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A lo largo de la historia, la mujer y su rol en la sociedad ha ido cambiando, sin embargo, ese cambio no ha dejado atrás la visión de la mujer como un ser en función de su cuerpo. En otras palabras, la mujer siempre ha sido percibida como un objeto sexual, de procreación y sensualidad. Esta visión no solo se puede ver reflejada en una época en específico o territorio, es una concepción que abarca diferentes campos, ya sean sociales, políticos, culturales y temporales. En la historia del arte es posible contemplar esta idea ya sea en el arte prehistórico como en el arte moderno o en las distintas culturas orientales y occidentales.

Personalmente, como mujer considero importante resaltar la figura femenina en el arte y la percepción de ella como objeto y no como sujeto pensante, creativo e intelectual. Al reconocer y visualizar ese concepto de la mujer como objeto erótico, decorativo y de inspiración en los diferentes registros artísticos se podrá tener más evidencia y soporte para promover una nueva visión igualitaria con respecto a la mujer. Puesto que a pesar de las diferentes luchas que han surgido alrededor del tema, sigue siendo un prejuicio del presente que debe cambiar.

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Artista: Desconocido

Técnica: escultura en la ronda

Material: piedra, calcita ámbar

Dimensiones: 3,9 cm, 8,1 cm, 2,3 cm

Fecha: Paleolítico superior, Gravetiense, alrededor de - 25.000 años

Lugar descubrimiento: Abri du Facteur, Tursac, Dordoña

Localización: Museo Arqueológico Nacional en Saint-Germain-en-Laye, Francia.

La Venus de Tursac es una estatua que representa como su nombre lo dice una Venus, una mujer. Desde el inicio el nombre dado a la figura tiene una connotación fuerte en el significado de la misma. Venus, nombre de la diosa de la mitología, representa la belleza, el amor y la fertilidad. Por consiguiente, el nombre le da al receptor una idea que la estatuilla tiene un motivo direccionado hacia el cuerpo femenino.

La Venus de Tursac es una figura pequeña, fácil de transportar lo cual podría indicar que se trataba de un objeto parte de un rito. Además, la figura al ser encontrada bajo tierra podria representar un símbolo de la fertilidad.

La estatua es estilizada, contiene prominentes curvas lo que hace que sea asimétrica. En la parte inferior se pueden ver dos piernas dobladas sin pies, un tronco en la parte de arriba y un relieve que sobresale entre las dos piernas.

Como fue mencionado anteriormente la parte de arriba es un simple tronco alargado, no tiene senos una de las características físicas más evidentes en una mujer lo cual podría dar indicios que no se trata de una figura femenina. Adicionalmente debido al pedúnculo que resalta se podría decir que se trata de un hombre, sin embargo, las caderas anchas y las curvas exageradas reflejan lo contrario, por lo tanto, podría tratarse de un genital masculino penetrando a una mujer. Por otra parte, otra posible deducción de la función del pedúnculo podría ser representar el vientre de una mujer embarazada o una mujer dando a luz. De ser así se reflejaría la visión de la mujer como un objeto erótico o como un ser cuya función es estrictamente procrear.

Por último, otra particularidad de la estatuilla es la ausencia de una cabeza o un rostro. Esto demuestra cómo no se trataba de una mujer en específico si no de una visión general de la figura femenina.

Bibliografía:
Breuil Henri, Peyrony Denis; Estatuilla femenina auriñaciense de Sireuil (Dordoña); Revista Antropológica, volumen 40, pág. 44-47, 1930

Delporte Henri; Obras maestras del arte paleolítico; Museo de Antigüedades Nacionales - Castillo de Saint-Germain-en-Laye; Exposición del 25 de junio al 1 de diciembre de 1969; Ediciones del Encuentro de Museos Nacionales, París, 1969

Delporte Henri; El objeto de arte prehistórico; Ediciones de la Réunion des Musées Nationaux, Colección Álbumes, París, 1981

https://musee-archeologienationale.fr/collection/objet/la-venus-de-tursac

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Autor: Desconocido
Título: Macara funeraria de Tuyu
Técnica/material: Cartonaje,oro

Dimensiones: no registradas

Fecha: Reino Nuevo, XVIII Dinastía, reinado de Amenhotep III (hacia 1390-1352 a. C.)

Estilo o corriente artística: arte egipcio

Lugar donde se encuentra: El Cairo: Museo Egipcio

"Masks of Yuya and Thuya", Ministry of Tourism and Antiquities. 2019.https://egymonuments.gov.eg/en/collections/masks-of-yuya-and-thuya-6

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Autor: Desconocido
Título: La Reina de la noche
Técnica/material: modelada a mano; pigmentado

Dimensiones: 49,50cm x 37,00cm x 4,80cm

Fecha: 1899-1700 a.C

Estilo o corriente artística: Arte Mesopotamia. Antigua Babilonia

Lugar donde se encuentra: Museo Británico, Galería G56 / dc23

Criterio: Características formales

La obra es una piedra tallada,en la que se distinguen diferentes figuras. La composición resulta ser un agente fundamental para identificar la importancia de los personajes, las figuras se disponen de manera piramidal.
La disposición de las figuras podrían dar a entender que el personaje principal es la mujer grande en el centro, las figuras secundarias según esto podrían ser las dos lechuzas, una a cada lado, de tamaño mediano y luego dos mitades de felinos en la parte inferior, que sostienen a la mujer.
Asimismo, no solo la disposición da a entender la importancia de la figura femenina, también está el relieve. La figura de la mujer desnuda tiene un mayor efecto de tridimensionalidad debido a la profundidad que da el relieve en comparación con las otras figuras. A medida que se desciende la mirada, se distingue como el relieve va disminuyendo. Pero a partir de la cintura de la mujer hacia arriba las facciones se vuelven más voluptuosas, como es el caso de los pechos y la cabeza.
Por otra parte, otro factor que resalta la figura de la mujer, es el manejo de la luz y el color. En la parte inferior, a pesar del deterioro, se ve un pigmento que se va difuminando hacia arriba, que alcanza a pintar las alas, la cabeza y los brazos de la mujer, pero que no pigmenta el pecho ni el vientre. Lo anterior permite evidenciar un contraste de luz y sombra, el cual podría interpretarse como si la intención del autor fuera iluminar el cuerpo de la mujer para resaltar sus atributos y poner en segundo plano los demás elementos como los animales.
Finalmente, como fue dicho anteriormente, no solo el pigmento contribuye al efecto de la luz, otro factor es el relieve que según la profundidad crea sombras.

