille comme câbleur à mi-temps.

Il choisit le nom de scène Thomas Fersen en 1986, en hommage à Tomás Boy et Axel de Fersen. Durant l'été 86, il fait un voyage en Amérique centrale puis part seul en Norvège à l'été 87. Il trouve une compagnie dans la littérature avec La montagne magique de Thomas Mann recommandé par son père des années auparavant et qu'il a emporté dans ses bagages.

En 1988 il sort son premier 45 tours Ton héros Jane (chez Philips/ Phonogram) suivi d'un deuxième en 1990 Le Peuple de la nuit (chez Vogue). Les deux 45 tours restent confidentiels.

Musicalement, l'artiste se cherche. Il est tout d'abord attiré par le jazz et vers 15 ans, il prend des cours de guitare jazz dans le sous-sol d'un magasin de musique. Il est ensuite marqué par The Clash et la musique punk : il va les voir lors du concert en 1981 au Palais des sports et ressent sa " plus grande claque ". Dans la foulée, il crée ses deux premiers groupes de punk/rock, " Figure of Fun " et " UU ".

En 1991 il fait du piano-bar dans le restaurant thaïlandais d'un ami, place Clichy dans le arrondissement de Paris accompagné par sa femme au piano.

Thomas Fersen en concert à Lyon en 2009

En il enregistre dans le théâtre du casino du Val-André en Bretagne son premier album, Le Bal des oiseaux. Sorti en 1993, cet album lui donne une reconnaissance immédiate et vaut à Thomas Fersen la Victoire de la musique de la révélation variétés masculine en 1994. La photo de l'album est signée Robert Doisneau décédé l'année suivante.

Fersen compose l'ensemble des paroles et des musiques à l'exception de Pour toi mon amour qui est un poème de Jacques Prévert. À trente ans, il voit sa carrière désormais lancée.

Le deuxième album, Les Ronds de carotte, sort en 1995, chez WEA Music. L'album est enregistré aux studios Puk au Danemark. Fersen signe à nouveau paroles et musique à l'exception de , reprise du chant de révolte italien. La photo illustrant l'album est réalisée par Jean-Baptiste Mondino. L'album est très marqué par Paris : la Seine et ses ponts ( Pont Mirabeau), le métro ( Dans les transports), les cafés ( Au café de la paix) à l'exception de deux morceaux sur Hugo (cyclone ayant ravagé les Antilles en ).

En 1997 Fersen quitte WEA Music pour rejoindre le label tôt Ou tard. Il sort Le Jour du poisson qui sera également disque d'or.

En 1998 lui est décerné le prix Raoul-Breton. Il fait partie de ce qui a été appelé la nouvelle scène française, courant musical de la décennie porté par une émergence de jeunes talents (avec Vincent Delerm, Dominique A, Jeanne Cherhal etc.),.

Qu4tre sort en et reçoit le prix de l' Académie Charles-Cros. La pochette est illustrée par une photo de Jean-Baptiste Mondino, prise à l'aéroport du Bourget. Cet album sera le support d'une première grosse tournée qui donnera lieu à la sortie d'un triple album public enregistré lors de ces concerts : Triplex enregistré entre et . Les captations des 3 disques ont eu lieu lors des concerts à la Cigale (Paris - ), au Cabaret de Montréal () et à l'Européen (Paris - ).

Thomas Fersen à Marseillette le .

En 2003, pour ses 40 ans, sort son cinquième album studio, toujours édité par tôt Ou tard : Pièce montée des grands jours. Comme sur les précédents albums, la pochette est à nouveau signée Mondino, Thomas Fersen y figure avec une tête de porc sur les genoux continuant le bestiaire amorcé sur les précédentes pochettes (lapin, poisson, oiseau). L'album comprend l'unique duo chanté par Fersen : le titre Pièce montée des grands jours chanté avec Marie Trintignant quelques mois avant son décès. Un projet musical était en cours entre les deux artistes et les chansons étaient écrites.

Lors de la tournée de l'album Pièce montée des grands jours, les concerts des 20 et donnent lieu à une captation qui sort le intitulée La Cigale des grands jours. Le concert sort sous un double format, un CD et un DVD (lequel contient 3 titres supplémentaires : Bambi, Chez toi et je suis dev'nue la bonne).

Le Pavillon des fous sort ensuite en , galerie de 11 portraits faisant penser à Vol au-dessus d'un nid de coucou de Miloš Forman, avec des personnages glaçants comme Hyacinthe. L'album est né de souvenirs d'enfance liés à un inquiétant voisin : " mes sœurs étaient tétanisées à l'idée de le croiser ". À noter les chœurs de Catherine Ringer sur le titre Maudie, très inquiétant portrait d'une sœur imaginaire qui se prend pour la reine d'Angleterre. La pochette (toujours de Mondino) semble être à nouveau une référence cinématographique, plus particulièrement à Orange mécanique de Stanley Kubrick. Seule respiration légère de l'album : Zaza.

La première compilation sort en 2007, Gratte-moi la puce. C'est une ré-instrumentation de 20 titres à l'ukulélé. Pierre Sangrà joue de l'ukulélé baryton et de la mandoline tandis que Fersen joue du piano et de l'ukulélé soprano. S'ensuit un tour de chant, Duo ukulélé, où ils ne sont que deux sur scène et où le duo propose une réorchestration du répertoire de Fersen.

En il est nommé officier dans l' ordre des Arts et des Lettres. Il avait déjà été précédemment nommé Chevalier de l'ordre des Arts et des Lettres en .

À partir de Thomas Fersen entame une série de soixante représentations de l'Histoire du soldat (texte de Charles Ferdinand Ramuz, musique d' Igor Stravinsky et mise en scène de Roland Auzet).

Le troisième album public sort fin en tirage limité : C'est du Limoges enregistré au Centre Culturel John Lennon de la ville lors du concert du . Le disque sort le sur les plateformes d'achat en ligne et en version CD le . Sur scène, il est accompagné entre autres par Oliver Smith (basse), Remy Kaprielan (batterie), Pierre Sangrà (guitare), Lionel Gaget (claviers), Franck Boiron (trombone) et Baptiste Sarat (trompette). Thomas Fersen joue du piano et de l'ukulélé soprano.

En rupture avec la série des albums précédents, Fersen sort le Thomas Fersen & The Ginger Accident. Musicalement, l'ukulélé a disparu, remplacé par des cordes plus présentes ainsi que des cuivres et de la batterie. La raison ce ces nouveaux arrangements est donnée dans le titre : alors que Fersen avait déjà écrit tout l'album, il a eu envie de changer de méthode de travail et de laisser à Cédric de la Chapelle et à son groupe Ginger Accident le soin de mettre ses textes en musique, d'où la couleur plus sixties et des chœurs beaucoup plus présents. La collaboration devait se limiter à un titre ou deux au début mais finalement, c'est tout l'album qui sera pris en charge par le groupe. L'accueil reçoit un accueil mitigé, le résultat est déroutant,. Ce changement s'est également déroulé sous la pression de la maison de disques tôt Ou tard et de son responsable Vincent Frèrebeau qui lui disait qu'il avait " encore fait du Thomas Fersen ".

Le il sort son dixième album (en 25 ans de carrière), Un coup de queue de vache, accompagné d'un quatuor à cordes et arrangé par Joseph Racaille. Thomas Fersen ne se sent plus en accord avec son label tôt Ou tard et sort, pour la première fois, un album sous son propre label Éditions Bucéphale distribué par Believe. Il s'interroge sur l'évolution de l'industrie musicale et déclare ne plus pouvoir vivre de sa musique : " Qu4tre, c'était 225 000 [exemplaires], l'âge d'or en 1998. Ensuite, ça n'a fait que descendre, une perte de 40% à chaque fois ". Son dernier opus ne s'était écoulé qu'à 17 000 exemplaires alors que ses quatre premiers albums studio avaient chacun été disque d'or (100 000 exemplaires).

En 2018 l' Académie française lui décerne la Grande Médaille de la chanson française pour l'ensemble de ses chansons.

L'album C'est tout ce qu'il me reste sort le , toujours aux Éditions Bucéphale. Fersen retrouve sa liberté artistique puisqu'il écrit paroles et musiques, produit et fait les arrangements. Sur le format, il s'affranchit également des contraintes habituelles avec des titres allant de ( Les vieilles) à ( La mare).

La mare revient de manière onirique pendant plus de 10 minutes. Il s'agit d'une chanson sans refrain sur les craintes de sa mère de le voir sombrer à l'adolescence, du mauvais côté (" Ma mère avait si peur / Que je tombe dans la mare / Et dans ce qui est trouble / Et dans ce qui est double / Ce qui a deux côtés "). La longueur du morceau fait que Fersen l'exclut des titres joués sur scène lors de la tournée.

Musicalement, il retrouve sur le disque comme sur la tournée Pierre Sangrà (guitare, saz et banjo), Lionel Gaget (claviers), Rémy Kaprielan (batterie) et Alejandro Barcelona (accordéon). Ce dernier accompagne Fersen depuis le premier album en 1993.

2003 : Thomas Fersen interprète un titre en duo avec Marina Vial : Quelque part dans l'univers, extrait de la BO de La Prophétie des grenouilles

2004 : Thomas Fersen interprète deux titres sur la compilation À l'attaque (disque de soutien) : Ah Quelle Tristesse et Bella Ciao

2005 : sur Plutôt tôt, Plutôt tard, album de duos des artistes du label tôt Ou tard, les chansons Escobar avec JP Nataf, Le bouton avec Bumcello, et La barmaid avec Jeanne Cherhal

2006 : reprise de Sacré géranium de Dick Annegarn, sur la compilation Le grand Dîner

2007 : il écrit (texte et musique) pour Vanessa Paradis dans l'album Divinidylle.

2012 : Il écrit deux chansons pour le film Ernest et Célestine : La chanson d'Ernest, interprété par Lambert Wilson, et Ernest et Célestine, qu'il chante lui-même et qui accompagne le générique de fin.

2013 : Il participe au projet Pitt Ocha et la tisane de couleurs, mené par les Ogres de Barback, en interprétant deux titres Le Vagabond, avec Rita Macêdo, et chantant quelques phrases sur Par'dis, chanson collective.

Récompenses

Chevalier de l'ordre des Arts et des Lettres - Décoré en par le ministre de la Culture et de la Communication, Jean-Jacques Aillagon.

Officier de l'ordre des Arts et des Lettres - En , il est promu officier dans l'ordre des Arts et des Lettres.

Notes et références

Références

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Thomas Fersen est un auteur-compositeur-interprète français, né le , à Paris. Il est principalement connu pour être l'auteur des chansons Le bal des oiseaux, La Chauve-souris, Les Malheurs du lion, Monsieur ou encore Deux pieds. Il naît le à la clinique des Bluets à Paris, d'une mère infirmière et d'un père employé de banque venus en région parisienne pour travailler.

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Il travaille avec l' anglais Brad Scott sur les albums Arthur H., Bachibouzouk, En chair et en os, Trouble-Fête, Pour Madame X, Négresse blanche, Scott étant compositeur, musicien et chanteur en tournée depuis 1988 (cf. Le Premier Pas sur Fête-Trouble).

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Son premier disque est auto-produit et s'intitule Un disque sourd . En 1992 sort La Fossette , premier album officiel produit par le label nantais Lithium, il contient cinq titres présents sur Un disque sourd.

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Les 25 meilleurs films français du XXIe siècle selon les Américains

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Les 25 meilleurs films français du XXIe siècle selon les Américains

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Le site web américain Indiewire,dédié au cinéma indépendant, a établi un classement des vingt-cinq longs-métrages français les plus mémorables, parmi tous ceux sortis en salle depuis le 1er janvier 2000.

Faire des classements est à la mode chez les Anglo-Saxons. Après l'étonnante liste des 25 meilleurs films du New York Times et les 100 meilleurs films de tous les temps sélectionnés par les lecteurs du magazine Empire, c'est au tour d'Indiewire de se prêter à l'exercice. Cette fois, pas de domination écrasante d'Hollywood, pas de classement américano-centré. Le site web consacré au septième art a sélectionné quelque vingt-cinq films de notre cinéma national.

