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Secuencia didáctica " Mi libro de artista", prof. María Susana Bettendorff

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Secuencia didáctica " Mi libro de artista", prof. María Susana Bettendorff

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Esta secuencia didáctica fue realizada con alumnos de 4to. Año en la materia  Producción y Análisis de la imagen, partiendo desde la metáfora (se usó como parte de los recursos el Power Point de Amerrique). Objetivo: producir, a partir de la intervención y modificación de un libro reciclable, un libro de artista. Resignificar, decir con y desde lo metafórico .
"Intervenir lo diseñado, hacer del libro la metáfora de una experiencia creativa, es explorar opciones, activar otras prácticas. Es asumirlo como soporte, canal y materia de una actividad transgresora: apuntar a su capacidad para abrir imaginar... Aunque despojado de su función tradicional, el libro no pierde, sin embargo, su peso como metáfora del origen y nacimiento del saber, y continúa siendo el contenedor de un producto cultural" (Libro, arte y metáfora...Humberto Valdivieso, publicado en el-nacional.com)

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Vídeo editado Grupo 4 profes Silvina, Cecilia, Paz y María Susana

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Vídeo editado Grupo 4 profes Silvina, Cecilia, Paz y María Susana

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Versión 2

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Vídeo editado Grupo 4 profes Silvina, Cecilia, Paz y María Susana

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Vídeo editado Grupo 4 profes Silvina, Cecilia, Paz y María Susana

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Versión 1 editada con Windows Movie Maker primero y luego con Power Director

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COmparto material interesante. En el primer capítulo también se refiere a la metáfora.
Pablo.

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La energía y la metáfora. Publicidad.

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¿A dónde van? Silvio Rodríguez. Versión de Lucrecia Pinto y Darío Sztajnszrajber

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Comparto mi admiración por las películas animadas del Studio Ghibli, de Hayao Miyazaki. La mayor parte de su obra incluye mensajes antibélicos o aborda temas complejos como el ser humano y la naturaleza, el progreso, el individualismo y la responsabilidad.

En muchas de sus películas el viento ha sido protagonista, metáfora de lo que llega, de lo que se va, de la violencia, de la vida, del nacimiento, de la derrota, de los sueños que se hacen realidad. En el viento viajan dragones, aviones, seres monstruosos, seres mágicos, hechiceros, islas flotantes, personajes que se animan, que se pliegan a sus impulsos o los combaten. Todo esto puede apreciarse en las siguientes (y maravillosas) películas: Nausicaä del Valle del Viento, El castillo en el cielo, Nicky, la aprendiz de bruja, Porco Rosso, La princesa Mononoke, El viaje de Chihiro, El castillo vagabundo y El viento se levanta.

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"Los Cuatro Elementos" Cuadro Viento:Videoclip realizado con material de las presentaciones y ensayos de alumnos de la orientación "Danzas Folklóricas" de la  ESEA Nº1.

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Hola MUSICOS!!!! gracias por los aportes!tengo un problema técnico con el sonido de la computadora . pero leí los textos. Mañana conversamos. Gracias!!!

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Hola MUSICOS!!!! gracias por los aportes!tengo un problema técnico con el sonido de la computadora . pero leí los textos. Mañana conversamos. Gracias!!!

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Producción en el encuentro

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no son ejemplos que tengan que ver con el viento y perdón porque el texto está en inglés. Sleep de Eric Withacre pone nuevamente la música al servicio del texto en una magistral sonorización de cada parte del mismo usando casi exclusivamente recursos armónicos: desde los párpados pesados, los ruidos de la noche, el lento y misterioso proceso de ingresar al sueño.

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SLEEP - Eric Whitacre - The Eric Whitacre Singers

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Dialogo entre el viento y el mar del poema sinfónico La Mer de Claude Debussy. Tal vez sea en el impresionismo musical donde más se acerque la idea de la metáfora...es decir gestos sonoros que toman lo semejante entre el fenómeno natural y la paleta orquestal.