"Relief",The British Museum.2003.
https://www.britishmuseum.org/collection/object/W_2003-0718-1

"The Queen of the Night", Google Arts & Culture. FF
https://artsandculture.google.com/asset/the-queen-of-the-night/eQEfwhChzs0z6A

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Autor: Desconocido
Título: Damas en azul
Técnica/material: pintura al fresco

Dimensiones: no registradas

Fecha: 1600-1450 a.C

Estilo o corriente artística: Arte minoico

Lugar donde se encuentra: Museo de Heraklion, en la isla de Creta, Grecia

"The "Ladies in blue" fresco", Heraklion Archaeological Museum.FF
https://heraklionmuseum.gr/?page_id=1635&lang=en

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Dedication to Nymphe, protectress of marriage.

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Dedication to Nymphe, protectress of marriage.

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Autor: Pintor Sabouroff

Titulo: Dedicación a Nymphe, protectora del matrimonio.

Tecnica/material: Loutrophoros de figura roja

Dimensiones: h190 m

Fecha: 455-440 AC

Estilo o corriente artistica: Arte de la Grecia Clásica

Lugar donde se encuentra: Museo de la Acrópolis

"Dedication to Nymphe, protectress of marriage", Google Arts & Culture. FF, acceso el día 16 de febrero de 2021.

https://artsandculture.google.com/asset/dedication-to-nymphe-protectress-of-marriage-sabouroff-painter/bAF1If8-Ske5vQ?hl=es

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Autor: Conjunto Arqueológico de Baelo Claudia

Título: Escultura Femenina de Mármol

Tecnica/material:Estatua de mármol

Dimensiones: 170cm x 10,5 cm

Fecha: Siglo I a. C.- Siglo III d.C

Estilo o corriente artistica: arte de la Grecia helenística

Lugar donde se encuentra: Museo del Conjunto Arqueológico de Baelo Claudia. Tarifa, España

"Escultura Femenina de Mármol", Google Arts & Culture. FF, acceso el día 16 de febrero de 2021.

https://artsandculture.google.com/asset/escultura-femenina-de-mrmol/_wF5PfLn-2_Bww

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Análisis Visual Comparativo: Grecia Clásica & Helenística

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Análisis Visual Comparativo: Grecia Clásica & Helenística

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Características formales:
La Dedicación a Nymphe, protectora del matrimonio y la Escultura Femenina de Mármol son dos obras de la civilización griega. Siendo parte de una misma cultura estas dos obras tienen similitudes, sin embargo, las mismas pertenecen a periodos distintos y por lo tanto tienen algunas diferencias.
En primer lugar, Dedicación a Nymphe, protectora del matrimonio, es un recipiente creado durante el periodo clásico para llevar agua, hecho de terracota con figuras rojas. Por el contrario Escultura Femenina de Mármol, es una escultura hecha de un bloque de mármol blanco, del periodo helenístico, de un cuerpo femenino incompleto, puesto que, no tiene cabeza ni brazo derecho, posiblemente debido al deterioro con el tiempo o porque nunca fue finalizada.
Lo que nos permite identificar los dos periodos en las obras, es la manera en la que las figuras son representadas. Ambas obras tienen como personaje principal a la mujer. En Dedicación a Nymphe, las dos mujeres que se alcanzan a percibir están de medio lado en una posición estática, sin embargo se puede deducir que está siendo representada una acción por la posición de los brazos de la figura central, de la mujer en el lado derecho que sostiene el vestido y también porque la escena completa parece capturar un instante.
Por el contrario, en la Escultura Femenina de Mármol los dobleces de la tela y la posición del cuerpo dan una mayor impresión de movimiento y retratan la realidad. A diferencia de la posición del cuerpo de las mujeres en el recipiente, la escultura de la mujer está representada de frente, con la pierna izquierda flexionada atrás, la derecha adelante, con un pie saliendo de la túnica y un brazo sosteniendo las telas que caen del vestido.
Por otro lado el uso de la luz, sombra y color son completamente diferentes en ambas obras, en el recipiente, el contraste del color negro y el rojo no dan una sensación de profundidad, solo permiten contornear las figuras y agregar más detalles a objetos como las vestiduras. Mientras en la escultura, los mismos pliegues esculpidos, crean un juego de luz y sombra, que resalta el movimiento, y dota a la obra de profundidad y tridimensionalidad.
Para finalizar, es evidente que ambas obras reflejan una acción, sin embargo se nota la evolución en la representación de la figura humana y el deseo por acercarse cada vez más a un modelo sujeto a la realidad.

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Autor: Dioskourides

Título: Gemma Augustea

Tecnica/material: Sardonyx de doble capa

Dimensiones: w230 x h190cm (entero)

Fecha: 9 d.C-12 d.C

Estilo o corriente artistica: Romano

Lugar donde se encuentra: Kunsthistorisches Museum Wien. Vienna,Austria.