Le classement est garanti 100 % français. La rédaction d'Indiewire n'a en effet retenu que les films de langue française, avec des financements français. Ils ont d'ailleurs presque tous été tournés en France. Référence aux États-Unis pour les cinéphiles amoureux du cinéma indépendant, Indiewire rappelle en préambule que la France est une figure de proue de l'industrie cinématographique mondiale.

Trois réalisateurs sont cités à deux reprises dans la liste: la jeune Mia Hansen-Løve, Jacques Audiard récompensé deux fois du César du meilleur réalisateur, et l'Autrichien Michael Haneke. Seulement quatre réalisatrices sont citées contre 19 hommes. Des chiffres qui confirment que la réalisation est en France une profession majoritairement masculine.

Cannes et l'académie des Césars à l'honneur

Parmi la sélection, trois d'entre eux ont reçu la Palme d'or: Entre les murs, Amour et La Vie d'Adèle. D'autres ont reçu le César du meilleur film de l'année: Le Fabuleux Destin d'Amélie Poulain, De battre mon cœur s'est arrêté, Un prophète, Des hommes et des dieux et encore Amour.

Une grande partie des films appartient au registre dramatique. Les comédies sont bien plus rares. Autre fait intéressant, certains d'entre eux n'ayant pas connu un grand succès en France, ont pourtant retenu l'attention du site américain. Ainsi, Eden de Mia Hansen-Løve, boudé par les spectateurs français lors de sa sortie, se hisse à la cinquième place du classement.

Le trio de tête

● 3 - 35 Rhums de Claire Denis, 2008

Le film de Claire Denis, salué par la critique à sa sortie, raconte l'histoire d'une famille antillaise installée dans une cité de banlieue parisienne. Lionel, conducteur de RER, a élevé seul sa fille Joséphine. Ils sont très proches l'un de l'autre. Lorsque Joséphine devient une jeune femme, Lionel comprend qu'il est nécessaire que sa fille s'éloigne de lui pour prendre son indépendance. Après avoir été si proches, une telle séparation est difficile.

● 2 - Amour de Michael Haneke, 2012

Médaille d'argent, Amour raconte l'intimité de Georges et d'Anne, un couple d'octogénaires cultivés. Anne est victime d'une attaque cérébrale. À sa sortie de l'hôpital, elle est hémiplégique. Promettant à sa femme de ne jamais la ramener à l'hôpital, Georges est désemparé lorsque son état de santé s'aggrave. Leur amour est mis à rude épreuve. Le film de l'Autrichien Michael Haneke est le seul film de la liste à avoir à la fois reçu la Palme d'or à Cannes et le César du meilleur film en 2012.

" Lire aussi - La critique d'Amour : Michael Haneke, jusqu'au bout de la vie

● 1 - Holy Motors de Leos Carax, 2012

Holy Motors, le grand vainqueur du classement, est un drame fantastique de Leos Carax. Il met en scène Monsieur Oscar, un être qui voyage de vie en vie. Tour à tour grand patron, meurtrier, mendiante, créature monstrueuse, père de famille... À sa présentation à Cannes, le film avait été désigné comme l'un des plus originaux du Festival. Il avait pourtant divisé la critique. Même au sein de notre rédaction, les avis étaient très partagés.

La liste complète des 25 meilleurs films français du XXIe siècle selon Indiewire

1- Holy Motors de Leos Carax, 2012

2 - Amour de Michael Haneke, 2012

3 - 35 Rhums de Claire Denis, 2008

4 - Adieu au langage de Jean-Luc Godard, 2012

5 - Eden de Mia Hansen-Løve, 2013

6 - Un prophète de Jacques Audiard, 2008

7 - Le fabuleux destin d'Amélie de Jean-Pierre Jeunet, 2001

8 - Tomboy de Céline Sciamma, 2011

9 - Caché de Michael Haneke, 2003

10 - La vie d'Adèle d'Abdellatif Kechiche, 2012

11 - L'heure d'été d'Olivier Assayas, 2007

12 - Visages Villages d'Agnès Varda et JR, 2017

13 - Le scaphandre et le papillon de Julian Schnabel, 2007

14 - Un conte de Noël d'Arnaud Desplechin, 2008

15 - Un amour de jeunesse de Mia Hansen-Løve, 2010

16 - L'Apollonide - souvenirs de la maison close de Bertrand Bonello, 2011

17 - Quand on a 17 ans d'André Téchiné, 2016

18 - De battre, mon cœur s'est arrêté de Jacques Audiard, 2004

19 - Après Mai d'Olivier Assayas, 2012

20 - Entre les murs de Laurent Cantet, 2008

21 - P'tit Quinquin de Bruno Dumont, 2014

22 - Swimming Pool de François Ozon, 2002

23 - Des hommes et des dieux de Xavier Beauvois, 2010

24 - L'homme du train de Patrice Leconte, 2002

25 - La Sapienza d'Eugène Green, 2014

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Les 25 meilleurs films français du XXIe siècle selon les Américains

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Le site web américain Indiewire,dédié au cinéma indépendant, a établi un classement des vingt-cinq longs-métrages français les plus mémorables, parmi tous ceux sortis en salle depuis le 1er janvier 2000. Faire des classements est à la mode chez les Anglo-Saxons.

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LesInrocks - Le top 100 des plus beaux films français (l’intégrale)

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LesInrocks - Le top 100 des plus beaux films français (l’intégrale)

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Après d'intenses débats, le service cinéma des Inrocks a réussi à établir la liste des 100 plus beaux films français. On vous dévoile l'intégralité de ce classement.

Le top 100 des meilleurs films français ever, suite et fin. Ce classement a été réalisé à partir de 18 classements individuels de critiques écrivant ou ayant écrit au service cinéma des Inrocks (on trouvera leurs noms à la fin). Il photographie donc le goût d'une bande (avec ses particularismes, ses goûts partagés...), déterminé par l'appartenance à une génération (un peu large, la majorité des votants étant nés entre le milieu des années 60 et le milieu des années 80) et une histoire (celle d'une cinéphilie dont la Nouvelle Vague constituerait peu ou prou le terreau). Certaines périodes sont surreprésentées (les années 60 et 70), d'autres injustement minorées (le cinéma muet presque ignoré). Des cinéastes prisés ailleurs sont absents (Carné, Sautet, Blier, Malle, Clouzot...) et des enthousiasmes récents se retrouvent propulsés parfois très haut (deux films de 2013 ont infiltré ce top). Bref, ce classement vaut surtout par l'amusement qu'on a ressenti à le faire et celui, nous l'espérons, que vous éprouverez à le découvrir. En vous encourageant à publier en commentaires vos propres top 10, top 20, top 100 pour les plus courageux. C'est parti..

1. "La Maman et la Putain", de Jean Eustache (1973) avec Jean-Pierre Léaud, Françoise Lebrun, Bernadette Lafont, Isabelle Weingarten, Jacques Renard, Bernard Eisenschitz, Jean-Noel Picq, Jean Douchet

Quand est-il devenu le plus beau film français de tous les temps ? L'engouement pour La Maman et la Putain fut immédiat, mais il passa d'abord pour celui d'une génération, celle qui avait fait Mai 68 et rentrait la tête basse dans sa chambre pour tenter de ne pas perdre la dernière des batailles : réinventer l'amour. Peine perdue. Au fil des décennies, le film est devenu de plus en plus compliqué à voir - une querelle d'ayants droit a sans cesse reporté son édition en DVD en France. Nul doute que cette rareté a amplifié le déploiement mythologique de La Maman... (Rareté relative néanmoins puisque le film est visible sur YouTube). De film d'une génération, il est devenu la quintessence de ce que peut le cinéma français en terme de fouille spéléologique des territoires les plus intimes. L'enfant de la Nouvelle Vague a fini par dépasser ses parents dans le cœur de plusieurs générations de cinéphiles. Alexandre, le garçon qui écoute Damia prostré dans sa chambre, fait de l'ombre à Antoine Doinel. Et Veronika la tragique arpente à jamais et en robe longue notre cinémathèque imaginaire.

2. "Le Mépris", de et avec Jean-Luc Godard (1963) avec Brigitte Bardot, Michel Piccoli, Jack Palance, Fritz Lang, Raoul Coutard, Giorgia Moll

A sa sortie, présence de BB oblige, le film fut un événement médiatique, mais un succès public insuffisant. Certes, plus d'un million d'entrées en France, c'était un bon score pour un Godard, mais un chiffre moyen pour un BB movie. Surtout, Le Mépris ne fut pas immédiatement considéré par le large cercle de ses adorateurs comme le sommet du grand œuvre godardien. Un peu trop psychologique et narratif pour la fan base, mais encore pas assez pour le grand public : Le Mépris a un peu tardé à trouver son aura de chef d'œuvre. Mais le temps a retourné en atouts ce qui semblait des faiblesses jusqu'à faire du Mépris le film de Godard que peuvent supporter les anti-Godard, mais qui finalement fascine aussi les grands godardiens. Normal : le film est sublime. Sublime comme Brigitte Bardot en 1963 (et c'est désormais comme si l'actrice n'avait tourné qu'un seul film). Comme Capri irradié de soleil par Raoul Coutard. Comme les cordes entêtantes de Georges Delerue. Comme un diagnostic de ce qu'est, en direct, le cinéma moderne du milieu du XXe siècle (la mort de la star, le scénariste en panne, le producteur déphasé...). Un film que, comme le corps nu de Bardot découpé en blason dès la première scène, on peut aimer par morceaux (et sa lumière, vous l'aimez sa lumière ? Et sa musique, vous l'aimez...? et son actrice...?), tout en l'aimant "totalement, tendrement, tragiquement".

http://www.dailymotion.com/video/x1kw58_le-mepris-jean-luc-godard-1963_music

3. "La Règle du jeu", de et avec Jean Renoir (1939) avec Marcel Dalio, Roland Toutain, Nora Gregor, Mila Parély, Julien Carette, Paulette Dubost, Gaston Modot

Le film fut un temps champion en titre de la catégorie meilleur film français de tous les temps. Evidemment pas depuis sa sortie à la veille de la Guerre, puisqu'il connut un échec cinglant et fut amputé par ses distributeurs. Le négatif ayant été perdu dans un bombardement, il fallut attendre 1958, tandis que sous l'influence de la jeune cinéphilie d'après-guerre, le film gagnait ses galons de chef d'œuvre maudit, pour que La Règle du jeu soit remonté de façon conforme aux vœux de Renoir. Bien sûr, dans certains cercles (cf. le classement de l'académie des César réalisé à la fin des années 70, celui initié par Canal + au début des années 90), on trouva longtemps des gens pour croire très sincèrement que le Meilleur film français de tous les temps était Les Enfants du Paradis de Marcel Carné. Ces temps semblent révolus et dans des Top 100 plus récents ( celui de Time out, celui de Sight and sound...), La Règle du jeu a fini par mettre KO les arlequinades de Carné. C'est donc maintenant contre sa descendance (Godard, Eustache...) que Renoir doit se battre pour garder son titre de "patron". Et sinon, le film est génial.

4. "Madame de...", de Max Ophuls (1953) avec Danielle Darrieux, Charles Boyer, Vittorio de Sica, Jean Debucourt, Mireille Perrey, Jean Galland, Paul Azaïs

"Rien ne serait arrivé, si ce n'est un bijou...", nous dit le carton liminaire. Ce bijou, c'est une paire de boucles d'oreilles, qui va presque faire le tour du monde, passer de main en main jusqu'à revenir aux oreilles de celle qui avait voulu s'en défaire. Entretemps, le bijou a transcendé sa fonction de simple apparat social, ornement non investi d'affect, pour devenir l'objet transitionnel suprême, le fétiche ultime d'un amour absolu. Le petit cœur en diamant n'est que cristallisation. Dans les cristaux d'Ophuls, compositions tout en miroirs, cadres biseautés, plans multi-facettes, tout le monde tourne, la comédie chevauche sur le manège des faux-semblants. La vie et son reflet se confondent. Seul le Grand Amour peut faire voler en éclats la boule de verre. Mais le Grand Amour a la mort pour doublure. Nulle autre que l'étourdissante Danielle Darrieux ne pouvait camper une telle coquette métaphysique, passée de la grande valse du jeu social à la plus folle sublimation. Dans sublimation, il y a sublime.