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Claude Debussy - La Mer - 03 - Dialogue of the wind and the sea (Dialogue du vent et de la mer)

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Comparto un Lied de Franz Schubert. Ciertamente se trata, en la historia de la música, del compositor que revolucionó el género de la canción académica al dar un papel activo al acompañamiento pianístico. A partir de él el piano no se limitó a un soporto rítmico armónico sino que tomó papel activo en la construcción del clima sonoro en estrecha relación con la melodía y el texto. En este caso "Margarita en la Rueca" toma un texto del Fausto de Goethe en la que Margarita reflexiona sobre su enamoramiento hacia Fausto, que le ha quitado la paz y alborotado su corazón y mente. Todo esto mientras gira la rueca. La clásica interpretación de los recursos compositivos indica que la mano derecha del pianista representa la rueca girando y la figuración de la mano izquiera el latir del corazón de Margarita. Además el plan armónico y formal sigue las intenciones del texto (por ejemplo se detiene este ritmo constante cuando se Margarita piensa en el beso "Sein Kuss" punto culminante luego del cual retoma desde el comienzo la idea de su falta de paz.
Es esto un fantástica ilustración en música del texto o una metáfora de cada elemento?

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Schubert: Gretchen am spinnrade", op.2, D.118 - Te Kanawa

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Cargo mis reflexiones a partir de los textos: 

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Cargo mis reflexiones a partir de los textos: 

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Debo reconocer que la idea que da vueltas en mi mente a partir de los textos y de los encuentros es la posibilidad de la metáfora en música. Los conceptos que van definiendo el término (rodeándolo, tratando de atraparlo) giran en torno a la sustitución, la cual es posible a partir de la semejanza. Pienso que la mente perceptiva y luego creadora -tomando la idea de la metáfora como un ponente estímulo para la creación- debe establecer puntos de contacto que permitan "ver una cosa en otra". Siempre basada en códigos culturales compartidos. Si la metáfora "no ilustra, no representa ni traduce" sino que crea, entonces la música como lenguaje puro, que no se apoya en la mimesis de la naturaleza, no podría abrigar la posibilidad de la metáfora como recurso. Si, en cambio nos adscribimos a la corriente de la música descriptiva y programática, podremos comenzar la búsqueda de los recursos compositivos que sirven al propósito metafórico: herramientas constructivas de una pieza sonora que permitan la traslación de sentido.

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https://www.facebook.com/groups/iuna.artesvisuales/permalink/10156767281773351/
María Sol del Bao

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presentación en el recivalente 2018

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El debate lo abrió Duchamp y hoy sigue con Banksy. Pero hace 50 años fue Federico Manuel Peralta Ramos quien dejó perplejo al mundo al ganar la Beca Guggenheim y usar el dinero en una ya legendaria comilona. "La vida es una obra de arte", justificó

Se cumplen 50 años de la más memorable cena que tuvo el arte argentino: la que ofreció en 1968 el artista argentino Federico Manuel Peralta Ramos con el dinero que obtuvo por una Beca Guggenheim. "Leonardo pintó La última cena, yo la di", explicó el artista en una carta dirigida a la fundación. La unión arte y vida no estuvo nunca tan fuerte como en aquellos años 60 del pop y otros delirios, donde las obras se hacían para durar lo que un suspiro.

Entonces estaba Marta Minujín quemando colchones, o haciendo la monumental instalación La Menesunda, que una vez terminada su exhibición, se desarmó y se tiró completa a la basura. O David Lamelas, que hacía obras con luz en el piso, en tiempos en que Antonio Gades y Dalila Puzzovio cantaba la marcha de San Lorenzo trepados al monumento de la Plaza San Martín. Alberto Greco y sus señalamientos, los Vivo-Dito: con una tiza salía a la calle y firmaba personas, veredas, autos, policías o zapatos. Este desvío del arte tradicional del caballete o el pedestal ya había comenzado en 1920 con Duchamp y su famoso urinario, pero su influencia en el arte contemporáneo cobró impulso con los conceptualismos y otras expresiones de los 60.

Pero alguien podría preguntarse si la fiesta fue arte o no, y esa es una discusión para entendidos y no tanto que podría llevar horas. ¿Es pertinente hoy esa pregunta? Todo puede entenderse como arte. O nada, como señala el personaje de César Aira, el Enemigo del Arte Contemporáneo, que aparece retratado en su libro Sobre el arte contemporáneo: ese que vemos por ahí riéndose y diciendo que una instalación es "una tomadura de pelo". ¿Existe un límite para el arte?