Temática:

La Gemma Augustea es un pequeño camafeo que hace alusión a la política imperial romana, mostrando así mismo como la política en aquel entonces usaba como publicidad las artes figurativas. En primer lugar lo que da a entender el contexto político es la narrativa que se evidencia. La narrativa podría dividirse en dos debido a que la obra está también dividida entre la parte superior y la inferior.
En la parte superior el emperador de la época,Augusto, parece ser rodeado de dioses y figuras que representan la grandeza del imperio que construyó, puesto que las miradas de todos están dirigidas hacia él, quien hizo florecer el imperio al igual que Roma. En la parte izquierda está Tiberio quien desciende del carruaje mientras es guiado por una diosa a sus espaldas.
En la parte inferior por otro lado, no existe un personaje principal, pero los soldados del costado izquierdo que levantan el trofeo y las dos personas en el costado derecho que tiran del cabello de los caídos, dan la impresión de tener la misma función que la representación superior, hacer una alegoría a la gloria del gobierno de Augusto y la victoria ante los bárbaros vencidos. Teniendo en cuenta el nombre de la obra, se infiere que la temática central gira en torno a Augusto, quien está sentado mientras espera ser coronado. Sin embargo existen otros elementos de la obra igualmente importantes, que dotan de significado a la narración. Entre ellos las figuras femeninas. A la mano derecha del emperador está una mujer quien por su vestimenta da a entender que es una transfiguración de Roma.Asimismo a la izquierda del emperador hay una mujer que sostiene un cuerno con flores y frutas como simbolo de abundancia y alrededor de ella hay dos niños que podrían representar Romulo y Remo, fundadores de Roma. Por último una mujer es quién encorona al emperador, demostrando las virtudes y victorias de Augusto a través de  personificaciones femeninas.

"Gemma Augustea",

Google Arts & Culture. FF, acceso el día 23 de febrero de 2021.https://artsandculture.google.com/asset/gemma-augustea/PgHzJToOg8Nb7g?hl=es-419

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Autor:Desconocido
Título: Basílica de Santa Sabina
Tecnica/material:Ladrillos y adornos de mármol.
Dimensiones: no registradas
Fecha: 422-432 d.C
Estilo o corriente artistica: Arte Paleocristiano
Lugar donde se encuentra: Plaza Pietro d'Iliria,Roma.

Características formales:

La Basílica de Santa Sabina es una construcción arquitectónica edificada durante el periodo paleocristiano. Está compuesta por una nave central, un ábside, dos naves laterales,24 columnas de estilo corintio, arcos que unen las columnas laterales y los ventanales de la nave central. La estructura del edificio está compuesta principalmente por murales de ladrillo, columnas y ventanales que permiten el ingreso de luz y cumplen adicionalmente un rol ornamental.
El efecto que dan las columnas es importante, son un elemento decorativo que hace que el espacio se vea más amplio y de la impresión de profundidad gracias al punto de fuga que resulta ser la nave central y el ábside. Por otra parte las naves laterales, permiten reconocer algunos adornos en mármol en la unión de los arcos y las columnas, de color verde, azul y rojo. Las figuras representadas son netamente cristianas, podría deducirse que se está representando el santísimo por la forma del cálice que tiene en la punta una cruz. También se evidencian en la parte superior una franja con una serie de figuras que no tiene ningún significado, son de ornamentación, pero dan la impresión de delgadez e infinitud.
Adicionalmente, las columnas dan la impresión de uni-direccionalidad hacia el altar que se encuentra al fondo en el ábside. La ubicación del ábside tiene una función y es señalar el oriente donde nace el sol, lo cual simboliza la luz de cristo, de allí otra importancia de los ventanales, si bien la basílica está construida en honor a la Santa Sabina, el ser que evoca la espiritualidad es Cristo.Adicionalmente en el ábside hay una pintura con la figura de Cristo en el centro y alrededor de él mujeres y hombres mirandolo con pasión y admiración y en la parte superior de la pintura hay pequeños ornamnetos circulares con retratos de Jesús y sus apostoles.
Finalmente lo anterior da a entender que aunque la mujer (Santa Sabina) sea símbolo de perfección y es la figura por la cual se rige el templo esta no sería posible sin la figura masculina de Jesús.

Di Teodoro, Francesco Paolo."L' architettura paleocristiana : Basilica di Santa Sabina "
Bologna: Zanichelli Editore, 2012.

" Basílica de Santa Sabina" , Google Arts & Culture. FF, acceso el día 2 de marzo de 2021.https://artsandculture.google.com/entity/bas%C3%ADlica-de-santa-sabina/m02z0jk?categoryId=place

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Autor: Escultor Toscano
Título: La Virgen y el Niño
Tecnica/material: Madera pintada
Dimensiones: w43 x h147 x d46 cm
Fecha: alrededor de 1280
Estilo o corriente artistica: Arte bizantino.
Lugar donde se encunetra:
Museo Poldi Pezzoli, Milán, Italia.

Características formales:

La Virgen y el Niño es una escultura de madera pintada, que con el tiempo ha perdido la pigmentación, sin embargo aún se reconocen algunos tonos rojizos y azules en las túnicas de los dos personajes y tonos amarillos en la piel y en los contornos de los vestidos lo que permite identificar los espacios de luz y sombra. A pesar de que se trata de una escultura y por lo tanto se trata de una representación tridimensional, a diferencia de épocas pasadas como el periodo helenista, hay poco drama y movimiento en las telas y posiciones de los personajes, lo que hace que la obra sea percibida de una forma más plana.
La obra está compuesta por la Virgen, quien está cargando al niño Jesús quien está sentado de forma diagonal en sus piernas, ambos personajes parecen estar sosteniendo algo, evidentemente la Virgen tiene el brazo derecho extendido al igual que el niño que parece estar esperando recibir algo. Esta resulta ser una iconografía clásica del arte bizantino y paleocristiano, pues no es la única representación existente, el mismo icono fue utilizado en diferentes medios, pinturas,medallas, estatuas y murales en catacumbas. Sin embargo usualmente Jesús era representado como un bebé y en este caso es un niño.
Por otra parte cabe resaltar la desproporción de los cuerpos y la poca expresividad de los rostros. Ambos personajes mantienen una expresión neutra, la Virgen tiene un contacto directo con el espectador mientras el niño parece estar viendo en diagonal hacia abajo. Con respecto a la desproporción de los cuerpos, ambos son cuerpos alargados, sin embargo mientras Maria tiene una cara proporcionalmente alargada, el niño tiene una cabeza más pequeña en proporción con toda la obra y sus rasgos faciales resultan ser una representación un poco más fidedigna a la realidad.
Finalmente el rol que desarrolla Maria es importante, es el símbolo de la mujer como ser maternal. Y teniendo en cuenta el tamaño de la escultura se infiere que se trataba de una representación devocional.