5. "Les Nuits de la pleine lune", d'Eric Rohmer (1984) avec Pascale Ogier, Fabrice Luchini, Tcheky Karyo, Virginie Thévenet, Christian Vadim, László Szabó, Anne-Séverine Liotard, Elli Medeiros

http://www.dailymotion.com/video/x27xhp_les-nuits-de-la-pleine-lune_shortfilms

6. "Belle de jour", de Luis Buñuel (1967) avec Catherine Deneuve, Michel Piccoli, Pierre Clémenti, Jean Sorel, Macha Meril, Genevieve Page, Françoise Fabian, Francis Blanche

Deux films de Buñuel figurent dans ce top 100 et tous deux appartiennent à l'œuvre tardive du cinéaste ( L'âge d'or ne s'y trouve pas donc). Parmi les films français de la fin, écrit avec Jean-Claude Carrière, Belle de jour n'a pas cette tonalité de farce satirique qui fait la drôlerie tout en grincements de La Voie lactée, du Charme discret de la bourgeoisie ou du Fantôme de la liberté. L'humour n'y est pas absent, mais feutré. C'est le trouble qui domine. Celui d'une jeune femme qui entrevoit soudainement sa jouissance comme un précipice. Celui d'un cinéaste qui a trouvé le parfait modèle blond pour assouvir ses fantasmes hitchcockiens (un plan où Deneuve s'approche d'un œilleton se réfère explicitement à Psychose). Celui d'une actrice (Deneuve) qui rencontre le rôle de sa vie.

7. "Les Demoiselles de Rochefort", de Jacques Demy avec Catherine Deneuve, Françoise Dorléac, Danielle Darrieux, Jacques Perrin, Gene Kelly, Michel Piccoli, Georges Chakiris, Henri Crémieux, Grover Dale

Peut-être le film le plus gai, le plus allègre, le plus illuminé de bonheur de toute l'histoire du cinéma français. Après avoir réussi l'impensable (un mélo pop entièrement chanté : Les Parapluies...), Jacques Demy catapulte la comédie musicale hollywoodienne en pleine Charente-Maritime. Dans un Rochefort arc-en-ciel, il mène allegretto un chassé-croisé amoureux extatique où chacun frôle sans cesse son idéal mais voit l'instant de la rencontre toujours différé. Si l'adjectif jubilatoire ne devait plus, suite à un arrêté de la police des mots dévalués, ne plus qualifier qu'une seule chose en ce monde, ce serait sans contestation possible, ce film.

8. "Les Parapluies de Cherbourg", de Jacques Demy (1964) avec Catherine Deneuve, Nino Castelnuovo, Anne Vernon, Marc Michel, Ellen Farner, Mireille Perrey, Rosalie Varda

Jacques Demy est le seul cinéaste à placer deux films dans le top 10. Pour un total de 5 dans le top 100 (mais pas, de façon très injuste, Une chambre en ville !). Le film est une des deux Palmes d'or à se classer dans le top 100 (l'autre est beaucoup plus récente et beaucoup plus bas). C'est aussi un des deux films de ce classement à se composer en trois parties intitulées Le départ, L'absence, Le retour (mais celui-là est l'original). Un des trois films où des personnages avancent immobiles tractés par un chariot (mais c'est La Belle et la Bête le modèle). Et un des neuf films de ce top interprété par Catherine Deneuve, ce qui en fait l'actrice la plus classée ( who else ?).

9. "La Jetée", de Chris Marker (1962) avec Davos Hanich, Hélène Châtelain, Jean Négroni, William Klein, Jacques Ledoux

http://www.dailymotion.com/video/xsy92k_la-jetee_shortfilms

10. "Les Yeux sans visage", de Georges Franju (1960) avec Pierre Brasseur, Edith Scob, Alida Valli, Juliette Mayniel, Claude Brasseur

Pour avoir filmé dans une forme documentaire le carnage quotidien des abattoirs parisiens ( Le Sang des bêtes) ou les corps mutilés des rescapés de la guerre 14-18, Georges Franju savait que l'horreur n'était pas le grand Autre. Qu'elle se tenait tapie là toute proche. Et qu'on pouvait en France inventer un cinéma d'horreur délesté de toutes les ornementations baroques de la Hammer ou d'Hollywood. Un cinéma d'horreur tramé au réalisme et à la précision documentaire. En 1960, le film n'a pas tellement d'ascendance (si ce n'est fugitivement le souvenir de Feuillade). Sa descendance en revanche est sans fin - jusqu'à l'overdose de masques blancs - et son magnétisme ne cesse de croître.

11. "Playtime", de et avec Jacques Tati (1967) avec Barbara Dennek, Jacqueline Lecomte, Valérie Camille

12. "L'Atalante", de Jean Vigo (1934) avec Michel Simon, Jean Dasté, Dita Parlo, Louis Lefebvre

Le seul long métrage réalisé par Jean Vigo. Sorti l'année de sa disparition (à 29 ans). Et aussitôt mutilé par des producteurs déçus par son infructueux box-office. Il faut attendre le début des années 50 pour qu'Henri Langlois restaure le film et rétablisse la version de Vigo. Et voilà L'Atalante voguant sur le cours tranquille d'une postérité éternelle.

13. "A nos amours", de et avec Maurice Pialat (1983) avec Sandrine Bonnaire, Evelyne Ker, Dominique Besnehard, Pierre-Loup Rajot, Cyril Collard, Jacques Fieschi

"Avant t'en avais deux. Elle est partie où, l'autre ?" C'est la père de Suzanne qui dit ça à sa fille, une nuit, où ils se croisent par hasard dans la cuisine. Il parle de sa fossette. C'est aussi Maurice Pialat qui dit ça par surprise à sa comédienne et arrache à Sandrine Bonnaire un rire contenu qui irradie tout le plan. Un accident heureux, la vie saisie par surprise, un micro-miracle à la Pialat. Cette fossette qui s'en va sans qu'on l'ait vue partir, c'est le Rosebud du film. A la fin, quelque chose s'est évanoui mais nul ne sait très bien quoi. Un père, qui a quitté la maison. Beaucoup de garçons dans la vie de Suzanne. Probablement un certain état d'innocence. Une appartenance organique à ce clan meurtrier que constitue une famille aussi. Quelque chose est parti, manque sans qu'on puisse le nommer. Mais indubitablement, quelque chose est passé. La vie sans doute.

14. "Jeanne Dielman, 23 quai du commerce, 1080 Bruxelles", de Chantal Akerman (1975) avec Delphine Seyrig, Jan Decorte, Henri Storck, Jacques Doniol-Valcroze

Jeanne Dielman est une veuve entre deux âges, qui vit à Bruxelles, avec son fils de 17 ans. Le film décrit une cinquantaine d'heures du quotidien de cette femme, dont la vie s'organise comme un ballet mécanique de gestes domestiques. Jeanne Dielman fait la cuisine, met la table, sert son fils, dîne, débarrasse la table, fait la vaisselle, range la cuisine. Jeanne Dielman défait son lit, s'endort, refait son lit, se lave méthodiquement dans sa baignoire, s'habille, cire les chaussures de son fils. Et cela ad libitum, rien moins que trois heures vingt. Il suffisait de filmer ses actions dans une durée proche du temps réel pour enregistrer quelque chose de jamais vu : une construction sociale (la femme au foyer) qui ne tolère aucune extériorité, une aliénation consentie qui, si on en dérègle les procédures, aboutit à une catastrophe. Un film marque une date dans l'histoire du cinéma parce qu'il découvre de nouveaux territoires du filmable, parce qu'il songe à s'intéresser à des sujets que personne ne jugeait digne d'intérêt : préparer une escalope panée, peler des pommes de terre, se coiffer plusieurs minutes devant une glace, introduire un gant de toilette dans ses oreilles afin de les nettoyer. Autant de gestes découverts sur un écran pour la première fois dans Jeanne Dielman et qui, par la simple retranscription par les moyens du cinéma, donnent lieu à une véritable sidération. Géniale extension du domaine du filmable.

15. "Pickpocket", de Robert Bresson (1959) avec Martin LaSalle, Marika Green, Jean Pelegri, Pierre Etaix, Dominique Zardi

Des six films dans le top 100 de Bresson, Pickpocket est le mieux classé. On ne se risquera pas à affirmer que c'est le plus grand. Ce n'est en tout ni le plus fou ( L'Argent l'est d'avantage), ni le plus émouvant (moins que Mouchette, Le Procès de Jeanne d'Arc ou Au hasard Balthazar). C'est peut-être en revanche celui où la geste bressonienne, ses enjeux et ses effets, est la plus claire, la plus lisible. Pickpocket pourrait être le parfait objet de démonstration de la machine formelle Bresson, sa mécanique des corps et des gestes, son impressionnante entreprise de réduction du réel et sa fulgurante mise en rapport au métaphysique. Le dépouillement, au sens propre comme figuré, c'est le projet formel du film et son enjeu scénaristique. Les objets sont séparés de ceux qui les possèdent (montres, bijoux, argent). Les gestes sont séparés des corps (hallucinant ballet de mains en gros plan). L'image et le son fonctionnent sur le mode du contrepoint, parfois presque disjoints. Le film est un vaste principe de déconnection. Tout ce que le monde (ou le cinéma) donne dans l'illusion de l'unité sera ici défait, décomposé, analysé. Cette séparation faite système, c'est la condition pour qu'à la fin deux êtres soient réunis. Mais quel long chemin pour...

16. "Cléo de 5 à 7", d'Agnès Varda (1962) avec Corinne Marchand, Antoine Bourseiller, Michel Legrand, José Luis de Villalonga

Stefan Zweig isolait ving-quatre heures dans la vie d'une femme. Plus modeste, Agnès Varda n'en retient que deux. Mais plus ambitieuse aussi. Car ces deux heures sont passées au scanner du temps réel. Le temps de la fiction et celui de la projection feignent de se recouper. C'est en fait dans une image mentale du temps que le film nous projette, le temps interminable de l'attente d'un résultat médical, qui échappe à tous les métrages et les cadrans horaires. Fleuron de l'esthétique Nouvelle Vague (tournage en extérieur, souplesse des mouvements d'appareil, noir et blanc lumineux...), Cléo de 5 à 7 n'est pas seulement un grand film de son temps, mais aussi un des plus beaux films sur l'appréhension du temps.

17. "Le Rayon vert" d'Eric Rohmer (1986) avec Marie Rivière, Rosette, Béatrice Romand, Vincent Gauthier, Lisa Heredia, Yves Robert

C'est quoi le problème avec Delphine ? Ses copines sont bien en peine de répondre. Selon les communautés, le problème varie. Ici, on se désespère qu'elle ne trouve aucun mec, hypostase sur le précédent qui l'a largué il y a déjà deux ans. Là, on s'éberlue qu'elle ne mange pas de viande, préfère la salade, "parce que la salade, c'est léger, c'est aérien". Le problème, c'est surtout celui des autres. Car de toutes les héroïnes des Comédies et proverbes, Delphine est un peu la préférée de son auteur. Là où Louise ( Les Nuits de la pleine lune) était prise à son propre piège, là où Anne ( La Femme de l'aviateur) et Sabine ( Le Beau mariage) doivent composer avec les vicissitudes de l'existence, Delphine, donnée d'abord pour la plus loseuse de toute, se voit gratifiée d'un miracle. Le miracle (ce fameux rayon vert) est dans le film. Mais le miracle, c'est aussi le film. Avec Les Nuits de la pleine lune (84), Rohmer semblait avoir porté son système d'entrelacs d'intrigues, d'hyper maîtrise narrative et dialoguée, à son point de perfection absolue. Avec Le Rayon vert, il le pulvérise, court les plages de France avec une carte des marées en guise de scénario, ouvre son système au contingent et à l'impro, et touche à nouveau au sublime, mais par des chemins pour lui inédits.

http://www.dailymotion.com/video/xh474j_le-rayon-vert-3_shortfilms

18. "La Belle et la Bête", de Jean Cocteau (1946) avec Jean Marais, Josette Day, Michel Auclair, Mila Parély, Nane Germon

Loin devant Pagnol, Guitry et Duras (tandis que ni Beckett, ni Genet, ni Robbe-Grillet, ni même Bernard-Henri Lévy ne sont représentés), Cocteau est donc le mieux classé des écrivains-grands cinéastes, spécificité très française. N'en déplaise à Vincent Cassel (qui déclarait en plein dérapage promo trouver la version de Cocteau lente et ennuyeuse), on ne s' est jamais complètement remis des bras-chandeliers perforant des murs (des glory holes ?), des regards-caméras de statues, des noirs d'encre de Henri Alekan, de la majesté léonine de Jean Marais et de la nuance de perversité narquoise sur le visage de la belle, lorsque la bête métamorphosée en prince lui dit qu'elle n'a plus de raison d'avoir peur maintenant : "Mais j'aime avoir peur".