La desmaterialización del objeto de arte es una tendencia mundial, ineludible, y ya tiene décadas. El arte efímero -donde de alguna manera podría catalogarse el gesto irreverente de Peralta Ramos- ha tomado hoy otros caminos, y del happening del Di Tella, espontáneo, irrepetible, imprevisible y sin registros, se ha pasado a la performance que tiene su propia bienal, la BP, y goza de buena salud entre las disciplinas de arte contemporáneo. A veces las acciones son guionadas, el espectador participa, se pueden repetir una y otra vez, y tienen fecha y hora. Pero no siempre es así, porque la única norma que rige al arte contemporáneo es su carencia total de normas y límites. Hay galerías que logran vender algo tan poco asequible como una acción.

Lo de Peralta Ramos fue completamente revolucionario para la escena del arte, porque justamente desvió fondos hacia fuera de un sistema siempre en carestía: su fiesta no ocurre en una galería y no tiene segundas intenciones conceptuales. Es una fiesta. Una real transgresión. Hoy, lo que ocurre es lo contrario: los artistas son expertos en rellenar papeles y completar formularios para que les otorguen fondos para crear. Este aire evanescente que puede ser el arte hoy se paga bien o mal a través de convocatorias de espacios o festivales, becas y residencias, donde se redactan intenciones, procedimientos, se explicitan intenciones y necesidades. La espontaneidad está muy bien pensada.

Del happening del Di Tella, espontáneo, irrepetible, imprevisible y sin registros, se ha pasado a la performance, que tiene su propia bienal

Peralta Ramos era un artista del humor. Y en eso se le parece quizá el primer Maurizio Cattelan y su exposición debut. Se trató de un cartel en la puerta de una galería de Bolonia, en 1989, que decía: "Vuelvo enseguida". Otra de sus primeras obras fue una sábana trenzada que usó para escapar cual princesa encantada de una exposición colectiva de la que debía participar. Pero después, su obra se ha tendido a materializar en esculturas o en obras participativas, como el cementerio para vivos Eternity, que se vio en Palermo en Art Basel Cities hace unas semanas. Un verdadero artista antisistema podría ser Bansky, grafitero que mantiene oculta su identidad, y que en la subasta de Sotheby's del 6 de octubre pasado, cuando se había vendido su pieza más famosa por un millón de libras, la obra comenzó a autodestruirse con una trituradora escondida en el marco.

También hay humor en la pieza que Lamelas acaba de inaugurar, Arquitectura nómade. Una hoja de papel que cubría toda la pared de una galería en Bruselas viajó bien plegada en su morral para desplegarse en la galería porteña Henrique Faría. En la inauguración, la pieza contó con la performance de un acróbata. "Los museos y las galerías gastan millones de dólares en trasladar obras. Esta fue una idea práctica, y conceptualizó mi idea de desmaterializar totalmente el arte, incluso de los costos del embalaje y el envío del arte. De todas formas, el interés es natural en mí: en mis primeros dibujos lo que más me interesaba era lo que dejaba en blanco. No hay límites para lo inmaterial, es eterno en el espacio y en el tiempo. La máxima expresión es la enunciación de una idea, que es lo que hago en esta muestra, que he hecho ya en otras partes del mundo. El arte no se hace en el estudio, se hace en la calle", dice hoy el artista.

Lamelas se inscribe en una larga tradición, con capítulos memorables, como la danza con lobos de Joseph Beuys, en 1974, cuando se encerró en la galería Rene Block con un coyote salvaje durante tres días. Logró pasar de la hostilidad a la cálida convivencia con el animal. Que el espacio donde ocurrió esto fuera una galería y Beuys un artista internacional -y su gesto tuviera más connotaciones políticas que un tratado sobre la Guerra Fría-, responde aquella pregunta: sí, es arte, y no un episodio del Encantador de perros. La caminata por la Muralla China que emprendieron en 1988 Marina Abramovic -la abuela de la performance, según se ha declarado a sí misma- y Ulay, uno desde cada extremo, para al encontrarse, abrazarse y terminar la relación que los había unido hasta entonces, sí, es arte, y una de las más románticas performances. Aunque para el final del recorrido, Ulay ya estuviera esperando un hijo con su traductora.

Narcisa Hirsch hizo por aquellos años la performance participativa Marabunta, cuyo film de casi ocho minutos, realizado en 16 milímetros, estuvo en exposición hasta hace poco en la galería Henrique Faría. Para el estreno de la película Blow-Up, de Michelangelo Antonioni, en 1967, Hirsch presentó en el cine Coliseo un esqueleto gigante cubierto de comida con palomas y cotorras vivas. La escena de la gente abalanzándose sobre las naranjas y panes resulta, más que festiva, escalofriante. "En aquel entonces yo venía de la pintura y entonces estaba el Instituto Di Tella, donde Romero Brest había decretado la muerte de la pintura. Yo estaba bastante influenciada por ese señor y además tenía ganas de salir a la calle, y entonces salimos a hacer happenings", recuerda Hirsch. Había preferido hacerlo en un museo -por el tema del contexto, claro-, pero entonces era joven y nadie le dio sala. Hoy la pieza de videoarte resultante es pionera en la disciplina en el arte argentino.