"La Virgen y el Niño", Google Arts & Culture. FF, acceso el día 2 de marzo de 2021.https://artsandculture.google.com/asset/the-virgin-and-child-tuscan-sculptor/SAGN_fqliIkCVg

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Autor: Desconocido
Título: Vida de Santa Catalina de Alejandría, alemana
Tecnica/material: Papel y pergamino
Dimensiones: 22,0 cm x 15,0 cm
Fecha: 1451
Estilo o corriente artistica: Arte medieval
Lugar donde se encuentra: Nuremberg, monjas dominicas de Santa Catalina

Función:

Este manuscrito fue creado con el objetivo de narrar y homenajear la vida de Santa Catalina de Alejandría.
A pesar de tratarse de un escrito, los elementos visuales artísticos son muy importantes, puesto que contribuyen a la bibliografía de la protagonista y a la función del manuscrito.
En el manuscrito se presentan dos elementos artísticos, la letra capitular de cada capítulo y la xilografía que está en la parte trasera de la primera página del libro, que representa a Santa Catalina, con sus atributos, una rueda y una espada. El propósito original de estos dos elementos son distintos. En primer lugar la xilografía resulta ser una figura aislada de la narración, pues no está ilustrando ningún momento en específico, solo se representa a la mujer con sus atributos y tiene el objetivo de hacer una representación de la Santa como una introducción de lo escrito a continuación. En segundo lugar, la letra capitular tiene como propósito ayudar al lector a concentrarse y facilitar el proceso de oración y lectura, una técnica popular utilizada en los manuscritos religiosos durante la edad media, de ahí la razón por la cual esta letra es tan grande y está ornamentada con diferentes figuras y colores. Cabe resaltar que el manuscrito estaba especialmente dirigido a las monjas dominicas y originalmente se encontraba en la biblioteca del convento.
Esta obra en específico, en un principio era para ser leída y escuchada en privado al interior del convento durante las comidas, pero con el tiempo al cambiar de ubicación este tipo de ritual se perdió.
Por último, como se puede evidenciar, la función de la obra gira en torno a la adoración de Santa Catalina y particularmente esta adoración era hecha por mujeres, pues eran las únicas que en principio tenían acceso al manuscrito de la bibliografía de la misma dentro del convento .

" Vida de Santa Catalina de Alejandría,alemana", Google Arts & Culture.FF, acceso el día 9 de marzo de 2021. https://artsandculture.google.com/asset/ugHsXExWvlWuXQ?childAssetId=fQFEUSNiLPlbdg

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Autor: Arnolfo di Cambio, Emilio De Fabris.
Título: Cattedrale di Santa Maria del Fiore
Tecnica/material:mármol
Dimensiones: 160cm x 43cm x 90cm
Fecha:1296-1436
Estilo o corriente artistica: Gótico
Lugar donde se encuentra: Florencia,Italia.

"Sumérgete en la arquitectura gótica de toda Europa", Google Arts & Culture. FF, acceso el día 23 de marzo de 2021.https://artsandculture.google.com/theme/sum%C3%A9rgete-en-la-arquitectura-g%C3%B3tica-de-toda-europa/QwKyRL5q1TbVJQ

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Autor:Desconocido
Título: Nuestra Señora de la Anunciada
Tecnica/material: Sillar
Dimensiones:no registradas
Fecha: siglo XII
Estilo o corriente artistica: Románico
Lugar donde se encuentra: Urueña, Provincia de Valladolid, España.

"La Anunciada Ermita de Urueña", Ayuntamiento de Urueña.FF, acceso el día 23 de marzo de 2021.http://www.xn--uruea-rta.es/ermita-la-anunciada/

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Análisis visual comparativo: Arte Gótico & Románico

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Análisis visual comparativo: Arte Gótico & Románico

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Características formales:

La Cattedrale di Santa Maria del Fiore y la ermita Nuestra señora de la Anunciada son dos construcciones de tipo religioso pertenecientes al arte gótico y románico correspondientemente. Teniendo en cuenta que ambos edificios fueron construidos en epocas y lugares diferentes es importante resaltar que pueden presentar tanto similitudes como diferencias.
En primer lugar, Nuestra señora de la Anunciada, es una ermita construida en sillarejo de piedra caliza la cual juega un papel fundamental en la repartición de la luz y el color, puesto que la piedra es de tono claro y aporta luminosidad. Sin embargo la Cattedrale di Santa Maria del Fiore es diferente en este aspecto, mientras la ermita es de un solo color plano, la basílica presenta ornamentación, está cubierta por paneles de mármol en varios tonos de verde y rosa rodeados de blanco y diferentes figuras.
En segundo lugar, la estructura de ambos edificios es diferente. La ermita es más simple, está compuesta por lesenas y arcos ciegos que crean un efecto claro-oscuro dando mayor profundidad, mientras la basílica resulta ser más elaborada, contiene una planta basilical en cruz latina, una nave central y dos naves laterales menores, todos estos espacios con dimensiones monumentales. Sin embargo en algo en lo que ambas estructuras coinciden es en los pequeños ventanales y en las paredes gruesas hechas de piedra.
Por otra parte ambas construcciones presentan una insinuación de profundidad, cada división de los santuarios es visible desde afuera debido a los diferentes lugares en los que fueron posicionados los muros.
Adicionalmente ambas construcciones logran una conexión con el espectador gracias a la dimensión. Puesto que son estructuras altas y grandes que podrían hacer sentir al espectador pequeño ante tanta inmensidad.
Finalmente, entre las similitudes y diferencias una de las características más evidentes de ambos santuarios está relacionada con la función. Ambas son construcciones de tipo religioso en honor a una Santa.