19. "La Femme d'à côté", de François Truffaut (1981) avec Gérard Depardieu, Fanny Ardant, Henri Garcin, Véronique Silver, Michèle Baumgartner, Philippe Morier-Genoud

20. "Hiroshima mon amour", d'Alain Resnais (1959) avec Emmanuelle Riva, Eiji Okada, Bernard Fresson, Stella Dassas, Pierre Barbaud

Un peu en dessous de L'Atalante, au-dessus d' A Bout de souffle et des 400 coups, Hiroshima compte en tout cas parmi les quelques chefs-d'œuvre du cinéma français qui sont aussi des premiers longs métrages. 55 ans séparent ce premier long d 'Aimer, boire et chanter, à sortir fin mars, et dont on a appris avec tristesse qu'il restera le dernier film d'Alain Resnais. Dans Hiroshima, on psalmodiait "Tu n'as rien vu a Hiroshima". Le précédent s'intitulait Vous n'avez encore rien vu. Dès Nuit et Brouillard, l'œuvre jetait une terrible suspicion sur la nature du visible. Le moment est parfaitement choisi pour retourner y voir.

21. "Céline et Julie vont en bateau", de Jacques Rivette (1974) avec Juliet berto, Dominique Labourier, Bulle Ogier, Marie-France Pisier, Barbet Schroeder, Philippe Clevenot, Jean Douchet

Le mieux classé des quatre Rivette du top 100. Probablement le plus immédiatement réjouissant, où l'utopie de film permanent, sans début ni fin, le jeu aux confins de l'informe, du pur lâcher prise narratif (culminant dans Out 1) est à la fois flamboyant et domestiqué dans une forme de comédie entre screwball, Lewis Carroll et Henri James version drag-queen. C'est peut-être le cinéma indépendant américain, de Recherche Susan désespérément (deux filles et des tours de magie) à Mulholland Drive (deux filles mènent l'enquête), qui s'est le plus souvent embarqué sur le même bateau que Céline et Julie. A bord, c'est toujours le chahut et on tangue joyeusement dans ses roulis gracieux.

Notons que le film est un des cinq de ce top 100 traversés par la présence olympienne et la crinière léonine du grand Jean Douchet (à quand l'intégrale à la Cinémathèque française de son œuvre de comédien - trop souvent éclipsée par celle du critique ?). Ci-joint un trailer non officiel et reboosté electro par un fan inspiré.

22. "L'Inconnu du lac", d'Alain Guiraudie (2013) avec Pierre Deladonchamps, Christophe Paou, Patrick d'Assumçao, Jérome Chappatte

23. "Lola Montès", de Max Ophuls (1955) avec Martine Carol, Peter Ustinov, Anton Walbrook, Ivan Desny, Lise Delamarre, Paulette Dubost, Oskar Werner, Jean Galland

Sur Lola Montès pèsent depuis presque soixante ans de terribles soupçons. Le film aurait à la fois contribué à la mort de son auteur (Ophuls disparaît certes de maladie, mais dit-on miné par le chagrin, un an et demi après la catastrophe commerciale) et brisé la carrière de son actrice principale (Martine Carol, reine du box-office début fifties, engloutie par le naufrage Lola Montès, et maintenue sous l'eau par le tsunami Bardot l'année suivante). Le storytelling autour du film, son aura de chef-d'œuvre maudit et meurtrier, n'est pas pour rien dans le mythe Lola Montès. Moins parfaitement gracieux que Madame de, le film est un des plus baroques que le cinéma français ait jamais conçu, barnum pré-fellinien, faisant s'entrechoquer dans la plus grande fureur le romanesque de la vie et les arabesques de la représentation.

24. "Loulou", de Maurice Pialat (1980) avec Gérard Depardieu, Isabelle Huppert, Guy Marchand, Humbert Balsan, Jacqueline Dufranne

25. "Les Hautes Solitudes", de Philippe Garrel (1974) avec Jean Seberg, Nico, Tina Aumont, Laurent Terzieff
>> Pour voir la suite du classement, cliquer ici
C'est la tête froide, insensibles à la pression qui monte et devrait s'intensifier que nous publions le second quart de notre top 100 des plus grands films français ever. Cette fois, nous descendons des places 26 à 50.

26. "A Bout de souffle", de Jean-Luc Godard (1960) avec Jean-Paul Belmondo, Jean Seberg, Daniel Boulanger, Roger Hanin, Jean-Pierre Melville

26e, cela peut sembler une place un peu chiche pour un film généralement considéré comme l'exact point de bascule entre l'âge classique du cinéma français et son âge moderne. Avec ces jump cut abrupts, son travelling en caddie, ses accidents lumineux, ses faux raccord, ses adresses goguenardes à la caméra et sa gestion fantaisiste du récit, le film reste une révolution stylistique inouïe. Sa nature de série B, même hydrocutée dans les courants les plus vifs de la modernité, en fait un film peut-être moins fascinant, moins inépuisable, que d'autres de Godard (comme celui qui, par exemple, s'est hissé dans le top 3). Date absolue dans l'histoire du cinéma, A Bout de souffle ne pose pas au grand film, est exempt de toute forme de monumentalité. A la fois film génial et petit film, c'est toute sa force paradoxale.

27. "Out 1", de Jacques Rivette (1971) avec Jean-Pierre Léaud, Juliet Berto, Michael Lonsdale, Bernadette Lafont, Bulle Ogier, Michèle Moretti, Jean-François Stévenin, Françoise Fabian, Jean Bouise

28. "Femmes, femmes", de Paul Vecchiali (1974) avec Hélène Surgère, Sonia Saviange, Noël Simsolo, Michel Duchaussoy, Michel Delahaye

Lorsque Femmes, femmes est sorti en 1974, beaucoup de critiques en soulignèrent l'inactualité. Dans un appartement parisien du XIVe, dont les fenêtres plongent sur le cimetière Montparnasse, deux femmes entre deux âges se jouent toute la journée la comédie. Des images découpées dans des magazines de stars des années 30 (Garbo, Dietrich, Crawford, Darrieux, Morgan) tapissent les murs et semblent observer l'étrange manège de ces deux marginales mi-clochardes, mi-aristos. Inactuel, le film l'est forcément puisqu'il aspire le spectateur dans une faille, un espace-temps séparé, celui du monde chimérique que se sont construit ces deux Marie-Chantal alcooliques qui ne vivent que pour faire des (belles) manières. Le film est un peu un anti- Qu'est-il arrivé à Baby Jane ? (Aldrich, 1962). Le vieillissement des actrices et le ratage des carrières ne deviennent jamais une soupe à l'amertume que le cinéaste touille avec cruauté. Au contraire, les rêveries à voix haute, les minauderies extatiques ouvrent sur un espace infini, un labyrinthe imaginaire où la vie et son reflet échangent leurs propriétés jusqu'à se confondre.

29. "Shoah", de Claude Lanzmann (1985) avec Jan Karski, Raul Hilberg, Inge Deutschkron, Paula Biren, Simon Srebnik

Trente ans après Nuit et brouillard, Claude Lanzmann refond entièrement l'appréhension cinématographique de la Solution finale. Aucune image d'archive des camps, pas de voix off ni de commentaire explicatifs. Juste la littéralité des lieux aux présent, où les stigmates de ce qui s'est joué s'effacent. Et la parole de ceux qui furent les acteurs de cet infernal théâtre où quelque chose de l'humanité s'est rompu. Plus de neuf heures, c'est le temps nécessaire pour que les images désertées par les faits et les mots arrachés au refoulement (celui des victimes, mais plus encore celui des bourreaux) peu à peu coïncident et fabriquent une image. Une image qui n'est pas sur l'écran, qui transcende toutes les procédures figuratives de la représentation. Une image qui, pour être seulement invoquée, n'en est pas moins terrassante.

30. "Les Deux anglaises et le continent", de François Truffaut (1971) avec Jean-Pierre Léaud, Kika Markham, Stacey Tendeter, Philippe Léotard

31. "Une partie de campagne", de Jean Renoir (1936) avec Sylvia Bataille, Georges Darnoux, Jacques Brunius, André Gabriello, Jane Marken, Georges Bataille

Un des quatre moyens métrages du top 100 (deux autres sont a peine plus bas, 34e et 42e) ; et le troisième dans le top 10). Et une des deux adaptations du même recueil de Maupassant ( La maison Tellier et autres nouvelles). Le sensualisme renoirien se déchaine dans ces ébats champêtres entre une jeune fille de bonne famille et un canotier cool. Les plantes et les êtres bourgeonnent conjointement ; les nuages et les corps exultent en ruisselant. Jamais un orage n'a été si bien filmé. A noter le tournage hyper jet-set a posteriori puisque les trois assistants de Renoir étaient les novices Luchino Visconti, Henri Cartier-Bresson et Jacques Becker. Et le jeune époux de l'actrice principale est passé sur le tournage le temps d'un cameo en tenue de séminariste. C'était Georges Bataille.

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32. "Hôtel des Amériques", d'André Téchiné (1981) avec Catherine Deneuve, Patrick Dewaere, Josiane Balasko, Etienne Chicot, Sabine Haudepin, Dominique Lavanant, François Perrot

Soit une femme toujours en imperméable vert, une amoureuse jamais remise d'un deuil, qui alterne pour tenir le coup les somnifères et les excitants, une maîtresse qui la nuit venue rejoint à l'hôtel des Amériques son nouvel amant, plus jeune qu'elle et au statut social très flou. Oublier ou se souvenir ? Rester ou partir à Paris ? Vivre à jamais avec un fantôme ou refaire sa vie ? Tout en valses hésitations, élans interrompus, mouvements inachevés, le film d'André Téchiné trouvait dans le printemps pluvieux de Biarritz l'écho merveilleux de sa mélancolie. Les cheveux un peu foncés, le visage nu, toute en tension rentrée, regards furtifs, understatement, Deneuve est sublime de bout en bout. Moins survolté que chez Corneau ou Blier, lesté par une tristesse congénitale, Dewaere n'a jamais été aussi émouvant.

33. "Lola", de Jacques Demy (1961) avec Anouk Aimée, Marc Michel, Alan Scott, Elina Labourdette

Un des cinq films classés de Demy. Deux sont beaucoup plus bas, et deux sont beaucoup plus haut. Et Lola entre, comme toujours. Entre une vie rêvée et une vie vécue, un amant français exilé en Amérique et un amant américain en transit à Nantes, entre des lignes de vie qui se croisent, entre son rôle de maman et celui d'entraineuse, entre le cinéma hollywoodien (le chapeau, la guêpière et le petit nom de Marlène) et la Nouvelle Vague (c'est Raoul Coutard, quelques mois apres A bout de souffle, qui l'inonde de lumière). Entre tout ça, c'est elle, c'est elle, Lola.

34. "Une sale histoire", de Jean Eustache (1977) avec Michael Lonsdale, Jean-Noel Picq, Françoise Lebrun, Virginie Thévenet, Jean Douchet

Si La Maman et la Putain est le sommet romanesque de l'œuvre d'Eustache, Une Sale histoire est son abîme. il y est question d'une histoire, moins sale que banale. Celle d'un type qui tous les jours se rend dans un bar pour observer le sexe des femmes aux toilettes par un trou creusé dans la cloison. L'histoire est racontée deux fois. La première fois, sur un mode fictionnel, par un comédien (Lonsdale). La seconde fois, sur un mode documentaire, par un ami du cinéaste, qui a vécu l'histoire (ou l'invente). En plaçant la reproduction avant l'original, Eustache organise une remontée vers les origines, un véritable striptease de la fiction, une scénographie du dévoilement jusqu'au trou originel où on verrait le réel à poil. C'est l'acte même de représentation qui se donne ici à voir par son sexe.