Límites, si los hay, desde aquellos años en la Argentina se vienen empujando, con cantidad de artistas que han cultivado el arte en sus formas menos tradicionales. Como Roberto Jacoby, que cada vez que se hace una retrospectiva de su obra, como ahora en el Macro de Rosario, es un esfuerzo de producción rastrear testimonios de su trabajo. El espíritu de fiesta se vio actualizado en Under de sí, que ya lleva varias puestas (BP.15, Arco 2017). Se trata de una performance de Diego Bianchi y Luis Garay que recreaba una fiesta muy trash, con luces, humo, música y extraños seres danzantes interpretados por 50 performers. El público puede bailar, encerrarse a fumar en una especie de pecera, o contemplar la rara fauna que no es otra que la de la ciudad, un poco llevada al paroxismo.

Otra aproximación a la fiesta de Peralta Ramos pueden ser hoy las comidas a puertas cerradas de Nicola Costantino, pero ahí sí hay objeto de arte: los platos que prepara la artista bien pueden entenderse como esculturas. Su último convite fue El banquete, en el CCK durante la semana Art Basel Cities, donde sirvió para el público internacional pimientos de piquillo rellenos de atún, casquitos con huevo de codorniz cocido a 60°C con aceite de tartufo y burbujitas con caviar, falso caviar, tapioca y vieira, además de sus ya célebres tortas pictóricas. Los invitados libaban sopa fría de flores de vidrio dispuestas en esculturas, y había performers y una instalación, pero la obra era sobre todo la comida, que la artista preparaba en vivo. "La más fecunda fuente de recursos que tuve fueron los animales que comemos, frente a un plato de comida, todos reunidos alrededor de un cadáver disfrazado de asado y transformado en motivo de celebración, cómo cambia nuestra sensibilidad cuando pensamos en la satisfacción de nuestro placer. La comida es algo que practicamos a diario y cómo lo hacemos es una gran convención. Creo que, si cambio radicalmente la forma en que comemos, puedo producir una experiencia inolvidable, sorprendente y desestructurante. Si logro eso, creo que llevo la comida a la categoría de obra de arte, y los sentidos del gusto y el olfato son los menos estimulados, por lo que no están insensibilizados por exceso de información como la vista y el oído -dice Costantino-. Me interesa en este momento el arte efímero porque abre nuevos espacios donde desarrollar la obra, no solo museos y galerías, y que la experiencia sea más importante que el objeto obra, que se puede coleccionar, atesorar, pasar a ser un bien. Darle más valor al disfrute de la experiencia y al recuerdo en la memoria es una alternativa muy contemporánea".

Nicola Costantino y su arte comestible, en el CCK Crédito: Laura Szenkierman

El arte, parece, se escapa de las manos. "El arte efímero es una de las prácticas que más trabaja con estéticas y teorías progresistas; justamente, porque habita y se nutre de los márgenes y de los límites de otras disciplinas", dice la artista argentina Mercedes Azpilicueta, que siempre se mueve en esa delgada línea. Uno de sus últimos trabajos consistió en intercambiar de vida con un profesor universitario holandés. "Me interesa investigar lugares de intersticio, donde los confines de prácticas se encuentran, se mezclan, se confunden. La performance es un campo de trabajo donde confluyen las artes visuales, la literatura, la danza, la música. Es una manera de romper con ciertas categorías, ensamblar e inventar nuevas maneras de hacer. Pero también me interesa el trabajo en vivo porque pone en escena la noción de cuerpo, la relevancia, y necesidad de revisitar esa categoría. Creo que lo performático, al contar con el cuerpo como elemento fundamental resignifica el lugar del espectador -lugar entendido desde su propio cuerpo-, y brinda un nuevo horizonte a la hora de entender el agenciamiento de la práctica artística", analiza la artista.