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Autor: Tommaso Masaccio
Título: La expulsión de Adán y Eva del paraíso
Técnica/material: Fresco
Dimensiones: 208cm x 88cm
Fecha: ca. 1427
Estilo o corriente artistica:Renacimiento
Lugar dónde se encuentra: Capilla Brancacci, Florencia, Italia.

Grandes artistas, Julieta Manrique.De los inicios del Renacimiento: Masaccio.
Colombia: Casa Editorial El Tiempo, 2008.

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La Presentación del Niño Jesús en el Templo

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La Presentación del Niño Jesús en el Templo

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Autor: Giotto
Título: La Presentación del Niño Jesús en el Templo
Técnica/material: Témpera sobre panel
Dimensiones: 45,2cm x 43,6cm
Fecha: ca. 1320
Estilo o corriente artistica: Renacimiento
Lugar dónde se encuentra: Isabella Stewart Gardner Museum, Boston.

"La Presentación del Niño Jesús en el Templo", Google Arts & Culture. FF, acceso el día 13 de abril de 2021.https://artsandculture.google.com/asset/the-presentation-of-the-christ-child-in-the-temple-giotto/SAHxiHxoFKtXdQ

"La Presentación del Niño Jesús en el Templo, acerca de 1320", Isabella Stewart Gardner Museum.FF, acceso el día 13 de abril de 2021.https://www.gardnermuseum.org/experience/collection/12894

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Autor: Jan Van Eyck
Título: El retablo de Gante
Técnica/material: Óleo sobre tabla
Dimensiones: 350cm x 461cm
Fecha: 1432
Estilo o corriente artistica:Renacimiento
Lugar dónde se encuentra: Catedral de San Bavón, Gante.

Grandes artistas, Julieta Manrique.De los inicios del Renacimiento: Van Eyck.
Colombia: Casa Editorial El Tiempo, 2008.

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Análisis visual comparativo: Masaccio,Giotto y Van Eyck

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Análisis visual comparativo: Masaccio,Giotto y Van Eyck

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Características formales:

Siendo Masaccio, Giotto y Van Eyck, artistas pertenecientes al mismo movimiento, el Renacimiento, en sus obras se presentan similitudes tanto como diferencias. A continuación se ejemplificarán algunas de ellas, teniendo en cuenta una obra de cada artista.
En primer lugar El retablo de Gante es un políptico de 12 retablos que varían en sus dimensiones, pintura al óleo, lo que permite gradaciones de luz y sombra, además de otorgar colores variados, brillantes y saturados y como se ve en la obra, características que son diferentes en La expulsión de Adán y Eva de Masaccio, pues se trata de un fresco, por lo tanto los colores no son igual de saturados, pero se identifica el interés por la luz y sombra empleada que le da volumen a las figuras y en La Presentación del Niño Jesús en el Templo de Giotto. En este caso el artista usa témpera sobre panel, lo cual tiene un efecto similar al óleo sin embargo no hay una buena saturación, por el contrario los colores son mate y no permiten otorgar profundidad, pero el artista para lograr un poco de volumen en las figuras opta por usar la técnica del claro-oscuro para lograr el efecto de sombras en los vestidos.
En segundo lugar, El retablo de Van Eyck, presenta diferentes figuras mitológicas y bíblicas que representan la influencia del catolicismo en Europa. En la parte superior desde los retablos exteriores hasta los interiores se muestran a un hombre y una mujer desnudos que representan a Adán y Eva y sobre ellos una luneta en la que se representan a Caín y Abel. Luego están los ángeles cantores, la Virgen María y Juan el Bautista y Dios en el centro transfigurado en el cuerpo de un rey. En la parte inferior por otro lado están representados en los retablos izquierdos unos soldados y en los derechos se muestran a los santos ermitaños y santos peregrinos. Finalmente en el retablo central inferior hay un cordero en un altar rodeado de ángeles y otros personajes. No existen expresiones que sugieran emociones pues sus rostros son neutros sin embargo los cuerpos son realistas y no hay una idealización de figuras. Mientras Masaccio en su obra, pone en escena la puerta del paraíso, un ángel en la parte superior y en la parte inferior Adán y Eva que son igualmente realistas en su anatomía, pero que presentan una expresividad dramática, en la que se transmite dolor en sus rostros y en la posición de las manos de Adán sobre su cara.
Por otra parte Giotto, representa a una persona en el costado derecho con un pergamino en la mano, al Niño jesús, quien está siendo sostenido por una figura masculina, que podría ser Dios, próximo a ser recibido por la Virgen María y Jose. La disposición de todos los personajes está determinada por la figura arquitectónica de un templo en la parte central de la obra, en la cual se ve reflejada el uso de la perspectiva y hace que la obra sea armoniosa en su composición.
Adicionalmente la diferencia principal entre el realismo de Van Eyck y Masaccio es que Van Eyck logró representar la luz, la sombra y los cuerpos solo a través de la observación, mientras Masaccio tenía conocimientos científicos sobre la anatomía y perspectiva, lo cual se evidencia en el fresco.
Cabe resaltar que otra de las diferencias de los personajes de las obras es que tanto Masaccio como Van Eyck muestran los pies de los personajes y no temen presentarlos desnudos, mientras Giotto no muestra los pies y además presenta a todos los personajes cubiertos por túnicas, incluyendo al Niño Jesús, quien está cubierto por una manta blanca.
Finalmente, la obra de Van Eyck tiene un énfasis horizontal, el tamaño en comparación con la obra de Giotto, la cual mide 45,2 cm x 43,6 cm, es superior lo que permite una mayor conexión con el espectador, en especial se puede identificar esa conexión con la parte superior, donde las figuras son de tamaño real, aproximadamente de 160 cm. Sin embargo el fresco de Masaccio que mide 208 cm de alto tiene el mismo efecto, pues las dimensiones son realistas y atraen al espectador.