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35. "Le Plaisir", de Max Ophuls (1952) avec Danielle Darrieux, Jean Gabin, Madeleine Renaud, Simone Simon, Gaby Morlay, Claude Dauphin, Daniel Gélin, Jean Servais, Pierre Brasseur, Paulette Dubost

Maupassant encore. Au naturalisme puissant de Renoir répondent les arabesques enivrantes et artificieuses d'Ophuls (ah cette maison Tellier, ruche vibrionnante dont la caméra ne filme l'agitation que de l'extérieur, en jonglant d'une fenêtre à l'autre). D'un casting absolument royal, on isolera les prestations renversantes de Darrieux en Madame Rosa, qui entrevoit avec vague-à-l'âme, le temps d'un dimanche à la campagne, une vie alternative à celle, entre soie et champagne, de travailleuse du sexe entre soi, et de Gabin, irrésistible en paysan mature soudainement pris d'une démangeaison de tout son corps et d'un grand affolement gesticulatoire au contact des pensionnaires de la maison Tellier. Un des trois Ophuls dans le top 100. Les deux autres son plus haut (voire très haut pour l'un d'eux).

36. "Du Côté d'Orouët", de Jacques Rozier (1970) avec Bernard Menez, Daniele Croisy, Françoise Guégan, Caroline Cartier

Jacques Rozier est peut-être devenu le cinéaste le plus influent du jeune cinéma français. Sa façon très personnelle de nouer la comédie et le documentaire, l'écrit et l'impro, de dilater les scènes, sa fantaisie joyeuses, on en trouve les traces chez Sophie Letourneur, Guillaume Brac (qui fait même tourner Bernard Menez), Antonin Peretjatko, Justine Triet... Du Côté d'Orouet ou comment trois Parisiennes en vacances vont sadiser un dragueur maladroit, à la fois odyssée (2h30) et miniature (16mm, budget ric-rac, intrigue plus que ténue), est sa plus éclatante réussite.

37. "Le Diable probablement", de Robert Bresson (1977) avec Antoine Monnier, Tina Irissari, Henri de Maublanc

38. "Vivre sa vie", de Jean-Luc Godard (1962) avec Anna Karina, Sady Rebbot, André S. Labarthe, Jean Ferrat, Brice Parain

Anna joue le rôle de Nana. C'est un Anna-gramme, bien sûr. Et un référence à Zola. Mais si la Nana de Godard elle aussi se prostitue, elle n'aspire a aucune ascension sociale par la mise aux enchères de son corps ; elle n'a rien d'une aventurière. C'est une travailleuse. Donc, dans la France prospère du Gaullisme, une aliénée comme une autre. Dont la vie se résume à douze tableaux (tombeaux), douze rencontres chacune filmées avec un dispositif de mise en scène différent et sophistiqué. Jusqu'au plus brutal des champs/contrechamps : le visage de Nana Karina percute, sur un écran de cinéma, celui de Jeanne d'Arc de Dreyer. Le cinéma ou l'art de saisir une épiphanie sur un visage. Un gros plan est une affaire de miracles.

39. "French cancan", de Jean Renoir (1954) avec Jean Gabin, Françoise Arnoul, Maria Félix, Philippe Clay, Dora Doll, Giani Esposito, Gaston Modot, Michel Piccoli, Edith Piaf, Patachou, Rosy Varte, Jacques Jouanneau

Après une décennie d'exil hollywoodien, un tournage en Inde ( Le Fleuve) puis a Cinecitta ( Le Carrosse d'or), Renoir tourne à nouveau à Paris et rend hommage à un de ses symboles : Le Moulin Rouge. Gabin incarne un taulier obsédé par la réussite de ses spectacles, figure d'entrepreneur-artiste possédé, double possible du cinéaste. Flamboyant capitaine de navire, il emporte à son bord une petite blanchisseuse qui veut devenir une star, une star qui voudrait voir tous les hommes à ses pieds, un prince qui aime les danseuses, et les courants mélangés de la vie et de la représentation (l'une et l'autre se débordant sans cesse) font gravement tanguer le bateau.

40. "L'Argent", de Robert Bresson (1983) avec Christian Patey, Vincent Risterucci, Caroline Lang, Francois-Marie Banier, Vincent Dieutre

Adapté d'une nouvelle de Tolstoï, l'ultime œuvre du Maître. Un jeune homme est accusé à tort d'un trafic de faux billets. Un engrenage implacable, une véritable concaténation du mal, l'entraîne vers la chute. La mise en scène de Bresson, au top de l'ascétisme, est bien sur en homologie parfaite avec cette mathématique du pire : chaque plan tombe comme un couperet, chaque raccord est une porte claquée à la face du personnage effondré et celle du spectateur ébahi devant tant de terrassante maestria.

41. "Holy Motors", de Leos Carax (2012) avec Denis Lavant, Edith Scob, Kylie Minogue, Michel Piccoli, Eva Mendes, Elise Lhomeau

Carax nous invite à déambuler dans sa chapelle ardente. On y croise beaucoup de morts chéris : Beckett, Jean Seberg, King-Kong, les films anciens du cinéastes, une icône de Franju... Mais le saint mort parmi les saints, c'est surtout le cinéma, une certaine forme en tout cas, celle de l'enregistrement. L'animation numérique la cerne (sidérante séquence de combat en performance capture) et la possibilité d'un cinéma sans caméra se fait jour. C'est le côté jour de la Toussaint du film, visite à nos morts, jeu de l'oie parmi les tombes. Carax évoque le progressif estompement d'un certain agencement dans la façon d'arracher des images au monde que certains ont follement aimé sous le nom de "cinéma". Certes, mais si un jour prochain on n'entendra plus crier "moteur !", cela n'empêche pas le film de rétorquer avec vigueur : "action !" C'est la surprise miraculeuse du film : sa promenade parmi les vestiges anciens ne comporte aucune tonalité crépusculaire. La mélancolie est sans cesse dépassée par une force de proposition active stupéfiante. De station en station, la limousine d'Oscar (le génial Denis Lavant) substitue à chaque image qui disparaît une image neuve, tonique. Ce n'est pas le personnage qui bouge tout le temps, passe d'un rôle à un autre, c'est aussi le cinéaste qui fait son Fregoli, essaie toutes les formes qui peuvent l'être, très anciennes ou très contemporaines, comme si un film aujourd'hui ne pouvait plus être qu'un objet sauvagement composite. Holy Motors est un film de démonstration. Il trace les contours de tout ce que peut aujourd'hui le cinéma (ce qu'il en reste mais aussi ce qu'il est en train de devenir).

42. "Zero de conduite", de Jean Vigo (1933) avec Jean Dasté, Louis Lefebvre, Gérard de Bédarieux, Gilbert Pruchon

La fin des vacances, les derniers moments d'euphorie partagés dans le train qui ramène les pensionnaires au collège, la lourdeur répressive de l'enseignement et puis soudain, dans l'internat, la possibilité du chahut, de la révolte, un vent de panique et un anarchique nuage de plumes (bataille de polochons oblige). Les 40 minutes les plus insurrectionnelles du cinéma français.

43. "Pierrot le fou", de Jean-Luc Godard (1965) avec Jean-Paul Belmondo, Anna Karina, Raymond Devos, Samuel Fuller, Lazlo Szabo

Petite décote pour ce film longtemps perçu comme l'accomplissement indépassable de la première manière de Godard. Il n'arrive qu'en quatrième position des sept films classés du cinéaste dans notre top 100. Le film n'en est pas moins sublime. Comme la ligne de chance/ligne de hanche d'Anna Karina, la mer allée rimbaldiennement avec le soleil, le visage bleu Klein de Belmondo, un suicide à la dynamite.

44. "Loin de Manhattan", de Jean-Claude Biette (1981) avec Jean-Christophe Bouvet, Sonia Saviange, Howard Vernon, Laura Betti, Michel Delahaye, Noël Simsolo, Paulette Bouvet

Le film ne se passe pas presque entièrement sur des terrasses surplombant Rome, mais Paris. Le héros n'est pas un écrivain devenu journaliste mondain mais un critique d'art - tout aussi mondain. Les deux films moquent une petite communauté élitaire. Ce n'est pas le poussif et grandiloquent Grande Bellezza de Paolo Sorrentino, mais, sur un dispositif étonnamment proche, un film d'une grande beauté, mais infiniment plus tonique, Loin de Manhattan, le second long métrage facétieux de Jean-Claude Biette. Mais pourquoi le peintre René Dimanche a cessé de peindre pendant huit ans ? Avant de commencer votre enquête, reprenez donc un verre de bleuade.

45. "Baisers volés", de François Truffaut (1968) avec Jean-Pierre Léaud, Delphine Seyrig, Claude Jade, Michael Lonsdale, Harry-Max, Daniel Ceccaldi, Marie-France Pisier, Jacques Robiolles

46. "Que la bête meure", de Claude Chabrol (1969) avec Michel Duchaussoy, Caroline Cellier, Jean Yanne, Anouk Ferjac, Louise Chevalier, Maurice Pialat, Dominique Zardi

Et si les apparences n'étaient pas du tout trompeuses ? Si un salaud ressemblait vraiment à un salaud ? Le prodige chabrolien consiste à faire resurgir de l'ambiguïté (jusqu'au vertige) et de la complexité (jusqu'à l'inextricable) à partir d'un postulat presque agressivement manichéen. Jean Yanne trouve son premier rôle d'ordure grand format (en meurtrier accidentel d'enfant) auquel Michel Duchaussoy oppose un jeu tout en finesse (dans le rôle du père justicier). Un des deux films de Chabrol dans le top 100 (bah oui, c'est trop peu), tournés tous les deux la même année.

47. "Les Chansons d'amour", de Christophe Honoré (2007) avec Louis Garrel, Ludivine Sagnier, Chiara Mastroianni, Clotilde Hesme, Grégoire Leprince-Ringuet, Brigitte Rouan, Alice Butaud

48. "Le Fleuve", de Jean Renoir (1951) avec Nora Swinburne, Esmond Knight, Adrienne Corri, Arthur Shields

En Inde, dans une riche propriété anglaise, l'arrivée d'un jeune militaire électrise une petite communauté majoritairement féminine. Sur un procédé proche de La Règle du jeu (comédie des maîtres et des valets, unité de lieu domestique...), Renoir réalise un film absolument inverse, plus empathique que moqueur, plus apaisé que véhément. La rivalité amoureuse n'est pas si grave et les drames les plus épouvantables sont des plaies brûlantes déjà pansées par les cendres du temps, qui s'écoule aussi majestueusement que le Gange. Dans les années 2000, on aura vu deux fois revenir l'enfant, le serpent et le souvenir du Fleuve : dans Loin d'André Téchiné (2001) puis dans A bord du Darjeeling Limited de Wes Anderson (2007).

49. "Ma nuit chez Maud", d'Eric Rohmer (1969) avec Jean-Louis Trintignant, Françoise Fabian, Antoine Vitez, Marie-Christine Barrault.
Troisieme long-métrage de Rohmer, quatrieme conte moral (les deux premiers étaient des films courts), premier grand succès de l'ainé de la Nouvelle Vague, très en retard sur ses cadets en terme de reconnaissance. Un homme choisit de construire une vie telle qu'il la veut, en éradiquant toute possibilité de surprise, d'aléatoire, de surgissement. Mais les surprises font toujours retour. Et il suffit d'un mensonge par omission pour qu'une faute non commise allège une culpabilité non avouée. Un des plus beaux twists narratifs rohmériens.

50. "La Peau douce", de François Truffaut (1964) avec Françoise Dorléac, Jean Desailly, Nelly Benedetti, Daniel Ceccaldi, Maurice Garrel, Laurence Badie
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Françoise Dorléac venait de triompher dans L'Homme de Rio. La jeune femme était fantasque, drôle, piquante. Truffaut la transfigure et la prend dans les rets d'un de ses films les plus noirs. Tour à tour mystérieuse comme une héroïne d'Hitchcock, puis confondante de présence et de proximité comme Ingrid Bergman chez Rossellini, Dorléac trouve son rôle mythique. En homme engoncé emporté dans une passion plus grande que lui, Desailly est génial. L'intrigue la plus banale ouvre sur un abîme. Il n'y a pas d'amour, il n'y a que des crimes d'amour.