El intercambio con el profesor holandés, Jacco, continúa: "Fue un puntapié inicial para desarrollar un film, objetos de vidrio, diagramas y encuentros discursivos, que estamos produciendo a la par junto a la artista Celine Berger y a la filósofa Mieke Moor. Aquí, el elemento performático sirvió como el paso inicial para entrar en un ecosistema nuevo de preguntas, ideas, pensamientos, miedos, objetos que giran en torno a la pregunta de cuál es el agenciamiento y el valor del arte hoy".

Vender performances

Las galerías hacen espacio para estas formas experimentales, y también, las venden. Ruth Benzacar creó un ciclo especial para el arte más inclasificable: "En materia de performance art, arte vivo o arte de acción, desde 2015 creamos Situaciones breves. Acciones, poesía y ritual, un ciclo que amplía la definición y se convierte en un espacio de búsqueda donde los límites se tensionan y el cuerpo se vuelve centro", dice Gabriela Incola, encargada de Comunicación. Han participado artistas como Carlos Herrera, Florencia Rodríguez Giles, Mauro Giaconi, Marina De Caro y Sofía Durrieu, cruzando arte con astrología, danza, ópera. lo que sea.

El origen de todo: La Fuente, la obra atribuida a Duchamp Fuente: AP

Dos hombres ruedan o se arrastran por el suelo, una mujer realiza pequeños movimientos imperceptibles. Llevan trajes o máscaras, y participan de la performance de Rodríguez Giles Hiperestesia, que la galería Benzacar vendió en 2016 a una colección privada, como un protocolo guionado, junto con los elementos necesarios para poder volver a ponerla en acto. Había sido realizada en MUNTREF en 2015, cuando mereció el Premio Braque.

En la galería Nora Fisch, en la muestra Cuerpos inestables, hay una serie de performances para un público de un solo participante, a cargo del colectivo de artistas Rosa Chancho -Osías Yanov, Javier Villa, Mumi y Julieta García Vázquez-, que está ofreciendo la obra Masaje a 10 manos: un masaje dado por cinco personas de manera simultánea, durante la cual se cambia la iluminación y el clima de la sala de exhibición. "No hay límites para el arte contemporáneo, eso es lo increíble de esta práctica, todo puede ser material e información para la obra -dicen los integrantes del colectivo-. Desde los años sesenta, el arte se ha vuelto la disciplina más imperialista de la cultura: ha tomado de la ciencia, la literatura, la danza, el teatro, la ecología, las leyes o la historia. Al no tener límites (más allá del delito) no haría falta continuar estirándolos, o pensando en ellos. Lo más interesante es cuando logra estirar los límites de la disciplina con la que dialoga; cuando logra hacer algo que desde el Derecho o desde la Ciencia no hubiera sido posible hacer por los protocolos propios de cada práctica. Toda información material, inmaterial, emocional, producida por la especie humana y la naturaleza puede ser utilizada para producir una obra. El arte toma estas informaciones con creatividad para poner un pensamiento en movimiento, señalar algo, provocar emociones, cambiar circunstancias. Pero no todo es arte. Una sesión de masajes no es arte, se transforma en arte cuando lo hacen cinco artistas en un contexto de discusión y producción específico, con una intención que va más allá del masaje mismo".

La reproducción de Niña con globo, del street art británico Bansky, se autodestruyó apenas fue vendida en Sothebys, el 6 de octubre último

Nora Fisch también abrió un nuevo espacio, Presente. "La performance, las acciones y la instalación de sitio específico, así como el video, son ya prácticas habituales dentro del arte contemporáneo, desde hace décadas. Las vanguardias de principios de siglo XX incursionaron en cine y teatro y en acciones, sin llamarlo efímero ni performance. Y desde los 60 en adelante ya fue una modalidad que se presenta en museos y galerías. La realidad es que también se colecciona (aunque poco). Nosotros hemos vendido performances de Osías Yanov a más de una colección privada y a museos internacionales", cuenta la galerista. Se trata de una coreografía para hombres de extraño traje y una escultura, y para su venta se hizo un paquete que incluyó el objeto u escultura a ser activado o utilizado en la performance; el derecho a hacer y mostrar la performance; instrucciones detalladas para esta; el traje diseñado por el artista; video de registro de la performance que se puede mostrar junto al objeto cuando la obra está desactivada, y a veces fotos de registro también. "Malba compró la performance VI Sesión en el Parlamento que Osías presentó allí en 2015", cuenta Fisch.