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Autor: Leonardo di ser Pietro Da Vinci
Título: Retrato de Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo, conocida como "Monna Lisa, la Gioconda" o "Mona Lisa"
Técnica/material: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 77 cm x 53 cm.
Fecha: 1503-1519
Estilo o corriente artistica: siglo XVI
Lugar dónde se encuentra: París, Museo del Louvre.

Características formales:
La Mona Lisa es una obra realizada por el reconocido artista Leonardo Da Vinci, en 1503. Se trata de un óleo sobre tabla en el cual primero fue dibujado un esbozo y después se aplicó el óleo.
El personaje central de la obra es una mujer, pues se trata de un retrato de Lisa Gherardini, esposa del comerciante de telas florentino Francesco del Giocondo. La mujer está sentada, tiene un velo y está posando con los brazos apoyados en el asiento, el brazo izquierdo descansa sobre el asiento y la mano derecha se posa sobre la izquierda. Y es importante la disposición de las manos porque dotan de expresividad a la obra. Las facciones de la mujer son jóvenes y armónicas, con parpados carnosos y mentón alargado, lo cual representa el ideal de belleza del artista.
El torso de la mujer esta de medio lado, su cara de frente y los ojos del personaje parecen que te estuvieran viendo sin importar el punto desde el cual el espectador esté viendo la obra.
En segundo plano está un paisaje campestre, con montañas, pinos y un lago. Sin embargo gracias a la técnica del artista del esfumato, no es posible reconocer los contornos de las figuras. La técnica consiste en crear una neblina entre la figura y el paisaje, creando profundidad e inmersión en la obra y así mismo contribuyendo a la sensación realista. Así mismo el uso de la luz juega un rol importante, el artista usa el claroscuro, usando la sombra para crear volumen y la luz para realzar algunas partes de la obra. Por ejemplo, en el primer plano resaltan el rostro de la mujer, el pecho y las manos y en el segundo plano existen diferentes juegos de luz para crear profundidad con las montañas y el río.
La misma técnica del esfumato crea una conexión con el espectador, pues da la impresión de una figura tridimensional, como si se tratase de una persona al otro lado de una ventana. Y otro elemento que contribuye a esta conexión es la dimensión de la obra, pues también asemeja al tamaño de una ventana.

"Retrato de Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo, conocida como "Monna Lisa, la Gioconda" o "Mona Lisa", 1503-1519", Google Arts & Culture. FF, acceso el día 31 de mayo 2021.https://artsandculture.google.com/asset/portrait-of-lisa-gherardini-wife-of-francesco-del-giocondo-known-as-monna-lisa-la-gioconda-or-mona-lisa-1503-1519-leonardo-di-ser-piero-da-vinci-dit-léonard-de-vinci-1452-1519-paris-musée-du-louvre/uQGZ28lYUJ3OGw

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Autor: Gérard Rancinan
Título: Las Meninas 2.0
Técnica/material: Fotografía, lámina montada en plexiglás
Dimensiones: 180cm x 234cm
Fecha: 2009
Estilo o corriente artistica: Arte moderno
Lugar dónde se encuentra: Museo Pushkin, Rusia

Aspectos transformados y reinterpretados:

Las Meninas de Velázquez realizado en 1656 ha sido reinterpretado por diferentes artistas a lo largo de la historia, entre ellos por Rancinan, un fotógrafo francés, quien en 2009 optó por darle un giro completo a la obra, manteniendo la misma disposición de los personajes pero otorgándoles un significado y aspecto diferente.
En esta fotografía en lámina montada en plexiglás de 180cm x 234cm,varían diferentes aspectos, como la luz y el color. En la obra original, los colores eran oscuros exceptuando el centro de la obra donde la luz entra por una ventana e ilumina directamente a la pequeña Margarita Teresa de Austria, mientras en la de Rancinan no hay una fuente de luz especifica, toda la escena parece ser iluminada con luz artificial y hay una predominancia en el uso de tonos blancos y negros y con algunos colores que llaman la atención como el verde, amarillo,rosado y azul.
Por otra parte, cabe resaltar que Rancinan hace una crítica a través de la comedia, a la sociedad del siglo XXI, utilizando personajes como símbolos. En la reinterpretación el tema central ya no gira en torno a la infanta Margarita, sino a la actriz Marilyn Monroe y su lucha por mantenerse joven. Marilyn es representada con una sonrisa, mucho maquillaje y una cara que parece petrificada, mientras a su lado derecho una mujer, símbolo de la cirugía plástica, vestida en un traje de látex rosado y con senos grandes le ofrece bótox y otras medicinas. Adicionalmente en esta fotografía, las meninas son reinterpretadas y ahora los demás personajes refuerzan la crítica hacia los estándares impuestos por la sociedad. Se ponen en escena a una mujer quien se está estirando la piel, un hombre con un tatuaje de calavera en la cabeza y una cámara en las manos, como símbolo de la prensa, pero que al igual que en la obra original podría ser una referencia al autor de la obra.
También se presentan una mujer, vestida en periódico, mostrando sus pechos, quien es símbolo de la prensa y la exposición sexual, Adán y Eva representados de forma erótica y una monja, como crítica de la religión.
En referencia a los personajes, se mantienen las proporciones y la figura del perro, aunque esta vez de una forma menos familiar.
Otro aspecto transformado en esta fotografía hace referencia al espejo que estaba en la obra original, en este caso Rancinan opta por reemplazar el espejo por la obra original de Velázquez.
Sin embargo Rancinan retoma la idea de Velázquez de involucrar al espectador, pero en vez de usar el espejo usa dos bolas disco que cuelgan del techo, a través de ellas el espectador se involucra y recuerda que es parte de esa sociedad representada.