51. "Gueule d'amour", de Jean Grémillon (1938) avec Jean Gabin, Mireille Balin, René Lefevre, Jane Marken, Henri Poupon, Maurice Baquet

Au pic de leur carrière, les grands acteurs français deviennent de tels catalyseurs que plus un seul grand cinéaste ne peut penser l'époque sans cet indispensable outil qu'est devenu leur corps - leur voix, leur être au monde. Pour Léaud, ce moment se situe au tournant des années 60/70, pour Depardieu à celui des années 70/80. Et pour Gabin, c'est la seconde moitié des années 30. De la noirceur sociale de Duvivier, du réalisme poétique de Carné, de l'humanisme didactique de Renoir, Gabin est le ciment. La matière qui permet à tout cela de prendre. Tout cela, et aussi le romanesque déflationniste de Grémillon, cette zone où quelque chose du mythe de Gabin se dissout et se recompose. Dans Le jour se lève ou Quai des brumes, dans La Bandera ou La Belle Equipe, dans La Bête humaine (mais pas tout à fait La Grande Illusion), le pessimisme tenace des Carné et Duvivier, celui plus intermittent de Renoir, précipitent Gabin vers l'abîme. Sans pourtant jamais déparer de son prestige viril ce corps qui porte en lui toutes les aspirations d'un peuple. Dans Gueule d'amour, Grémillon effeuille pétale après pétale la corole de l'idole, jusqu'au plus total dénuement. Fier et fort dans sa tenue de légionnaire, au début du film, il termine le récit chancelant, tombé sur le front des passions amoureuses non réciproques. Il termine le film tremblant, affaibli, émasculé. La gueule d'amour a plus que la gueule de bois. C'est évidemment son plus beau rôle.

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52. "Les 400 Coups", de François Truffaut (1959) avec Jean-Pierre Léaud, Claire Maurier, Albert Rémy, Guy Decomble

Cinquante ans de jeunes-cinémas-français nous ont accoutumés à ces premiers films autobiographiques, où le cinéaste à peine éclos joint à sa première fois de cinéma le souvenir de toutes ses premières fois d'adulte en devenir. Certes, avant, il y avait eu Vigo (on reparle plus haut de Zéro de conduite). Mais le film qui fixe tous les contours du genre, le modèle canonique du premier film sur des premières fois, c'est Les 400 Coups. Si fréquemment copié, le film garde intacte son acuité à dire la douleur rentrée de vivre quand on a 14 ans. Et ce faisant continue à recruter des ados pour les convertir en cinéphiles.

53. "India Song", de Marguerite Duras (1975) avec Delphine Seyrig, Michael Lonsdale, Claude Mann, Didier Flamand

54. "Les Vampires", de Louis Feuillade (1915) avec Musidora, Edouard Mathé, Marcel Levesque

Une des deux séries du top 100. Mais celle-là précédait de plus de dix ans l'invention de la télévision. Un an après le triomphe de son Fantomas, Louis Feuillade pilote à nouveau pour la déjà toute-puissante Gaumont un nouveau feuilleton criminel. Mais au protéiforme Fantomas, il substitue la charnelle Irma Vep (Musidora), s'ébattant sur les toits de Paris moulée dans son justaucorps, des diamants chapardés plein les poches. Cent ans après, la fiction reste trépidante. Mais c'est la part de documentaire involontaire, propre à tout enregistrement cinématographique, qui avec le temps est devenue bouleversante. Tramé au haletant feuilleton policier, c'est le Paris de la Belle Epoque terrassé par la Première Guerre mondiale, ses rues parisiennes vidées, son métro encore juvénile, qui respire sous nos yeux.

55. "Trouble Everyday", de Claire Denis (2001) avec Béatrice Dalle, Vincent Gallo, Nicolas Duvauchelle, Tricia Vessey, Florence Loiret, José Garcia, Aurore Clément

Presque 100 ans après les Vampires de Feuillade, Claire Denis inocule un peu de l'esprit terrifique du serial dans son cinéma sensualiste esthète. Béatrice Dalle et Vincent Gallo campent des prédateurs aussi menaçants que mélancoliques, chassant au rythme des sublimes accords de cordes des Tindersticks.

56. "Maine-Océan", de Jacques Rozier (1986) avec Luis Rego, Bernard Menez, Yves Afonso, Lydia Feld, Rosa-Maria Gomes

Une danseuse brésilienne, une avocate, deux contrôleurs de la SNCF, un pêcheur un peu toqué... C'est la petite communauté humaine, joyeuse et dépareillée, furieusement désirante, qu'invente Rozier le temps d'une belle escapade. Dans l'extrait proposé ci-dessous, Bernard Menez, alors prince des hit-parades avec le hit Jolie poupée, interprète avec excellence une samba improvisée.

57. "L'amour l'après-midi", d'Eric Rohmer (1972) avec Zouzou, Bernard Verley, Francoise Verley, Daniel Ceccaldi

La dernière pièce du premier cycle rohmérien, Les Contes moraux. Et comme dans tous les Contes moraux, un homme engagé auprès d'une femme hésite à entamer une liaison avec une autre puis se rétracte, dans une ultime volte-face où la poltronnerie, la sagesse et l'égoïsme sont indémêlables. La seconde femme, c'est Zouzou, et l'icone sixties déja un peu fatiguée, bouleverse en aventurière cabossée. Sa grâce androgyne, sa lassitude blessée créent un modèle sans précédent ni descendance d'héroïne rohmérienne. Un des quatre Rohmer (oui seulement!) du top 100. Moins que Godard, Demy ou Truffaut. Pareil que Rivette. Mais avec un film dans le top 5...

58. "Le Samouraï", de Jean-Pierre Melville (1968) avec Alain Delon, François Périer, Nathalie Delon, Cathy Rosier, Catherine Jourdan

Melville a infligé au cinéma de genre - en l'occurrence le film policier - le même traitement que Bresson avait infligé au réalisme : raidissement des postures, raréfaction du langage, fragmentation des gestes, hypertrophie fétichiste des détails. Le samouraï, en 1968, est à la fois son premier film en couleurs, son premier film avec son modèle favori, Alain Delon, et le premier sommet de sa veine hyper maniériste. Le mieux classé des trois films de son auteur, le seul de son interprète principal. Eh oui, avec un score de quatre films contre un, Bebel bat ici à plates coutures son ancestral rival Delon.

59. "Au hasard Balthazar", de Robert Bresson (1966) avec Anne Wiazemsky, François Lafarge, Pierre Klossowski

La noirceur et la misère de l'homme réfléchies dans l'œil insondable d'un âne, corvéable à merci, idéal objet d'expiation de toutes les souffrances. Liée à l'âne, une jeune fille, dont le parcours est également jonché d'épreuves. Un conte philosophique éloquent, âpre et nu comme une église romane.

60. "Le Carrosse d'or", de Jean Renoir (1953) avec Anna Magnani, Duncan Lamont, Paul Campbell

Une troupe de Commedia dell'arte débarque en Amérique latine pour une grande tournée. Les hommes tournoient autour de la Périchole, la star de troupe, dont l'art expert consiste à ce que nul ne sache où la représentation commence et s'abolit. Autour d'elle, un roi, un torero, un arlequin, un aventurier s'agitent en une drolatique danse de la séduction. Et Renoir, de retour en Europe (mais pas encore en France puisque le film fut tourné et coproduit en Italie) déploie et rétracte en grand prestidigitateur les scènes enchâssées du théâtre et de la vie.

61. "La Vie d'Adèle", d'Abdellatif Kechiche (2013) avec Adèle Exarchopoulos, Léa Seydoux, Salim Kechiouche, Aurélien Recoing, Jérémie Laheurte

On ne présente pas le hit art et essai de l'année, palme d'or et son actrice césarisée. Un des deux films de l'année 2013 classés dans le top 100 (l'autre est sensiblement plus haut). Et le seul de son auteur, malgré plusieurs citations de L'Esquive et de La Graine et le Mulet dans les classements individuels.

62. "Mauvais sang", de Leos Carax (1986) avec Juliette Binoche, Denis Lavant, Michel Piccoli, Serge Reggiani, Julie Delpy

Un jeune homme de 25 ans télescope, au cœur des années 80, le réalisme poétique des années 30, l'intimisme godardien de la période Karina et la sophistication clippée d'époque. La Nouvelle Vague rencontre MTV, le visage iconisé de Binoche s'ouvre sur un continent intérieur et une génération entière rêvera de courir dans les rues au son du Modern Love de Bowie (Noah Baumbach s'en souvient encore dans Frances Ha). Depuis, le jeune homme fiévreux est devenu l'ermite le plus secret du cinéma français et n'a réalisé que trois autres films en presque 30 ans. L'un d'eux est plus haut encore dans ce classement.

63. "Toni", de Jean Renoir (1935) avec Charles Blavette, Andrex, Edouard Delmont

Un film noir américain exposé à la lumière irradiante du Midi et au souffle d'un réalisme social aux confins du documentaire. C'est Toni, peut être le premier film français à travailler de cette façon le corps social national, ses différentes couches d'immigration, son nuancier subtil de classes (de la toute petite bourgeoisie aux différentes states du prolétariat). Amaigri et plus sombre que chez Pagnol son mentor, Blavette campe une figure bouleversante de héros du peuple sacrificiel. Il est présent dans trois autres films du top 100 ( Angèle de Pagnol, Remorques de Grémillon, Les Yeux sans visage de Franju), et aussi, presque toujours comme second rôle, dans de nombreux autres fleurons du cinéma français : L'Etrange Monsieur Victor et Lumière d'été de Grémillon, Le Schpountz, Regain et La Femme du boulanger de Pagnol, La Marseillaise et Le Déjeuner sur l'herbe de Renoir, Quai des Orfèvres de Clouzot...

64. "Sans soleil", de Chris Marker (1982) avec la voix de Florence Delay
65. "Histoire(s) du cinéma", de Jean-Luc Godard (1988-1998)
Les images sont documentaires, mais la fiction se fait entendre par la voix. La voix off d'une femme, Florence Delay (la Jeanne d'Arc de Bresson), qui lit les lettres d'un reporter cameraman qui lui donne des nouvelles du monde au gré de ses voyages. Et se chevauchent des images du quotidien de deux populations : celle du Cap-Vert et celle du Japon. La pauvreté et la croissance. Deux pôles opposés de la vie sur terre.

66. "La Sirène du Mississippi" de François Truffaut (1969) avec Jean-Paul Belmondo, Catherine Deneuve, Michel Bouquet, Nelly Borgeaud

Un thriller sombre et romantique de William Irish, un duo de stars au top de leur beauté et leur glamour, cette Sirène avait tout pour plaire, mais ne remporta à sa sortie qu'un demi-succès (plus d'un million d'entrées tout de même). Peut-être que les admirateurs de Belmondo furent désarçonnés de voir sa prestance gouailleuse méthodiquement déminée. Tour à tour délicat, candide, rougissant, tourmenté, Bebel est filmé comme une jeune fille - dans la lignée du Gabin dépressif et dévirilisé de Gueule d'amour. La brutalité, la sauvagerie, la violence, c'est Deneuve qui l'incarne. Tandis que Truffaut libère dans cette histoire d'amour fou et destructeur son romantisme le plus sombre. L'amour est une pathologie très grave. C'est une souffrance bien sûr. Mais le pire, c'est que c'est aussi une joie.

67. "Un condamné à mort s'est échappé" de Robert Bresson (1956) avec François Leterrier, Charles Le Clainche, Maurice Beerblock, Roger Planchon

Un peu plus de dix ans après la Libération, Bresson adapte les souvenirs de captivité d'un résistant incarcéré à Lyon qui échappe à la peine de mort en s'évadant. Le film joint l'hyper concret (le détail analytique de toutes les opérations, de tout le protocole, de tous les gestes nécessaires à la réussite de l'évasion) et le hautement spirituel (conflit moral quant à la nécessité de se débarrasser d'un codétenu, dialogue récurrent avec un prêtre). Le film a obtenu le Prix de la mise en scène au Festival de Cannes.