"La verdad es que no se me ocurre nadie hoy que pudiera llevar adelante un gesto tan radical como el que hizo Federico. Son otros tiempos.", piensa el curador e historiador Rodrigo Alonso. "El arte efímero tiene una presencia destacada en el arte contemporáneo, sobre todo en los creadores más jóvenes, teniendo en cuenta, por un lado, que es un terreno de experimentación con muchas posibilidades, y por otro, que las instituciones e incluso el mercado ya han incorporado a las obras efímeras como parte de la producción estética habitual. La desmaterialización se da de numerosas maneras. No solo a través de las performances, las intervenciones urbanas o el arte participativo, sino también, y particularmente en los últimos años, a través de las obras tecnológicas que ponen el énfasis en la producción de experiencias más que en la producción de objetos", explica.

Las formas más invendibles del arte se hacen lugar en museos, galerías y también en espacios creados especialmente con ese fin, como Móvil e Imán, salas de exhibición sin fines de lucro. Por Móvil han pasado todo tipo de acciones, como la estructura de andamios Oblicuo, de Sebastián Roque: "Una instalación en nuestra sala, inspirada en la arquitectura que se realiza para sostener la arquitectura, que permitió el acceso a espacios aún inhabitados de nuestra sala, y experiencias inusuales en relación a la arquitectura". Actualmente presentan La pequeña vida, un documental del artista visual Leo Estol, a quien invitaron a zambullirse en la vida de escritores, que se proyecta junto con una feria de editoriales.

Imán acaba de abrir sus puertas con igual espíritu interdisciplinario: "Nuestro objetivo, tanto en los programas de formación de la Fundación Cazadores como en la sala Imán, recién inaugurada, es que las disciplinas se crucen", dice Viviana Romay, una de las directoras. En su inauguración, semanas atrás, la bailarina Inés Armas intervino la instalación de papel calado de Manuel Ameztoy, y el resultado fue Apnea, que incluyó una pieza que el público debía romper para ingresar, y La caída, performance de Armas sobre un andamio tapizado de laminas de papel de seda. Durante otra pieza que incluyó música en vivo, llovió sobre el público papel calado. El cruce va más allá con el inminente Programa Impulso Proyecto Audaz (PIPA): "En breve estaremos convocando a proyectos de arte, ciencia o tecnología en proceso que necesiten una instancia de tutoría y un espacio de exhibición. No podemos prever cuáles serán las búsquedas. Tal vez aparezcan objetos pero, ¿quién podría asegurarlo?".

Maricel Alvarez, artista, actriz y performer, curadora de la Bienal de Perfomance, echa luz sobre esta disciplina: "El florecimiento de la performance se manifiesta a mediados de los 60 a partir del declive del modernismo y del expresionismo abstracto. Con la búsqueda de la desmaterialización del objeto artístico, los artistas hicieron foco en el cuerpo. En el uso del cuerpo como dispositivo crítico, político y poético. Como medio excluyente y fin. Es a partir de la producción de piezas icónicas como Shoot , de Chris Burden, Seedbed, de Vito Acconci, Rythm 0, de Abramovic o Coyote, de Beuys, en la década del 70, que se puede pensar en el auge de esta práctica que, naturalmente, reflejaba también la ebullición política de la época: el auge del feminismo, de las manifestaciones antibelicistas, del activismo personal y político (mayormente, de minorías sexuales, raciales y de género). Los tópicos y las preocupaciones hoy pueden ser otros, así como las coyunturas políticas y sociales. Pero los artistas de performance dialogan con el signo de sus tiempos lo mismo hoy como entonces. La mayor diferencia reside en que hoy el cuerpo es un dispositivo más, en relación con toda una constelación de medios con la que ese cuerpo forma un sistema. Se han incorporado a la práctica de la performance herramientas tecnológicas, así como también se han traficado recursos propios de otros lenguajes o disciplinas. A su vez, la performance ha penetrado en otros campos y hoy es habitual (en ciclos de cine o literatura expandida, por ejemplo) ver obra con fuerte raigambre performática. De modo que hoy la performance no se inscribe de manera excluyente dentro del campo de las artes visuales, si no que ha expandido su territorio de influencia y acción".

Alvarez piensa un ejemplo y le viene a la mente Tino Seghal, bastante radical en cuanto a las condiciones de exhibición y de difusión que establece para su obra (a la que categóricamente se niega a definir como performance). Se define como artista relacional y produce "situaciones construidas", normalmente coreografías, que irrumpen sorpresivamente en el museo o galería para que el espectador pueda fundirse con ellas. Y algo más: "Seghal no permite que su obra sea documentada. Una vez hecha, la obra ya no existe más".