"Bienvenidos al mundo de Rancinan", El País.FF, acceso el día 27 de marzo de 2021.https://elpais.com/cultura/2012/06/14/album/1339690485_077296.html#foto_gal_6

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Neoclasicismo o romanticismo: Conde de Haussonville

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Neoclasicismo o romanticismo: Conde de Haussonville

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Autor: Jean Auguste Dominique Ingres
Título:Joséphine-Éléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn (1825–1860), Princesse de Broglie
Técnica/material: óleo sobre lienzo
Dimensiones:121.3 cm x 90.8 cm
Fecha: 1851-53
Estilo o corriente artisitico: Neoclasicismo
Lugar dónde se encuentra: Metropolitan Museum of Art, New York, NY

Función:
"Princesse de Broglie" es un retrato realizado por Jean-Auguste-Dominique encargado por Albert de Broglie, esposo de la mujer retratada, Joséphine-Éléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn. Originalmente la obra se creó con el objetivo de complacer el gusto de Albert, quien sentía devoción por su esposa. Y es esta devoción la cual también es retratada en la obra, pues el artista logra reflejar su tímida y recatada personalidad, iluminando sus atributos finos, como el vestido, los adornos en el cabello y el sillón dorado.
En realidad la obra no tenía ningún significado trascendental, solo fue mandada a hacer después que Albert quedó fascinado con el talento del artista al ver un retrato de su hermana, la condesa de Haussonville.
Desafortunadamente, el retrato pasó de ser un objeto de devoción, a un recuerdo triste, pues al finalizar la obra, Pauline se enfermó de tuberculosis, dejando cinco hijos y a su esposo. Es por esto que la obra que estaba destinada a ser expuesta en las paredes de su hogar, fue envuelta en tela y permaneció en la familia de Broglie hasta poco antes de que Robert Lehman lo adquiriera en 1975 como parte de su colección que es actualmente expuesta en el MET, en Nueva York.

"Joséphine-Éléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn (1825-1860), Princesse de Broglie", Google Arts & Culture. FF, acceso el día 31 de mayo 2021.https://artsandculture.google.com/asset/joséphine-Éléonore-marie-pauline-de-galard-de-brassac-de-béarn-1825–1860-princesse-de-broglie-jean-auguste-dominique-ingres/agEScgqJaZqD4g

"Joséphine-Éléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn (1825–1860), Princesse de Broglie",THE MET.FF, acceso el día 31 de mayo https://www.metmuseum.org/art/collection/search/459106

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Autor: Edgar Degas
Título: La familia Bellelli
Técnica/material:Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 2500 cm x 2000 cm
Fecha: 1858-1869
Estilo o corriente artistica: Realismo
Lugar dónde se encuentra: Museo de Orsay, París.

Análisis de contexto:
La familia Bellelli es un retrato producido por el artista Edgar Degas, hombre nacido en una familia aristocrática que desde pequeño tuvo interés en las artes, a los 21 años ingreso en la Escuela de Bellas Artes en Italia dejándose influenciar por las técnicas del Renacimiento.Además el reconocido artista fue miembro fundador del círculo Impresionista y uno de los primeros en interesarse en la fotografía. Sin embargo como muchos artistas Degas tuvo diferentes fases y "La Familia Bellelli" hace parte de su fase realista.
A diferencia de otros artistas, Degas no buscaba reconocimiento público así que la obra no tenía un público en específico, Degas solo buscaba manifestar su fascinación por las relaciones humanas y el carácter humano, usando como tema la situación de la familia de su tía Laure.
Según el texto Grandes artistas, siglos XIX y XX, Degas y su tía mantenían una relación muy estrecha por lo tanto Degas conocía todos sus secretos, entre los cuales que para ese entonces Laure esperaba un tercer hijo.
Es evidente la gran influencia que tiene la familia en la obra, Degas logra reflejar a la perfección a través de diferentes símbolos lo que estaba pasando. Pues su tía lleva un vestido negro como símbolo de luto por su padre difunto y además tiene la mirada perdida tratando de evitar a su esposo quien está casi escondido en el lado izquierdo de la obra, pues el Barón Bellelli había sido desterrado de Nápoles y era una deshonra para la familia.
Adicionalmente la obra presenta no solo influencias temáticas definidas por el entorno del artista, si no también influencias técnicas como del maestro holandés del siglo XVII Ter Borch, pues los colores son tenues lo que dan esa sensación de tensión entre los personajes de la obra.

La familia Bellelli, Google Arts & Culture, FF, acceso el día 1 de junio 2021.https://artsandculture.google.com/asset/the-bellelli-family/CAEtElXoJtKBnQ?hl=es-419

Grandes artistas, Julieta Manrique.Siglos XIX y XX : Degas
Colombia: Casa Editorial El Tiempo, 2008.

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Valeria te pido que realices las entradas que te hacen falta, recuerda que éstas se calificarán sobre 4 porque las entregaste por fuera del plazo establecido.

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Valeria te pido que realices las entradas que te hacen falta, recuerda que éstas se calificarán sobre 4 porque las entregaste por fuera del plazo establecido.