68. "Le Pont du Nord" de Jacques Rivette (1981) avec Bulle Ogier, Pascale Ogier, Pierre Clémenti, Jean-François Stévenin

Bulle Ogier reprend un de ses anciens personnages, mais écrit par un autre cinéaste, Rainer Werner Fassbinder. Elle est à nouveau Marie, une ancienne terroriste. Elle sort de prison, ne sait que faire ni où aller dans un monde en fin de transformation : fin du giscardisme, élection de Mitterrand, solde définitif de tous les rêves révolutionnaires. Pour survivre, il lui faut un guide, une étrange fille, aguerrie comme un soldat au monde moderne, une créature post-punk qui sait qu'il n'y a plus de futur, Pascale Ogier (fille de Bulle et comète fulgurante du cinéma des années 80). C'est Don Quichotte à Paris (un Paris-chantier en proie à une révolution urbaniste), c'est du Rivette froid et sec, sans la drôlerie charmeuse de ses chefs-d'œuvre seventies. Un grand film cold wave.

69. "Le Trou" de Jacques Becker (1960) avec Philippe Leroy-Beaulieu, Jean Keraudy, Marc Michel, Michel Constantin, Paul Préboist

L'autre grand film d'évasion du classement avec Un condamné à mort s'est échappé (car, pourquoi le cacher plus longtemps, La Grande Illusion a été boudé par ce top 100 - blasphème! - et La Vache et le Prisonnier aussi !). Le Trou est l'ultime film de Jacques Becker, qui meurt à la fin du montage. C'est aussi le plus beau. Un jeune prisonnier (Marc Michel, juste avant Lola) est affecté dans une nouvelle cellule et découvre que les occupants fomentent leur évasion. Des liens se nouent, de la suspicion aussi. La plus grande attention est accordée aux préparatifs, au labeur, aux complications, mais à l'ascèse formelle bressonienne, Becker oppose un goût de la peinture de caractère et de l'identification aux personnages, un réalisme psychologique en profondeur qui rend palpitantes les avanies de cette petite communauté humaine. Avec Falbalas (93e), Le Trou est un des deux films classés de Jacques Becker (car dans la série "nous ne respectons rien", Casque d'or n'a pas non plus réussi a se faufiler dans le top 100).

70. "Adieu Phillippine", de Jacques Rozier (1962) avec Jean-Claude Aimini, Yveline Cery, Stéfania Sabatini, Maurice Garrel.

Deux ans avant Les Parapluies de Cherbourg, un film commençait déjà par la mobilisation d'un jeune homme pour la Guerre d'Algérie. Pour lui en revanche, la nouvelle ne marque pas le coup d'arrêt d'une histoire d'amour. C'est l'occasion au contraire de faire le zouave pendant quelques jours en Corse avec deux filles drolatiques, draguées a l'occasion. Imprévisible, euphorisant, invraisemblablement juvénile et vivant, un des films les plus chimiquement purs de l'esthétique Nouvelle Vague.

71. "Rois et Reine", de Arnaud Desplechin (2004) avec Mathieu Amalric, Emmanuelle Devos, Catherine Deneuve, Hippolyte Girardot, Magali Woch, Jean-Paul Roussillon, Maurice Garrel, Noémie Lvovsky

72. "Mes petites amoureuses", de Jean Eustache (1974) avec Martin Loeb, Jacques Romain, Jacqueline Dufranne, Ingrid Caven, Maurice Pialat

Dans la foulée du succès générationnel de La Maman et la Putain, Eustache décrit l'éveil amoureux et sexuel d'un adolescent déraciné. Une chronique rêche, probablement marquée par le souvenir de L'Enfance nue de Maurice Pialat, qui apparaît justement dans le film. Un des trois films d'Eustache dans le top 100.

73. "L'Armée des ombres", de Jean-Pierre Melville (1969) avec Lino Ventura, Simone Signoret, Claude Mann, Paul Meurisse, Jean-Pierre Cassel, Serge Reggiani, Paul Crochet, Alain Libolt

Les agissements puis le démantèlement d'un réseau de résistants dans la France occupée de 1942. La stylisation tout en métonymie de Melville sied idéalement aux actions clandestines de la Résistance et à la traque nazie. Elle donne aussi un relief saisissant aux fugitives scènes de torture. La glaciation melvillienne atteint son plein régime. Le tracé est net mais le sens suspendu. Comme cet ultime regard à la fois interrogatif et perplexe de Signoret lorsque ses complices l'abattent.

74. "Les Dames du bois de Boulogne", de Robert Bresson (1945) avec Maria Casares, Paul Bernard, Elina Labourdette, Jean Marchat, Lucienne Bogaert

Inspiré d'un fragment de Jacques le fataliste de Diderot, dialogué par Cocteau - qui pique pour l'occasion au poète Pierre Reverdy la célèbre formule " Il n'y a pas d'amour, il n'y a que des preuves d'amour", Les Dames du bois de Boulogne, c'est déjà du Bresson mais pas encore complètement ce qu'il baptisera du "cinématographe". La mise en scène est d'une sophistication éblouissante mais elle n'accomplit pas encore le saut représentatif (vers l'abstraction, l'anti-naturalisme) mis en place dès le film suivant ( Journal d'un curé de campagne en 1951). Le film appartient encore un peu au reste du cinéma français, en partage encore ses stars. Et Maria Casarès, qu'on pouvait voir au meme moment dans Les Enfants du Paradis, est géniale. On retrouvera la jeune Elina Labourdette seize ans plus tard en bourgeoise middle age un peu folle dans Lola de Jacques Demy - adorateur absolu de ces Dames du bois de Boulogne.

75. "L'Amour d'une femme", de Jean Grémillon (1953) avec Micheline Presle, Massimo Girotti, Gaby Morlay, Julien Carette, Roland Lesaffre
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Le dernier film de Jean Grémillon et un des plus beaux - en tout cas des plus émouvants. Dix ans après Le ciel est à vous et son personnage de femme d'abord discrète (Madeleine Renaud) gagnée tardivement par le virus de l'aviation et faisant tomber des records, Jean Grémillon, le plus féministe des cinéastes français de l'âge classique, explore encore le motif de l'héroïsme féminin et la faible tolérance de la société à son endroit. Micheline Presle campe une jeune femme médecin qui s'installe à l'île d'Ouessant et peine à se faire accepter par une population habituée à confier sa santé à une figure masculine. Et lorsque finalement, grâce à des exploits, la foule la portera en triomphe, elle perdra au change l'amour. Micheline Presle est parfaite en médecin téméraire, mais c'est surtout Gaby Morlay qui ramasse la mise en vieille instit qui en sait long sur la vie.

La semaine dernière, l'Académie des César délivrait son premier verdict sur la livraison du cinéma français de l'année passée. En attendant le second tour, nous avons eu envie de voir plus grand et de confectionner dans notre coin le top 100 des plus beaux films français ever.

Bien sûr, il a fallu en passer par un arrachage de cheveux collectif, des tergiversations sans fin ("T'es sûr que Le Fleuve de Renoir est un film indien?", "si Stromae le Belge est nommé aux Victoires de la musique, je ne vois pas pourquoi je mettrais pas Chantal Akerman dans un top de films français"), des menaces anonymes taguées sur les ordis du bureau ("si tu mets pas Madame de, t'es viré"), des accès de snobisme insensés ("Le plus grand film d'Alain Resnais est Le chant du Styrène, j'te jure !", "il me reste qu'une place et j'hésite entre Le Camion de Duras ou OSS 117. Enfin, le second, Rio ne répond plus bien sûr : il est infiniment supérieur au premier" ou encore "mais j'adore vraiment L'Arrivée d'un train en gare de La Ciotat, je trouve ça génial, sérieux !"), des tractations sournoises ("OK, j'enlève un Rohmer, si tu ajoutes un Demy"), voire d'odieux relents d'esprit Dieudonné ("Shoah, Le Chagrin et la Pitié, Nuit et Brouillard, La Grande Vadrouille... tu pourrais pas mettre un film qui parle pas de la Seconde Guerre mondiale ?")... Au bord de l'exténuation, nous sommes toutefois parvenus à un classement général, synthétisant les classements individuels de chaque critique cinéma des Inrocks.

Dans ce premier post, et dans un souci de maximalisation insoutenable du suspense, nous vous livrons les 25 derniers du top 100, de la place 76 à la place 100. Nous y croiserons pêle-mêle un anneau de fiançailles enfoui dans un gâteau, des tournesols peints, un mannequin de cire en robe de mariée, un cardinal qui adore le jardinage et une jeune actrice qui avale des bris de verre quand elle tombe amoureuse.

76. "Le Deuxième Souffle", de Jean-Pierre Melville (1966) avec Lino Ventura, Paul Meurisse, Christine Fabréga et Raymond Pellegrin

Un truand qui ne transige pas avec son code d'honneur, un commissaire opiniâtre à la Javert, un casse qui tourne mal... Melville rompt avec la tradition mi-réaliste mi-pittoresque du cinéma criminel français et met en place son système formel fait d'épure et de stylisation glacée (sans atteindre encore les cimes de fantomisation du monde de ses films suivants). Un film encore hybride, porté par un Ventura à son meilleur. Un des trois films de Melville classé dans ce top 100 (les deux autres sont plus haut). A ne pas confondre avec le remake gênant qu'en a tiré 40 ans plus tard Alain Corneau, avec Auteuil, Cantona et Dutronc.

77. "Choses secrètes", de Jean-Claude Brisseau (2002) avec Sabrina Seyvecou et Coralie Revel

Deux jeunes femmes s'évadent de leur condition sociale et gravissent les échelons de la société en usant de leurs appas sexuels. Mais ceux qui tiennent les ficelles du jeu social ne feront qu'une bouchée de leur cynisme naïf. Un conte moral, croisant Sade et Hitchcock, où la mise en scène de Brisseau déploie toute sa puissance d'embrasement. Le seul film du cinéaste dans le top 100 général (mais Noce blanche et Un Jeu brutal ont été cités dans plusieurs classements individuels).

78. "La Maison des bois", de Maurice Pialat (1971) avec Pierre Doris, Jacqueline Dufranne, Agathe Nathanson et Fernand Gravey

Eh oui ! Le 78e plus beau film français est une série télé. Une série en sept épisodes diffusée sur la deuxième chaîne de l'ORTF en septembre et octobre 1971. A cette époque, Pialat, pourtant presque quinquagénaire, n'avait réalisé qu'un long métrage, L'Enfance nue, qui n'avait obtenu qu'un succès d'estime. Il faudra attendre l'année suivante et le triomphe de Nous ne vieillirons pas ensemble pour qu'il devienne un des ténors du cinéma français. Cette fresque historique de la Première Guerre mondiale comporte certaines des plus belles scènes qu'il ait jamais tournées.

79. "Angèle", de Marcel Pagnol (1934) avec Orane Demazis, Fernandel, Edouard Delmont, Jean Servais, Charles Blavette, Henri Rellys

Après avoir délégué la réalisation de l'adaptation triomphale de ses pièces Marius et Fanny (à Alexandre Korda puis Marc Allégret), et avant de mettre en scène lui-même le troisième épisode ( César), Pagnol révèle un talent hors pair de cinéaste avec ce mélo très noir adapté de Giono. Orane Demazis, au jeu si particulier et poignant, y incarne une jeune fille poussée à la prostitution par un amant vénal puis séquestrée par son père. Mais heureusement, il y a Fernandel, génial Sganarelle méridional. Gros sanglots assurés.

80. "Sauve qui peut (la vie)", de Jean-Luc Godard (1980) avec Isabelle Huppert, Jacques Dutronc, Nathalie Baye

Après douze ans de cinéma militant puis expérimentations vidéo hors des circuits traditionnels, Godard revient au cinéma "commercial" (disons distribué dans des salles) de fiction (presque narratif, mais à sa façon) et avec vedettes (Huppert, Dutronc, Baye, tous trois magnifiques). Godard scrute le monde d'après. D'après les utopies révolutionnaires, d'après la croissance et le plein emploi, un monde froid et marchand, où le corps humain est un produit comme un autre. Et pour mieux décomposer ce monde en déliquescence, il ne fallait pas moins que les plus beaux ralentis de l'histoire du cinéma.

81. "Comment je me suis disputé (ou ma vie sexuelle)", d'Arnaud Desplechin (1996) avec Mathieu Amalric, Emmanuelle Devos, Jeanne Balibar, Marianne Denicourt, Emmanuel Salinger, Chiara Mastroianni, Denis Podalydès

L'histoire d'un prof de fac a mi-temps qui avait le sentiment de n'avoir qu'une moitié de vie. L'histoire de sentiments suspendus entre trois femmes et trois figures désirées ou désirantes. L'histoire d'une thèse qui ne s'écrit pas. L'histoire d'une rivalité mimétique obsédante avec un double bouffon. Une polyphonie d'histoires dans un film au romanesque touffu qui a frappé de plein fouet une génération et continue d'exercer sur les suivantes son charme magnétique.