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¿Todo es arte? - Lifestyle, LA NACION revista, Arte y Cultura - LA NACION

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En un cajón hay un puñal. Fue forjado en Toledo, a fines del siglo pasado; Luis Melián Lafinur se lo dio a mi padre, que lo trajo del Uruguay; Evaristo Carriego lo tuvo alguna vez en la mano.

Quienes lo ven tienen que jugar un rato con él; se advierte que hace mucho que lo buscaban; la mano se apresura a apretar la empuñadura que la espera; la hoja obediente y poderosa juega con precisión en la vaina.

Otra cosa quiere el puñal. Es más que una estructura hecha de metales; los hombres lo pensaron y lo formaron para un fin muy preciso; es, de algún modo eterno, el puñal que anoche mató un hombre en Tacuarembó y los puñales que mataron a César. Quiere matar, quiere derramar brusca sangre.

En un cajón del escritorio, entre borradores y cartas, interminablemente sueña el puñal con su sencillo sueño de tigre, y la mano se anima cuando lo rige porque el metal se anima, el metal que presiente en cada contacto al homicida para quien lo crearon los hombres.

A veces me da lástima. Tanta dureza, tanta fe, tan apacible o inocente soberbia, y los años pasan, inútiles.

FIN

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Obra como testigo del tiempo, unas veces para describir un paisaje y las más como metáfora de las emociones humanas.

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El arte de imaginar, que como un prado se puede sembrar desde la infancia abre la puerta  a comprender y poder recurrir a una palabra, sonido o imagen para que transporte sus otros significados o sentidos. Entonces abrir esa puerta hace infinito ese prado, y lo vuelve fertil.

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Comparto la ópera Les Boréades (Los descendientes de Boreas o Los Boréadas), de Rameau. En la obra, Boreas es el dios del Viento del Norte. Se puede apreciar una maravillosa puesta en escena (tanto en lo musical, como en lo teatral, lo visual)  de la furia del viento. Dura unos 5 minutos, a partir del minuto: 1h 34´ hasta 1h 41´ aproximadamente. También a partir del minuto 27 hay una escena hermosa.
María Susana Bettendorff

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Rameau: Les Boréades - Christie, Les Arts Florissants

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Cantan las hojas,

bailan las peras en el peral;

gira la rosa,

rosa del viento, no del rosal.

Nubes y nubes

flotan dormidas, algas del aire;

todo el espacio

gira con ellas, fuerza de nadie.

Todo es espacio;

vibra la vara de la amapola

y una desnuda

vuela en el viento lomo de ola.

Nada soy yo,

cuerpo que flota, luz, oleaje;

todo es del viento

y el viento es aire siempre de viaje.

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Remolinos de pinceladas que le dan cuerpo al viento. Imposible no sentir su presencia. En las líneas coloreadas nace el viento y mueve el tiempo de ese instante que parecía detenido.

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Vincent Van Gogh - Notte stellata (1889) - senza bordo

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El viento es un caballo:

óyelo cómo corre
por el mar, por el cielo.

Quiere llevarme: escucha
cómo recorre el mundo
para llevarme lejos.

Escóndeme en tus brazos
por esta noche sola,
mientras la lluvia rompe
contra el mar y la tierra
su boca innumerable.

Escucha como el viento
me llama galopando
para llevarme lejos.

Con tu frente en mi frente,
con tu boca en mi boca,
atados nuestros cuerpos
al amor que nos quema,
deja que el viento pase
sin que pueda llevarme.

Deja que el viento corra
coronado de espuma,
que me llame y me busque
galopando en la sombra,
mientras yo, sumergido
bajo tus grandes ojos,
por esta noche sola
descansaré, amor mío.