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Autor: Salvador Dalí
Título: Mercado de esclavos con busto invisible de Voltaire
Técnica/material: Oleo sobre lienzo
Dimensiones: 46.355 cm x 65.405 cm
Fecha: 1940
Estilo o corriente artistica: Surrealismo
Lugar dónde se encuentra: The Dalí Museum, Gift of A. Reynolds & Eleanor Morse

Análisis de contexto :
Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí, nacido en España en 1909, fue un reconocido artista influenciado por ideas como las del filosofo Freud y pionero de la vanguardia surrealista, especialmente en Estados Unidos.
Durante el periodo surrealista de Dalí, todas sus obras tenían como principio retratar los sueños, sin embargo no hay evidencia que nos permita afirmar que "Mercado de esclavos con busto invisible de Voltaire" se trate de uno de los sueños del artista, no obstante, son evidentes diferentes referencias de momentos de su vida y se sabe que el propósito del artista en la época era mantenerse en la sociedad como una figura publica a través de sus polémicas obras.
La obra fue creada y se hizo pública en 1940 en Nueva York, Estados Unidos, pues debido al inicio de la segunda guerra mundial y de la guerra civil española, Dalí se vió obligado a dejar Paris donde fué influenciado por las vanguardias del Dadaísmo y Cubismo y artistas como Picasso, Velasquez, Magritte y Miró, quienes influenciaron en su desprecio al realismo.
Impactado por la guerra, Dalí representa su niñez en España a través del paisaje desierto y pone como principal escenario ruinas arquitectónicas, en el que su esposa Gala, es la protagonista, es a través de su figura femenina y desnuda que simboliza la pobreza y el rechazo a la esclavitud.Además dice el artista que es Gala quien lo protege del mundo de los esclavos representados por Voltaire, presentando así la relación entre amor y guerra, ambas situaciones que el artista estaba enfrentando en el momento.
Cabe resaltar que es necesario que la obra sea vista teniendo en mente el principio surrealista de Dalí en el que las imágenes son dobles y están asociadas al método paranoico crítico, esto significa que se debe concibir la obra como un todo, pues es así como el espectador será capaz de encontrar enlaces entre objetos que racionalmente no tendrían sentido.

Permanent collection, Slave Market with the Disappearing Bust of Voltaire, Salvador Dalí Museum, Inc. St. Petersburg, FL 2017.FF, acceso el día 25 de mayo de 2021.
https://thedali.org/permanent-collection/

"Dalí universe", FF, acceso el día 25 de mayo de 2021.https://www.thedaliuniverse.com/es/salvador-dali-biografia

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Autor: Grayson Perry
Título: La Anunciación de la Virgen Deal

Técnica/material: Lana, algodón, acrílico, poliéster y tapicería de seda.
Dimensiones: 200 cm x 400 cm
Fecha: 2012
Estilo o corriente artistica: arte contemporáneo
Lugar dónde se encuentra: Arts Council Collection

Análisis de contexto:

La Anunciación de la Virgen Deal, es un tapiz creado en 2012 por el artista Grayson Perry, artista plástico y ceramista británico que ha explorado en diferentes ámbitos del arte, incluyendo el cine y el trabajo textil y de tapices y reconocido por hacer apariciones bajo su alter ego travesti "Claire".
Según el consejo de artes británico, esta obra al igual que muchas pertenecientes a la colección del consejo, fue creada con el propósito de promover y fomentar la apreciación del arte contemporáneo a través de exposiciones itinerantes.
Sin embargo gracias al testimonio del artista, es posible saber la razón por la cual fue creada esta obra, representar la movilidad de clase y la influencia que la clase social tiene en el gusto estético del individuo.
Es precisamente por lo anterior que la obra siendo un regalo para el Consejo de Artes de Gran Bretaña, está dirigida a la sociedad.
Aunque se esté presentando un tapiz en específico cabe aclarar que es posible ver la obra como una unidad individual o verla como parte de toda una colección "The Vanity of Small Differences", la cual se une a través de una sola narrativa. Pues según testimonios del Consejo, el artista para crear esta obra se inspira viajando entre las tribus gustativas de Gran Bretaña, creando una historia que tiene como personaje principal a Tim.
En la obra se pueden percibir diferentes referencias e influencias, entre las cuales está la atención al detalle característico del arte contemporáneo, también se inspira en la pintura de siglo XVIII de Hogarth. También incluye referencias a tres pinturas diferentes de la Anunciación de Carlo Crivelli (las verduras) Matthias Grünewald
(la expresión de su colega) y Robert Campin (la jarra de lirios). Por otra parte el título nos permite relacionar la obra con un carácter religioso, clásico del arte románico y gótico.
Adicionalmente es importante resaltar que el entorno del artista también influencio su obra, Grayson basó su arte en su infancia. A través del arte creo un mundo de fantasía en el que nunca pudo vivir porque su padre lo abandonó luego de que la madre tuviera una aventura y su padrastro era abusivo. Es probablemente por esa ausencia paterna que el artista representa a Tim rodeado de personajes femeninos.
También es notable la influencia de la sociedad consumista moderna en la que vivimos actualmente, pues existe un uso de colores vivos, elementos tecnológicos y una excesiva presencia de objetos, que transmiten la necesidad de llenar el espacio.

"La Anunciación de la Virgen Deal",Google Arts & Culture. FF , acceso el día 1 de junio de 2021.
https://artsandculture.google.com/asset/the-annunciation-of-the-virgin-deal-grayson-perry/DgHzNHCbRZyjLw

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Durante años la imagen de una mujer en frente de un espejo se ha usado para reflejar lo que muchas mujeres han sufrido relación con su cuerpo y la búsqueda por cumplir los estereotipos impuestos por la sociedad. A través de la historia del arte, se puede ver como la mujer ha sido la musa de muchos artistas y al mismo tiempo nos ha permitido reconocer los ideales de belleza de cada época, incluso en la modernidad.