82. "Le Charme discret de la bourgeoisie", de Luis Buñuel (1972) avec Fernando Rey, Delphine Seyrig, Stéphane Audran, Jean-Pierre Cassel, Bulle Ogier, Claude Piéplu, Michel Piccoli

Quoi de plus contrariant pour la bourgeoisie qu'un dîner sans cesse repoussé ? C'est l'argument ténu d'un étourdissant marabout'd'ficelle signé Buñuel et son scénariste Jean-Claude Carrière. Le théâtre social policé de la France pompidolienne, représentée par ses plus brillantes vedettes (qui s'amusent beaucoup), y connaît de furieux dérèglements. Un délire total ordonné avec la précision et la rigueur d'un jardin à la française. Facétieux et irrésistible.

83. "Peau d'âne", de Jacques Demy (1970) avec Catherine Deneuve, Jean Marais, Jacques Perrin, Delphine Seyrig, Micheline Presle, Fernand Ledoux

Depuis 40 ans, les ébats œdipiens de la princesse travestie en peau d'âne subjuguent les générations successives des enfants de France. Une pincée d'hommage à Cocteau, une louche de Psychanalyse des contes de fée, un souffle d'obsessions personnelles (l'inceste), un bout de cake d'amour, une fée à la voix ensorceleuse de Delphine Seyrig et un doigt de Catherine Deneuve, la recette est parfaite et parfaitement exécutée.

84. "Van Gogh", de Maurice Pialat (1991) avec Jacques Dutronc, Bernard Le Coq, Alexandra London, Elsa Zylberstein

Dutronc idéal en Van Gogh ou Van Gogh génial dans le rôle de Jacques Dutronc ? Le naturalisme à base d'osmose entre personne et personnage propre à Pialat s'éploie en pleine lumière de l'Ile-de-France. Sur un destin très dur, un des films paradoxalement les plus doux de son auteur. Un des quatre films de Pialat dans le top 100.

85. "Mon oncle", de et avec Jacques Tati (1958) avec Jean-Pierre Zola et Adrienne Servantie

A l'aube du gaullisme présidentiel, Tati représente la France traditionnelle et populaire d'avant-guerre larguée dans la grande transformation des 30 glorieuses, sa croissance vertigineuse et sa course à la consommation. Mais l'horreur moderne (cette villa Arpel invivable) est dotée néanmoins d'une grâce cinégénique inouïe. Prix spécial à Cannes en 1958, Oscar du meilleur film étranger, le film est un des deux films de Tati du top 100 (l'autre est beaucoup plus haut).

86. "L'Année dernière à Marienbad", d'Alain Resnais (1961) avec Delphine Seyrig, Sacha Pitoef, Giorgio Albertazzi

Après Duras ( Hiroshima, mon amour), Robbe-Grillet. Alain Resnais catapulte le Nouveau Roman au cœur d'un cinéma français lui-même en grand chambardement. Des couloirs, des miroirs, Seyrig sublime dans ses robes Chanel (prime à celle au col de plumes), des travellings fous et des jardins labyrinthes qui préfigurent le Shining de Kubrick, un jeu de société avec des allumettes qui rend fou et une histoire si alambiquée que personne ne l'a jamais comprise.

87. "Remorques", de Jean Grémillon (1941) avec Jean Gabin, Michèle Morgan, Madeleine Renaud, Fernand Ledoux

88. "Esther Kahn", d'Arnaud Desplechin (2000) avec Summer Phoenix, Ian Holm, Frances Barber, Fabrice Desplechin, Emmanuelle Devos

89. "L'Amour fou", de Jacques Rivette (1969) avec Bulle Ogier, Jean-Pierre Kalfon

Quatre heures douze. Il n'en faut pas moins à Jacques Rivette pour scanner la dislocation d'un couple, la dislocation d'un psychisme aussi. Celui de Claire (Bulle Ogier), une comédienne dirigée par son compagnon Sébastien (Jean-Pierre Kalfon). Il ne faut presque rien, un léger dérapage lors d'une répétition, pour qu'un lien se défasse. Un lien conjugal, un lien social, puis les liens de la raison dans leur ensemble. Pendant 4 heures 12, Claire plonge et Rivette fait de ce chemin vers la catatonie une odyssée. Un des quatre films du cinéaste classé dans ce top 100.

90. "Faisons un rêve", de et avec Sacha Guitry (1936) avec Raimu, Jacqueline Delubac, Arletty, Michel Simon, Marguerite Moreno

Un homme qui a découché cherche un alibi auprès de son avocat, dont il ignore qu'il a lui-même passé la nuit avec son épouse. Un mari, une femme, tous deux infidèles et cocus, l'alibi du premier qui est l'amant de la seconde, et le mensonge généralisé, comme un sport de riche, acrobate et badin. Toute la légèreté du théâtre de Guitry alliée à son intelligence minimaliste de la mise en scène de cinéma. Avec en prime un face-à-face savoureux entre un Raimu arraché à sa zone de confort de gouaille pagnolesque et un Guitry toujours inégalable dans le port élégant de la robe de chambre pour homme.

91. "La Femme infidèle", de Claude Chabrol (1969) avec Michel Bouquet, Stéphane Audran, Maurice Ronet

Une femme, son mari, son amant, mais la circulation entre les trois est moins réjouissante et libertine que chez Sacha Guitry (que Chabrol pourtant adorait). Les liens chez Chabrol sont le plus souvent de sang et le crime devient l'inattendue relance de l'amour conjugal. Le film fait peur, dans sa façon de scruter la monstruosité tapie dans la plus parfaite normalité, de mettre à jour la joie barbare du sacrifice. Mais la peur est érogène. Et le regard de Chabrol sur son égérie et compagne Stéphane Audran n'a jamais été aussi désirant.

92. "La Chamade", d'Alain Cavalier (1968) avec Catherine Deneuve, Michel Piccoli, Roger Van Hool, Amidou

Françoise Sagan était déjà la chroniqueuse privilégiée des états d'âme d'une nouvelle bourgeoisie oisive et frivole qui n'avait pas connu la guerre, Catherine Deneuve, de pied en cap en Saint Laurent, était déjà la plus belle actrice de France et l'icône du cinéma d'auteur, Piccoli avait toujours son impeccable détachement. Mais Alain Cavalier, lui, n'avait pas encore accompli la mue qui le mènerait à se défaire de tous les oripeaux du cinéma traditionnel pour filmer seul en petite caméra. La Chamade appartient à la partie reniée de son œuvre. Cette étude fouillée des contradictions du désir est pourtant un bien beau film.

93. "Falbalas", de Jacques Becker (1945) avec Micheline Presle, Raymond Rouleau, Jean Chevrier, Gabrielle Dorziat, Jeanne Fusier-Gir

Un homme tombe amoureux d'une créature qui ressemble à ses créations. L'argument ressemble à de la littérature gothique, entre Mérimée ( La Vénus d'Ille) et Villiers de l'Isle-Adam ( L'Eve future), mais Jacques Becker lui donne sa forme contemporaine dans une France, qui après la fortune internationale de Chanel et Poiret et celle encore en germe de Christian Dior, a fait de la haute couture un mythe national. Raymond Rouleau incarne donc un génie de la mode autodestructeur, dont la perte prend les traits d'une innocente jeune fille, sosie du mannequin de cire que lequel il taille ses robes. Un belle histoire de damnation - et accessoirement le film préféré de Jean Paul Gaultier.

94. "La Baie des anges", de Jacques Demy (1963) avec Jeanne Moreau, Claude Mann, Paul Guers

Jeanne Moreau, reconfigurée en Marilyn (décolorée et vêtue d'une sublime robe Cardin reproduisant les étranges motifs floraux de la robe de Marilyn dans Something's Got to Give), sillone les casinos de la Côte d'Azur, pour jouer jusqu'à son dernier centime en poche. Superbe portrait d'une picaresque aventurière, dont l'addiction est une forme de liberté paradoxale. Un conte amer, où la part d'enchantement propre à Demy est éradiquée. Un des cinq films du cinéastes dans le top 100.

95. "Une femme est une femme", de Jean-Luc Godard (1961) avec Anna Karina, Jean-Paul Belmondo, Jean-Claude Brialy, Marie Dubois, Jeanne Moreau.

96. "Dieu seul me voit", de Bruno Podalydès (1998) avec Denis Podalydès, Jeanne Balibar, Michel Vuillermoz, Jean-Noel Brouté, Daniel Ceccaldi, Isabelle Candelier

Il s'appelle Albert Jeanjean et ne sait jamais ce qu'il fait. A peine entrevoit-il les contours d'une décision, que toutes ses facultés mentales quittent brutalement leur orbite pour lui faire adopter un point de vue strictement inverse. Difficile de s'engager dans la vie avec une boussole aussi peu sûre. Dans la famille du jeune cinéma français introspectif et existentiel des années 90, Desplechin fut le surdoué et Podalydès le petit cousin un peu pitre. Mais ses facéties irrésistibles n'excluaient pas une élégance de trait et une sensibilité hors pair.

97. "Le Sauvage", de Jean-Paul Rappeneau (1975) avec Catherine Deneuve, Yves Montand, Luigi Vannucchi, Tony Roberts

Rappeneau, grand couturier de la comédie populaire française, genre davantage propice au discount grossier qu'à la confection raffinée. Yves Montand, parfait en grand singe hirsute, et Deneuve, chahutée comme jamais, rejoue sous les tropiques une hilarante guerre des sexes d'ascendance hawksienne. Etincelant de bout en bout.

98. "Travolta et moi", de Patricia Mazuy (1993) avec Leslie Azoulay, Julien Guerin, Thomas Klotz

L'adolescence est moins une transition que le contact furieux de deux états contradictoires. Ce choc entre deux états, Patricia Mazuy, cinéaste trop rare, et néanmoins précieuse ( Peaux de vaches, Saint-Cyr) le projette à chaque strate du film : il y a l'enfance et l'âge adulte, le disco (les Bee Gees dans la première partie) et le punk (les Clash à la fin), le feu (du fourneau de la boulangerie des parents) et la glace (de la patinoire), la colère et l'amour, Travolta et moi. Peut-être le plus beau film ever sur ce spasme inouï et ininterrompu, ce chaud et froid permanent qu'est l'expérience adolescente.

99. "Corps à cœur", de Paul Vecchiali avec Hélène Surgère, Nicolas Silberg, Madeleine Robinson, Sonia Saviange

La passion d'une jeune garagiste et d'une pharmacienne mûrissante qui se dérobe à lui. Sublime et sublimation. Vecchiali ressuscite le mélodrame populaire des années 30 avec une ferveur de grand croyant.

100. "L'Apollonide", de Bertrand Bonello avec Noémie Lvovski, Adèle Haenel, Hafsia Herzi, Judith Lou Lévy, Jacques Nolot, Jasmine Trinca, Esther Garrel
Le classement a été établi par Philippe Azoury, Emily Barnett, Romain Blondeau, Frédéric Bonnaud, Luc Chessel, Amélie Dubois, Hélène Frappat, Julien Gester, Jacky Goldberg, Olivier Joyard, Serge Kaganski, Jean-Marc Lalanne, Jean-Baptiste Morain, Vincent Ostria, Olivier Père, Théo Ribeton, Axelle Ropert, Léo Soesanto Les notules des films sont rédigées par Jean-Marc Lalanne
De la prostitution, un dicton populaire affirme qu'il est le plus vieux métier du monde. Pour une fois, ça se voit. On ne voit même que ça. Bonello filme une fatigue qui n'a plus d'âge, remonte à des millénaires. Le poids de toutes les passes depuis l'aube de l'humanité semble peser sur chaque geste alangui des pourtant si jeunes pensionnaires de l'Apollonide. Un grand film toxique et suave.

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Le top 100 des plus beaux films français (l'intégrale)

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Après d'intenses débats, le service cinéma des Inrocks a réussi à établir la liste des 100 plus beaux films français. On vous dévoile l'intégralité de ce classement. Le top 100 des meilleurs films français ever, suite et fin.

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