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Jaime Alazraki, cita a Julio Cortázar (en Para una poética. La Torre -Puerto Rico, Año II, Nº 7 julio-septiembre 1954 :127) tanto en el Prólogo a Rayuela, de Cortázar, Biblioteca Ayacucho, 1980, como en Obra crìtica/2, Alfaguara, Madrid, 1997:

“el poeta, cuando dice el ciervo es un viento oscuro (estrofa de un poema de Ezra Pound), sabe perfectamente que su certidumbre poética vale en cuanto a poesía y no en la técnica de la vida, donde ciervos son ciervos; es así que cede a la irrupción momentánea de tales certidumbres, sin que ello interfiera fácticamente en sus nociones científicas del ciervo y el viento… Al eliminar el «como» (puentecito de condescendencia, metáfora para la inteligencia), los poetas no perpetran audacia alguna; expresan simplemente el sentimiento de un salto en el ser, una irrupción en otro ser, en otra forma del ser: una participación. Pues lo que el poeta alcanza a expresar con las imágenes es trasposición poética de su angustia personal de enajenamiento. Y con nuestra primera pregunta: ¿Por qué es la imagen instrumento poético por excelencia?, enlaza ahora una segunda de mayor importancia: ¿Por qué ansía el poeta ser en otra cosa, ser otra cosa? El ciervo es un viento oscuro; el poeta, en su ansiedad, parece ese ciervo salido de sí mismo (y con todo siempre ciervo) que asume la esencia del oscuro viento. Paradójicamente podríamos emplear a nuestro turno la analogía y sostener que también el poeta (hacedor de intercambios ontológicos) debe cumplir la forma mágica del principio de identidad y ser otra cosa"

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"Singing ringing Tree", El Arbol que canta y entona.

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"Singing ringing Tree", El Arbol que canta y entona.

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Esta obra es una escultura sonora donde el viento se transforma en melodías, a través de sus barras de acero galvanizado los vientos fuertes y cambiantes hacen que este árbol se exprese por medio de distintos cantos.
Intervención diseñada por Mike Tonkin y Anna Liu, es una estructura de tres metros de alto que aprovecha los vientos del oeste para emitir curiosas melodías solo audibles en las distancias cortas.
"La metáfora es poder ver una cosa en otra",, es una forma llamativa de decir algo, es producir infinitos o casi infinitos disparadores en la imaginación.

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... destaco las siguientes caracterizaciones de la metáfora y lo metafórico:

Es propio de la metáfora permitirnos ver una cosa en otra, “hablar por boca de otros cuerpos y de otras almas” (Nietzche). “Todas las metáforas son la unión de dos cosas distintas”, afirma Borges.

Partiendo de la Poética de Aristóteles, Oliveras reformula la definición de metáfora como una forma de percepción o de captación imaginaria que encuentra su fundamento en la semejanza, es decir en un “ver como”. Y eso es porque la metáfora como término modificador, transporta su significado al término/objeto con el que establece una relación de comparación.

Hablando sobre lo metafórico, Borges hace referencia a Emerson, quien afirmaba que los razonamientos no convencen a nadie cuando se plantean como tales, pero que solamente al decirlos o sugerirlos, nuestra imaginación los acepta, por lo que lo sugerido es mucho más efectivo que lo explícito. La metáfora estimula la imaginación: no ilustra, no representa ni traduce un contenido preexistente, por el contrario, lo crea.

María Susana Bettendorff

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Comparto la Suite des vents de la ópera Les Boréades de Rameau, interpretada por una orquesta de cámara. Hay varias interpretaciones (versiones), incluidas algunas en la que utilizan una máquina de viento.

María Susana Bettendorff

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The Tempest - Ambronay (3) | J.P Rameau Suite des vents (Les Boréades)

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Me propuse encontrar desde dos lenguajes artísticos, que no son el mío,  algunos ejemplos donde percibiera o captara la metáfora del viento.
En la primera, que es la pintura de Monet porque ya me parece una metáfora en sí misma el afán del impresionismo por captar la instantaneidad. Y en la escena de Pina Bausch porque me despierta distintas sensaciones y además la necesidad al verlo de abrir mi boca y dejar que una bocanda de aire entre a mis pulmones.

Silvina Yerone.

Aquí van los links:http://www.musee-orsay.fr/es/colecciones/obras-comentadas/busqueda/commentaire_id/effet-de-vent-serie-des-peupliers-7111.html?no_cache=1

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Uploaded by filip taleski on 2013-11-20.

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Esculturas movidas por el viento, de Theo Jansen

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Esculturas movidas por el viento, de Theo Jansen

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Comparto el link de un video de obras de Theo Jansen, cuyas producciones semejan criaturas fantásticas a las que el viento da vida.
María Susana Bettendorff

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Esculturas impulsadas por el viento aergia energetica

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Producciones colectivas 1 encuentro

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La met__fora en el arte. Elena Oliveras. 2017-08-16 (1)